Пропорции лица. Схема для начинающих В помощь начинающим я хочу предложить...

​​Российский художник выпустил линейку «невидимой» одежды. Коллекция как переосмысление изоляции. Андрей Артюхин, российский мультидисциплинарный художник и дизайнер, выпустил коллекцию одежды invisible.2.0.2.0, сочетающую в себе новые технологии и самые актуальные смыслы. «История вдохновлена городом и временем, «невидимыми людьми», кто растворился в окружающей среде, у кого нет лица, только фон. Изоляция — это не только люди в масках, но и ребята, которые доставляют еду, они заполнили города. Но мы их не замечаем», — прокомментировал автор. Коллекция играет со смыслами. Униформа — это всегда брендинг. Но очень часто форма делает людей лишь фоном нашей жизни, частью городской среды. Коллекция создана с использованием материалов RFID, блокирующей сигналы: полупрозрачная экранирующая ткань полностью блокирует GSM, 3G, LTE, Wi-Fi, Bluetooth сигналы мобильных телефонов. Материалы расположены в манжетах, рукавах, карманах — они защищают и делают невидимыми ваши смартфоны, ноутбуки, гаджеты, электронные часы, фитнес-трекеры. В этой одежде вы буквально невидимы. Подробнее https://telegra.ph/file/d81a70500d1479d7eaf50.jpg

​​️Объявлен шорт-лист IX Ежегодной премии The Art Newspaper Russia. Лауреаты будут названы на торжественной церемонии весной 2021 года в Москве в Гостином Дворе.   ️С 27 января в Третьяковской галерее на Крымском валу для публики открыта выставка «Лаборатория Будущего. Кинетическое искусство в России».   Экспозиция показывает широкую панораму развития кинетизма в России в 60–70-х годах, прослеживая его связь с авангардистскими экспериментами начала века и художественными практиками современности. ️В галерее Lazy Mike в Малом Кисельном переулке в Москве пройдет выставка «Курортный роман» Романа Манихина.   ️C 27 по 31 января BRAFA Art Fair пройдет в формате BRAFA in the Galleries.   Постоянные участники ярмарки в разных странах станут амбассадорами BRAFA на местах, то есть проведут пятидневные выставки, которые будут включать отобранные для брюссельской ярмарки работы. «Хикимаю» — традиция выщипывать брови и затемнять лоб чернилами среди японских аристократок известна с 8 века. Она просуществовала 11 веков до «золотой реставрации Мэйдзи», когда правительство рекомендовало срезать косички и не носить традиционные прически: курс на запад в самом расцвете культуры. Так что, трендовая техника «скульптурирования» не так уж и нова. Моя знакомая живет в Японии и говорит, что до сих пор, если ты приходишь в салон красоты, то первое, за что возьмётся стилист, посадив тебя в кресло — брови! Японцы считают, что именно с помощью бровей можно добиться любого выражения лица.   Французская галерея Yann Ferrandin представляет японскую маску театра Но периода Эдо,18-19 век. Фото: Hughes Dubois https://telegra.ph/file/4a786945534f2132d19f9.jpg

Рисуем малышку панду с детками Вот несколько приемов, чтобы наш персонаж был чрезвычайно милым: 1. Мордочка занимает половину всего роста 2. Линия глаз не по центру «лица», а чуть ниже 3. Не оставляем руки пустыми, добавляем шарики. практика

Tim Eitel — современный немецкий художник, представитель Новой Лейпцигской школы. Говорит, что "живопись всегда искусственная и постановочная". Художник извлекает параллельный мир из ежедневного потока образов. Его картины мрачны, так как мы не можем разглядеть обезличенные лица, а фон, в основном, приглушенный и монохромный.

Феликс Варламишвили Наиболее часты в творчестве Варламишвили бытовые зарисовки: сбор урожая, приготовление вина, ловля рыбы, заготовка дров. Казалось бы – что проще и что в этом удивительного? Удивительно то, что, повторяясь, художник умудряется не повторяться, ведь он создаёт в первую очередь настроение и ощущение вознаграждаемого труда, приятной усталости и взаимовыручки. Это и близко не похоже на картины уходящей эпохи передвижников – на полотнах люди не выглядят ни бедными, ни богатыми; ни счастливыми, ни несчастными – они умиротворены в делах своих. Хотя спины согнуты под грузом урожая, на лицах их блуждает выражение спокойной задумчивости. Перебравшись в 1928 году в Париж, художник использовал национальные мотивы для создание самобытного стиля, что принесло свои плоды – его картины выставлялись во Франции, Японии, США, Бельгии, Испании и даже в «экзотическом» Иране.

"Портрет Эдварда Мунка" Аксели Галлен-Каллела, 1895 > Хельсинки, Атенеум Аксели Галлен-Каллела – финский художник шведского происхождения. В декабре 1894 переехал в Берлин, чтобы участвовать в выставке вместе с норвежцем Эдвардом Мунком. Именно тогда финский художник познакомился с символизмом, творческим течением, в котором он нашел свою струю. Перед зрителем – достаточно классический по палитре портрет. Он выдержан в теплых тонах коричневого, с небольшим белым акцентом и новаторским зеленым отблеском на галстуке модели. Однако жанрово это, скорее, этюд, зарисовка. Лица почти не видно, никак не выявлены выражение и взгляд. Мунк погружен в раздумье, он не обращает внимания на происходящее вокруг.

"Арлекин и Пьеро" 1924 г. Андре Дерен Музей Оранжери, Париж. В этой знаменитой картине сразу и безошибочно узнается рука Андре Дерена, каким он оставался все годы после Первой мировой войны. Здесь все как бы застывшее, замершее. Пустынный пейзаж «с заваленным горизонтом», вписанный в ровный квадрат, черств. Ни капли жизни ему не прибавляют ни широкий клин светлого облака под кобальтовым небом, ни скупой пучок темных кактусов слева внизу, ни симметричный кактусам натюрморт с кувшином и скрипкой. Почти все поле холста занимают фигуры двух комедиантов. Кто только ни рисовал в начале ХХ века эту знаменитую сценическую пару из традиционной комедии дель арте – вечно голодного оборванца, ловкача и грубияна Арлекина в костюме из сплошных заплаток и безнадежно влюбленного в девицу Коломбину простака Пьеро, к напастям которого добавляются бедность, юность и тонкая душевная организация. Этих персонажей писали и Сезанн, и Синьяк, и Пикассо. У Дерена к тому же есть одинокие Арлекины с гитарой, а еще раньше – в «фовистическом» 1906 году, когда художник делал много акварельных работ, он нарисовал одними только цветными линиями на белом фоне семь поразительно пластичных фигур веселящихся людей: крайние справа – Арлекин и Пьеро. Поза, в которой Дерен тогда «застиг» танцующего Пьеро, в точности повторена на полотне 1924 года. Оба персонажа одинаково повернули головы. Разница их характеров нивелирована, и даже лица – остро-лисье, как и положено, у Арлекина и по-детски округлое у Пьеро – выражают одинаковое скорбное бесчувствие. Оба смотрят в никуда. Символично, что пара танцует на песке, который поглощает любую энергию живого движения и гасит все звуки. Более того, в руках у артистов бутафорские инструменты без струн. Они безмолвны. Физиономические черты персонажей, костюмы с головными уборами, бутафория – внешние атрибуты комедии соблюдены, но внутри артистов царит опустошение, и все их традиционные шутки, трюки и сюжеты в предлагаемых безжизненных обстоятельствах абсурдны. Меланхолию не перебороть даже комедиантам. Но они усердно делают свое дело. Эта метафора применима и к художникам. Дерен написал «Арлекина и Пьеро» в пору теснейших контактов с театральным искусством, которое оказало на его творчество прямое влияние. Он разработал дизайн сцены и костюмов для балета Дягилевских сезонов «Фантастическая лавка» (1919; аналогичную работу для других спектаклей Дягилев тогда же предложил Матиссу и Пикассо), для «Jack in the Box» Эрика Сати (1926), и в последующие годы не раз сотрудничал с различными театрами Франции, а также с лондонскими. АндреДерен Неоклассицизм _history

​«Юдифь» ок. 1504г. Джорджоне Одно из самых известных произведений Джорджоне изображает прекрасную библейскую героиню, которая спасла свой город и народ, соблазнив, а потом и обезглавив спящего Олоферна, вождя вражеской армии. Джорджоне показал не сам подвиг, а момент, когда Юдифь осталась одна с головой поверженного врага, которую она попирает ногой. По лицу Юдифи скользит неуловимая полуулыбка. В ее образе чувствуются и гордость победительницы, и грусть, вызванная совершенным поступком. Фигура девушки и ее поза подчеркнуто женственны, но правая рука твердо сжимает меч. Исследователи предполагают, что Джорджоне придал Олоферну собственные черты лица. Возможно, это и объясняет тот факт, что вопреки сложившейся традиции голова Олоферна не выглядит чудовищной и мерзкой, наоборот, лицо побежденного воина красиво. http://chnly.pro/file/d022f0a0a7ef4647bd280f5f39e8e445

Видеоэкскурсия по Лиссабону. Португалия. Часть 2 https://youtu.be/jQbNLUsIWnQ В Лиссабоне на каждом шагу можно встретить напоминания об имперском прошлом города: величественные соборы, нарядные дворцы, помпезные памятники королям и маркизам. Город стоит на семи холмах, крутых и расположенных близко друг к другу, так что стоит запастись удобной обувью. Но главное, ради чего стоит сюда приехать, — это долгие пешие прогулки по лиссабонским улицам. https://youtu.be/jQbNLUsIWnQ

​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок, сделанный в последние годы жизни Винсента Ван Гога, установил рекорд для работ художника на бумаге. На аукционе Christie’s он был продан за 10,4 миллиона долларов, хотя предварительная оценка составляла 7−10 миллионов. Портрет под названием «Мусме» был сделан по мотивам картины «Молодая японка», на которую голландского постимпрессиониста вдохновил популярный тогда роман Пьера Лоти «Мадам Хризантема». Редкое изображение анонимной молодой натурщицы входило в семейную коллекцию лондонского дилера Томаса Гибсона. Это последняя из двенадцати работ, которые Ван Гог подарил австралийскому художнику Джону Расселу, до сих пор остающаяся в частных руках. Другие произведения из этой группы, включая девять пейзажей и два портрета, хранятся в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, Художественном музее Филадельфии, Художественном музее Сент-Луиса, Национальной галерее искусств в Вашингтоне и в Музее Гетти в Лос-Анджелесе. Ван Гог сделал этот рисунок вскоре после того, как закончил картину с изображением этой же натурщицы. Полотно ныне входит в коллекцию Национальной галереи искусств в Вашингтоне. Художник черпал вдохновение из романа Пьера Лоти «Мадам Хризантема», изданного в 1887 году. Это автобиографическая история морского офицера, который во время пребывания в Японии взял себе жену из местных. Ван Гога вдохновил образ мусме — так Лоти называл молодую незамужнюю японку. «Мусме — это японская девушка, в данном случае провансальская, в возрасте от 12 до 14 лет», — писал Винсент своему брату Тео из Арля, где тогда жил. Рисунок не копирует и не повторяет напрямую оригинальную картину. Здесь Ван Гог изобразил свою музу погрудно, что позволило ему передать непостижимое выражение и юношескую красоту её загадочного лица. Он увеличил губы и глаза девушки, словно очарованный их спокойствием и торжественностью, придающими ей неповторимый вид. Тёмные ресницы, например, прорисованы тончайшими нежно-чёрными линиями, а контрастные экспериментальные цвета портрета маслом заменены множеством различных линий и точек. Это разнообразие штрихов дало художнику столь же убедительную палитру, что и пигмент. Отправляя рисунки Бернару и Гогену, Ван Гог хотел лишь визуализировать то, над чем работал. Однако презент Джону Расселу имел совсем иную цель. Винсент надеялся, что его дар из двенадцати работ подтолкнёт австралийца к покупке одной из картин Гогена — и тот получит средства на поездку в Арль, где Ван Гог так жаждал организовать коммуну художников. Рассел анонимно продал «Мусме» на аукционе в Париже в 1920 году. Восемь лет спустя портрет приобрёл немецкий банкир Курт Хиршланд в подарок своей жене Генриетте. Будучи евреями, они в 1936 году были вынуждены бежать из родного Эссена в Амстердам. Однако незадолго до вторжения нацистов на Нидерланды двинулись дальше — в Канаду. Художественную коллекцию пара оставила на хранение родственникам, но когда те оказались в опасности, то передали собрание соседу. В конце концов, в 1943 году «Мусме» оказалась в музее Стеделейк. Семья Хиршланд получила рисунок обратно в 1956 году, а в 1983-м их наследники продали его Томасу Гибсону. Впоследствии работа выставлялась в Королевской академии художеств в Лондоне, галерее Тейт и Метрополитен-музее в Нью-Йорке. До продажи «Мусме» самым дорогим рисунком Ван Гога был пейзаж, проданный почти два десятилетия назад. Рекорд принадлежал акварели «Сбор урожая в Провансе» (1888), купленной на Sotheby’s в 2003 году за 10,3 миллиона долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7a0da8acefaffd1ba53e9.jpg

"Венера перед зеркалом" 1651 г. Диего Веласкес Лондонская Национальная галерея. «Венера перед зеркалом» занимает в творчестве Веласкеса совершенно особое место: это единственная его картина с явно эротическим подтекстом. Никогда – ни до, ни после – Веласкес подобного рода работ не писал. Обнажённая натура изредка появлялась в его картинах на мифологическую тему, до которой, впрочем, он был не большим охотником. Церковь и Священная Инквизиция относились к жанру ню неодобрительно (кстати, тесть Веласкеса Франсиско Пачеко занимал в этом влиятельном учреждении должность цензора живописи). Если и были у Веласкеса картины, воспевавшие красоту линий женского тела, то ни одна не дожила до наших дней. Кроме «Венеры перед зеркалом». На ложе, покрытом черными и белыми шелковыми простынями, спиной к зрителю лежит пленительнейшая женщина с тёмными волосами, стянутыми на затылке в простой греческий узел. Она подпирает голову правой рукой и смотрится в зеркало в черной деревянной раме, которое держит крылатый амур. Известно, что ранее и сама картина была вставлена в чёрную раму – это создавало интригующий эффект удвоения. Особенный интерес, разумеется, вызывает личность модели, с которой художник мог писать «Венеру перед зеркалом». Но Веласкес предусмотрительно делает отражение лица героини едва намеченным, загадочно размытым. По-видимому, он хотел, чтобы никто не раскрыл её инкогнито. Лишь в 1983-м году достоянием широкой публики стал документ, согласно которому во время пребывания Веласкеса в Италии (примерно 1649-1651) у него была внебрачная связь, от которой родится сын Антонио. Мальчик появился на свет, когда Веласкес уже покинет Италию навсегда и вернётся в Испанию, а его матерью, предположительно, была итальянская художница Фламиния Трива (Flaminia Triva). Многие считают, что именно её красоту Веласкес воспел в картине «Венера с зеркалом». Слава у картины сложилась нехорошая. За ней тянулся длинный и тёмный шлейф слухов. Она много раз переходила из рук в руки. Рассказывали, что одним из первых владельцев картины Веласкеса стал некий мадридский купец. Как только он приобрёл «Венеру», коммерческая удача оставила его: товары, переправляемые морем, частично затонули, частично были расхищены пиратами. Чтобы компенсировать убытки, владелец перепродал картину другому торговцу, но и ему она не принесла счастья. Вскоре все его торговые помещения выгорели дотла от удара молнии. Очередным обладателем «Венеры» стал ростовщик. Говорили, что не минуло и трёх дней после приобретения картины, как с ним случилось непоправимое: его сначала ограбили, а потом прирезали разбойники. Конечно, история это давняя – всё-таки середина XVII века! – и уже не подлежит научной верификации, зато о дальнейших приключениях «Венеры с зеркалом» мы знаем более точно. В конце XVIII века она попала к герцогине Каэтане Альбе – той, которая сама стала моделью для картин Гойи «Обнажённая Маха». Вместе с ними обеими картина Веласкеса висела в будуаре герцогини до самой её смерти. Потом «Венеру» купил Мануэль Годой – испанский премьер-министр и фаворит королевы Марии-Луизы. В 1906-м картину приобрела Лондонская национальная галерея. Казалось бы – вот она, тихая гавань, которую «Венера» обрела после длительных странствий. Но и здесь покой ей только снился. 10 марта 1914-го года суфражистка Мэри Ричардсон, боровшаяся за избирательные права женщин путём швыряния камней в стёкла британского парламента, придумала новую акцию. Она сумела пронести в галерею мясной нож и яростно вспорола нежную плоть Венеры. Мэри отсидит несколько лет в тюрьме и напишет о своём акте вандализма книгу, а «Венеру» Веласкеса удастся благополучно реставрировать. В Лондонской национальной галерее она находится и сейчас. ДиегоВеласкес Барокко _history

"Бульвар Монмартр. Весеннее утро" 1897 г. Камиль Писсарро Частная коллекция. В 1890-х к Камилю Писсарро приходит долгожданное признание, его картины продаются за десятки тысяч франков. Стареющий и теряющий зрение художник наконец-то может позволить себе путешествовать, наслаждаться безбедной жизнью и снимать гостиничный номер прямо в Париже когда ему будет угодно. Писсарро пишет бульвар Монмартр днем, вечером, ночью, утром, в дождь, зимой, весной, летом – из гостиничного номера с тремя окнами. Потом те же эксперименты проводит с другими бульварами и городскими пейзажами: Авеню де ла Опера, бульвар Итальен, Лувр, улица Сент-Оноре и улица Сен-Лазар. Одних изображений Лувра при разной погоде в течение 1900 – 1901 года у Писсарро целых 18. Шумные, светлые городские площади и бульвары у него живут и дышат, ежесекундно меняясь, как лицо человека. Но именно «Бульвар Монмартр. Весеннее утро» на аукционе Sotheby's в 2014 году был продан за рекордную для Писсарро сумму – 32 млн. долларов. ХХ век нелегко дался этой картине и она обросла историей, которая дорогого стоит. До Второй мировой войны картина была частью огромной частной коллекции импрессионистов, которую собрал немецкий еврей, промышленник Макс Зильберберг. В конце 30-х дом коллекционера захватили солдаты СС, а его собрание картин, в том числе и «Бульвар Монмартр. Весеннее утро», ушло с молотка. Зильберберг вместе с женой погибли в концентрационном лагере, а полотно после некоторых путешествий оказалось в музее Израиля в Иерусалиме. Несколько лет оно оставалось в собственности музея, пока в 2000 году не состоялось справедливое возвращение полотна наследникам Зильберберга. Новый владелец не менее справедливо, в знак признательности музею за образцовое сохранение картины, позволил оставить ее в экспозиции до самой своей смерти. В 2013 году владелец «Бульвара Монмартр» умер – и на торги Sotheby's попало одно из самых важных полотен импрессионизма. КамильПиссарро Импрессионизм _history

«Христос омывает ноги своим ученикам» 1575-1580гг. Якопо Тинторетто Вытянутое по горизонтали полотно на классическую библейскую тематику представляет собой сложную композицию с подчеркнутой перспективой, которая передана при помощи геометрического узора напольной плитки. На полотне изображено много фигур в различных сложных позах и ракурсах. Они находятся в просторном темном помещении, в верхней горнице, в которой по библейскому рассказу и проходила тайная вечеря. Боковые фигуры буквально тонут в тени, все они изображены темными, приглушенными красками, а лица персонажей освещены теплым золотистым светом огня из очага. Такая цветовая гамма отлично подчеркивает красное с белым одеяние Иисуса Христа. Важность его персонажа заявлена не только особым цветом его одежды, но и центральным расположением. Он стоит на коленях посреди комнаты, перед ним сидит один из его учеников. На полу стоит лохань с водой, в которой богочеловек омывает ноги апостолам. Вокруг головы Христа разливается яркое золотое сияние.

​​Франция вернёт свою единственную картину Климта наследникам жертв нацизма Франция вернёт единственную картину Густава Климта из своей национальной коллекции наследникам Норы Стясны. Эта женщина еврейского происхождения вынуждена была продать полотно, когда нацисты аннексировали её родную Австрию. Министр культуры Франции Розлин Башло сказала, что с этим шедевром стране расстаться сложно, но необходимо. «Это завершение акта правосудия», — заявила она на пресс-конференции в Париже. «Розы под деревьями» в настоящее время находятся в Музее Орсе. Этот пейзаж не входил в специальный список награбленных произведений искусства, возвращенных из Германии во Францию после окончания Второй мировой войны. Картина Климта была куплена в 1980 году и по закону считается «неотъемлемой» собственностью страны. Это означает, что для её возвращения прежним владельцам парламент должен будет принять специальный закон. Нора Стясны родилась в 1898 году в Вене. Картину ей передал её дядя Виктор Цукеркандль — богатый сталелитейный магнат и коллекционер произведений искусства. «Розы под деревьями» он купил в 1911 году. Но после того, как нацисты аннексировали Австрию, Стясны была вынуждена продать пейзаж в 1938 году «почти за бесценок», чтобы выжить. Женщину депортировали в Польшу в 1942 году, где она в том же году погибла лагере смерти «Белжец» вместе с мужем и сыном. Картину в 1938 году купил человек, который называл себя другом семьи, но на деле симпатизировал нацистам. По словам Розлин Башло, он «спровоцировал продажу» и хранил полотно у себя до самой смерти в 1960 году. Двадцать лет спустя французское государство купило «Розы под деревьями» в художественной галерее. Чиновники готовились к открытию Музея Орсе и создавали государственную коллекцию современного искусства. На пресс-конференции официальные лица заверили, что перед покупкой Франция интересовалась происхождением картины, но не нашла доказательств того, что она была продана под принуждением. Лишь в последние годы французские и австрийские историки смогли проследить полный путь пейзажа. Это было довольно трудно из-за того, что большинство доказательств были уничтожены, а семейные воспоминания — размыты. В 2019 году Франция решила ответить на многолетнюю критику за недостаточную активность в сфере реституции. Новая экспертная группа получила более широкий мандат на поиск и возврат произведений искусства, которые были разграблены или проданы под принуждением во время нацистской оккупации. Сейчас Лувр пересматривает все свои приобретения, сделанные в период с 1933 по 1945 год. В 2017 году Австрия вернула наследникам Стясны похожую картину Климта «Яблоня II». Однако позже австрийские власти пришли к выводу, что эта реституция была ошибочной. В конечном итоге эксперты определили, что потомкам женщины следует передать «Розы под деревьями», а не «Яблоню II». новостиИОК _history https://telegra.ph/file/d9741f03e17c2e942eb9f.jpg

"Триумф Вакха" 1629 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. Картину «Триумф Вакха» Диего Веласкес написал, что называется, на спор. Но удивительным было даже не это, а тот факт, что до сего момента художнику не приходилось обращаться к мифологической живописи, которую так любила его эпоха – эпоха барокко. Картины мифологической тематики пользовались гигантской популярностью: ими украшали ратуши и замки, суды и университеты, гостиные и спальни. Вспомнить хотя бы старшего современника Веласкеса – Рубенса, который отдал аллегорической живописи чрезвычайно щедрую дань! Но 30-летнего Веласкеса античный антураж оставлял равнодушным. Почему же Веласкес создал «Триумф Вакха»? До 23 лет Веласкес жил в Севилье и там писал в основном бодегоны – реалистичные бытовые зарисовки в какой-нибудь таверне или харчевне. Иногда его упрекали: что же ты, дескать, всё малюешь гуляк да пьяниц, изобразил бы бога или героя какого! Но юный Веласкес придумал в ответ замечательную формулу, которой потом руководствовался всю жизнь: «Лучше быть первым в грубом жанре, чем вторым в изящном». А уже в 24 года художник оказался в Мадриде и долгое время писал исключительно портреты. Практически сразу он получил звание придворного живописца короля Филиппа IV. Веласкес был очень молод, но король – на 6 лет моложе. Филипп приблизил его к себе, устроил Веласкесу мастерскую прямо в своих покоях. Любил сидеть там и наблюдать, как художник работает. Не позволял портретировать себя никому, кроме Веласкеса. Давал ему одно придворное звание за другим. Не разрешал уезжать надолго, потому что очень скоро начинал скучать по своему камергеру и другу. И, конечно, у прочих художников это вызывало огромную ревность. При дворах европейских монархов традиционно работали приглашённые итальянцы, воспитанные на культуре античности. Они плели против Веласкеса интриги. Однажды взволнованный король пришёл в мастерскую к своему фавориту и заявил с порога: «Они говорят, что ты умеешь хорошо рисовать только лица! Неужели это правда?» Ответом Веласкеса и стала картина «Триумф Вакха» (известная также под испанским названием Los Borrachos – «Пьяницы»). С убедительной наглядностью он показывал заносчивым итальянцам: «Не только лица! И тела тоже! И композицию могу выстроить не хуже, чем на ваших античных фризах. И Вакха написать не менее живым и соблазнительно-хмельным, чем ваш хвалёный Караваджо!» В чем своеобразие картины Веласкеса «Триумф Вакха»? Но и в несвойственном ему мифологическом жанре Веласкес остался Веласкесом: античную вакханалию он скрестил с испанским бодегоном, высокое – с низким. Как правило, свита Вакха состоит из вакханок и сатиров. А Веласкес решил поместить бога вина и страсти среди простых крестьян, помятых и побитых жизнью, в простой одежде и с обветренными лицами. Его Вакх – белотелый, немного рыхлый. По нынешним меркам, его тело можно назвать слегка «поплывшим», а вот сатир позади него – мускулист и смугл. Противопоставляя их, Веласкес показывает, что он большой мастер своего дела (и чужого тела): он может передавать и сложные ракурсы, и разнообразные позы, и различающееся «агрегатное состояние» человеческой плоти. Вакх Веласкеса сидит на бочке с вином – это его трон. Нагота его прикрыта складками ткани «королевских» цветов – белого и пурпурного. На его голове – венец из виноградных листьев, а сам Вакх коронует кого-то из своих особенно ярых почитателей, отметившегося на ниве пития и разврата, таким же виноградным венком. Крестьяне пришли к божеству с просьбой облегчить их тяжелую жизнь. А Вакх даровал им вино – самый доступный способ забыть о горестях и печалях. Большая плоская чаша в руках у центрального персонажа (в шляпе) написана притягивающе-реалистичной. Кажется, что глядя на глянцевую поверхность вина, можно ощутить его прохладу и терпкий аромат. Взгляд обрадованного пьяницы направлен прямо на нас. Он улыбается так широко и по-свойски, что буквально «затягивает» зрителя в пространство картины, требуя разделить с ним его веселье и питьё. ДиегоВеласкес Барокко МифологическаяСцена _history

«Женщина с цветком» 1929г. Грант Вуд Картина содержит все авторские стилистические черты художника– главная героиня изображена крупным планом, чёткая линия рисунка, точная прорисовка, присутствие аллегорических символов. На полотне живописец изобразил свою мать. Ей здесь 71 год, и Вуд написал мать очень реалистично и максимально правдиво. Зритель сразу может отметить характерный «возрастной» цвет лица, глубокие морщины треугольником, уставший взгляд, старческие руки и редеющие седые волосы. Особенная худоба модели также характерна для пожилого человека. Передник, который был в моде десяток лет назад, ещё одна красноречивая отсылка к возрасту героини. Самый неожиданный элемент в картине – цветок в руках женщины. Читая название, мы ожидаем увидеть какое-нибудь цветущие живописное растение. Однако сразу замечаем, что мать художника держит трёхполосную сансевиерию в коричневом глиняном горшке. Сам живописец утверждал, что этот выбор не случаен - растение символизирует прямолинейный характер его мамы.

Пабло Пикассо "Кошка, поймавшая птицу" (1939) Однажды Пикассо сказал: «Я терпеть не могу породистых кошечек, которые мурлычут на подушке в гостиной. Мне нравятся одичавшие кошки, которые охотятся за птицами, носятся по улицам как угорелые, тащат все, что ни попадя. Они смотрят на вас дикими глазами и того и гляди вцепятся вам в физиономию. А вы заметили, что кошки, живущие на воле, почти всегда брюхаты? Это вполне естественно: ведь они только о любви и думают».

​«Троица» 1425 — 1426гг. Мазаччо Это изображение распятия, темы, весьма распространенной в церковном искусстве, выполнено в непривычном, неканоническом виде. Фреска создает иллюзию крупного архитектурного фрагмента, выполненного в совершенно нетрадиционном для готики стиле. Это уже настоящий Ренессанс с его тонким пониманием пропорций и роли перспективы в искусстве. Нижняя часть фрески изображает каменное надгробие, принадлежащее Доменико Ленци. Этот факт дает право предполагать, что две фигуры — мужская и женская, находящиеся симметрично выше надгробия, принадлежат лицам, оплатившим фреску — Лоренцо Ленци и его супруге. Центральная часть симметричной композиции — это, собственно, сцена распятия. На кресте изображен Христос, за спиной которого стоит Бог-отец, поддерживающий своего сына в его смертный час. По сторонам печальной группы расположены фигуры Девы Марии и святого Иоанна. Интересно, что Дева Мария поворачивается к зрителям лицом и протягивает руку к своему страдающему на кресте сыну, как бы говоря: «Посмотрите, на что пошел Христос ради вас». http://chnly.pro/file/92d8472d56fb421697c9f3c19e3ade47

Столица Китая?

"Автопортрет в виде аллегории живописи" 1630-е Артемизия Джентилески Королевское художественное собрание в Виндзорском замке. Среди всех автопортретов Артемизии Джентилески шедевром является именно этот – сравнительно поздний, британский. Контрастная светотень и характерный колорит напоминают об усвоенных ею в юности уроках Караваджо, а очень необычный ракурс объясняется просто: когда бы перед загрунтованным холстом, над которым работает Артемизия, стояло зеркало, то, слегка повернув голову, она бы увидела себя именно в таком положении. Если датировка картины верна, то здесь Артемизии должно быть около сорока пяти. Она мать четверых детей – двух умерших мальчиков и двух оставшихся в живых девочек, одна из которых незаконнорождённая, а вехи прожитой жизни Артемизии похожи на этапы авантюрного романа. В 12 лет она начала учиться живописи. В 17 была изнасилована своим учителем перспективы Агостино Тасси. В 18 пережила громкий судебный процесс в Риме, обиду на отца, на любовника и на всех мужчин скопом. В 19 скоропалительно вышла замуж за почти случайного человека и уехала во Флоренцию. Там, несмотря на скандальную славу, добилась успеха, покровительства семьи Медичи, дружбы с Галилеем и даже (первой среди женщин!) членства в Флорентийской академии изящных искусств. Однако вынуждена была довольствоваться частными заказами: общественных и хорошо оплачиваемых женщине не полагалось. Бросив всё, рискнула перебраться в Неаполь. Там боролась с дикими нравами художников-конкурентов и даже получила разрешение на оружие. Добилась долгожданного заказа на фресковую живопись в городке Пиццуоли. Продолжала терпеть недопонимание и финансовые трудности. Решилась на отъезд в Британию – страну с отвратительным климатом и отсутствующей художественной традицией. Артемизия – имя, данное ей при рождении, – в переводе с итальянского означает «полынь». Несмотря на феноменальную энергию и завидную силу духа, Артемизия испытала на своём веку немало горечи. «Автопортрет в виде аллегории живописи» – её манифест, утверждение права называться крупным художником. По тем временам это был чрезвычайно смелый замысел – изобразить в виде аллегории живописи себя, с перепачканными краской запястьями и кулоном в форме мертвой головы. Но Артемизия считала, что такое право она заслужила. Этот чудесный автопортрет написан ориентировочно в 1638-1639 годах, когда итальянка Артемизия перебралась в Англию, куда её настойчиво звал британский монарх Карл V. Он был первым из правителей Туманного Альбиона, по-настоящему увлечённых искусством, и жаждал собрать под сводами Винздорского замка как можно больше знаменитых европейских мастеров – испанцев, итальянцев, голландцев. На этой волне его придворным портретистом стал фламандец Антонис Ван Дейк; даже престарелый Орацио Джентилески, отец Артемизии, получил заказ на роспись потолка Гринвичской резиденции. Сама Артемизия до этого лет 20 не виделась с отцом: она никак не могла его простить. Англия смогла примирить их и вернуть на четверть века назад, когда они вместе – мастер и его помощница – работали над росписями римских церквей. В франко-итальянском фильме «Артемизия» (1997) есть даже кадр, где художница предъявляет отцу именно эту работу, автопортрет, и Орацио восклицает: «Ты стала потрясающей художницей, моя Артемизия!» АртемизияДжентилески Барокко _history

"Оперный проезд в Париже. Эффект снега. Утро" 1898 г. Камиль Писсарро ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1890-е годы к 60-летнему Камилю Писсарро приходит долгожданное признание. Арт-дилер Поль Дюран-Рюэль устраивает выставки, посвященные городским сериям художника. И все его бульвары, написанные в дождь, в снег и в солнечную погоду, сразу находят покупателей и разлетаются по частным коллекциям. Постаревший Писсаро пишет Париж. Это неожиданно. Художник всегда жил в деревне, в основном потому, что арендовать дом там было значительно дешевле. И прокормить семью из 9 человек, имея сад и огород, можно даже если картины никто не покупает. И писал он чаще сельские пейзажи: вспаханные поля, цветущие фруктовые деревья, извилистые грунтовые дороги, хрустящие морозы и весенние паводки. В 1884 году он поселился в доме в деревне Эраньи, и уже скоро смог его выкупить благодаря денежной помощи Клода Моне. Здесь Писсарро проживет последние 20 лет жизни, ведя по-настоящему крестьянскую жизнь. Но с возрастом у художника развивается болезнь глаз, которая не позволяет ему работать на открытом солнце. Тогда он решает писать, глядя в окно. Никогда не оставляя Эраньи надолго, он теперь выбирается пожить иногда в Париже. В 1897 году, поселившись в самом центре столицы, в гостинице «Отель дю Лувр», Писсарро пишет сыну: «Я рад, что могу попытаться написать улицы нового Парижа, которые мы все так привыкли называть уродливыми, но которые на самом деле удивительно переливчатые, яркие и такие живые». Но почему уродливые? Что с этими улицами было не так? Как и любая кардинальная, беспощадная модернизация города, перестройка Парижа под руководством барона Османа вызывала яростное сопротивление горожан, а некоторых доводила просто до отчаяния. Дега, например, считал барона Османа самым разрушительным явлением, постигшим Париж за всю его историю, похуже войн и стихийных бедствий. Старого города просто не стало: 200 тысяч зданий были разрушены, 34 тысячи - неузнаваемо перестроены. Когда-то тесные, извилистые мощеные улочки превратились в широкие бульвары, достигавшие 18 метров в ширину. Необъятные площади, способные вызвать приступ агорафобии. Пятиэтажные здания, новый шикарный оперные театр, ипподром, могучие металлические опоры железнодорожных мостов. Любовь к современному шумному Парижу легко давалась молодым художникам, а Писсарро решил обучиться этой любви в 67. Писсарро будет возвращаться в этот отель еще несколько раз и напишет из его окна 11 картин с видом на Оперный проезд и площадь Французского театра. Солнечные и пасмурные, снежные, туманные и дождливые дни, разгар дня и раннее утро. С Писсарро так было всегда: папаша, добрый бог, Моисей, как называли его коллеги-импрессионисты, оказывал колоссальное влияние на каждого, кто оказывался рядом. Он был не намного старше других, но с непоколебимым спокойствием древнего пророка успокаивал их душевные бури и сомнения. И при этом до конца жизни был готов каждый день заново учиться жить и писать, ни на минуту не успокаиваясь в собственной значимости. Он полюбил эти уродливые, расчерченные как под линейку, широкие, шумные парижские улицы, как будто видел их впервые. КамильПиссарро Импрессионизм _history

"Муза, вдохновляющая поэта" 1909 г. Анри Руссо Базельский художественный музей. «Муза, вдохновляющая поэта», – не кто иная как возлюбленная Аполлинера Мари Лорансен, художница и гарвер. Соответственно, поэт – это сам Гийом Аполлинер. Портрет написан после знаменитого приёма у Пикассо, устроенного в честь Таможенника – прозвище Руссо, 15 лет проработавшего на парижской таможне. Руссо был большим любителем такого жанра как портрет-пейзаж. Относительно этой картины сохранилась фотография, раскрывающая способ работы художника. На фото запечатлен Руссо у картины, на которой практически полностью прописан фон и оставлено чистое пространство для фигур, которые он вписывал в последнюю очередь. Базельский портрет – это уже второй вариант. Дело в том, что Мари Лорансен просила изобразить у их ног турецкие гвоздики, символ поэтов. Руссо неоднократно посещал Ботанический сад, делал наброски, а в конце концов всё перепутал и «воткнул» в землю у ног поэта и музы левкои – символ смерти и забвения. Говорят, Мари устроила грандиозный скандал. Кстати, не стоит также забывать, что Мари Лорансен была барышней чрезвычайно стройной, с осиной талией, о чем по портрету догадаться, прямо скажем, непросто. На вопрос, почему он изобразил мадмуазель Лорансен в таком виде, Руссо невозмутимо ответил: «Так ведь большому поэту нужна большая муза!». Впрочем, другие источники утверждают, что чувство юмора у Мари возобладало над женским возмущением, и она дико хохотала, глядя на свое изображение. Но забирать его домой Аполлинер все же не рискнул. Картина оставалась у Руссо и попала на глаза русскому меценату и коллекционеру Сергею Щукину, который купил ее для своего собрания. Так «Поэт и Муза» на фоне левкоев» попали в Россию. И вот незадача – то ли Аполлинер по-новому взглянул на картину, то ли Мари перестала сердиться, но вскоре поэт пришел к Руссо с намерением забрать портрет. Что делать, пришлось писать новый! Нельзя не заметить, что во втором варианте исправлены не только цветы. Мари выглядит не такой крупной, и платье безусловно подчеркивает наличие талии – не осиной, конечно, но по сравнению с первым вариантом она, по крайней мере, имеется. Кстати, Фернанда Оливье, подруга Пабло Пикассо, Мари недолюбливала и язвительно констатировала, что с возрастом та становится всё больше похожа на свой портрет работы Руссо. Да и сам Аполлинер в базельском варианте кажется более «прилизанным», аккуратным. Если в первом варианте, с левкоями, образы Аполлинера и его Музы максимально индивидуализированы, в некоторой степени гротескны, укрупнены – словно мы смотрим на них, поднеся к холсту лупу, то второй вариант – попытка написать салонную картину. Украшения Мари в первом варианте – однозначно из живых цветов. Вся композиция несет некий отпечаток античности. На втором же портрете фигуры и лица изображенных схематичны, шею Мари обвивает просто некое украшение, пейзаж тоже усреднен, схематизирован, кроны деревьев четко образуют арку, под которой представлены объекты. Руссо вообще очень почитал академическую живопись и искренне верил, что он «тоже такой». Авангардизм он считал, по большому счету, баловством, недоумевал, «зачем Робер (Делоне – ред.) сломал Эйфелеву башню» и стремился писать салонную живопись, что не особо удавалось. Зато удавалось значительно большее. В этом смысле сопоставление двух вариантов «Поэта и Музы» очень интересно, поскольку наглядно демонстрирует, как в версии с гвоздиками стало чуть меньше Таможенника, чуть больше салона. АнриРуссо Примитивизм _history

"Двенадцать подсолнухов в вазе" Август 1888 г. Винсент Ван Гог Новая пинакотека, Мюнхен. Первый год жизни в Арле стал для Винсента годом желтого цвета. Ван Гог поселился в знаменитом «Желтом доме» (который, к сожалению, был полностью разрушен во время Второй Мировой войны), единственном месте, которое он считал по-настоящему своим домом. Он писал золотые пшеничные поля, залитые солнцем улицы. Желтыми на его картинах были цветы, овощи и посуда, даже небо и лица людей. Но особенно Винсента завораживали безграничные поля подсолнухов, которые в Арле и цветком-то не считали, выращивая их для производства масла. Осенью Ван Гог с нетерпением ожидал приезда Поля Гогена, который согласился жить вместе с ним. Винсент считал, что это положит начало созданию коммуны художников, о которой он так мечтал. Однако вряд ли он знал, что Гоген поселился в «Желтом доме» в обмен на материальную помощь, обещанную Тео. Со всеми остальными друзьями-художниками Винсент в разное время умудрился рассориться, так что никто из них на его приглашение не ответил. Гоген проживет вместе с Ван Гогом лишь три месяца и фактически сбежит из Арля после печально известной истории с ухом. Но все это будет после. А пока Винсент полон надежд и ожиданий и хочет устроить гостю достойный прием. Он собирался повесить на стены комнаты Гогена (которая, к слову, была крошечной) 12 полотен с изображением подсолнухов. Неизвестно, успел ли Ван Гог в полной мере осуществить задуманное (известны только четыре оригинальные картины с подсолнухами этого периода и их поздние авторские копии), и хватило ли ему места, но в любом случае, впервые переступив порог своей комнаты, Гоген увидел весьма психоделическую картинку. Душевного порыва коллеги он не оценил и просто снял все подсолнухи со стен. Винсента это, похоже, не слишком обеспокоило, и на его любовь к солнечным цветам никак не повлияло. Он сделал несколько копий «Пятнадцати подсолнухов» и, что называется, легким движением руки превратил этот цветок в один из самых знаменитых живописных образов. Гоген, кстати, позже изобразил Ван Гога за работой – естественно, рисующим подсолнухи. ВанГог Натюрморт Постимпрессионизм _history

"Женщина с зонтиком" 1875 г. Клод Моне Национальная галерея искусства, Вашингтон. Клод Моне честно признавался, что кроме живописи и садоводства ни на что больше не годен. И пожалуй, хуже всего ему удавалась роль мужа, особенно в первый раз. Камилла Моне оказалась одной из самых несчастных и печальных женщин во всей истории живописных героинь и жен художников. 18-летняя натурщица Камилла Донсье, дочь торговца, позировала юному красавчику Моне для картины «Женщина в зеленом», одной из самых успешных и стремительно прославившихся. Картину не просто приняли в Салоне, но и удостоили нескольких лестных отзывов. Камилле приятно, Моне счастлив, они молоды, влюблены и им кажется, что все прекрасное в их жизни только начинается. Следующие несколько отчаянных лет Камилла и Клод живут в сырых, холодных комнатах, часто без света и отопления и очень часто без еды. Бывает, что Ренуар приезжает к ним в гости, чтобы писать вместе с Клодом (в том числе - и Камиллу), и привозит немного хлеба – на несколько дней хватает. Иногда среди ночи они собирают вещи и бегут из очередного сельского домика, зная, что наутро не смогут заплатить хозяину долг за несколько месяцев. Клод работает с утра до вечера, как одержимый, не получая ни одобрения в официальном Салоне, ни признания среди заказчиков. Его картины не покупают. Хотя бы за 30, за 50 франков – он готов получить любые копейки. Когда Камилле придет время рожать, Моне уедет искать вдохновения – не очень-то похоже на безумную любовь. Издалека он будет в письмах умолять Фредерика Базиля выслать голодной Камилле денег, взывая к его человеколюбию, а вернувшись ненадолго, почти с удивлением обнаружит, что ребенок его по-настоящему радует. Отец и тетка Моне, узнав о его любовнице, отказывают в содержании и требуют бросить и возлюбленную, и новорожденного сына. Клод пишет Камиллу взахлеб, постоянно – и почти на всех портретах в глазах Камиллы такая бездонная пропасть и такая непоправимая печаль, что опознавать ее среди моделей художника можно именно по этой безнадежности. Она умрет в 32 года, в 1879-м, в страшных мучениях, всю заботу о ней во время тяжелой болезни возьмет на себя другая женщина, Алиса Ошеде, которая к тому времени будет в доме Моне чувствовать себя полноправной хозяйкой. Пройдет больше 10 лет – и призрак Камиллы с зонтиком Моне случайно увидит, возвращаясь вечером после пленэра в своем саду в Живерни. На насыпи, на фоне огромного неба, стояла его падчерица Сюзанна. «Вылитая Камилла в Аржантее! Завтра придем сюда, ты мне будешь позировать!» Он ставит Сюзанну в нужную позу, запрещая шевелиться и гонясь за призраком давно ушедшей за горизонт Камиллы. Он в ярости пинает ногами один из двух этюдов (1 и 2), рвет холст, Сюзанна теряет сознание от зноя, Моне в отчаянии – у него ничего не получается. У женщины с зонтиком, повернутой влево, и у женщины с зонтиком, повернутой вправо, не видно лица. Критики в один голос заявляют, что это шедевры, по сравнению с первой картиной, написанной в Аржантее, более динамичные, идеально уравновешенные, мастерски исполненные и создающие ощущение живописной целостности. Но когда видишь все три рядом, трудно отделаться от мысли, что безликие, застывшие в правильных позах правая и левая женщины – два неподвижных призрака той легкой, внезапно повернувшейся к художнику, тревожной, еще живой, но уже готовой скрыться за холмом Камиллы. КлодМоне Импрессионизм _history

Венецианские любовники 1525 Парис Бордоне Пинакотека Брера. Милан Полотно пронизано чувственностью и какой-то скрытой грустью. Интересно какой период отношений изобразил художник. Мы не видим улыбок на их лицах, но чувствуем особенное чувственное единение. Это можно увидеть в жесте мужчины, который положил руку на плечо женщины, а она ответила ему нежным наклоном головы. Обратите внимание на их переплетённые руки. Они вместе держат золотую цепочку, что это: обещание брака или просто признание в любви? Но самое интересное, кто же этот мужчина, который смотрит прямо на нас из-за спины девушки? Какую роль он играет? Есть много предположений. Возможно это друг, соперник, родственник, любовник?Зачем художник изобразил его на полотне? А какие у вас предположения?

"Уличная сцена в Берлине" 1914 г. Эрнст Людвиг Кирхнер Новая галерея, Нью-Йорк. В 2006 году «Уличная сцена в Берлине» Эрнста Кирхнера - одна из самых важных картин немецкого экспрессионизма, как утверждали аукционисты, - была продана в частную коллекцию. Запутанная история, которая вызвала волну негодования среди искусствоведов, политиков, журналистов и любителей живописи – крайне редко произведения такой ценности уходят в частные руки из общественного музея. Brücke museum (музей, посвященный деятельности художественного объединения «Мост») вынужден был отдать картину Аните Хальпинс, которая заявила, что она прямая наследница коллекционера-еврея Альфреда Гесса, первого владельца картины. Ее дед вынужден был продать картину за бесценок во время преследования евреев национал-социалистической партией. В соответствии с Вашингтонской декларацией 1998 года власть Берлина согласилась снять картину с музейной стены и передать семье первого владельца. На аукцион Christie's картина попала в том же году и была продана по рекордной для Кирхнера цене – 38 миллионов долларов. Новым владельцем «Уличной сцены» стала Neue Gallery, частная нью-йоркская галерея. Споры вокруг этого решения не утихают уже много лет: обыкновенный коммерческий ход со стороны наследницы, комплекс вины со стороны немецкой власти, ненадежность сведений о первом владельце и тех причинах, которые побудили его к продаже (а может и не было никакого преследования? может, Альфред Гесс просто продал картину и получил за нее хорошие деньги?). В любом случае, возмущаются галеристы и искусствоведы, нельзя просто взять и отдать настолько значительный музейный экспонат, доступный миллионам людей, во владение одному человеку. Эрнст Людвиг Кирхнер написал 11 картин с берлинскими ночными уличными сценами в последний предвоенный год, 1913. Он переехал из провинциального и тихого Дрездена в Берлин, самый быстро растущий и самый освещенный город в начале ХХ века. Здесь резко меняется художественная манера Кирхнера, писавшего до сих пор обнаженную натуру среди дикой природы во время летних вылазок на Морицбургские озера. Город Кирхнера – это мегаполис, в котором одиноко и неуютно, который одинаково возбуждает и пугает обилием возможностей, агрессивным светом ночных клубов, ресторанов, театров, кабаре, кинотеатров. Героини этой живописной серии – берлинские проститутки, ярко одетые и вызывающе заметные. Позднее искусствоведы скажут о том, что продажная любовь для Кирхнера – это символ: коммерческой основы всех внутригородских отношений, процветавшей коррупции, битвы между личной свободой и цензурой в искусстве и одновременно продажности искусства. Все эти смыслы художник вряд ли формулировал как программу и художественную задачу – Кирхнер пишет не социальный пасквиль, а собственные ощущения и состояние ума, собственное отчаянье и одиночество. Не смотря на то, что между мужчинами-клиентами и городскими проститутками должен происходить сейчас бессловесный договор, не смотря на то, что пространство картины перегружено и плотно заполнено фигурами людей, все взгляды направлены в разные стороны и все движения разрознены. Здесь каждый сам по себе. Проводя вечера на центральных улицах и площадях, Кирхнер делает множество зарисовок – ему теперь хватает нескольких линий, чтобы обозначить движение, характеры, выражения лиц. Он пишет позже о том, что попытка передать движение привела его к отказу от одноточечной перспективы, именно несколько точек зрения способны создать ощущение хаотичного, разрозненного движения. Обрезанные фигуры на первом плане картины создают ощущение случайного снимка, сделанного в гуще быстро движущейся толпы. Вытянутые, угловатые лица – влияние одновременно двух равноудаленных от окружающей действительности традиций: экзотические африканские маски и древняя готическая иконография. ЭрнстКирхнер Экспрессионизм _history

Женский портрет 2020 Райан Хьюитт Известный своими задумчивыми и вызывающими воспоминания картинами, Райан Хьюетт увлекается портретной живописью не во внешнем сходстве с предметом; а скорее внутреннее путешествие самоисследования и самовыражения. Фрагментированные сегменты, в работах Хьюетта, рассекают формы и лица до точки абстракции, в результате получается эстетика, которая радует яркой цветовой палитрой. Современный южноафриканский художник экспериментирует с формами человеческой фигуры с помощью ножей, кистей и малярных валиков. Его работы выставляются в известнейших галереях Лондона и Нью-Йорка.

удожник Эугенио Эдуардо Дзампиги (Eugenio Eduardo Zampighi) родился в октябре 1859 года в Модене (Италия). Живописью увлёкся в раннем детстве и в возрасте 13 лет поступил в Академию Дизайна. В начале 1884 года Eugenio Eduardo Zampighi перебрался во Флоренцию, где начала писать жанровые картины о жизни простых итальянцев. Главными героями его картин стали хорошие знакомые и друзья, а потом и просто прохожие на улицах. Художник старался показать красоту повседневной жизни – с некоторой долей иронии, ярко и весело, с большим желанием поделиться радостью. Не удивительно, что очень скоро у творчества Эугенио Эдуардо Дзампиги появилось большое количество поклонников, а в последующем и последователей. Умер художник в 1944 году в городе Моранелло, а его картины сегодня можно увидеть в самых известных музеях мира.

"К родным" Леонид Пастернак, 1891 > Владимиро-Суздальский музей-заповедник Леонид Пастернак, отец известного поэта Бориса Пастернака, был популярным живописцем. Художник часто писал картины с неочевидным, загадочным сюжетом, который складывался из множества небольших, но важных деталей. Одной из таких работ было и представленное в экспозиции полотно «К родным». Оно посвящено теме семьи и материнства – одному из важнейших мотивов в творчестве Пастернака. Главная героиня картины – молодая женщина в глухом траурном наряде, сжимающая платок. Рядом с ней сидит девушка в цветастом платье. Вероятнее всего, это кормилица, которая держит на руках ребенка женщины. Они едут в поезде, в вагоне первого класса – на что указывает мягкий темный диван. Поэтому можно заключить, что героиня картины весьма состоятельна. Проанализировав эти детали, можно предположить, что изображенная на картине женщина – молодая вдова, которая едет «к родным» после похорон мужа.

Мёртвый Христос 1475–1478 Андреа Мантенья Пинакотека Брера, Милан Супер оригинальное композиционное решение. Тело Христа лежит не параллельно, а перпендикулярно горизонтальной оси. Смелость и сложность такого решения неожиданно для Раннего Ренессанса. Резкое сокращение перспективы позволяет видеть и лицо Христа, и раны на его ступнях. При этом есть нюанс: ступни Христа уменьшены, а голова, по сравнению с ними, увеличена. Подобное искажение пропорций не случайно: если бы Мантенья передал реальное соотношение между ступнями и головой, основное место на холсте заняли бы ноги, что помешало бы восприятию главного центра картины — головы Христа. Это доказывает, что эксперимент с перспективой — не самоцель, а средство решения сложной художественной задачи. Тело Христа покоится на мраморной плите (камне помазания); слева Богородица и апостол Иоанн. Выше в левом углу фрагмент ещё одного лица. Возможно, это Мария Магдалина, на что указывает стоящий в изголовье Христа сосуд с миром.

"Смеющийся кавалер" 1624 г. Франс Хальс Собрание Уоллеса, Лондон. «Смеющийся кавалер» – это пышный портрет молодого человека, стоящего в нарочито небрежной позе на простом сером фоне. В правом верхнем углу указан его возраст, 26 лет, и дата написания картины – 1624 год. Эта работа уникальна среди мужских портретов Франса Хальса, благодаря богатой цветовой палитре. Особо обращает на себя внимание яркий костюм натурщика – дублет с причудливой вышивкой белой, золотой и красной нитью и позолоченная рукоять рапиры, выглядывающая из-под левого локтя. Ни личность молодого человека, ни предназначение портрета наверняка неизвестны, однако некоторые важные подсказки исследователям может дать ослепительный костюм. Мотивы вышивки на дублете идентифицированы как распространённые в те времена эмблемы и символы удовольствия и любовных мук – стрелы, пылающие рога изобилия и узы влюблённых. Эти намёки на любовные интриги и ухаживания дают основания предполагать, что перед нами свадебный портрет. Однако для него не найдено парное изображение. Также высказывалось предположение, что некоторые элементы на костюме (особенно кадуцей, атрибут римского бога Меркурия) указывают на занятие торговлей. Авторитетный искусствовед Питер Бисбоер недавно предположил, чтобы натурщиком был Тилеман Ростерман, богатый торговец текстилем из Гарлема. К 1624 году Хальс уже написал несколько одиночных и парных портретов, а также групповой портрет «Банкет офицеров Гарлемской стрелковой гильдии св. Георгия». Последний, пожалуй, самая известная работа живописца, демонстрирующая его виртуозную способность передавать жизненную силу и дух своих моделей. Представительный вид «Смеющегося кавалера» объясняется тем, что художник поместил его в непосредственной близости к зрителю и изобразил с низкой точки. Рука, упирающаяся в бедро, также является отличительной особенностью мужских портретов Хальса – так он показывал уверенность натурщиков в себе. Кроме того, эта поза придаёт картине визуальную глубину. Портрет выполнен разными мазками – от тонких сливающихся штрихов на лице до более широких, свободных мазков на костюме. Детали тонкого кружева издалека выглядят тщательно проработанными, но вблизи оказываются быстрым наброском. Может показаться, что широкие линии руки и складки драпировки над животом мужчины были написаны за несколько секунд быстрыми длинными штрихами. Есть что-то чрезмерное в сочетании румяного лица и массы шелков и кружев. Герой портрета реален и нереален одновременно. К началу XIX века творчество Хальса было практически забыто. Несмотря на это, холст «Смеющийся кавалер» стал объектом яростной битвы между Ричардом Сеймуром-Конуи, 4-м маркизом Хартфордом и бароном Джеймсом де Ротшильдом на парижском аукционе в 1865 году. Первый победил, заплатив королевскую сумму в 51 тысячу франков (ныне около 3 тыс. долларов). Это событие оказалось поворотным моментом в репутации художника, интерес к которому начал возрождаться. Свободная, спонтанная техника и иллюзия мимолётного снимка сделали картину привлекательной для коллекционеров и художников викторианского периода. Последние стремились именно к такому ощущению реализма – без лощёной фактуры и гладкого нанесения краски. Влияние Хальса заметно в широких мазках Эдуара Мане и его последователей-импрессионистов, а Джеймс Эббот Макнейл Уистлер подражал голландцу в своей работе «Композиция в светло-розовом и чёрном. Портрет Теодора Дюре» (ок. 1883). Первоначально картина называлась просто «Портрет мужчины», но на выставке Королевской академии в 1888 году она уже значилась как «Смеющийся кавалер». Несмотря на то, что человек на ней на самом деле не смеётся и не является кавалером, изображение излучает веселье, бодрость и долю чванства. Среди составляющих такого настроения – низкая точка обзора, ослепительная техника, закрученные кверху усы, блеск в глазах и надменная поза молодого человека. ФрансХальс Барокко _history

Пропорции познавательное практика

"Дождливый день в Париже. Собор Парижской Богоматери" 1910 г. Альбер Марке Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Дождливый день в Париже – идеально подходящий Альберу Марке сюжет. Его Париж серого цвета. Но серость эта – мягкая, спокойная, манящая, ни в коем случае не обреченная и безысходная. Набережная Сены, изящные арки мостов, Нотр-Дам де Пари – любимые объекты Марке. Художник снимал квартиру на пятом этаже и часто писал у окна, поэтому многие его городские пейзажи представляют вид сверху. А в данном случае – не просто сверху, а с уклоном, эдакая горка для глаз: взгляд сразу же скользит по мостовой вглубь холста. На первом плане – набережная, шагающие по мокрому тротуару парижане, угол дома. Но смысловой центр композиции – Собор Парижской Богоматери, чья громада вздымается на заднем плане. Светлая, почти прозрачная улица упирается в приземистый темный силуэт Нотр-Дам де Пари, и взгляд словно проваливается в него. Растерявшись, несколько мгновений ищет выход, затем спешно возвращается на поверхность, к переднему плану и уже более детально воспринимает всю картину. Мы видим зажатую строениями площадь перед собором, пешеходов, проезжающий вдали экипаж, подъемный кран. На углу здания на переднем плане – человек, идущий против сдувающего его ветра в направлении Малого моста. Таким образом, взгляд зрителя одновременно воспринимает всю картину и в то же время движется внутри нее, что в сочетании создает особую объемность восприятия. В городских пейзажах Марке удивительным образом соединены отстраненность и тонкий лиризм. Марке – не импрессионист. Он пишет дождливый день в Париже, а не свои от него впечатления, но чувства, которые этот день и этот город у него вызывают, мы ощущаем. После нескольких выставок, на которых были представлены его пейзажи, критики заговорили о таком явлении как «Париж Марке». Его изображения французской столицы сравнивали с работами импрессионистов и Мориса Утрилло, и говорили, что только им удавалось столь проникновенно и лирично показывать Париж. АльберМарке _history

Рисуем лицо. Пропорции. практика

"Арабская кофейня" 1913 г. Анри Матисс Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. «Арабская кофейня» входит в марокканский цикл Матисса. Художник впервые отправился в Марокко в 1911 году. Именно неспешный Восток позволил ему выйти из рамок фовизма – окончательно от его идей Матисс не откажется никогда. Сам художник по этому поводу сказал: «Путешествия в Марокко помогли мне осуществить необходимый переход и позволили вновь обрести более тесную связь с природой, чего нельзя было бы достигнуть с помощью живой, но все же несколько ограниченной теории, какой стал фовизм». В Марокко Матисс отказывается от резких контрастов фовизма, он «остепеняется», но не в смысле утраты остроты чувств и «приглаженности» новых картин – напротив, на смену внешним контрастам приходят глубина, тонкость, чуткость и особое, матиссовское изящество. «Арабская кофейня» изображает пустыню и сидящих на песке людей. Само пространство – густая бирюза, песок и воздух сливаются. А вот фигуры и лица – огненные, жаркие. Никаких уточняющих и отвлекающих деталей, лица – это только цвет. За счет отсутствия деталей картина обретает свойства вневременности, словно описывает извечный порядок вещей: так было, так пребудет во веки веков, так есть сейчас. Лица будут сменять друг друга, а горячий кофе в песке и пустыня останутся. На переднем плане – аквариум с красными рыбками, это один из любимых сюжетов Матисса. Оранжевая рамка и резкие черные арки усиливают ощущение зноя и неподвижности, очерчивая, ограничивая это пространство. И мы точно знаем, что там – ни единого дуновения ветерка. Жаркое марево, медитативное состояние, спешить некуда. Таков арабский кофе, такова арабская кофейня. Эта картина чрезвычайна интересна тем, что может считаться предвестником техники декупажа, которую художник будет активно применять в 40-50-е годы. Впервые он ее использует для создания огромного панно для Фонда Барнса – просто потому что иначе не получалось охватить такие объемы. А позднее это окажется его единственным способом творить: тяжело больной Матисс будет не в силах держать кисть. А ведь «Арабская кофейня», в принципе, могла бы быть создана и в технике декупажа. Схематически представленные фигуры, густой плотный фон, крупные детали… АнриМатисс Фовизм _history

Уилл Юй «Transform» 2021, масло ⠀ Картина современного художника из Тайваня отсылает нас к событиям, с которыми весь мир столкнулся в 2020 году. Её название можно перевести как «трансформировать, изменять». ⠀ Картина выполнена маслом на холсте в авторской технике художника: крупные мазки и контраст оттенков разной температуры. ⠀ На полотне изображена девочка, снимающая медицинскую маску. Это действие изображено в движении, которое каждый человек совершает десятки раз в течение дня. ⠀ Лицо девочки напряжено, она всматривается в даль. Художник не изображает, что именно ищет девочка, предлагая каждому из зрителей найти ответ самому. ⠀ В выражении её лица мы читаем смешанные эмоции: неуверенность, страх и надежду. Тему надежды раскрывает и надпись «Prospect» - «перспектива, шанс». ⠀ Таким образом в этой работе художник даёт свою трактовку последних событий, выражая надежду на то, что перемены, при всей их неоднозначности, открывают новые возможности. ⠀ А о чём картина Уилла Юя для вас?

"Возлюбленная" (Невеста) Данте Габриэль Россетти, 1865-1866 > Лондон, Тейт Говорят, что Россетти в поисках совершенства на протяжении всей своей жизни вносил изменения в данную работу. Главная героиня поймана в движении, приподнимающая фату, а вокруг неё располагаются четыре девственные подруги и африканский мальчик-слуга. Все на полотне контрастирует с красноватым оттенком волос и бледной кожей невесты: и темная кожа пажа, и различные оттенки темных волос четырех девушек, и их тона кожи. Многие эксперты считают, что этот прием цветового контраста, который выделяет все особенности лица невесты, Росетти использовал под влиянием противоречивой картины Эдуарда Мане под названием «Олимпия». Головному убору и одеждам невесты и подружек Россетти уделил особое внимание. В них отчётливо угадывается невообразимое сочетание как перуанского, так и японского национального костюма. Но в центре холста доминирует девушка типично западноевропейского типа, а всё это изобилие экзотической ткани лишь обрамляет её лицо.

"Прачка" 1886 г. Анри де Тулуз-Лотрек Частная коллекция. Тулуз-Лотреку было 23 года, когда он написал картину «Прачка». Юный и неуверенный в своих силах Анри еще учился в мастерской Фернана Кормона и ответственно следовал всем советам учителя. На утренних занятиях Кормон, вдохновленный последними археологическими находками, пытался увлечь учеников монументальными сценами из жизни первобытных людей, а завершая урок, советовал выходить на улицу и делать зарисовки прямо в гуще монмартрской повседневности. Внеклассные задания Кормона нравились Лотреку куда больше, чем академические штудии. Выполнять домашние задания было исключительно приятно – старшие друзья-художники щедро делились с новичком Лотреком списком отборнейших злачных мест и закоулков Монмартра, где жизнь просто кипела. Однажды, выходя из ресторанчика, Лотрек заметил худенькую девушку с огненно-рыжими волосами и не удержался: "Как хороша! Типичная ...! Вот бы написать ее!" Кармен Годен оказалась не ..., а простой работницей, смирной и скромной, а потом еще и ответственной натурщицей, моделью нескольких портретов кисти Лотрека. Анри писал матери, что нашел девушку с волосами из чистого золота, рассказывал друзьям, что рыжие женщины – это для венецианцев, и был страстно увлечен Кармен. Если и могло художника в то время что-то обрадовать больше, чем ее благосклонность, так это только признание из уст настоящего гуру, которого Лотрек боготворил и которому не видел равных во всем современном французском искусстве. Он никогда бы не посмел лично попросить Эдгара Дега взглянуть на свою мазню, это друзья Лотрека выпросили у метра хотя бы один взгляд бросить на картины Анри. Скупой на похвалы и неспособный к лести Дега был к Лотреку благосклонен, в отличие от Кармен, которая хранила верность любовнику, постоянно ее избивавшему. Юный Анри работы Дега изучал и восхищался ими. «Прачка» Лотрека получилась гениальной эмоциональной противоположностью «Гладильщицы» Дега при явном сходстве композиции и совершенно идентичном расположении модели, стола, окна в пространстве. В отличие от Дега, Лотрек отбирает у девушки атрибуты ее профессии, переносит акцент из внешнего мира на внутренний. В отличие от анонимного и лишенного индивидуальных черт силуэта, написанного Дега, Лотрек бросает мягкие лучи на лицо своей героини. Так ангельское сияние освещает лица святых на древних фресках. Лотреку все женщины были ангелами – он смотрел на их волосы цвета золота немного снизу вверх. Этот взгляд на модель легко проследить и в «Прачке». Лотрек был ниже тех женщин, которых писал и в которых влюблялся. Но уже тогда, в последние годы ученичества, он доставал из них эту внутреннюю бурю, пронзительную печаль и неизбывное одиночество. Этот портрет Кармен Годен и не портрет уже – мы даже глаз ее не видим. Только мороз по коже – вдруг повернется… Анонимный покупатель в 2005 году на аукционе Christie's в Нью-Йорке купил эту картину за рекордную на тот день для Анри де Тулуз-Лотрека сумму – 22 миллиона долларов. ТулузЛотрек Постимпрессионизм _history

"Портрет Франсуазы" 1946 г. Пабло Пикассо Музей Пикассо, Париж. Этот небольшой карандашный рисунок, выполненный Пабло Пикассо в 1946 году, – один из самых лирических и чувственных портретов Франсуазы Жило. И, пожалуй, самый реалистичный из них. Пикассо создал этот рисунок в самом начале их отношений, в период, исполненный нежности и искреннего обожания. Несколько лет спустя, когда союз с Франсуазой уже начнет трещать по швам, Пикассо будет безжалостно сминать и искажать черты ее лица на своих картинах, как это уже бывало с ее предшественницами. О Франсуазе Жило чаще всего говорят как о единственной возлюбленной Пикассо, которая нашла в себе силы уйти от него первой. Они встретились в Париже в 1943 году, когда художник еще жил с Дорой Маар. Франсуаза стала его «послевоенной» любовью, нервные и заряженные драмой отношения с Дорой окончились вместе с войной. Очень юная и очень живая Франсуаза стала для Пикассо воплощением новой жизни и новой надежды. На момент знакомства ей исполнился 21 год, он был на 40 лет старше. Некоторое время Пикассо и Жило обитали в Париже, но после войны он увез новую музу на юг Франции. Жениться на ней художник не мог, поскольку официально все еще состоял в браке с Ольгой Хохловой. Тем не менее, Франсуаза прожила с ним почти 10 лет и родила от него двоих детей – Клода и Палому. Хоть и недолго, но их семья была по-настоящему счастливой, а дети служили для обоих родителей мощным источником вдохновения. Счастливые времена, однако, довольно быстро закончились. Франсуазу все сильнее раздражали властность и деспотичность Пикассо. Он требовал от нее постоянного внимания, ревновал к друзьям и лишал Франсуазу возможности развивать собственный талант. При этом сам Пикассо оставался патологически неверным и проводил много времени с Мари-Терез Вальтер и их общей дочерью Майей. Их расставание было неизбежным, и именно тогда Пикассо показал себя с самой отвратительной стороны. Не в силах смириться с тем, что женщина посмела от него уйти, он опустошил их общий дом, прихватив с собой множество вещей Франсуазы, ее коллекцию книг, подаренные им рисунки, адресованные ей письма, в том числе и от Анри Матисса. Последним мстительным ударом Пикассо стало то, что он использовал все свое влияние, чтобы Франсуазу выгнали из ее галереи. К счастью, в отличие от других возлюбленных Пикассо, Франсуаза Жило не сломалась и не повредилась рассудком ни во время их совместной жизни, ни после разрыва. Более того, она жива до сих пор и ведет весьма насыщенную жизнь для своего почтенного возраста. Расставшись с Пикассо, Жило наконец смогла в полной мере раскрыться в своем творчестве и написала несколько книг (в том числе о своей жизни с Пикассо). В 1970 году она вышла замуж за вирусолога Джонаса Солка (изобретателя вакцины от полиомиелита) и счастливо прожила с ним 25 лет до самой его смерти. ПаблоПикассо Графика _history

Проволочные люди. Британский художник-скульптор Ричард Стейнтхорп (Richard Stainthorp) творит в довольно необычной технике. Материалом ему служит проволока, но скульптуры имеют весьма живой вид. Родина Стейнтхорпа - Туманный Альбион, так же загадочна, как и его работы. Ричард создает свои скульптуры более 20 лет. У его фигур нет четкого лица, но эмоции и настроение легко демонстрируются позами и другими деталями. Кому-то все эти плавные линии могут напоминать потоки энергии, протекающие через человеческое тело, а кто-то может воспринимать всё, как оригинальное видение мышечной массы тела человека.

​​️Новым директором Лувра назначена Лоранс де Кар. Она станет первой женщиной на посту директора музея. ️29 мая в Flacon.Cube Flowgardenz совместно с музыкантом Кариной Казарян (kptransmission) покажут аудиовизуальный перформанс Still Life. ️Пушкинский музей и Томский государственный университет откроют первую в России резиденцию, объединяющую искусство и науку. ️Два филиала «Ясной Поляны» откроют в Тульской области к 100-летнему юбилею музея-заповедника — в Туле и бывшем уездном городе Крапивна. Этим летом обязательно навестите Льва Николаевича! Незабываемее впечатления от усадьбы и атмосферы 19 века, где были написаны «Война и мир» и «Анна Каренина». Больше понимаешь князя Болконского, который так полюбил жизнь в усадьбе: размеренно и по-настоящему счастливо. ️В Москве на территории бывшего завода «Рассвет» на Пресне открылось новое культурное пространство. ️Фестиваль «Первая фабрика авангарда» превратил город в настоящую столицу современного искусства, пусть и всего на неделю. Выставка «Светлый путь» в Музейно-выставочном центре продлится до 22 августа. Иваново — чудесный город и настоящая «текстильная столица России»! Вокзал в Иванове был возведен в 1929–1933 годах по проекту архитектора-конструктивиста Владимира Каверинского. Это крупнейший в России вокзал в конструктивистском стиле: его площадь составляет более 9 тыс. кв. м. https://telegra.ph/file/82b700d66271a284bad2a.jpg

Данте и Беатрис, 1884 год Генри Холидей Художественная галерея Уокера, Ливерпуль На картине первая встреча «музы» и тайной возлюбленной итальянского поэта Данте Алигьери. Была его первой и платонической любовью, вышла замуж за другого и рано скончалась. Воспета в главных произведениях Данте и оказала огромное влияние на тему платонической любви поэта к недоступной даме в европейской поэзии последующих веков. Картина считается самой важной у Холидея. После смерти о художнике говорили, как "последний Прерафаэлит". Художник хотел, чтобы картина была исторически точной, и в 1881 году отправился во Флоренцию. Он обнаружил, что в 13 веке улица Лунгарно на северной стороне реки Арно между мостами Понте Веккьо (видно на заднем плане) и Понте Санта-Тринита, была вымощена кирпичом и что в этом районе были магазины; они показаны на картине.

"Майский пикник" 1873 г. Пал Синьеи-Мерше Венгерская национальная галерея, Будапешт. Разве можно, глядя на «Майский пикник» Синьеи-Мерше, не вспомнить многочисленные импрессионистские «завтраки»? Мане и Моне ко времени написания картины уже отправили свои компании молодых людей и девушек завтракать на природе. Пожалуй, в данном случае скорее возникает аналогия с мирным благопристойным «завтраком» Моне, а не со скандальным пикником с обнаженными девушками Эдуара Мане. Герои расположились на отрытом пространстве, причем композиция так выстроена (точнее сказать, что правилами композиции автор несколько пренебрег), что взгляд словно «проваливается» в расположившуюся на поляне компанию. Синьеи-Мерше вводит в сюжет картины интригу – отдыхающие не равноценны, очевидно, что двое молодых людей активно пытаются завладеть вниманием двух девушек. Все они изображены вполоборота, мы видим их увлеченные лица. Еще двое мужчин предоставлены сами себе: один что-то выискивает в траве, второй лежит на пледе. Лицо первого скрыто широкополой шляпой, второй отвернут от зрителя. Кажется, самого автора они интересуют меньше, чем две кокетничающие пары. Светло-зеленое пространство поляны на заднем плане сливается с синевой неба. Красные пледы и цветы справа от девушки в розовом демонстрируют незаурядное умение Синьеи-Мерше использовать цветовые контрасты. Более чем через 20 лет это безоговорочно подтвердят его великолепные «Маки».

"Завтрак на траве" 1865 г. Клод Моне ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1865 году Клод Моне решил писать огромную картину - 4 на 6 метров. Фигуры людей на ней должны превосходить средний человеческий рост вдвое. В лесу Фонт... он делает много этюдных зарисовок, для которых просит позировать друзей, и вскоре набрасывает предварительный вариант - именно этот пробный вариант сейчас хранится в музее Пушкина в Москве. И название будущей работы, и ее общий замысел - это дань уважения другому «Завтраку на траве», картине Эдуара Мане, которая двумя годами ранее была представлена в знаменитом Салоне отверженных и вызвала бурю негодования критиков, салонных судей и посетителей. На Клода Моне, ученика частной студии, она произвела тогда грандиозное впечатление - и сейчас он готов объявить Мане о своем восхищении и совершить что-то настолько же невероятное. Он не собирается возмущать публику обнаженными женщинами, как это сделал Мане, он хочет писать яркие солнечные пятна и контрастные глубокие тени на одежде и на лицах, на траве и белом покрывале. Трудно представить, где и как юный художник хранил огромное полотно во время работы над ним. Зато он подробно рассказывал позже, как при своем росте в 165 сантиметров ухитрялся доставать до его верхней части. Моне вырыл глубокий длинный ров, опускал в него картину - и сам оказывался на нужном уровне. Этой работой Моне одержим, он пишет друзьям, что не может больше ни о чем думать, что сойдет с ума, если не доведет дело до конца. Эта работа отнимает все силы и, если честно, обходится совсем не дешево. Сегодня воссоздать общий вид готового «Завтрака на траве» можно только по этому предварительному наброску. Окончательный вариант не сохранился, вернее, сохранился изрядно потрепанным, побывав в нескольких передрягах. Моне полжизни был в долгах - он сбегал среди ночи из арендованной квартиры, когда не мог расплатиться с хозяином, он делил долгое время мастерскую с Фредериком Базилем и с Огюстом Ренуаром, он ссорился с владельцами гостиниц и давал обещания. А однажды, оставшись без гроша в кармане, он свернул свой огромный «Завтрак на траве» и оставил хозяину квартиры в качестве залога. Деньги у Моне появятся не скоро - и он вернется за картиной много лет спустя. Все это время она пролежала свернутая в рулон в сыром подвале - и в некоторых местах начала подгнивать. Картину пришлось разрезать на куски - и спасти удалось только три неповрежденных фрагмента. Но и из этих трех фрагментов до музейных стен добрались только два - сегодня они находятся в музее д’Орсе. Каждый - в отдельной раме. Третий фрагмент потерялся. От предварительного, но вполне самостоятельного и завершенного, варианта огромная итоговая картина немного отличалась. Моне переодел девушку слева из белого платья в серо-красное и заменил центральную фигуру сидящего юноши на другую. Новый участник «Завтрака на траве», веселый, крупный бородач, очень похож на художника Гюстава Курбе. С Курбе, тогда уже шумно знаменитым и признанным мастером, Клод Моне познакомился как раз во время работы над «Завтраком». Картину Курбе, по одним воспоминаниям, восторженно повалил, по другим - одобрил, но порекомендовал немного доработать. Как бы то ни было, Моне уже не собирается отправлять «Завтрак» в Салон, он решительно настроен покорить судей новым портретом дамы в зеленом платье. КлодМоне Импрессионизм _history

В стиле пандемии. Проект старинных картин с масками немецкого живописца Volker Hermes стартовал 10 лет назад. «В какой-то момент я задумался о социальном контексте картин. И я обнаружил, что мы не так много знаем о людях, изображенных на этих портретах, мы не задумываемся о значении их одежды и о кодексах моды». Художник решил закрыть лица на портретах, чтобы зритель направил свой взгляд на значимые детали в одежде и задумался, например, над тем, почему графиня или король сидят именно таким образом, что они держат в руках. Поначалу Hermes считал работу над портретами второстепенной и продолжал писать другие картины. Но со временем он понял, насколько важным оказалось смещение фокуса с лиц на детали картин, и начал добавлять элементы современности в классические сюжеты. Затем наступила пандемия, и его работы стали невероятно актуальными, ведь мы ежедневно вынуждены носить маски.

"Фокусник" 1502 г. Иероним Босх Муниципальный музей, Сен-Жермен-ан-Ле. Оригинал картины Иеронима Босха «Фокусник» не сохранился, однако произведение дошло до нас в нескольких копиях, наиболее точную из которых можно посмотреть в Муниципальном музее пригорода Парижа Сен-Жермен-ан-Ле. Копия имеет прямоугольную форму, но специалисты почти не сомневаются, что оригинальная композиция была вписана в круг, т.е. имела форму тондо (от итал. rotondo – круглый), наподобие «Извлечения камня глупости» – другой известной картины Босха. Круг, по своей сути, напоминает выпуклое средневековое зеркало или линзу: всё, что попадает в его пределы, приобретает искажённые пропорции и формы, но при этом становится очень наглядным. Датировка Традиционно «Фокусника» относили к раннему периоду творчества Босха – между 1475 и 1480 гг. Считалось, что несколько неловко написанные фигуры и неправильное перспективное сокращение (особенно заметное в изображении стола) говорят о неуверенности руки начинающего мастера. Весьма примитивный рисунок, с одной стороны, может указывать на авторскую неопытность. Но, с другой стороны, и во времена творческой зрелости Босх часто прибегал к намеренной архаизации и примитивизации приёмов изображения, так что вопрос с датировкой «Фокусника» остаётся открытым. Дендрохронологический анализ сен-жерменской копии указывает, что она создана около 1502 года. Сюжет На фоне выщербленной каменной стены, верхняя часть которой поросла травой, шарлатан в черном цилиндре и красном плаще дурачит доверчивую публику. Зрители монолитной группкой расположились у другого края стола и с изумлением глядят, как фокусник извлекает изо рта одного из зевак лягушку. Но вот юноша, обнимающий свою спутницу, замечает неладное и указывает на это пальцем: стоящий рядом человек в монашеской одежде, прикидывающийся слепым, запустил руку в карман «поглотителя лягушек» и пытается вытянуть оттуда кошелёк. Вероятно, это сообщник фокусника и всё представление рассчитано на то, чтобы усыпить бдительность публики и воспользоваться её доверчивой рассеянностью. Фокусник зажимает в пальцах миниатюрный шарик, на столе видны еще несколько шариков и напёрстки. Из прикреплённой к поясу фокусника корзинки выглядывает голова совы – привычной для Босха аллегории зла и дьявольских козней. Лягушки (одна сидит на столе, другая – виднеется во рту у «жертвы» фокусника) тоже рассматривается как символ порока. Сложнее трактовать символическое значение собаки (некоторые полагают, что это обезьянка) под столом и аиста, поглотителя лягушек, темный силуэт которого виден в левом верхнем углу. Над кем насмехается Босх? Чаще всего «Фокусника» трактуют как жанровую сценку, сатира которой направлена и на фокусников-мошенников, и в еще большей степени – на доверчивых разинь, готовых поверить любому ловкому проходимцу. Некоторые специалисты проводят параллели между извлечением лягушки фокусником и церковной процедурой изгнания дьявола. При таком подходе картина «Фокусник» приобретает антиклерикальный смысл, становится сатирой на священнослужителей, почём зря дурачащих доверчиваю паству. Эта идея подкрепляется и теми аргументами, что платье фокусника похоже на красную кардинальскую сутану, а «униформа» его сообщника напоминает об одежде монахов-доминиканцев. Возможно, Босх обличает здесь продажу индульгенций – отпущение грехов за деньги. Загадочный человек в зелёном Специалисты заметили, что персонаж в зеленом головном уборе и такого же цвета плаще (он стоит почти у середины стола и смотрит прямо на зрителя) появляется и на других работах Босха, например, в «Распятой мученице». Предполагают, что он писался с кого-то из реальных знакомых Босха, но вряд ли этот человек был художнику другом, поскольку на картинах он показан скорее в негативном ключе. ИеронимБосх _history

"Интерьер, мать и сестра художника" 1893 г. Жан Эдуар Вюйар Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). «Интерьер, мать и сестра» - одна из самых дерзких работ Вюйара. В репродукции на первый взгляд очень легко спутать ее с цветной литографией: лица-маски и руки в один тон, четкий, почти декоративный, узор на обоях, сплошное черное пятно платья. Вюйар, увлеченный японским искусством и подготовивший к печати немало собственных гравюр, переносит в живописную работу визуальные эффекты, присущие цветной печати. При этом сохраняет фактуру масляного мазка в других частях картины, не давая нам шанса ошибиться со второго взгляда на работу. Это тонкая живопись. Но дерзость Вюйара даже не в техническом изяществе – эта небольшая работа настолько интимная, открывающая личные связи, мысли и отношения, что способна вызвать ощущение неловкости и беспокойства. Как будто вы случайно услышали ссору или исповедь, не предназначенную для ваших ушей. Женщины на этом странном двойном портрете – мать художника мадам Вюйар и его сестра Мари. Они находятся в пространстве, готовом довести кого угодно до приступа клаустрофобии. Если Мари разогнется, ей придется удариться о картинную раму. Этот эффект сдавленности, даже угрожающей подвижности пространства довершают падающие вперед комод и стол, подскочивший кверху пол. Наверняка, в пределы полотна попала только нижняя часть комнаты, но фигура Мари ясно дает понять, что все! Потолок тоже где-то неподалеку, он падает и висит просто над головой. Мари в этом пространстве неуютно, узор на обоях сливается с узором на ее платье – и стены поглощают ее фигуру, она теряется здесь, становится лишь частью интерьера. Это мир, в котором доминирует мать – именно она чувствует себя спокойно и уверенно. Это ее мир. Мадам Вюйар была на 27 лет младше мужа, отставного военного – и скоро осталась вдовой без средств к существованию и с двумя детьми, которых еще предстояло выучить и вырастить. И тогда она открыла швейную мастерскую, в которой работала сама и нанимала помощниц. В этом доме на ней держалось все. Мать за работой, ее заказчиц, выкройки, ножницы, узоры на тканях Вюйар будет писать постоянно. Он проживет с матерью до самой ее смерти (Вюйару будет 60 лет, когда матери не станет) – и эти швейные декорации будут интерьером его собственной взрослой жизни. Современные арт-критики находят такие небольшие личные работы Вюйара не только обнажающее, исповедально откровенными, но и социально острыми. Резкие перемены в обществе того времени способствуют поискам таких смыслов. Ну или хотя бы делают их оправданными. Это эпоха, когда женщины начинают работать и выбираться из кухонь, когда гендерные и социальные модели стремительно меняются. В другой работе Вюйара «Интерьер с рабочим столом» Мари, стоящая спиной, как будто вышла из стены мастерской – узор ее платья повторяется в нескольких элементах окружающего пространства. Она – лишь то, чем она занимается в этих стенах: монотонная, тихая, повторяющаяся работа, бесконечные узоры, от которых кружится голова. ЭдуарВюйар Постимпрессионизм _history

​​️Венеция, Стоунхендж и древняя столица Ирака Ашшур могут быть внесены в список Всемирного наследия, находящегося под угрозой исчезновения. Окончательное решение будет принято на 45-й ежегодной конференции ЮНЕСКО в 2022 году. ️Святоносский маяк под Мурманском признан объектом культурного наследия федерального значения. Он является уникальным образцом деревянной фортификационной архитектуры 19 века. Это один из старейших действующих маяков в России, он был установлен на мысе Святой Нос в 1862 году. Маяк не переставал работать во время Первой мировой войны и Великой Отечественной войны. ️В Фонде Cartier в Париже 6 июля откроется выставка «Дэмиен Херст. Цветение вишни». Вопреки обычной для британского классика практике, все картины для этого проекта художник написал сам, без ассистентов. ️Галерея «Здесь на Таганке» представит выставку памяти художника Владислава Мамышева-Монро. ️️Три неизвестных ранее работы Ван Гога найдены, спрятанными в романе о французских крестьянах. Три эскиза публикуются в The Art Newspaper впервые! Открытия совершенно неизвестных рисунков Ван Гога сейчас редки — один или два раза в десятилетие. Рисунки выставлены в музее Ван Гога в Амстердаме на новой выставке Here to stay. Искусствоведы думают, что это не просто рисунки: возможно Ван Гог сделал именно закладку для книги, ведь художник был заядлым читателем. Фото: Слева — три изображения закладки в приближённости виде; справа — полный масштаб Courtesy of the Van Gogh Museum, Amsterdam (bought with support from BankGiro Loterij) https://telegra.ph/file/67eb6c677f82a867a7771.jpg

Мадонна с длинной шеей 1540 Франческо Пармиджанино Галерея Уффици Флоренция Современников художника возмущала в его Мадонне неуместная в религиозной живописи неестественность. Художник далеко отошел от естественной простоты рафаэлевских Мадонн. В стремлении к изяществу он сильно вытянул пропорции фигуры, придав ей капризный излом. И лебединая шея Марии (картина так и называется — Мадонна с длинной шеей), и ее рука с тонкими гибкими пальцами, и длинноногий ангел слева, и истощенный пророк со свитком — все словно увидено сквозь волнистое стекло. Нет сомнения в намеренности этих искажений. Чтобы подчеркнуть свою склонность к растянутым формам, художник поместил в глубине высокую колонну столь же причудливых пропорций. В композиции он демонстративно отказался от гармонично сбалансированных соотношений: ангелы теснятся в левом углу, а в пустующем пространстве правой части одиноко маячит пророк, произвольно сокращенный в размерах настолько, что его голова едва достигнет колена Мадонны.

"Ханс Титце и Эрика Титце-Конрат" 1909 г. Оскар Кокошка Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). Кокошка был ясновидцем. Так во всяком случае говорили многие его заказчики и друзья. И речь здесь не только о необъяснимом проникновении в душу человека – художник угадывал даже некоторые факты прошлого и будущего своей модели. Одного из своих героев он, к примеру, без причин и объяснений написал заключенным, не подозревая, что тот и правда сидел в тюрьме. Другой своей модели, убежденной городской жительнице, художник предсказал скорое переселение в деревню, изобразив на фоне соответствующего пейзажа. Поэтому не верить Кокошке нет никаких оснований: он знает все об этих двух людях – Хансе и Эрике Титце. Кажется, что герои этой картины погружены внутрь электрического поля, что сейчас их пальцы соприкоснутся и произойдет мощнейший разряд или короткое замыкание. А на самом деле это свадебный портрет одной семейной пары, который был написан для водружения над каминной полкой. Ханс и Эрика Титце были, конечно, не простыми любителями прекрасного, а продвинутыми искусствоведами, которые страстно поддерживали художников-авангардистов и даже создали Венское общество развития современного искусства. Поэтому свой парный портрет они заказали самому скандальному в Австрии молодому художнику – 23-летнему Оскару Кокошке. Нужно помнить, что примерно в это же время венские критики в ярости и священной брезгливости предупреждали: на выставку Кокошки можно идти только если вы уже пережили сифилис. А тут каминная полка в семейном гнездышке молодоженов! Это, пожалуй, самые симметричные и гармоничные лица во всем портретном творчестве художника. Строгие и правильные. В чертах и мимике – ни искажающих переживаний, ни страстей. Но настоящий ключ внутрь персонажей – это руки. Кокошку гипнотизируют руки, они – символ телесности и вещественной, реальной сути, которая важнее слов и масок-лиц. На всех его портретах (и автопортретах) руки говорят о герое больше, чем глаза, улыбка и поза. Чтоб никто не сомневался, где искать правду, Кокошка увеличивает руки героев, делая их несоразмерно большими, он заостряет суставы и переплетает пальцы, добавляет интенсивности цвету и линиям на руках. И если читать по рукам, то совершенно очевидно, кто из двух изображенных героев отрешен и погружен в свои мысли, а кто – волнуется и пытается прорваться в мир другого. О Хансе и Эрике Титце художник говорил: они замкнутые люди, и это создает напряжение вокруг них. Оскар Кокошка, который не считал кисти единственным инструментом художника, уверенно пускал в ход пальцы, ногти, иглы и вполне представлял себе в этой роли даже молоток, все же ни на одной из своих картин не оставил столько нервных царапин, сколько на этой. Здесь все трещит и искрится. Будет буря. ОскарКокошка Портрет Модерн _history