Пьер Оутен (1840-1899) «Флирт» холст, масло. 81х65 см Частное собрание...

Пьер Огюст Ренуар - Завтрак гребцов, 1880—1881, холст, масло, 129.9 × 172.7 см, Собрание Филлипса, Вашингтон, США Pierre-Auguste Renoir - Luncheon of the Boating Party, 1880—1881, oil on canvas, 129.9 × 172.7 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, USA

Вот тут первые две картины - Пьеро делла Франческа, потом нидерландец Йос ван Клеве, Барнаба да Модена, Амико Аспертини и Джорджо Скьявоне Примеров, в общем, тьма, а я и не знала - почему-то не обращала внимания.

"Арлекин и Пьеро" 1924 г. Андре Дерен Музей Оранжери, Париж. В этой знаменитой картине сразу и безошибочно узнается рука Андре Дерена, каким он оставался все годы после Первой мировой войны. Здесь все как бы застывшее, замершее. Пустынный пейзаж «с заваленным горизонтом», вписанный в ровный квадрат, черств. Ни капли жизни ему не прибавляют ни широкий клин светлого облака под кобальтовым небом, ни скупой пучок темных кактусов слева внизу, ни симметричный кактусам натюрморт с кувшином и скрипкой. Почти все поле холста занимают фигуры двух комедиантов. Кто только ни рисовал в начале ХХ века эту знаменитую сценическую пару из традиционной комедии дель арте – вечно голодного оборванца, ловкача и грубияна Арлекина в костюме из сплошных заплаток и безнадежно влюбленного в девицу Коломбину простака Пьеро, к напастям которого добавляются бедность, юность и тонкая душевная организация. Этих персонажей писали и Сезанн, и Синьяк, и Пикассо. У Дерена к тому же есть одинокие Арлекины с гитарой, а еще раньше – в «фовистическом» 1906 году, когда художник делал много акварельных работ, он нарисовал одними только цветными линиями на белом фоне семь поразительно пластичных фигур веселящихся людей: крайние справа – Арлекин и Пьеро. Поза, в которой Дерен тогда «застиг» танцующего Пьеро, в точности повторена на полотне 1924 года. Оба персонажа одинаково повернули головы. Разница их характеров нивелирована, и даже лица – остро-лисье, как и положено, у Арлекина и по-детски округлое у Пьеро – выражают одинаковое скорбное бесчувствие. Оба смотрят в никуда. Символично, что пара танцует на песке, который поглощает любую энергию живого движения и гасит все звуки. Более того, в руках у артистов бутафорские инструменты без струн. Они безмолвны. Физиономические черты персонажей, костюмы с головными уборами, бутафория – внешние атрибуты комедии соблюдены, но внутри артистов царит опустошение, и все их традиционные шутки, трюки и сюжеты в предлагаемых безжизненных обстоятельствах абсурдны. Меланхолию не перебороть даже комедиантам. Но они усердно делают свое дело. Эта метафора применима и к художникам. Дерен написал «Арлекина и Пьеро» в пору теснейших контактов с театральным искусством, которое оказало на его творчество прямое влияние. Он разработал дизайн сцены и костюмов для балета Дягилевских сезонов «Фантастическая лавка» (1919; аналогичную работу для других спектаклей Дягилев тогда же предложил Матиссу и Пикассо), для «Jack in the Box» Эрика Сати (1926), и в последующие годы не раз сотрудничал с различными театрами Франции, а также с лондонскими. АндреДерен Неоклассицизм _history

"На берегу моря" 1883 г. Пьер Огюст Ренуар Метрополитен-музей, Нью-Йорк.

​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок, сделанный в последние годы жизни Винсента Ван Гога, установил рекорд для работ художника на бумаге. На аукционе Christie’s он был продан за 10,4 миллиона долларов, хотя предварительная оценка составляла 7−10 миллионов. Портрет под названием «Мусме» был сделан по мотивам картины «Молодая японка», на которую голландского постимпрессиониста вдохновил популярный тогда роман Пьера Лоти «Мадам Хризантема». Редкое изображение анонимной молодой натурщицы входило в семейную коллекцию лондонского дилера Томаса Гибсона. Это последняя из двенадцати работ, которые Ван Гог подарил австралийскому художнику Джону Расселу, до сих пор остающаяся в частных руках. Другие произведения из этой группы, включая девять пейзажей и два портрета, хранятся в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, Художественном музее Филадельфии, Художественном музее Сент-Луиса, Национальной галерее искусств в Вашингтоне и в Музее Гетти в Лос-Анджелесе. Ван Гог сделал этот рисунок вскоре после того, как закончил картину с изображением этой же натурщицы. Полотно ныне входит в коллекцию Национальной галереи искусств в Вашингтоне. Художник черпал вдохновение из романа Пьера Лоти «Мадам Хризантема», изданного в 1887 году. Это автобиографическая история морского офицера, который во время пребывания в Японии взял себе жену из местных. Ван Гога вдохновил образ мусме — так Лоти называл молодую незамужнюю японку. «Мусме — это японская девушка, в данном случае провансальская, в возрасте от 12 до 14 лет», — писал Винсент своему брату Тео из Арля, где тогда жил. Рисунок не копирует и не повторяет напрямую оригинальную картину. Здесь Ван Гог изобразил свою музу погрудно, что позволило ему передать непостижимое выражение и юношескую красоту её загадочного лица. Он увеличил губы и глаза девушки, словно очарованный их спокойствием и торжественностью, придающими ей неповторимый вид. Тёмные ресницы, например, прорисованы тончайшими нежно-чёрными линиями, а контрастные экспериментальные цвета портрета маслом заменены множеством различных линий и точек. Это разнообразие штрихов дало художнику столь же убедительную палитру, что и пигмент. Отправляя рисунки Бернару и Гогену, Ван Гог хотел лишь визуализировать то, над чем работал. Однако презент Джону Расселу имел совсем иную цель. Винсент надеялся, что его дар из двенадцати работ подтолкнёт австралийца к покупке одной из картин Гогена — и тот получит средства на поездку в Арль, где Ван Гог так жаждал организовать коммуну художников. Рассел анонимно продал «Мусме» на аукционе в Париже в 1920 году. Восемь лет спустя портрет приобрёл немецкий банкир Курт Хиршланд в подарок своей жене Генриетте. Будучи евреями, они в 1936 году были вынуждены бежать из родного Эссена в Амстердам. Однако незадолго до вторжения нацистов на Нидерланды двинулись дальше — в Канаду. Художественную коллекцию пара оставила на хранение родственникам, но когда те оказались в опасности, то передали собрание соседу. В конце концов, в 1943 году «Мусме» оказалась в музее Стеделейк. Семья Хиршланд получила рисунок обратно в 1956 году, а в 1983-м их наследники продали его Томасу Гибсону. Впоследствии работа выставлялась в Королевской академии художеств в Лондоне, галерее Тейт и Метрополитен-музее в Нью-Йорке. До продажи «Мусме» самым дорогим рисунком Ван Гога был пейзаж, проданный почти два десятилетия назад. Рекорд принадлежал акварели «Сбор урожая в Провансе» (1888), купленной на Sotheby’s в 2003 году за 10,3 миллиона долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7a0da8acefaffd1ba53e9.jpg

Пьер Огюст Кот (1837-1883) «Весна» 1873 холст, масло. 203х127 см Художественный музей Эпплтона, Окала, Флорида, США пьер_огюст_кот

Пьер Огюст Ренуар "Зонтики" (1881-1886) Эта картина - симфония черного цвета, в которой он звучит по-разному в шелке и в бархате, в глубине корзины, на полях шляпы и на верхушках раскрытых зонтиков. Начав писать картину, художник внезапно прервался на целых пять лет. Детальное изучение фасонов показывает, что платья на женщинах, изображенных в правой части картины, соответствуют моде 1881 года, а платья на женщине слева - моде 1886 года. Имеются также различия в цветовом решении этих частей картины. Фигуры двух девочек, стоящих с правой стороны картины, написаны мягкими, воздушными мазками, характерными для Ренуара-импрессиониста, а фигуры в левой части полотна выполнены уже другим стилем. Несмотря на эти различия, картина смотрится цельно и считается одной из самых известных работ Ренуара.

Вист 1915-16 Иван Пуни Русско-французский художник, на протяжении творческого развития несколько раз кардинально менявший художественную манеру от авангардизма, кубизма, футуризма и супрематизма до лирического примитивизма в русле направления, в котором также работали Пьер Боннар и Эдуар Вюйяр. Начальное художественное образование получил дома, брал уроки у И. Е. Репина, под влиянием которого и выбрал путь художника. А в Париже Пуни открыл для себя творчество Сезанна, набидов, кубистов и фовистов. Именно Пуни стал организатором футуристических выставок «Трамвай В» и «0,10», где впервые был представлен супрематизм Малевича и другие направления авангарда. Позже, эмигрировав, в 1923 году он распрощался с беспредметной живописью и почти полностью посвятил себя примитивному искусству.

"Натюрморт с букетом" 1871 г. Пьер Огюст Ренуар Музей изящных искусств, Хьюстон. «Если бы я продавал только хорошие картины, я бы умер с голоду», - шутил Ренуар. Натюрморты он писал как раз для того, чтоб выжить. Они отлично продавались и создавались очень легко. Ренуар отдыхал, набрасывая свежесорванные цветы, как другие отдыхают, танцуя или попивая вино. Но этот натюрморт особенный. Это натюрморт-посвящение, натюрморт-признание. Эдуару Мане. Реминисценция первая: гравюра. На заднем плане ренуаровского натюрморта – гравюра к картине, о которой сейчас мало кто знает. В XIX веке ее считали произведением Веласкеса и она находилась в Лувре вместе с другими испанскими шедеврами, попавшими в музейные залы в качестве наполеоновских военных трофеев. Мане был в восторге от Испании и Веласкеса, он написал десятки полотен, вдохновленный испанскими мотивами, испанскими костюмами, композицией и мотивами испанских художников. Сейчас полотно приписывают зятю Веласкеса Хуану Батисте Мартинесу дель Масо или просто Мадридской школе. Но ту гравюру, которая оказалась внутри «Натюрморта с букетом и веером», абсолютно точно сделал Эдуар Мане. Реминисценция вторая: цветы. Если бы не было гравюры, все остальные переклички можно было бы считать слегка надуманными, но Ренуар сам узаконил дальнейшие поиски аллюзий. Букет на скандальной картине Эдуара Мане «Олимпия» слишком большой, критики не преминули упрекнуть художника в нарушении пропорций. Зато его невозможно не заметить: это смысловой центр картины, который превращает обыкновенное изображение обнаженной женской натуры в весьма недвусмысленный сюжет: за букетом где-то там, в гостиной, на пороге, за дверью, мужчина, которого вот-вот должна принять Олимпия, обнаженная Олимпия. Этот букет наверняка запомнили все: и критики, брызжущие ядовитыми упреками в неприличности, и молодые импрессионисты, которые назвали Мане своим учителем. Букет для натюрморта Ренуар собирал по своему вкусу, но обернул его точно в такую же, как у «Олимпии», плотную белую бумагу. Реминисценция третья: веер и книги. Япония стала для французов не меньшим откровением и художественным потрясением, чем Испания. Композиционные решения, цветовые находки, рисунок японских гравюр – все это буквально проросло в импрессионизм. Моне, Ван Гог, Сезанн и конечно Ренуар скупали стопки восточных пейзажей в художественных лавках, развешивали их по стенам, впитывали и учились. «Я уверен, что японские пейзажи не лучше других. Только одно: японские художники сумели найти спрятанный клад», - восхищался Ренуар уже много лет спустя. На этом японо-фанатском объяснении можно было бы остановиться, если бы не книги и если бы не заданная уже необходимость искать Мане. В каждой детали. И Мане снова находится. За два года до того, как Ренуар взялся собрать все эти знаковые вещи на одной картине, Мане пишет портрет Эмиля Золя за рабочим столом. Наверняка Ренуар его видел и схватил оттуда на память пару книг и японские мотивы. Во всяком случае так могло быть. ПьерОгюстРенуар Натюрморт Импрессионизм _history

Пьер-Нарсис Герен (1774-1833) «Клитемнестра колеблется, прежде чем убить спящего Агамемнона» 1822 холст, масло. 76х84 см Частное собрание пьер_нарсис_герен

"Девушка, режущая лук" 1646 г. Геррит Доу Королевское художественное собрание, Лондон. «Девушка, режущая лук» – одна из «визитных карточек» Геррита Доу наряду с «Молодой матерью». Между двумя этими работами можно провести ряд параллелей. Во-первых, обе представляют великолепные образцы лейденской школы fijnschilders («изысканных художников») своим дотошным исполнением мельчайших деталей и гладкой, словно отполированной поверхностью. Также в обеих картинах мастер намекает на личную жизнь своих героинь. Вот только в отличие от добродетельной замужней «Молодой матери» – хозяйки хорошо обставленных верхних покоев тогдашней голландской элиты, – здесь зритель переносится в мир плотских интриг «нижнего» мира кухни. На первый взгляд, в «Девушке, режущей лук», нет ничего эротического. Как и на панели «Молодая мать», мы видим светловолосую молодую женщину, которую застали врасплох за работой. Свет из окна слева выхватывает из полумрака висящую вниз головой мёртвую куропатку, пустую птичью клетку и лежащий на боку кувшин. Занятия кухарок были одной из любимых тем Доу. Здесь он мог не только продемонстрировать свой блестящий талант мастера натюрморта, но и наполнить пространство многочисленными – подчас двусмысленными – визуальными намёками. Похотливые стряпухи часто были героинями комедийной литературы в Голландии XVII века, а художники подчёркивали их прелести с помощью символов, взятых из книг, пословиц и поговорок. В данном случае пустую птичью клетку можно расшифровать как символ утраченной девственности. Дополнительными иносказаниями являются куропатка (голландское слово vogel, «птица», на сленге означает также «совокупление», а vogelen, «ловить птиц», является эвфемизмом для «заниматься сексом») и лук, который тогда считался афродизиаком. У многих предметов на картинке, – таких как свеча, ступа и пестик, а также кувшин – есть явные сексуальные коннотации. Мальчик, который протягивает героине луковицу, вполне мог бы сойти за Купидона, не будь он одет и бескрыл. Однако все эти разрозненные аспекты могут быть объединены другим, более широким смыслом: мальчик олицетворяет здесь невинность, а девушка – опыт. Впрочем, во Франции в XVIII веке историю на картине Доу трактовали однозначно. Гравёр Пьер Луи Сюрюг снабдил свой офорт следующими воображаемыми словами: «Я в полной мере готов поверить, что вы хорошо освоили прекрасное искусство приготовления тушёного мяса. / Но я чувствую больший аппетит к вам, / Чем к тушёному мясу, что вы готовите». ГерритДоу Барокко _history

"Соломенные шляпки" 1881 г. Пьер Огюст Ренуар Бостонский музей изящных искусств.

"Портрет мадемуазель Жюли Мане с кошкой" 1887 г. Пьер Огюст Ренуар Музей Орсе, Париж.

Пьер-Нарсис Герен (1774-1833) «Сафо на Левкадской скале» 1800-е холст, масло. 188х114 см пьер_нарсис_герен Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург –––––––––––––––– Согласно легенде, древнегреческая поэтесса Сафо (конец VII - начало VI вв. до н. э.), покинутая своим возлюбленным Фаоном, бросилась в порыве отчаяния с Левкадской скалы в море. Художник изобразил Сафо сидящей в одиночестве на вершине прибрежного утеса. Левой рукой поэтесса опирается на лиру, утратившую для нее смысл без взаимной любви. Пейзаж с мрачным предгрозовым небом и взволнованным морем соответствует внутреннему состоянию Сафо, предвещая трагедию.

​​️В 2021 году Республика Коми отмечает 100-летие своей государственности. Лесной массив Республики Коми включен в список всемирного наследия ЮНЕСКО, как самый большой в Европе. Летом и осенью 2021 года Сыктывкар и другие города Коми ожидает беспрецедентное событие — международная биеннале современного искусства. Ее вдохновитель — Пьер-Кристиан Броше. Кстати, Пьер ведёт потрясающую телепрограмму «Моя любовь — Россия». Почитайте интересную статью от The Art Newspaper о прекраснейшем регионе России! ️Вышел исторический фильм-расследование о жертвах ГУЛАГа. ️Фонд «Синдром любви» запустил проект «Хочу на работу», который помогает людям с синдромом Дауна освоить новые навыки и подобрать работу по душе. YouTube канал Фонда «Синдром любви». ️В бывшем кинотеатре «Кунцево» появится центр с библиотекой, концертным залом и кафе. ️Музей Мунка в Осло откроется 22 октября серией выставок. Первой выставкой, открывающей обновленный музей, станет «Одиночество души», объединившая произведения Эдварда Мунка и Трейси Эмин. Когда пишу о Мунке, всегда упоминаю, что несмотря на абстрактный экзистенциализм, он был настоящим душкой. Фото: Эдвард Мунк, 1905, Голова к голове, выставка в LAC Lugano Arte e Cultura https://telegra.ph/file/f354ef89610c6088a8d78.jpg

Пьер Сюблейра "Навьюченное седло" (1727) Эрмитаж Картина, написанная по мотивам басни Лафонтена, изображает художника, который безумно ревновал свою жену. Ревнивец настолько боялся измены жены, что пытался сдержать ее пыл теми методами, что были ему доступны как художнику: перед отъездом он рисует осла на интимном месте у жены, наивно полагая, что картинка непременно сотрется во время любовных игр, если благоверная надумает ему изменить. Осел не спас несчастного художника от звания рогоносца, ведь у него были друзья – тоже художники. Один из которых «стер» осла, но взамен нарисовал нового. Выдала изменщиков деталь – любовник на осле пририсовал седло. Увидев навьюченное на ишака седло, мужу-рогоносцу оставалось признать ослом себя.

"Этюд натурщика" 1811 г. Теодор Жерико ГМИИ имени А. С. Пушкина. Небольшая картина «Этюд натурщика» попала в собрание ГМИИ из коллекции С.М. Третьякова. Несмотря на имя «Теодор Жерико» на табличке, полной уверенности в авторстве нет — великолепно сложенного усатого натурщика, позировавшего в мастерской наставника Жерико Пьера Герена, писали многие. Среди предполагаемых авторов «Этюда...» называли и Делакруа, и некоего неизвестного русского мастера (что сомнительно — всё-таки картина была приобретена в коллекцию Третьякова при посредничестве известного дома «Буссо и Валадон» за солидную сумму в 4 500 франков). Но, учитывая, что подписанного Жерико в наших музеях нет, да и просто работ Жерико в мире немного, будем относиться к этому портрету как к доказанной работе одного из первых французских художников-романтиков. Тем более, что все характерные признаки у этюда присутствуют: сложный разворот фигуры, резкий контраст света и тени, глубокая темнота фона, великолепная лепка формы, и, главное, предельная романтизация образа — всё, что так любил Жерико. Героя картины — растрёпанного хмурого человека с античным торсом и совершенно не античным лицом, легко представить и на поле боя, и на палубе корабля, и на покорённой вершине — в любом месте, позволяющем поспорить с судьбой или стихией и красиво победить или драматически погибнуть. Известно, что занимаясь у Герена, Жерико часто «улучшал» постановки, то приписывая натуре воображаемый фон, то усиливая контрастность света. Герен, известный живописью классической и скучноватой, терпел его эксперименты, но предостерегал от подобного остальных студентов: «Что вы стараетесь подражать ему. Пусть работает как хочет, в нем материала на трех-четырех живописцев, не то, что у вас». Вероятно, когда-то картина была светлее, но сейчас её краски изрядно изменились — причина в готовом красителе на основе битума, который был очень эффектен при написании теней, но со временем сильно потемнел. ТеодорЖерико Портрет Романтизм _history

"Летом. Цыганка" 1868 г. Пьер Огюст Ренуар Старая Пинакотека, Мюнхен.

"Сквер Сен-Пьер на закате" 1887 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван Гога, Амстердам.

"Портрет мадам Шарпантье" 1877 г. Пьер Огюст Ренуар Музей д’Орсе, Париж.

"Портрет госпожи Шарпантье с детьми" 1878 г. Пьер Огюст Ренуар Метрополитен-музей, Нью-Йорк.

Эмиль Пьер Метцмахер (1815-1890) «Влюбленная пара собирает вишню» 1869 дерево, масло. 35х21 см эмиль_пьер_метцмахер

"Девочка с лейкой" Пьер Огюст Ренуар, 1876 > Вашингтон, Национальная галерея За свой творческий путь Ренуар немало написал картин, где главная роль отводилась девочкам. Однако данная работа поражает своей непосредственностью и отсутствием какой-либо постоновочности, которая бы, безо всяких сомнений, украла бы эту непосредственность и очарование сиюминутности. Картина напоминает случайно выполненный фотоснимок – девочка даже не смотрит на зрителя, увлечённо разглядывая что-то вдали, держа в руках леечку, которая почти сливается с её ярким нарядом. Сегодня невозможно с точностью сказать, что это за героиня. Скорее всего, Ренуар и сам имени её не знал, так как в противном случае указал бы его в названии картины, как он это делал в предыдущих работах. Искусствоведами принято считать, что это случайная девочка, выхваченная внимательным взглядом живописца, возможно, его соседка.

"Сена в Шату" Пьер Огюст Ренуар, 1871 > Торонто, Художественная галерея Онтарио Однажды прекрасным апрельским днем знаменитый французский художник Пьер Огюст Ренуар установил мольберт на берегу реки Сены и принялся рисовать одну из своих новых картин. Сделал живописец это, как оказалось, не в самое удачное время: оказавшиеся рядом коммунары приняли Ренуара за вражеского шпиона. Это событие едва не стало для художника последним: живописца поймали и даже чуть было не утопили в реке. Спас Ренуара его друг – важный чиновник, который признал в нем художника и тем самым дал возможность появиться на свет одному из мировых шедевров.

"Перспектива" 1715 г. Антуан Ватто Бостонский музей изящных искусств, Бостон. Эта картина Антуана Ватто, хранящаяся сейчас в бостонском Музее изящных искусств, не имеет авторского наименования, отчего её называют просто «Вид». Или, как вариант, «Перспектива». Ватто был своеобразным человеком – он почти никогда не подписывал своих работ и не придумывал для них названий. Дело художника – карандаш и кисть, а называют картины пусть заказчики или знатоки искусства. Перед последними Ватто не однажды невольно ставил сложные задачи. Как, например, определить жанровую разновидность «Перспективы»? Это пейзаж? Или групповой портрет? Или жанровая сцена? Ни первое, ни второе, ни третье. Французская Королевская академия, принимая Ватто в академики, поступила неординарно: специально для картин Ватто она придумала новый жанр, уникальный. И назвала его fetes galantes, «галантные празднества». Бостонский «Вид» – это тоже галантное празднество. Изящные и расслабленные французские аристократы гуляют на природе, мило беседуют, музицируют, флиртуют. Красивая природа и изысканная архитектура им в этом подыгрывают. Но где Антуан Ватто, сын кровельщика из провинциального городка Валансьен, мог всё это наблюдать? Добившись успеха в Париже, Ватто приобрёл влиятельных покровителей. Многие из них считали художника своим близким другом и даже предоставляли к его услугам собственные имения. Одним из таких людей в жизни Ватто был миллионер Пьер Кроза. Он был «главным по налогам» в одной из французских провинций и настоящим финансовым гением. Правда, насмешливые земляки всё равно называли его «бедный Кроза». Не потому, что жалели, а – чтобы отличать от еще более богатого Кроза, его брата. Тот жил в Америке и ему практически единолично принадлежала вся Луизиана, благодатные земли по течению Миссисипи. Но и «бедный Кроза» тоже не бедствовал: скупал произведения искусства (кстати, его грандиозная коллекция, приобретённая впоследствии Екатериной II, сразу поставит Эрмитаж в один ряд с лучшими музеями мира) и строил замки во Франции. Ватто он симпатизировал настолько, что пригласил художника не только оформить свою блестящую резиденцию в Монморанси, но и пожить там на правах гостя. Парк резиденции Пьера Кроза в Монморанси мы видим на этой картине. Жизнь в усадьбе текла неспешно, всё было организовано к удовольствию и развлечению гостей. Регулярно проводились концерты, а домашние спектакли, привлекающие всех желающих к участию, могли растягиваться на несколько дней. Те, у кого не было настроения лицедействовать, разбредались по парку. Как раз это мы и видим на картине Ватто. Общество разделилось на парочки. Кавалер в левом углу полотна указывает рукой направление, вероятно, приглашая свою даму прогуляться и уединиться. Другая парочка мило беседует. Кто-то музицирует. Кто-то удаляется вглубь перспективы. В чем главная ценность картины? Именно в том, за что Ватто был так любим французами, – в непревзойдённом умении художника передавать атмосферу. Атмосферу лёгкости, праздности и витающей надо всеми лёгкой грусти. Но отчего грусть? О героях Ватто справедливо говорят, что они не думают о будущем и живут одним днём. Эта «ускользающая красота» не может не вызывать ощущения тревоги: всё эфемерно, жизнь быстротечна, никому не дано знать – что там впереди. Раскрывающаяся перспектива с увенчанной фронтоном белоснежной беседкой, тающей в тумане, лишь усиливает это ощущение загадочности, неопределённости. По замыслу того, кто проектировал парк, беседка должна представать перед глазами посетителей не сразу, она наполовину скрывается за кронами деревьев. В этом есть нечто интригующее. И очень характерное именно для Ватто. Французы мало кем способны восторгаться так, как им. Они считают, что Ватто гениально передает утончённость французского образа жизни и образа мыслей. Вот в завершение замечательный образчик последнего: братьев Гонкур в «Перспективе» Ватто восхищал не композиция или колорит, а то, что «деревья написаны так, будто танцуют вокруг людей». АнтуанВатто Рококо _history

Виноград 1923 Пьер Боннар Французский живописец и график, вошедший в историю искусства как один из величайших колористов XX века. Последний проводник эстетики импрессионизма, как его называли, Пьер Боннар критиковал импрессионистов за недоработанность композиции и натуралистичность цвета. Художник мягких, приглушённых тонов и отношений, Боннар одним из первых открыл внутреннюю или даже интимную жизнь женщины. Он писал интерьеры, средиземноморские и парижские пейзажи, бытовые сценки. Под конец жизни Боннар обратился к насыщенным цветовым сочетаниям, создавая изысканные красочные композиции, такие как "Виноград".

"Две девушки за фортепиано" 1892 г. Пьер Огюст Ренуар Музей д’Орсе, Париж. У самого бесстрашного и дальновидного французского маршана Поля Дюран-Рюэля в 1892 году открывается выставка. Выставка посвящена одному Ренуару. Еще 10 лет назад Дюран-Рюэль скупал у импрессионистов картины, чтоб они не умерли от голода, и идея такого мероприятия выглядела дерзко даже для него. А теперь ему пришлось собирать экспозицию, выпрашивая самые значимые полотна Ренуара у новых владельцев. 111 произведений, написанных совсем недавно и очень давно, оказались собраны в галерее и представлены восхищенным парижанам. За последние 20 лет они научились видеть иначе: солнечные блики на коже «Обнаженной» уже не кажутся им трупными пятнами, объемные, страстные мазки не выглядят мазней. На этой выставке происходит важное для 50-летнего Ренуара событие: впервые его картину покупает Департамент изящных искусств для Люксембургского музея. Когда-то продававший картины по 50 франков, Ренуар получает за нее 4 тысячи! Эта картина – «Две девушки за фортепиано». Дальше ее ждала феерическая звездная судьба: Лувр, Галерея современного искусства Же-де-Пом и, наконец, Музей д'Орсе. А пока французы привыкали к импрессионизму, каждый импрессионист уже подумывал, к чему приучать французов дальше, изобретал новые техники и замешивал на палитре новые краски. После путешествия в Италию, после встречи с Рафаэлем и Энгром Ренуар счистил со своей палитры весь этот яркий изумрудный и прозрачно-розовый, аккуратно выдавил краски из тюбиков с охрой и кобальтом и начал обводить фигуры настойчивым контуром. Он убежден, что импрессионизм недооценивал значение классического рисунка. Очень скоро ренуаровской палитре становится скучно – и он возвращает туда для начала красный, белый, черный и все остальные. Картину «Девушки за фортепиано» Ренуар написал в тот восторженный период выхода из классицистического кризиса и обретения собственного живописного языка. «Жемчужный» период – называют его искусствоведы за особую, уже не импрессионистскую и не совсем не энгровскую, переливчатость цветов. И тени на платьях, и волосы двух девушек, и штора на заднем плане, и отблески света на рояле создают цельную переливающуюся, полную взаимных рефлексов, светящуюся изнутри маленькую вселенную, где все со всем связано и ничто друг без друга невозможно. В этот художественный мир ничего не добавишь и ничего не убавишь. Он идеально уравновешен. ПьерОгюстРенуар Импрессионизм _history

Йохан Кроутен. "Художник Солнечного Света". Шведский художник Йохан Кроутен - представитель реализма и идеализма в живописи. Почти всегда писал лето. Причем, не просто лето, а солнечное и жизнерадостное лето, пышущее теплыми и веселыми красками. мастерство

"Бьянка дели Утили Мазелли и её шестеро детей" 1605 г. Лавиния Фонтана Частная коллекция. «Бьянка дели Утили Мазелли и её шестеро детей» – это сокровенный семейный портрет, который Лавиния Фонтана написала в Риме в первые годы XVII века. Это одна из её лучших работ и одно из немногих известных произведений, относящихся к этому периоду карьеры. Картина с изображением Бьянки дели Утили, жены дворянина Пьерино Мазелли, и шести их детей даёт бесценное представление о моде того времени. Эпитафия на могиле Бьянки дели Утили сообщает, что она – флорентийка по происхождению, вышла замуж за римского кавалера Пьерино Мазелли и умерла в сентябре 1605 года в возрасте 37 лет после рождения девятнадцатого ребенка. Эта дата указывает на период исполнения работы – около двенадцати месяцев, поскольку первое упоминание Лавинии в Риме датируется 28-м апреля 1604 года. Известно также, что ещё 19 февраля 1603 года она находилась в Болонье. Портрет делится на две асимметричные и контрастные части. Трое детей слева смотрят прямо на зрителя, они выглядят спокойными, хорошо себя ведут и старательно позируют художнице. А вот трое мальчиков справа более веселы и энергичны. Двое из них смотрят друг на друга, а не на зрителя, создавая менее формальное настроение. Портрет отличается скрупулёзным вниманием к деталям – к цветочным украшениям в волосах Бьянки, вышитым костюмам и текстурам. Его можно сравнить с более ранним «Портретом дворянки» из Национального музея женского искусства в Вашингтоне. Пятеро мальчиков носят одежды из одного роскошного материала, платья матери и дочери сшиты из другого, даже более богатого. Женщина и девочка также носят сложные украшения – золотые серьги и жемчужные ожерелья. У всей группы разные манжеты, но очень похожие пышные воротники, и Фонтана особое внимание уделяет игре света и теней на них. Несмотря на элегантные одежды и формальную обстановку, портрет излучает благожелательность и нежность. Практически каждая фигура держит некий предмет. Мальчик в верхнем левом углу изображён с яркой птицей на цепочке (это может быть щегол, символизирующий Страсти Христовы – тогда можно предположить, что ребёнку предназначалась духовная карьера). В руках его брата ниже – поднос с фруктами, у второго – справа вверху – медальон с фигурой рыцаря, у третьего – перо и чернильница. Вероятно, эти объекты также указывают на род их будущих занятий. Руки мальчика посередине справа не видны, но движение его тела предполагает, что они также не пусты. Девочка по имени Виржиния правой рукой держит указательный палец матери, а левой – лапку маленькой собаки на руках Бьянки, символизирующей её супружескую верность. И, несмотря на то, что аристократка изображена с пятью сыновьями, особое внимание уделяется её дочери. Она – единственный ребёнок, которого обнимает мать, и единственная, чьё имя начертано над головой. Вполне возможно, что портрет был написан специально для неё или в её честь, тем более что позже он достался её прямым наследникам, у которых хранился вплоть до недавнего времени. Эта картина – важное дополнение к зрелому «римскому» периоду творчества Лавинии Фонтаны и демонстрация её мастерства как портретиста и художницы моды. Детали сложных одеяний и психологическое разнообразие множества персонажей сравнимы лишь с другим её шедевром – «Визитом царицы Савской к царю Соломону» из коллекции Национальной галереи Ирландии. Портрет «Бьянка дели Утили Мазелли и её шестеро детей» в январе 2012 года был выставлен на аукцион Sotheby’s с первоначальной оценкой в 200 – 300 тыс. долларов США, а продан за 602,5 тысячи. ЛавинияФонтана Портрет _history

"Коронация Наполеона в соборе Нотр-Дам 2 декабря 1804 года" 1807 г. Жак-Луи Давид Лувр, Париж. «Коронация Наполеона в соборе Нотр-Дам 2 декабря 1804 года» – апофеоз пропагандисткой живописи не только в творчестве классициста Жака-Луи Давида, но и во всём европейском искусстве. Не странно ли: тот самый Давид, который был одним из первых лиц Великой французской буржуазной революции, другом Марата и Робеспьера, членом Конвента и подписантом решения о казни короля Людовика XVI, уже через несколько лет станет прославлять самопровозглашённого императора? Когда Наполеон спросил у одного из приближённых (в прошлом – ярого республиканца, как и Давид), понравилась ли ему коронация, тот отвечал: «Великолепно, ваше Величество. Жаль только, что на ней не присутствовали те триста тысяч людей, которые положили свои жизни, чтобы такие церемонии стали невозможны». Но Давид заглушил в своём сердце подобные рефлексии. Торжественный въезд Наполеона в Париж в 1797 году потряс художника как событие не столько политическое, сколько эстетическое. Корсиканец поразил его, тонкого ценителя античной эстетики, своим римским профилем и энергией абсолютной, не подлежащей малейшему сомнению власти. «Какая же у него голова! – восторгался Наполеоном Давид. – Она настолько совершенна, что достойна сравнения с лучшими образцами античной скульптуры и живописи!» Наполеон, следует заметить, не отвечал художнику взаимностью. Он полагал, что прошлое «живописца революции» даёт основания сомневаться в искренности его верноподданнических инстинктов. Но Бонапарт всегда высоко ценил профессионалов (именно это во многом определило его успех) и потому запечатлеть для потомков торжество своего «венчания короной и помазания на царство» он поручил именно Давиду. Почти три года понадобилось художнику для выполнения этого масштабного гимна имперскому величию. Устроители церемонии коронации постарались на славу: такой помпезности Франция не могла упомнить и во времена монархии. Кортеж из золотых карет с представителями знати, боевыми генералами, церковниками во главе с Папой Пием VII, которого Наполеон решил пригласить на торжество, обеспечивая себе религиозную легитимность, – этот в буквальном смысле блестящий кортеж медленно и торжественно двигался от дворца до Собора Парижской Богоматери, а десятки тысяч парижан толпились на улице, чтобы поглазеть на грандиозное зрелище. Апогеем самой коронации стал момент, когда Папа собирался возлагать на императора золотой лавровый венец, а Наполеон вырвал из его рук корону и сам водрузил её себе на голову. Этим вызывающим жестом Бонапарт утверждал абсолютный характер своей власти, показывал, что обязан ею только самому себе, а не содействию Папы, да и кого бы то ни было (кстати, позже, когда Наполеон присоединит к Франции Папскую область, Пий VII будет брошен в темницу). Изначально Давид намеревался изобразить именно момент возложения короны. Но, по размышлении, решил, что это внесёт ненужную конфликтность и драматизм, и изобразил следующий этап церемонии – когда Наполеон коронует Жозефину. В «Коронации Наполеона» Давид старается не упустить ни одной важной детали. Многочисленные присутствующие на церемонии – реальные лица. Сам художник изображён сидящим где-то на трибунах. Многие чиновники наполеоновского госаппарата, опознав себя на картине, потом выражали неудовольствие: зачем Давид расположил их так далеко от императора. Художник парировал: «Быть слишком близко к солнцу – небезопасно для жизни». Наполеон потребовал внести кое-какие правки – например, Давиду пришлось дописать его мать Летисию, которая в реальности на церемонии отсутствовала. Но в целом император остался «Коронацией» доволен: «Прекрасно, просто прекрасно! Давид, вам удалось постичь мои мысли и изобразить меня французским рыцарем!» ЖакЛуиДавид ИсторическаяСцена Классицизм _history

"Танец в городе" 1883 г. Пьер Огюст Ренуар Музей д’Орсе, Париж. Импрессионизм, зародившийся во Франции в конце XIX века, пришел на смену академизму, который господствовал в изобразительном искусстве на протяжении двух столетий. Французские живописцы искали новые средства для передачи не столько объектов, сколько эмоций, которые эти объекты вызывают. Одним из ярких представителей этого течения является Пьер Огюст Ренуар. Его творчество было настолько ярким и впечатляющим, что современники художника, поначалу относившиеся к импрессионизму с некоторой иронией и пренебрежением, полностью изменили свое мнение. Состоятельные парижане охотно приобретали его полотна, находя в них особое очарование, и не скупились на заказы. Одним из заказчиков живописца был Поль Дюран-Рюэль — известный коллекционер и меценат импрессионистов. Благодаря ему появился «Танец в городе» — картина кисти Пьера Огюста Ренуара, которая вызывает восхищение у истинных ценителей искусства живописи. Дюран-Рюэль, неплохо разбиравшийся в искусстве, сумел разглядеть потенциал в зарождавшемся течении импрессионизма. Он всячески поддерживал художников-новаторов, помогая им с организацией выставок и предлагая интересные и выгодные заказы. В 1883 году меценат заказал Ренуару три картины на один сюжет — парный танец. Художник увлеченно принялся за работу: все три полотна были написаны в течение года. Сохранился набросок, датированный 1880 годом, на котором изображена танцующая пара — это свидетельствует о том, что такая идея появилась у живописца задолго до предложения Дюран-Рюэля. Некоторые искусствоведы называют это полотно «зимней» картиной, а холсты с танцами в Буживале и деревне — соответственно «весенней» и «летней». И действительно: если приглядеться к фону, можно увидеть некоторые признаки, указывающие на определенное время года. Обстановка, изображенная на картине Огюста Ренуара «Танец в городе», говорит нам о том, что действие происходит в зале, украшенном декоративными растениями, либо в оранжерее. Картина Огюста Ренуара «Танец в городе», как и два других полотна из этой серии — «Танец в деревне» и «Танец в Буживале», — имеет вертикальный формат. На всех холстах изображена пара, танцующая медленный танец. Внешнее сходство персонажей этих трех картин позволяет предположить, что замысел художника заключался в том, чтобы показать танцоров в различной обстановке и продемонстрировать зрителю, как вместе с окружающей обстановкой и костюмами главных героев меняется и их настроение. Перед нами — элегантная пара, танцующая бальный танец. На женщине, повернутой спиной к зрителю, надето роскошное белое платье с длинным шлейфом. Спина и плечи дамы открыты, на руках — длинные перчатки из белого атласа. Голова танцующей замерла в полуобороте: нам виден ее миловидный профиль с тонким носом, полными губами и мечтательно прикрытыми глазами. Волосы женщины собраны в причудливую прическу, украшенную белым цветком. Мужчина, склонившийся к партнерше. практически скрыт за фигурой дамы — можно лишь различить фалды фрака, кончик начищенных до сияния ботинок и белые перчатки. Фоном для танцующей пары Ренуар избрал светлую мраморную стену, которая заканчивается круглой колонной и переходит в темно-зеленую стену из растений. Известно, что натурщицей Пьера Огюста Ренуара была Сюзанна Валандон — именно с нее написана картина «Танец в городе». Кто позировал для мужского персонажа нам остается лишь гадать, так как его лица не видно. Предполагают, что это мог быть друг живописца Поль Лот. В 1978 году картина Огюста Ренуара «Танец в городе» стала частью коллекции Лувра. С 1986 года это произведение находится в музее д'Орсе (г. Париж,Франция). ПьерОгюстРенуар Импрессионизм _history

"Танец в Буживале" 1883 г. Пьер Огюст Ренуар Бостонский музей изящных искусств. 1883 год был удачным для Пьера Огюста Ренуара: он получил довольно крупный заказ от известного коллекционера и покровителя импрессионистов Поля Дюран-Рюэля, благодаря которому появилась картина «Танец в Буживале». Заказчик пожелал стать обладателем трех полотен, объединенных общей тематикой: парным танцем. Ренуар с увлечением принялся за работу. Несколькими годами ранее он написал картину, изображающую множество танцующих на открытом пространстве пар. В этот раз художник решил уменьшить количество танцоров до двух человек: на всех трех холстах мы видим одну и ту же пару, однако обстановка, окружающая танцующих, разная. На одном полотне пара танцует в городе, на втором — в предместье, а на третьем — в деревне. Картина Огюста Ренуара «Танец в Буживале» переносит зрителя в предместье Парижа, весьма популярное в то время среди парижан и гостей города. Сюда приходили, чтобы посидеть с друзьями в уютном кафе, подышать свежим воздухом под сенью деревьев, завести новые знакомства. Буживаль с его невероятно красивыми пейзажами притягивал к себе многих живописцев, в том числе импрессионистов. На полотне изображена танцующая пара: молодая девушка и мужчина средних лет. Наряд девушки подчеркивает ее красоту: модное приталенное платье нежно-розового оттенка удивительно гармонирует с белоснежной кожей и легким румянцем на щеках. Многочисленные оборки юбки, ниспадающие пышным водопадом, взметнулись в движении — из-под них едва виднеется изящная туфелька. На голове танцующей прелестницы надета стильная красная шляпка, которую украшает букет цветов с темно-фиолетовыми бутонами. Партнер девушки одет в контрастный темный костюм и щегольские ботинки, сочетающиеся по цвету с соломенной шляпой. Головной убор закрывает от зрителей лицо танцора: видны лишь борода и усы. Если относительно женщины, позировавшей Ренуару, у искусствоведов нет никаких сомнений — ею была Сюзана Валандон, — то скрытое лицо мужчины породило две версии. По одной из них на картине Огюста Ренуара «Танец в Буживале» изображен И.-А.Фурнез, по другой — друг художника П.Лот. По положению головы мужчины можно предположить, что тот о чем-то шепчет своей партнерше. Девушка слегка отвернулась от кавалера, ее взор направлен в сторону и вниз, и кажется, будто она смущена, но ее рука, обнимающая мужчину за шею, говорит об обратном. Вполне вероятно, что она смотрит на бутоньерку, которая откололась во время быстрого поворота и упала на землю, а партнер утешает ее, обещая купить другую. Картина Огюста Ренуара «Танец в Буживале» отличается от двух других полотен особой легкостью, воздушностью. Танцующая пара изображена на фоне людей, сидящих за столиками открытого летнего кафе, но взгляд зрителя почти не задерживается на них. Лица второстепенных персонажей нечетки, а ярко-зеленая листва на ветках деревьев смазана — этот прием позволил художнику реалистично передать ощущение движения танцующей пары. Вся сцена залита ярким солнечным светом, что создает атмосферу праздника. У этого полотна есть уменьшенная авторская копия, которую Ренуар создал специально для Сюзанны Валандон. Она практически полностью повторяет оригинал, но, рисуя этот вариант, художник тщательно выписал лицо юной танцовщицы — так, что не остается никаких сомнений: на картине изображена Сюзанна. Сегодня этой копией владеет некий частный коллекционер из США. Оригинальный «Танец в Буживале» из коллекции Поля Дюран-Рюэля, заказчика Пьера Огюста Ренуара, попал в бостонский Музей изящных искусств: картина была куплена Музеем в 1937 году за 150 тыс. долларов. Два других полотна из этой серии сейчас находятся в Париже в музее Орсе. ПьерРенуар Импрессионизм _history

Пьер Огюст Ренуар "Клод Моне читает" (1872)

Аукционные рекорды для Ван Гога и Кайботта установлены в Нью-Йорке Три произведения Винсента Ван Гога, написанные в последние годы его жизни, стали «звёздами» на аукционе Christie’s в Нью-Йорке. Их общая стоимость составила 150 миллионов долларов, причём пейзаж «Стога пшеницы» стал рекордсменом среди работ художника на бумаге. А «Молодой человек у окна» Гюстава Кайботта стал самой дорогой картиной в наследии этого французского мастера. Знаковую работу приобрел музей. В целом на торги были выставлены более двух десятков произведений, охватывающих всю историю импрессионизма. Работы Клода Моне, Эдгара Дега, Пьера-Огюста Ренуара, Берты Моризо и других мастеров принесли в общей сложности 332 миллиона долларов. Картины были частью «Коллекции Кокса», названной в честь её владельца — техасского бизнесмена Эда Кокса, который умер в 2020 году. Музей Гетти в Лос-Анджелесе купил сцену «Молодой человек у окна» Кайботта за 53 миллиона долларов. Это более чем вдвое превышает предыдущий рекорд, установленный для произведений художника. До этого «чемпионский титул» принадлежал пейзажу «Тропинка вверх», проданному за 22 миллиона долларов в 2019 году. «Молодой человек у окна» — одна из восьми картин, которые Кайботт отобрал для своего дебюта на Второй выставке импрессионистов в 1876 году. Марсьяль, младший брат художника, писал, что на полотне изображён их средний брат Рене. Он смотрит из окна семейной квартиры на втором этаже дома на углу улиц Миромесниль и Лиссабон в Париже. Резкий контраст между ярким уличным пейзажем и мягким полумраком интерьера сводит главного героя к силуэту на фоне освещённой сцены перед ним. Обитый плюшем стул на переднем плане предполагает, что молодой человек наслаждался уличными сценами сидя. Но что-то заставило его прервать праздное наблюдение, вскочить и подойти ближе. Возможно, это элегантная молодая женщина, чья миниатюрная фигура заметна на втором плане. Объявляя о покупке «Молодого человека у окна», Музей Гетти назвал картину «шедевром модернистского городского реализма XIX века». Это будет первая работа Кайботта, вошедшая в коллекцию учреждения. Её выставят в 2022-м, и она станет центральным элементом галереи импрессионистов и одной из главных достопримечательностей Центра. Среди трёх работ Ван Гога, выставленных на аукцион, наибольший интерес у коллекционеров вызвал холст «Деревянные хижины среди оливковых деревьев и кипарисов». За него сражались сразу семь участников. Победитель выложил за эту работу 71,3 миллиона долларов, и теперь это одно из самых дорогих произведений Ван Гога. Акварель «Стога пшеницы», выставленная на торги позже, взяла «планку» в 35,9 миллиона долларов и стала самой дорогой работой Винсента на бумаге. Она подвинула с пьедестала портрет под названием «Мусме», проданный в марте 2021 года за 10,4 миллиона долларов. «Стога пшеницы», написанные в последний год жизни художника, до Второй мировой войны принадлежали коллекционерам-евреям и затем были конфискованы нацистами. Эд Кокс приобрёл акварель в 1979 году, и сотрудникам Christie’s пришлось изрядно попотеть, чтобы заключить мировое соглашение между наследниками бывших владельцев и нынешним собственником работы. И «Стога», и «Деревянные хижины» приобрёл один человек — Хьюго Натан, сооснователь консалтинговой фирмы Beaumont Nathan из Лондона. Превысила все ожидания и ещё одна нетипичная (и, прямо скажем, не самая привлекательная) работа Ван Гога — портрет румяного молодого человека с васильком, зажатым в губах. Предварительная оценка лота составляла всего 5−7 миллионов долларов, но после ожесточенной борьбы победитель, специалист из Нью-Йорка, выложил за неё в шесть раз больше — 46,7 миллиона долларов. Все 23 лота из «Коллекции Кокса» были проданы за общую сумму в 332 миллиона долларов (с премией), что намного превысило максимальные ожидания. Торги также показали, что интерес к импрессионистам по-прежнему высок, несмотря на заявления скептиков, что они вышли из моды. Значительная часть картин отправилась к коллекционерам из Америки, 35 процентов — в Европу и 13 процентов — в Азию. новостиИОК _history https://t.me/pic_history2/218

«Дерьмо́ худо́жника». В 1961 году итальянский авангардный художник Пьеро Мандзони собрал собственные фекалии в 90 пронумерованных консервных баночек, в каждой из которых содержалось по 30 граммов, написал на них «100-процентное натуральное дерьмо художника» на итальянском, английском, французском и немецком языках и поставил свой автограф. Говорят, что отец художника, владелец консервного завода, однажды презрительно прокомментировал творчество своего сына, сравнив его с экскрементами. Пьеро ответил знаменитыми банками, одна из которых ушла с аукциона за 275 тысяч евро. По заверениям Агостино Боналуми, художника, работавшего с Мандзони, в баночках содержится обычный гипс. Хотя многие из баночек взорвались, открыв своё содержимое, никто из их владельцев не заявил об «обмане». В 2008 году французский журналист Бернар Базиль представил публике одну из открытых баночек. Внутри обнаружилась вторая баночка, меньшая по размерам (которую он, впрочем, не открыл) и оформленная тем же самым образом, что и большая.

"Замок Пьерфон" 1860 г. Камиль Коро ГМИИ имени А. С. Пушкина. Познакомившись с Камилем Коро, живописец Гюстав Курбе признался: «Я не такой мастер как вы, господин Коро. Я принужден писать только то, что вижу». Это был искренний комплимент. Курбе стал ключевой фигурой французского реализма не в последнюю очередь потому, что не мог похвалиться фантазией – у него попросту не было выбора. Реалист-Коро, напротив, был наделен богатым воображением. И не упускал случая спустить его с поводка. Первый учитель Коро Ашиль Мишаллон много внимания уделял работе на пленэре. Он требовал от своего ученика одного: чтобы тот как можно более точно передавал на холсте все, что видит перед собой. На первых порах Коро был предан этому методу и, по его собственным словам, предпочитал «точность и аккуратность неорганизованности и спонтанности». Однако с годами он все заметнее уходил от педантичного копирования к поэтическому идеализированному, глубоко личному пейзажу. Загадочный лесной полумрак, одурманенные туманами сонные воды, тусклое серебро листвы, прорезающее кисею утреннего света – что и говорить, природе повезло с таким визажистом. Прихорашивая натуру, Коро не злоупотреблял «косметикой» - его краски оставались сдержанными, а эмоции – приглушенными, зыбкими, как ускользающий сон или музыка, звучащая из другой комнаты. Коро не видел никакого конфликта между таким сентиментальным подходом и тем, что принято называть «жизненной правдой». «Действительность – часть искусства. Чувства – часть действительности», - говорил он. К этому периоду зрелого лирического пейзажа в творчестве Коро относится и «Замок Пьерфон». Расположенный на окраине Компьенского леса, знаменитый замок был для художника идеальной натурой. Частично разрушенный в XVII веке по приказу кардинала Ришелье, во времена Коро Пьерфон представлял собой мрачновато живописные развалины. Впрочем, он не растерял героико-романтического флера – всеобщий интерес к нему был в те годы достаточно велик. В 1845 году Александр Дюма опубликовал роман «Двадцать лет спустя», «поселив» в окрестностях замка популярного героя – именно здесь проживал барон дю Валлон де Брасье де Пьерфон – любимец нации, более известный как Портос. Примерно в то же время, когда Камиль Коро работал над этой картиной, Наполеон III решил сделать Пьерфон своей резиденцией и отдал приказ о начале реставрации – к прославленному замку возвращалось былое величие. Холодный серый силуэт шато де Пьерфон ломает линию горизонта, контрастируя с меланхолией бледного весеннего утра. На переднем плане в скудных солнечных лучах – фигуры в плащах (кажется, весьма старомодных, по меркам середины XIX века). Плотный полог листвы защищает их от любопытных взглядов: из замка их не разглядеть. Кто эти двое? Современники Коро или гости из исторического прошлого? Стражники, совершавшие обход окрестностей и остановившиеся, чтобы буднично обменяться паролями? Заговорщики? Герои Дюма? Нам остается только гадать. Камиль Коро, как никто другой умел перенести на полотно безмятежность природы. И как никто другой умел привнести в самый безмятежный пейзаж нечто большее: интригу, тайну, предчувствие Настоящего Приключения. КамильКоро Пейзаж Романтизм _history

"Зеркало над умывальником" 1908 г. Пьер Боннар В 1908 году французский писатель Андре Жид побывал на аукционе в Париже. "Выставляют Боннара, - описывал он этот эпизод в своем "Дневнике", - работа откровенно слабая, но пикантная; на картине обнаженная женщина одевается, где-то я это уже видел. Цена ползет мучительно медленно: 450, 455, 460. Вдруг кто-то выкрикивает: "Шестьсот!" - и я застываю в изумлении, ибо это был мой собственный голос. Я взглядом умоляю соседей перебить мою ставку - я вовсе не желаю становиться владельцем этой картины, - но чуда не происходит». Будущий Нобелевский лауреат приобрел другую картину (эта до 1919 года находилась в коллекции Ивана Морозова). Но мог бы купить и ее: в 1908 Пьер Боннар написал великое множество зеркал и купальщиц, он был одержим этим сюжетом и повторял его вновь и вновь. Некоторые полотна из его «туалетной» серии отличались лишь нюансами. Почти все они обладали патологическим шармом, очаровывая зрителя как бы вопреки его воле. Что заставило Андре Жида вскинуть руку со злополучной карточкой? Что в «Зеркале над умывальником» пленило такого мастера психологического портрета как Валентин Серов (художник считал это полотно главной драгоценностью Морозовского собрания)? Сюжет вторичен. Полка у зеркала по-мещански густо заставлена утварью – скорее натюрморт, нежели чувственное ню. И назойливая декоративность. И еще немного портрет (в девушке с чашкой угадываются черты будущей жены Боннара – Марты Бурсен). Кажется, эта картина страдает от перенаселения – персонажами, жанрами, посудой, мебелью. Словно этого мало, зеркало не расширяет пространство, а парадоксальным образом разрубает его, локализует эдакой рамой в раме. На первый взгляд, единственная безусловная удача этого клаустрофобического полотна – жемчужная палитра Боннара, его виртуозное владение цветом. Впрочем, есть еще кое-что. Картина эта многое дает, но еще больше обещает. Возможно, Жид и Серов каким-то особым творческим чутьем предугадывали эволюцию Боннара – так энтомолог умеет разглядеть в эстетически спорной куколке прекрасную бабочку. Некоторые биографы считают, что тесные интерьеры и перманентные водные процедуры связаны с психическим нездоровьем постоянной натурщицы Боннара: Марта боялась открытых пространств и была зациклена на гигиене. Не менее очевидно, что чистотой был одержим и сам Боннар, правда не в буквальном смысле этого слова. Годами он «оттирал» свою манеру от чужих влияний, выскабливал ее до полного исполнительского блеска, смывал пену сюжетов, жанров, манифестов, принципов, ограничений и школ. И «отмылся», придя сначала к чистому цвету, а позднее – чистому свету, который он сам называл «своим богом». Говорят, незадолго до смерти Пьер Боннар сообщил какому-то торговцу, что «открыл новую краску». А на вопрос «какую?», не моргнув глазом, ответил: «белую». Конечно, от того, что Боннар не состоялся как юрист и однажды ушел с многообещающей должности в прокуратуре, мир только выиграл. Но распорядись судьба иначе, можно не сомневаться: кристальной честности вышел бы прокурор. ПьерБоннар _history

Герцог Урбино Федерико да Монтефельтро широко известен даже далёким от истории искусства людям, благодаря хрестоматийному профильному портрету кисти Пьеро делла Франческа (ок. 1470). У герцога был сломан нос и выколот правый глаз, но портрет это тактично скрывает.

"Бал в Мулен де ла Галетт" 1876 г. Пьер Огюст Ренуар Музей д’Орсе, Париж. Однажды в начале лета Ренуар сделал набросок бала в кабачке «Мулен де ла Галетт» на Монмартре. Этот замысел не давал ему покоя: устроить большой пленэр не в лесу, среди неподвижных деревьев и не у реки, а в самой гуще многолюдного праздника. Для этого художник поселился на Монмартре на целое лето, быстро стал местной знаменитостью, хотя место оказалось не самым спокойным и благонадежным. Дети здесь часто рождались без брака, и пока матери работали, а бабушки занимались хозяйством, малыши были предоставлены сами себе, ходили неумытые и голодные. Ренуар ежедневно раздавал им печенье, молоко и носовые платки и искренне переживал за брошенных младенцев: а вдруг начнется пожар или кошка влезет в колыбель? Он не задумывался над нравственностью девушек-соседок, а по привычке любовался их красотой, блестящими глазами и юной кожей, собранными в небрежный пучок волосами и искренними улыбками. Проект для застенчивого Ренуара выглядел отчаянным: найти с десяток натурщиков, расположиться с огромным холстом прямо рядом с танцующими парами и повторять этот трюк ежедневно. Но все на удивление легко складывалось – для мужских персонажей согласились позировать друзья-художники, а для привлечения местных девушек Ренуар изобрел собственный метод. Он знакомился с матерью юной красотки, просил разрешения писать дочь и предлагал плату за эту работу. Закончилось тем, что монмартрские мамаши приходили к нему сами и просили писать своих дочерей – натурщиц было хоть отбавляй. Каждый день на протяжении всего лета 1876 году кто-нибудь из друзей помогал художнику вынести огромный холст к танцевальной площадке «Мулен де ла Галетт» - и начиналась работа. Тот фантастический эффект солнечного света, пробивающегося сквозь листья акаций, который Ренуару удалось передать на подвижных фигурах, критики не оценили. На третьей выставке импрессионистов, где картина впервые предстала перед зрителями, на нее просто не обратили внимания. Мадам Ренуар, мать художника, сказала ему однажды, что должно пройти 50 лет, прежде чем люди начнут понимать его живопись. На самом деле прошло 20, пока из личной коллекции Гюстава Кайботта картина переехала в Музей Люксембургского сада, и 53 – пока ее перевезли наконец-то в Лувр. Больше столетия пройдет после того монмартрского лета Ренуара – и уменьшенная копия его картины «Бал в Мулен де ла Галетт» уйдет с торгов Sotheby’s за 78 млн. долларов. Мадам Ренуар была мудрой женщиной, которая мало понимала в искусстве и много – в людях. ПьерОгюстРенуар Импрессионизм _history

"Девушка в соломенной шляпе" 1884 г. Пьер Огюст Ренуар Собрание Фогеля, Нью-Йорк.

Пьер Огюст Ренуар - Завтрак гребцов, 1880—1881, холст, масло, 129.9 × 172.7 см, Собрание Филлипса, Вашингтон, США Pierre-Auguste Renoir - Luncheon of the Boating Party, 1880—1881, oil on canvas, 129.9 × 172.7 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, USA

Женщина и собака 1891 Пьер Боннар Институт искусств Стерлинга и Франсин Кларк, Уильямстаун, США На картине Боннар изобразил сестру и кузину, которые играют в саду с собакой семьи Боннар. Вдали, едва видны три другие фигуры. Художник сжал пространство на полотне и упростил формы, сглаживая складки и узоры на женской одежде. Так же Боннар также выделил фигуры людей и собаки как карандашом, так и чернилами — иногда вдавливая линии непосредственно в масляную краску. Подобная экспериментальная техника была характерна для декоративного стиля, который проводила в жизнь группа молодых художников, известных как группа «Наби» (Пророки). Ещё на картине есть абстрактный элемент (женское платье как часть шахматного орнамента) и, одновременно, нарративный (сентиментальные отношения двух молодых женщин и их питомца). Запрещённое искусство — подробно.

Пьер Огюст Ренуар "Хризантемы" (1882)

Пьер Огюст Ренуар "После обеда" (1879)

️В Центре Гиляровского откроется выставка, посвящённая 120-летию со дня рождения певца Сергея Лемешева. Лемешев играл главные роли в операх «Руслан и Людмила», «Снегурочка», «Золотой петушок», «Садко», «Севильский цирюльник». Больше 30 лет он был солистом Большого театра. Партию Ленского в «Евгений Онегин» он исполнил 500 раз. От автора: уделите 2 минуты и послушайте любимейшее исполнение Сергея Лемешева стихотворения Алексея Толстого «Средь шумного бала» на музыку Петра Чайковского. Невероятный голос! ️Бэнкси получил звание профессора в Университете Великобритании UCA (the University for the Creative Arts) Звание носить символический характер — «за гуманитарную деятельность и вклад в развитие мировой художественной сцены». Лекции Бэнкси проводить не будет. Во всяком случае, пока такой информации нет. ️Музей-заповедник «Кузьминки-Люблино» и Askeri Gallery 30 июня представят совместный проект «Между прошлым и будущим. Современные художники в усадьбе Люблино». ️Кинотеатр «Пионер» и фонд «Дом с маяком» запускают цикл благотворительных показов. В июльской программе премьеры и новинки французского кино, ранее не выходившие в прокат в России: «Любовное письмо», «Красная земля», «Ночной доктор» и «Безумный Пьеро» https://m.youtube.com/watch?v=t89swJa6Uy0

"Габриэль с розой" 1911 г. Пьер Огюст Ренуар Музей д’Орсе, Париж. В доме Ренуаров шутили: здесь все служанки со временем становятся натурщицами, а натурщицы – служанками. Огюста всегда окружали женщины, которые беззаветно его любили и заботились о нем. Но Габриэль среди них – на особом месте: Ренуар изобразил девушку больше 200 раз и в некоторые сложные моменты жизни просто погиб бы без нее. Однажды Ренуар остался совсем без натурщиц, он уже не выходил из дома, писать было некого – и он начал уговаривать Габриэль раздеться. Девушка не раздумывая согласилась, она понимала, кто такой Ренуар и что значит для него позировать. Габриэль приехала в дом художника 15-летней девочкой, когда в семье должен был родиться второй ребенок. Жена Ренуара Алин Шариго позвала ее, свою двоюродную сестру, помогать по дому и присматривать за детьми. С этих пор Габриэль стала членом семьи, настолько преданным и необходимым, что вышла замуж только после смерти патрона, а умерла в Беверли-Хиллз, куда переселилась, чтоб жить рядом со своим любимым воспитанником, тогда уже известным режиссером Жаном Ренуаром. Это она, очарованная кинематографом, таскала маленького Жана смотреть все фильмы подряд, это вместе они восторженно и единодушно признавали кино самым большим чудом в мире. А много лет спустя Габриэль и Жан вместе работали над книгой о Ренуаре, долго и бережно собирая и складывая мозаику из общих воспоминаний. Специально для сеансов позирования Габриэль были заказаны платья у знаменитых сестер Калло, которые шили наряды для дам высшего света и актрис. В этих платьях Габриэль перевоплощалась на картинах то в цыганку, то в испанскую танцовщицу, то в восточную красавицу. Потом она переодевалась в простую одежду и становилась моделью в повседневных семейных сценах. Когда жена Ренуара умерла, а сыновья воевали, именно Габриэль ухаживала за ним, чистила палитру, каждое утро вкладывала кисть между одеревеневшими пальцами и привязывала ее к запястью веревками. «Габриэль с розой» - один из самых знаменитых портретов ренуаровской любимицы, в любимом наряде, жемчужном, полупрозрачном, который Огюст напишет еще в нескольких картинах. Художник сводит к минимуму набор красок: только цвет кожи девушки – и те же оттенки, повторенные в фоне, в одежде, в цветах, разной степени интенсивности и насыщенности. Палитра темнеет и мудреет, слепящий свет импрессионистского жизнерадостного восторга теплеет и уходит внутрь модели. Каждое движение приносит художнику боль, он перестает читать, чтоб сберечь глаза для живописи, он перестает ходить, чтобы остались силы писать. Когда его спрашивают, почему он не бросит, Ренуар совершенно серьезно отвечает: «Боль проходит, а красота остается». ПьерОгюстРенуар Импрессионизм Портрет _history

Пьер Огюст Ренуар "Японская собачка" (1876)

"Жиль" 1719 г. Антуан Ватто Лувр, Париж. Художника, обидеть может каждый «Жиль» - без преувеличения самое известное произведение Антуана Ватто. Когда речь идёт о чем-то столь знаменитом, мы вправе задуматься: в чём заключена его харизма? В чём секрет притягательности? Ватто с детства был без ума от театра. Он сам собрал приличную коллекцию театральных костюмов, любил наряжать в них своих друзей и в таком виде рисовать их. Так на картинах возникали загадочные «гибриды», когда не понятно - реальность перед нами или театр, всё по-настоящему или понарошку, играют люди или просто живут. Но еще больше, чем французскую комедию, чем сумасшедше популярную среди всех социальных слоёв Комеди Франсез, Ватто любил итальянский площадной театр, комедию дель арте, комедию масок. Персонажи комедии дель арте – ветреная Коломбина, коварный Меццетен, печальный Пьеро, которого французы называют Жилем, – не однажды становились героями картин Ватто. Однако Жиль с нашей картины – особенный. Попробуем разобраться, почему. «Жиль» – это история не о персонаже комедии масок, не о самом Пьеро как таковом. Это – история об актёре, «ряженом под Пьеро» и его человеческом одиночестве вне сцены. Актёры на втором плане веселы, они улыбаются и балагурят. Жиль – одинок. Его печальное растерянное лицо как бы говорит: я не знаю, кто я вне этого костюма, вне сцены. И, видимо, оттого так безвольно опущены его руки. «Художника может обидеть каждый», как известно. Жиль и осёл у него под ногами – они так беззащитны, и поэтому так взывают к нашему сочувствию. Марат Гельман писал: «Над этой печалью Ватто склонен скорее иронизировать, его сочувствие глубоко скрыто: изображая театр, он всегда любуется им, ведь театральные страсти – не повод для настоящих переживаний. И все же трудно забыть круглое розовое лицо, доверчиво обращенное к зрителю. Каждому чудится: только ему приоткрыл комедиант свою печаль». Нам, зрителям, даже самым жесткосердным, сложно устоять перед таким проявлением доверия. Мы вынуждены откликнуться. Не исключено, что именно в этом и заключён секрет проникновенности (и популярности) картины «Жиль» Антуана Ватто. АнтуанВатто Портрет Рококо _history

"Клод Моне, пишущий картину в своем саду в Аржантёе" Пьер Огюст Ренуар

"Большие купальщицы" 1887 г. Пьер Огюст Ренуар Художественный музей Филадельфии. Картина «Большие купальщицы» - одна из самых неимпрессионистских у Ренуара. Ее можно смело включать в викторины «Опознай художника-импрессиониста» и рассчитывать, что многие отвечающие как раз здесь и провалятся. Пожалуй, только по профилю Алин Шариго, жены Ренуара (она как всегда прекрасна, плещется в реке - с косой, в правом нижнем углу), можно заподозрить здесь того художника, который десять лет назад совершал переворот в живописи и писал солнечные блики на фигурах людей, танцующих в Мулен де ла Галетт. Ренуар уже несколько лет не участвует в выставках импрессионистов, он едет путешествовать. Алжир, Италия, снова Алжир – Ренуару срочно нужно туда, где Делакруа нашел знойные цвета, томные женские тела и слепящее солнце, и туда, где несколько столетий подряд художники всей Европы в любом возрасте и с любым запасом тщеславия переучиваются писать заново. Путешествие в Италию должно обязательно художника изменить. Наверное, именно поэтому некоторые из художников-друзей Ренуара предпочитали не отъезжать далеко от своих деревенских домов, и даже в Париже бывали редко. Чтобы не утратить собственный стиль. Но Ренуару уже тесно в импрессионизме и тесно во Франции, ему 40 лет и ему нужно решить, куда двигаться дальше и действительно ли он любит Алин Шариго настолько, чтобы жениться. И для этого он решает уехать как можно дальше. «Большие купальщицы» - знак новой жизни. Огюст теперь берет две краски, охру и кобальтовую лазурь, не ходит на пленэр, тщательно пишет глянцевую поверхность тел и оттачивает рисунок, с удовольствием замыкая точные контуры. Однажды Дега сказал о Ренуаре: «Он пишет клубками шерсти!» Теперь все по-другому, он как будто пишет топленым воском, который тут же застывает в неестественных жестах фигурок. Художник работает над этой картиной три года! Ни одному полотну ни до, ни после он больше не посвятит столько времени и не создаст столько подготовительных эскизов. И да, оказывается, он по-настоящему любит Алин. Позже Ренуар будет называть этот период «кислым», а деликатные искусствоведы придумают название «энгровский». Еще немного экспериментов с классицизмом – и Ренуар переродится в совершенно нового художника. Он не из тех, кто боится влияний. Совсем скоро он поедет в Испанию смотреть Гойю и Веласкеса, а потом в Нидерланды – знакомиться с Вермеером и Рембрандтом. ПьерОгюстРенуар _history