Различные позы практика

Художник Александр Николаевич Волков — выдающийся живописец, чьи произведения пронизаны глубоким смыслом и красотой. Его работы поражают своим исполнением, включающем в себя разнообразные стили и техники, особенно впечатляет его умение передавать атмосферу и настроение, а самое главное заложить глубокий смысл в каждую картину. Благодаря виртуозному владению кистью и цветом, Волков создает образы, которые вызывают у ценителей изобразительного искусства различные эмоции. Некоторые картины могут вызывать радость и улыбку, другие - грусть и печаль, а третьи – способны дать такой мощный импульс и заряд силы, который способен пробудить в человеке такие положительные качества как отвага, героизм, доблесть, благородство, патриотизм и любовь к родной земле. К таким картинам относиться полотно «Испания», написанная в 1937г. Она отражает дух времени, когда народные массы восстали против угнетения и требовали изменений. Этот момент исторического перелома нашел свое яркое отражение в живописи, делая картину значимой не только с художественной, но и с исторической точки зрения. Гражданская война в Испании 1936-1939 г-в стала ключевым событием в истории Испании, когда страна была разделена на два лагеря: республиканцев и националистов. Женщины играли значительную роль в этом конфликте, не только как участницы гражданских, политических движений, но и как бойцы на передовой. Главной героиней картины Волкова стала простая испанская женщина, вставшая на ровне с мужчинами в один боевой строй. Она была одной из тысяч женщин, которые поднялись на защиту своей страны от фашистской опасности. Героиня отважно шагает вперед, крепко сжимая своими руками красное знамя, преисполненная решимости любой ценой воплотить в жизнь священные ценности. В ее глазах — отражение будущего, где каждый человек будет свободен и равен. Ее бой — это бой за будущее, где правят не тираны и деспоты, а голос народа, голос свободы. Это женщина-воин, готовая идти до конца ради своих идеалов и убеждений. Каждый шаг, каждый момент этой борьбы наполнен опасностью и риском. Но для нее нет ничего более важного, чем борьба за свободу и достоинство. Она готова принести в жертву все — свою жизнь, свои мечты, свои надежды — лишь бы добиться победы. И пока она идет в бой с красным флагом в руках, ее душа наполнена надеждой. Надеждой на то, что однажды красный флаг станет символом не только борьбы, но и победы — победы свободы и справедливости для всех. Образ женщины на картине — это образ революции, символизирующий силу единства и веры в светлое будущее.

Исаак Левитан - В крымских горах (1886) Левитан умело чередовал различные техники. К слову, он рисовал весьма талантливые натюрморты («Лесные фиалки и незабудки») и портреты («Портрет Софьи Петровны Кувшинниковой»), но они очевидно мало привлекали художника и чести быть нарисованным Левитаном удостаивались немногие – близкий друг Чехов, возлюбленная Кувшинникова, редкие запавшие в душу знакомцы вроде А.А. Грошевой, сам Левитан, зафиксировавший себя в нескольких автопортретах и… те, кто мог за них заплатить. Лишь на пороге голода Левитан принимал постылые сердцу «портретные» предложения.

"Птичий насест" Гектор Джакомелли, ок.1880 > Балтимор, Музей Уолтерса Гектор Джакомелли – французский акварелист, гравер и иллюстратор, итальянец по происхождению. Он получил громкую известность, создавая виньетки, заставки и сложные иллюстрации для роскошных французских и английских изданий. Особенно красивы его композиции, в которых изображены цветы и различные породы птичек, которых он изображал с удивительной правдоподобностью и изяществом. "Птичий насест" – самое знаменитое панно художника, в нем проявилась нежная декоративность и последовательное чередование цветовых ритмов. Двадцать четыре зяблика сидят в ряд на жердочке. Искусство живописца здесь очевидно в талантливой передаче особенностей крошечных птиц, которых он наделяет забавной смышленостью. Этот рисунок интересен милой, затейливой композицией и игривым настроением. Непринужденность линий и легкие колористические сочетания создают впечатление "незаконченности", добавляя шарма произведению.

Анатомия и позы практика познавательное

«Воз сена» 1500—1502гг. Иероним Босх В центральной части триптиха изображена повозка с огромным стогом сена, вокруг которого развиваются все действия. Вверху стога веселятся счастливые любовники. Внизу люди вершат свои мелкие делишки: грабят и обманывают, предаются обжорству, пьянству и мошенничают. Ими движет жажда наживы. И никому нет дела до того, что мерзкие монстры в крысином, рыбьем и жабьем обличье увлекают повозку в преисподнюю. Эти сюжеты представляют собой грехи воровства и распутства. В верхней части композиции на золотом облаке изображен наблюдающий за происходящим Всевышний, к милости которого взывает отчаявшийся вразумить людей ангел. Левая створка триптиха посвящена теме грехопадения прародителей, Адама и Евы, а на правой изображено возмездие за различные грехи, которые объединяет тема жадности. Таким образом, триптих повествует о том, как зло родилось («Грехопадение», левая створка), распространилось по миру («Воз сена», центральная часть) и как оно будет наказано («Ад», правая створка).

"Триумф Вакха" 1629 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. Картину «Триумф Вакха» Диего Веласкес написал, что называется, на спор. Но удивительным было даже не это, а тот факт, что до сего момента художнику не приходилось обращаться к мифологической живописи, которую так любила его эпоха – эпоха барокко. Картины мифологической тематики пользовались гигантской популярностью: ими украшали ратуши и замки, суды и университеты, гостиные и спальни. Вспомнить хотя бы старшего современника Веласкеса – Рубенса, который отдал аллегорической живописи чрезвычайно щедрую дань! Но 30-летнего Веласкеса античный антураж оставлял равнодушным. Почему же Веласкес создал «Триумф Вакха»? До 23 лет Веласкес жил в Севилье и там писал в основном бодегоны – реалистичные бытовые зарисовки в какой-нибудь таверне или харчевне. Иногда его упрекали: что же ты, дескать, всё малюешь гуляк да пьяниц, изобразил бы бога или героя какого! Но юный Веласкес придумал в ответ замечательную формулу, которой потом руководствовался всю жизнь: «Лучше быть первым в грубом жанре, чем вторым в изящном». А уже в 24 года художник оказался в Мадриде и долгое время писал исключительно портреты. Практически сразу он получил звание придворного живописца короля Филиппа IV. Веласкес был очень молод, но король – на 6 лет моложе. Филипп приблизил его к себе, устроил Веласкесу мастерскую прямо в своих покоях. Любил сидеть там и наблюдать, как художник работает. Не позволял портретировать себя никому, кроме Веласкеса. Давал ему одно придворное звание за другим. Не разрешал уезжать надолго, потому что очень скоро начинал скучать по своему камергеру и другу. И, конечно, у прочих художников это вызывало огромную ревность. При дворах европейских монархов традиционно работали приглашённые итальянцы, воспитанные на культуре античности. Они плели против Веласкеса интриги. Однажды взволнованный король пришёл в мастерскую к своему фавориту и заявил с порога: «Они говорят, что ты умеешь хорошо рисовать только лица! Неужели это правда?» Ответом Веласкеса и стала картина «Триумф Вакха» (известная также под испанским названием Los Borrachos – «Пьяницы»). С убедительной наглядностью он показывал заносчивым итальянцам: «Не только лица! И тела тоже! И композицию могу выстроить не хуже, чем на ваших античных фризах. И Вакха написать не менее живым и соблазнительно-хмельным, чем ваш хвалёный Караваджо!» В чем своеобразие картины Веласкеса «Триумф Вакха»? Но и в несвойственном ему мифологическом жанре Веласкес остался Веласкесом: античную вакханалию он скрестил с испанским бодегоном, высокое – с низким. Как правило, свита Вакха состоит из вакханок и сатиров. А Веласкес решил поместить бога вина и страсти среди простых крестьян, помятых и побитых жизнью, в простой одежде и с обветренными лицами. Его Вакх – белотелый, немного рыхлый. По нынешним меркам, его тело можно назвать слегка «поплывшим», а вот сатир позади него – мускулист и смугл. Противопоставляя их, Веласкес показывает, что он большой мастер своего дела (и чужого тела): он может передавать и сложные ракурсы, и разнообразные позы, и различающееся «агрегатное состояние» человеческой плоти. Вакх Веласкеса сидит на бочке с вином – это его трон. Нагота его прикрыта складками ткани «королевских» цветов – белого и пурпурного. На его голове – венец из виноградных листьев, а сам Вакх коронует кого-то из своих особенно ярых почитателей, отметившегося на ниве пития и разврата, таким же виноградным венком. Крестьяне пришли к божеству с просьбой облегчить их тяжелую жизнь. А Вакх даровал им вино – самый доступный способ забыть о горестях и печалях. Большая плоская чаша в руках у центрального персонажа (в шляпе) написана притягивающе-реалистичной. Кажется, что глядя на глянцевую поверхность вина, можно ощутить его прохладу и терпкий аромат. Взгляд обрадованного пьяницы направлен прямо на нас. Он улыбается так широко и по-свойски, что буквально «затягивает» зрителя в пространство картины, требуя разделить с ним его веселье и питьё. ДиегоВеласкес Барокко МифологическаяСцена _history

Любите антиквариат? Или, может быть, Вас интересуют различные плакаты и афиши? Они, а также живопись, графика, старинные книги, винтажная мебель и много других интересных лотов Вас ожидают в Telegram-канале Регулярные Online и офлайн аукционы, высококачественные фото предметов искусства, интересная информация об авторах и их работах. А также команда специалистов, готовая оценить Ваш антиквариат и выставить его на аукционные продажи. Заходите и следите за обновлениями — https://t.me/Auctionhouse1

Позы и движение практика

"Возлюбленная" (Невеста) Данте Габриэль Россетти, 1865-1866 > Лондон, Тейт Говорят, что Россетти в поисках совершенства на протяжении всей своей жизни вносил изменения в данную работу. Главная героиня поймана в движении, приподнимающая фату, а вокруг неё располагаются четыре девственные подруги и африканский мальчик-слуга. Все на полотне контрастирует с красноватым оттенком волос и бледной кожей невесты: и темная кожа пажа, и различные оттенки темных волос четырех девушек, и их тона кожи. Многие эксперты считают, что этот прием цветового контраста, который выделяет все особенности лица невесты, Росетти использовал под влиянием противоречивой картины Эдуарда Мане под названием «Олимпия». Головному убору и одеждам невесты и подружек Россетти уделил особое внимание. В них отчётливо угадывается невообразимое сочетание как перуанского, так и японского национального костюма. Но в центре холста доминирует девушка типично западноевропейского типа, а всё это изобилие экзотической ткани лишь обрамляет её лицо.

"Похороны сардинки" 1810-е Франсиско Гойя Королевская академия изящных искусств Сан-Фернандо, Мадрид. Франсиско Гойя – специалист по жутким историям и непростым для понимания сюжетам. Его «Капричос» даже сопровождались подписями, без которых сложно, а иногда и совсем невозможно понять замысел Гойи. Но картина, о которой пойдёт речь, не вписывается в этот ряд персональных фантазий Гойи. «Похороны сардинки» – это не произвол авторской фантазии, а реально существовавший в Испании ритуал с лёгким привкусом абсурда. Зачем испанцам хоронить сардину? В пепельную среду – день, предшествующий началу Великого Поста, жители Мадрида и других городов Испании, а также испанских колоний в Латинской Америке, шумной толпой высыпали на улицы. Многолюдная процессия несла впереди себя большую рыбу (сделанную из подручных материалов). Со всех сторон раздавались притворные рыдания и громкий потешный плач. Ближе всех к безвременно почившей рыбе располагались громко стенающие «вдовы» с черными усами – группа ряженых испанских мужчин. Все идущие изображали безутешную скорбь, неизбежно переходящую в народные гуляния с песнями и плясками. Задача похорон сардины та же, что у любого карнавала: повеселиться и покуражиться так, чтобы хватило на все семь недель предстоящего поста. В конце праздника чучело рыбы сжигали (совсем как чучело Масленицы во время аналогичного праздника), а пепел бросали в воду. В наше время этот обычай с соблюдением всех установленных ритуалов лучше всего сохранился на острове Тенерифе – самом большом из островов Канарского Архипелага, бывшей испанской колонии. Пиренейские конквистадоры в XVI веке экспортировали на Тенерифе из Испании не только грипп и оспу, но также католическую религию и сопутствующие ей ритуалы вроде потешных похорон мёртвой рыбы, нашедших отражение в известной картине Франсиско Гойи. Версии происхождения «Похорон сардинки» Похороны мёртвой рыбы бессмысленны только на взгляд рационалиста. Но в карнавальном сознании, переворачивающем мир вверх ногами и предпочитающем порядку – весёлый хаос, ничего невозможного не существует. По одной из версий, похороны сардины – это трансформация другого карнавального ритуала, еще более древнего. Когда-то в Испании накануне поста принято было погребать специально для этой цели заколотого поросёнка. Название такого жертвоприношения – cerdna – было созвучно слову «сардина», так что со временем и хоронить стали её: чем абсурднее, тем веселее! Другая версия приурочивает ритуал как раз к эпохе Гойи: якобы при короле Карлосе III, первом покровителе художника, народ во время карнавала угостили протухшими сардинками. Но угощение сопровождалось таким количеством вина, что подданные Карлоса III не обиделись, а решили учредить торжественные похороны безвременно усопшей рыбы. Место картины в творчестве Франсиско Гойи Фред Лихт, специалист по творчеству Гойи, пишет: «Похороны сардинки» – одно из самых удивительных и виртуозных из дошедших до нас произведений кисти Гойи. Редко кто достигал такой решительности и смелости мазка. Каждый мазок является каллиграфическим чудом и в то же время с виртуозной точность живописует выражения лиц и эмоциональный заряд каждой позы или жеста. Глядя на картину, мы оказываемся где-то посередине, в идеальной точке равновесия между гобеленами Гойи и его «черными картинами». Буйное народное веселье первых постепенно сменяется тревожностью последних. В потемнении колорита, в неоднозначной маске на стяге и особенно в избыточности жестов и движений зритель начинает смутно ощущать беспокоящий подтекст массовой истерии, лежащей в основе фиесты». ФрансискоГойя Романтизм _history

Целомудрие. Статуя «Целомудрие» выполнена Антонио Коррадини в 1752 году и представляет собой надгробный памятник Чечилии Гаэтани дель Аквила д’Арагона (1690 -1710), матери князя Раймондо, умершей вскоре после родов. Коррадини, неоднократно изображавший до этого людей, закутанных вуаль или тканью, достиг здесь вершины своего творчества. Ткань, как будто став влажной от масляных испарений светильника, элегантно и естественно облегает женское тело. Взгляд в сторону, невыразимая лёгкость позы, увядшее древо под ногами, разбитая мраморная плита с эпитафией — всё это, наряду с тканью, подчёркивает, что жизнь изображённой женщины должна была оборваться слишком рано. Основной идеей памятника стала, вечная боль оттого, что он никогда не знал женщины, подарившей ему жизнь ценою собственной.

"Стол и стулья" 1912 г. Андре Дерен Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. «Стол и стулья» – один из ряда натюрмортов, демонстрирующих прощание Дерена с фовистической традицией. Следующим этапом стало увлечение кубизмом, а если быть точнее – Сезанном, ставшим предвестником кубизма. В натюрморте легко узнаваем диалог с Сезанном. Традиционная белая скатерть Сезанна, плотность, объем, вес предметов, сдержанная палитра… Красочное буйство и плоскостные изображения фовистической поры остались позади. Но дальше сезанновского "протокубизма" Дерен в этом направлении не пойдет. В жизни он дружил с Пикассо, а в искусстве его увлечение кубизмом оказалось недолгим. «Невозможно все свести к прямым линиям… Изгиб подбородка не похож на изгиб тарелки», – пояснял свой уход от идей кубизма Андре Дерен. В натюрморте «Стол и стулья» подчеркнута геометричность форм. Ключевой, повторяющейся фигурой является окружность: круглый стол, видимые направленному сверху взгляду круги ваз и бокала, шарообразные фрукты, расставленные по кругу стулья. Интересно, что хлебница (слева) показана не сверху, а сбоку. Это вполне укладывается в рамки кубизма, в нем приветствовались множественные точки видения. Колорит картины сдержанный и при этом насыщенный. Преобладают три оттенка: различные вариации коричневого, серо-зеленый и бело-голубой. Это тоже в рамках кубистической традиции, но даже в таком минималистическом колорите проявилось тонкое чувство цвета, присущее Дерену: рыжеватый оттенок вазы, теплый тон стульев и бордовые фрукты, зеленые всполохи на скатерти и плотная портьера. В целом настроение картины несколько мрачновато, что в принципе присуще многим натюрмортам Сезанна и картинам кубистов. Интересно проследить эволюции натюрморта в жанре Андре Дерена. Если рассмотреть один из первых натюрмортов, датированный 1904 годом, бросается в глаза некоторая чрезмерность изображенных предметов: бутылки, кувшины, миски, тарелки фруктов. Художник только осваивает предметные и пространственные свойства, жадно сочетает разные формы, объемы, фактуру: скомканная скатерть на первом плане, несколько беспорядочное скопление различных по форме предметов на заднем. Здесь уже можно угадать стремление Дерена к декоративности, которое в следующем, 1905 году, наберет силу и приведет к появлению фовизма. А пока это лишь сочетание голубоватых отсветов на блюдах и скатерти, прохлады зелени и неожиданно теплого оттенка на участке залитом солнцем скатерти, и красный фон, и алые фрукты. Натюрморты кубистического периода, среди которых и рассматриваемый здесь, более лаконичны и сдержанны. Словно художник решил значительно сократить количество и разнообразие предметов, сделать более сдержанной палитру, лаконичной – композицию и придать изображению глубину. После Первой мировой войны Дерен решительно поворачивается к классике. Поздние работы написаны в духе старых музейных натюрмортов. По мнению некоторых исследователей, он перешел к «холодному натурализму», но, пожалуй, это слишком субъективное мнение. Тем более сам Дерен вовсе не стремился быть классифицирован, считая, что «живопись всегда остается одним и тем же – просто живописью». АндреДерен Натюрморт Кубизм _history

Питер Пауль Рубенс Самсон и Далила 1609 Питер Пауль Рубенс (1577-1640) - фламандский художник, ярчайший представитель эпохи барокко. Особенности творчества Рубенса - это широкий жанровый диапазон, он писал картины на мифологические, религиозные, исторические сюжеты, кроме этого, был крайне изобретателен в композиционных решениях своих картин, мастерски изображая драматичные позы и жесты; вошел в историю также как автор собственного идеала красоты - пышных «рубенсовских форм». Библейский богатырь Самсон заснул, упав на колени красавицы Далилы. Его могучее тело оказалось бессильным перед чарами прекрасной обольстительницы. Рубенс перенес место действия в бордель, отступая от прямого религиозного сюжета, представляя своих персонажей как простых исторических личностей и вкладывая в происходящее двойственный смысл. Мудрость Священного писания гласит о вреде неумеренности и о неминуемом наказании за несоблюдение человеком этого закона. Упавшему под действием вина и женских ласк грозному воину Самсону остригают волосы – источник его невероятной силы. Ему грозит постыдный плен, ослепление и рабский труд на своих коварных врагов. Воины с оружием уже входят в дверь, приглашенный цирюльник и старуха-сводница со свечой завершают печальную сцену. Ярко-красная одежда Далилы, как хлынувшая кровь, приковывает взгляд зрителя, безмолвно вещая о бушующих на полотне страстях. Плен и позор… но не конец истории. Легендарный Самсон, будучи слепым, разрушит дом своих врагов, похоронив под обломками себя и ненавистных ему филистимлян. художник Рубенс живопись галерея историяшедевра искусство лебедиЛеонардо

Парные позы. практика

"Письмо" 1891 г. Мэри Кассат Собрание Честера Дэйла, Нью-Йорк. «Письмо» — одна из десяти цветных гравюр Кассат, посвященных жизни современной женщины. Эту серию художница представила на своей первой персональной выставке в галерее Поля Дюран-Рюэля в 1891 году. Простые и в то же время изящные работы, выполненные в техниках «сухая игла» и «акватинта», очаровали парижскую публику. Скупой на комплименты Камиль Писсарро назвал их технически безупречными и удивительными по колориту. А ведущий исследователь творчества художницы Аделин Брискин считает гравюры самым значительным вкладом Кассат в историю мировой живописи. Оттиски гравюры «Письмо» сейчас хранятся в нескольких музеях. Кассат заинтересовалась графикой во время поездки в Италию в 1871 году. Она брала уроки у Карло Раймонди, руководителя отдела гравюры Пармской академии живописи. Но дальше обучения дело тогда не пошло. Спустя восемь лет Дега предложил Кассат вместе создать серию иллюстраций для журнала «День и ночь». Художница работала в мастерской наставника, где был печатный пресс и другие приспособления, необходые для создания офортов. В журнале эти иллюстрации не вышли: Дега внезапно разорвал договоренности, и проект закрылся. Созданные к тому времени работы Кассат представила на пятой выставке импрессионистов в 1880 году. К гравюрам она вернулась только через 10 лет. «Письмо» иллюстрирует одно из важнейших занятий образованных и обеспеченных женщин конца XIX века. Дамы использовали письма не только для общения с родственниками и друзьями. Домоводство и социальные коммуникации (различные заказы, ответы на приглашения и проч.) тоже были завязаны на переписке. Мы видим молодую женщину, которая сидит за столом и запечатывает только что написанное письмо. В ней чувствуется сдержанная красота и достоинство. Глаза женщины выражают решимость и безысходность одновременно. Скорее всего, это письмо далось ей трудно. Как и другие работы серии, «Письмо» создано под впечатлением от японского графического искусства, в частности, ксилографий Утагавы Хиросигэ. Кассат уплощила пространство и исказила перспективу, чтобы максимально приблизить зрителя к изображению. Элементы композиции уравновешены с помощью цвета (пестрое платье и обои vs однотонная поверхность стола, бумаги и конверта). Черты лица и черные волосы выдают в женщине азиатку. А вот антураж комнаты характерен для Франции времен Кассат. Откидной столик, изображенный на гравюре, принадлежал самой художнице. «Письмо» отличается не только композиционной упорядоченностью и гармоничным цветовым решением. Кассат проявила свой талант рисовальщика и владение линией, которое так восхищало в ней Дега. Гравюра, пусть и опосредованно, рассказывает о положении современниц Кассат, живших в мире многочисленных социальных табу. Художница и сама страдала из-за несправедливых ограничений. В «Письме» Кассат передала хорошо знакомое ей чувство щемящей грусти. МэриКассат _history

Конструктивный рисунок фигуры человека. Различные позы. практика

Николай Пимоненко "Святочное гадание" (1888) В процессе гадания девушки зажигали свечу, наливали в чашку немного воды, и капали туда воск. Воск застывал, образуя различные формы, которые очень внимательно рассматривали девушки, чтобы разгадать профиль любимого: вдруг увидят что-то знакомое.

"Оливковые деревья в Кавальере" 1906 г. Анри Шарль Манген Частная коллекция. Пейзаж «Оливковые деревья в Кавальере», написанный на пике расцвета фовизма, входит в число самых важных картин в творчестве Анри Мангена. Работа датируется 1906 годом, когда смелые цвета и выразительные мазки выдвинули фовистов в авангард современного искусства, а Манген оказался на переднем крае этого движения вместе со своим коллегой Анри Матиссом. Оба художника познакомились в Школе декоративных искусств, а затем в ноябре 1894 года поступили в Школу изящных искусств, где их наставником стал символист Гюстав Моро. И хотя учитель был членом консервативного Института Франции, он предоставлял своим студентам большую свободу – а они высоко оценили его толерантное отношение. После смерти наставника в 1898-м Манген оставил обучение, и год спустя переехал с молодой женой и любимой натурщицей Жанной Каретт в дом по улице Бурсо, 61. Будучи сыном состоятельных родителей, он обустроил в саду разборную студию, куда созвал своих однокашников и оплачивал моделей, которые им позировали. За год до легендарной Осенней выставки в Салоне 1905 года в этой мастерской работали Матисс, Альбер Марке, Жан Пюи и Шарль Камуан. Они разделили увлечение Матисса дивизионизмом (или пуантилизмом): для развлечения и удовольствия писали друг друга и обнаженных натурщиц, больше ориентируясь на небрежный стиль Максимильена Люса, чем на скрупулёзную технику Поля Синьяка. Зима была периодом интриг, заговоров и неистового закулисного лоббирования: различные фракции художественного мира пытались продвинуть на показы следующего года своих фаворитов. Поэт Шарль Герен в декабре записал Матисса на встречу по планированию Осеннего салона, поручив ему «привести Мангена, Марке и других сочувствующих, которых он сможет привлечь». Об этом пишет Хилари Сперлинг в своей книге «Неизвестный Матисс» (1998). Лето 1905 года прошло у новаторов в лихорадочной работе. Они писали виды на юге Франции, в Сен-Тропе и близлежащем Коллиуре, увлечённые ослепительным жарким солнечным светом, заливающим ландшафт с оливковыми рощами. Но их энергичные мазки, густо наложенные краски и яркие чистые цвета вызвали настоящий скандал в Салоне осенью того же года. «Горшок с краской был брошен в лицо публике», – возмущалась критик Камилла Моклер. А по свидетельству писательницы Гертруды Стайн зрители даже царапали холсты в знак презрения. Там же пионеры фовизма получили своё крещение. Критик Луи Воксель описал зал №7, где были выставлены их работы, как «Донателло среди диких зверей» (имелось в виду, что в центре, окружённая эпатажными полотнами, стояла скульптура в стиле Ренессанса). Журналист пытался оскорбить художников, но тем понравилось прозвище «дикие» (fauves, фов). Вскоре оно получило широкое распространение, а затем стало обозначением нового движения. После выставки Манген продолжил создавать блестящие, выразительные и эмоционально наполненные полотна. Именно за любовь к цвету и прославление жизни через поэтические образы беззаботной неги и безмятежности поэт Гийом Аполлинер назвал фовиста «сладострастным живописцем». В мае 1906 года арт-дилер Амбруаз Воллар проявил недюжинную проницательность, купив свыше девяноста работ Мангена. Спустя 80 с лишним лет журналист Жан-Луи Ферриер написал: «Картина Мангена – это симфония сильных цветов, где чистый красный доминирует над красно-оранжевым, пурпурно-фиолетовым, тёмно-синим, тёмно-зелёным и золотисто-жёлтым. Линии, формы – всё выражает силу. Всё поражает. Это возвышенное произведение, которое согревает сердце и приносит радость». В марте 1907 года пейзаж «Оливковые деревья в Кавалер-сюр-Мер» приобрела у художника парижская галерея Bernheim-Jeune. Спустя почти 30 лет Анри Манген выкупил его у частного лица и хранил в своей коллекции вплоть до смерти в 1949 году, после чего картину получила в наследство его дочь Люсиль. В мае 2016 года произведение было продано на аукционе Sotheby’s за 1 млн 150 тыс. долларов США. АнриШарльМанген Пейзаж Фовизм _history

Тишина 1916-1918 Кес ван Донген Частная коллекция Один из основоположников фовизма. Работа впечатляла современников своей эпатажностью, но сейчас понятно насколько это было мощным живописным новаторством, кстати, имевшим большой резонанс в искусстве того времени, да и сейчас остаётся актуальным. За грубыми и примитивными формами скрывается утончённость, элегантные позы, гармоничность. Главные его картины посвящены "современным женщинам", погруженным в мир домашней неги, моды и развлечений. Наибольшую известность Ван Донген получил как автор стилизованных женских портретов. И в наши дни Кес ван Донген остается непревзойденным в своем стиле мастером женского портрета.

Конструктивный рисунок фигуры человека. Различные позы. практика

Парижский поезд в виде музея. В Париже 5 пригородных поездов на линии RER-C получили поистине королевскую раскраску. Железнодорожная компания SNCF превратила вагоны в подобие залов и садов Версальского дворца. Для макияжа интерьеров поездов команда использовала специальную самоклеящуюся пленку. Различные вагоны воссоздают сады, фонтаны или интерьеры Версальской резиденции, включая даже детали, такие как цветы, мебель и потолочные плафоны. Поезда были выпущены на линию 2016 году. Это не первый раз, когда SNCF решает украсить свой транспорт. Ранее в пригородных поездах воссоздавали картины импрессионистов из любимого туристами Музея Орсэ.

"Проводы покойника" 1865 г. Василий Григорьевич Перов Государственная Третьяковская галерея. Проведя некоторое время в Париже, Василий Перов в 1864 году вернулся в Москву. Его полностью захватила идея создать ряд картин, посвященных тяжелой жизни простых людей, которую молодой художник принялся реализовывать с присущим ему жаром. Первым произведением, появившимся после возвращения живописца из-за границы, стала картина Василия Перова «Проводы покойника», написанная в 1865 году. Взгляду зрителя предстает грустная сцена: по заснеженной дороге медленно двигаются небольшие старенькие сани, на которых едва помещаются простой деревянный гроб и двое детей — мальчик и девочка. Места так мало, что вдова вынуждена сесть на край гроба, чтобы править тощей усталой лошадью, медленно волокущей сани по заснеженной дороге. Если внимательно присмотреться к картине Василия Перова «Проводы покойника», можно заметить, что художник использует диагональную композицию, которая, по идее, должна передавать действие, движение. Однако позы его персонажей и выражения их лиц говорят нам об отсутствии бурных чувств, несмотря на то, что утрата близкого человека — это всегда боль и ропот на несовершенство мира. Девочка сидит, бездумно глядя на дорогу и полуобняв гроб, а мальчик спит, укутавшись в тулуп. Их мать поникла головой, словно погрузившись в скорбные думы, и не мешает лошади размеренно тащить сани по направлению к деревенскому кладбищу. От картины Василия Перова «Проводы покойника» веет смирением и безысходностью. Сизые тучи, нависшие над скорбной процессией, только усиливают тоскливое и мрачное впечатление. Художник изобразил сумрачный зимний день при помощи контрастных тонов: темный оттенок туч соседствует с приглушенной белизной снега и ярким пятном скрытого за облаками солнца. Такое сочетание позволило Перову максимально четко передать трагизм происходящего: потерю кормильца и опоры семьи, обреченность и осознание неизбежности, покорность Божьей воле. Картина произвела на критиков и публику неизгладимое впечатление: Василия Перова наградили специальной премией, а спустя два года «Проводы покойника» были выставлены на Всемирной выставке, которая проходила в Париже. Современники художника дали высокую оценку его произведениям, в частности, ему было пожаловано звание академика и продлено на два года пансионное содержание. «Проводы покойника» — не единственная картина Василия Перова, написанная в жанре идейного реализма. Он создал еще несколько полотен, описывающих быт крестьян и рабочих: «Утопленница», «Тройка». ВасилийПеров Реализм _history

Мы обожаем крутые коллаборации... …поэтому на ARTLIFE FEST 2021 будет работать специальная арт-зона, которую мы организовали вместе с нашим генеральным партнером МТС и художником Александром Рощиным. Александр Рощин - петербургский художник, который работает в области рисунка, живописи, инсталляции и перформанса. Художник создаёт работы на различные темы, размышляя о влиянии современных технологий на человека, влиянии человека на окружающий мир, о будущем человечества и взаимодействии художника и зрителя. Специально для этого проекта он создал стильную фотозону в своей авторской технике. Александр подобрал традиционные орнаменты и попиксельно разбил их на элементы, используя синтетические материалы – пластиковые панели, цветные чернила и спирт. Через символику этнических орнаментов художник складывает собственную историю. Ищите арт-зону МТС на площадке фестиваля. Впрочем, её невозможно пройти мимо У каждого художника свой путь. BE ARTIST!️

"Лунная ночь" 1880 г. Иван Николаевич Крамской Государственная Третьяковская галерея. Талантливый российский пейзажист и портретист Иван Крамской сумел покорить сердца своих почитателей умением наделить практически любой сюжет, перенесенный им на полотно, невероятно мощной эмоциональной составляющей. Для этого он использовал все доступные ему средства — выразительный фон или его отсутствие, тщательно прорисованную мимику и позу персонажа, выверенное сочетание красок. Шедевры его кисти поражают зрителей даже по прошествии полутора сотен лет, и картина Крамского «Лунная ночь» — яркий тому пример. На полотне изображен укромный уголок старого парка, раскинувшегося подле пруда. На скамье под большим тополем, озаренная светом полной луны, сидит молодая женщина. Ее голова слегка наклонена, а взгляд задумчив — о чем грезит она, глядя на белые цветки лилии, замершие на водной глади? Какие мечты завладели ее мыслями в эту теплую лунную ночь? Рука женщины покоится на спинке скамейки, от позы веет умиротворенностью и покоем. Это ощущение подчеркивают плавные, почти струящиеся линии длинного белого платья и легкой шали-накидки. Кажется, будто свет исходит не от ночного светила, а от таинственной незнакомки, присевшей отдохнуть во время вечерней прогулки по парку. «Лунная ночь» — картина Крамского, созданная им в 1880 году. Работа над полотном была начата в 1879 г., и моделью для эскизов послужила А.И.Попова, ставшая впоследствии супругой Д.И.Менделева. На заключительном этапе работы над полотном в роли натурщицы выступила Е.А.Третьякова, которая была второй женой известного российского мецената и коллекционера С.М.Третьякова. Художник долго выбирал название для своего произведения, колеблясь между «Старыми тополями», «Волшебной ночью» и просто «Ночью». В итоге некоторое время он использовал для выставок последний вариант, который позже трансформировался в название, знакомое сегодня каждому почитателю таланта Крамского. На картине Крамского «Лунная ночь» природа предстает перед нами во всей своей первозданной красоте, которую подчеркивает образ молодой женщины в белых одеяниях. Создавая свой шедевр, Иван Николаевич постарался передать очарование летней ночи, наполненной тайной и безмятежностью, и это ему удалось благодаря искусной подаче игры света и тени. Там, где на пути лунных лучей встали густые кроны деревьев, парк погружен во тьму, и можно лишь угадывать, что скрывается за стволами деревьев и цветущим кустом. Природа скована сном, и ничто не в состоянии потревожить ее покой: на водной глади не видно ни малейшей ряби от ветерка, все замерло в ожидании утра… Современники Крамского высоко оценили это полотно: в 1880 году картина «Лунная ночь» стала экспонатом 8-й выставки, устроенной Товариществом передвижников, а после окончания выставки ее приобрел Сергей Третьяков. Сегодня картину Крамского «Лунная ночь» можно увидеть в Третьяковской галерее в Москве. ИванКрамской Реализм _history

"Свежий кавалер" 1846 г. Павел Андреевич Федотов Государственная Третьяковская галерея. «Свежий кавалер» – картина, после которой Павел Федотов проснулся знаменитым. Еще недавно в моде были пышные исторические композиции, а Карл Брюллов снобистски убеждал Федотова, что тому недостаёт знаний и академической выучки, чтобы дерзать быть художником. Но к середине 1840-х в русской культуре сформировался мощный тренд не на возвеличивание, а на критику жизни. В литературе его подхватил Гоголь, в живописи – Федотов. В каком-то смысле «Свежий кавалер» – двоюродный брат гоголевского Хлестакова. Однако обо всём по порядку. Почему герой картины стоит в позе античного оратора? Что протягивает ему кухарка? Почему вокруг них такой чудовищный беспорядок? И кто кому – кавалер? Смысл сюжета в первые минуты ускользает от нас. Так происходит не потому, что Федотову не удалось в должной мере воплотить собственный замысел – как раз наоборот. Проблема в том, что минуло 170 лет и многие бытовые реалии ушли. А без них «Свежий кавалер» остаётся тёмным и непонятным. Яснее станет, если вспомнить, что альтернативное название картины– «Утро чиновника, получившего первый крестик». Итак, перед нами представитель чиновничьего племени в утренней домашней неприглядности. Его халат смахивает на римскую тогу, а папильотки в волосах – на лавровый венок. Античные отсылки и цезарева величественность позы курьёзны и жалки в тесноте и впечатляющей грязи обстановки. Наш герой недавно проснулся. И очевидно, его ночь была непростой. Кувшины, валяющиеся бутылки, объедки и рыбьи хвосты на полу недвусмысленно указывают на недавнюю попойку. Гитара намекает: было весело. Кухарка протягивает сапоги – оделись бы вы, дескать, барин. Помятый барин вместо этого тычет пальцем в свежего «Кавалера» – полученный накануне орден, основательный повод напиться. Прогрессивная критика XIX века вцепилась в этого федотовского персонажа, увидев в нём утрированное воплощение всех недостатков бюрократической крепостнической России. Доходило чуть не додемонизации. Владимир Стасов, известнейший критик и вдохновитель передвижников, красноречиво клеймил злобность, чванство, бездушие и «боготворение ордена»: «...Перед вами понаторелая, одеревенелая натура, продажный взяточник, бездушный раб своего начальника, ни о чем уже не мыслящий, кроме того, что тот даст ему денег и крестик в петлицу. Он свиреп и безжалостен, он утопит кого и что захочет, и ни одна складочка на его лице из риноцерсовой (от франц. rhinocéros– носорог) шкуры не дрогнет». Между тем никакого жесточайшего обличения в «Свежем кавалере» нет. Взгляд Федотова язвителен – но и только. Мы видим, что каморка нашего чиновника тесна, обставлена разнокалиберной мебелью и в целом довольно убога, а сапоги и халат дырявы. Взяточник как-то мелковат для подобных масштабных инвектив, да и с носорожьей свирепостью Стасов погорячился. Некоторые сторонники критического реализма в антикрепостническом запале пытались доказать, что герой Федотова негодяй. Он-де унижает слабого – свою кухарку (считается, что в картине есть и намёк на их сексуальную связь, житейское для своей эпохи дело). Однако симпатичная крепостная девка на картине – явно в более выигрышной позиции. Её красноречивый взгляд выражает смесь презрения и снисхождения к непутёвому барину, помпезная поза которого не демонстрирует превосходства, а всего лишь указывает на его профессиональную деформацию: где ж сыскать в России чиновника, который не страдал бы от маниакального тщеславия? Всё это подаётся скорее с мягким юмором, чем с уничижительнымсарказмом. Гоголь в «Ревизоре», был, пожалуй, порадикальнее в обличениях, чем художник Федотов. Забавно, что в реальности чиновничье фанфаронство оказалось опаснее, чем на картине. Например, один из цензоров совершенно всерьёз требовал от Федотова замалевать орден (высокую государственную награду!), дабы не подрывать сакральных устоев державы. ПавелФедотов Реализм _history | Слушать аудиоразбор

Балканское барокко В 1997 году Марина Абрамович представила свой перфоманс «Балканское барокко», который являлся реакцией на гражданскую войну в Югославии. Перед глазами публики представала целая гора говяжьих костей (всего около 1500 штук) весом около полутора тонн, от которых шел невыносимый запах. Сама же художница находилась также среди этих костей и занималась тем, что методично очищала кости от остатков мяса. Помимо этого, в разных местах помещения располагались странные медные емкости с черной водой, а на стенах вокруг «горы» зрители могли видеть проекции детских фотографий самой Абрамович, где она запечатлена вместе со своей семьей. В качестве же звукового сопровождения выступали записи, на которых Абрамович рассказывала различные истории и пела балканские народные песни из своего детства. За эту работу Марина Абрамович была удостоена премии «Золотой Лев». Искусство или нет?

"Пряхи, или Миф об Арахне" 1650-е Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. Перед нами масштабная картина, которую знаменитый социолог ХХ века Хосе Ортега-и-Гассет считал лучшей из поздних картин Веласкеса. Не избалованные всеобщим вниманием «Менины» с испанскими королевскими особами, а простонародных «Прях», написанных Веласкесом за три года до смерти (Прадо, где хранится полотно, датирует картину 1655 - 1660 гг), называет Ортега настоящей вершиной. Но для понимания картины, полное название которой «Пряхи, или Миф об Арахне», потребуется определённое интеллектуальное усилие. С первого взгляда не сразу и сообразишь, что именно перед нами происходит: никто из женщин не смотрит на зрителя, не посылает ему объяснительных сигналов. Позы прях на переднем плане настолько же реалистичны, насколько необычны. Обычно Веласкес писал королевских или придворных особ – они располагались лицом к зрителю и изображались в традиционной торжественной статике. А здесь мы видим героинь в ритмичном волнообразном движении. Некоторых – со спины. Других – наклонившимися, развернувшимися, присевшими – словом, полностью поглощенными работой. Помещение, где женщины заняты пряжей, темновато. Это заставляет вспомнить о ранних бодегонах Веласкеса – бытовых сценках, исполненных в манере Караваджо. А впереди, в смежной комнате, отделённой от нашей двумя массивными ступенями, потоком струится солнечный свет. Ортега-и-Гассет, кстати, полагал, что этот поток света, падающего слева, и есть протагонист (главный герой) картины. Свет щедро проливается на другую группу женщин в парадных пышных платьях. Рядом с ними располагаются музыкальные инструменты, а вся стена затянута гигантским дорогим гобеленом, изображение которого, при желании, тоже поддаётся расшифровке. Но прежде возникает вопрос: а что общего между этими двумя группками женщин? Чем они связаны? Почему эти два разнородных пространства Веласкес объединил? Причем не просто объединил, а подчинил принципу зеркальности. Композиционно эти группы аналогичны: по две героини справа и слева, а одна – впереди и несколько в глубине. Но уподоблены группы героинь на первом и втором планах только для того, чтобы тут же их противопоставить. «Здесь работают – там играют, здесь необработанная шерсть – там готовый гобелен, здесь отдёргивают портьеру, чтобы впустить свет, – там все залито светом, здесь крутится колесо прялки – там стоит виолончель, на которой никто не играет. Здесь пространство работы, ремесла, действия, там – созерцания, чистого искусства, - сравнивает искусствовед Марина Торопыгина, - две эти темы – ремесло и искусство – сопоставляются и в то же время как будто отражаются одна в другой». Однако оказывается, что связь между этими двумя группами персонажей, двумя разнородными мирами – гораздо глубже. Она не просто композиционная, но и смысловая. Дело в том, что, гобелен, который с таким вниманием рассматривают знатные дамы, рассказывает нам о… пряхах. Сравнительно недавно удалось установить, что изображение гобелена написано по мотивам картины Тициана «Похищение Европы». А это сразу же заставляет вспомнить о мифической пряхе Арахне. Согласно античной легенде, Арахна так возгордилась своим умением, что вызвала на поединок саму Афину – не просто богиню мудрости, но еще и изобретательницу веретена. Дерзость Арахны простиралась и дальше: она выткала на полотне эпизод из многочисленных любовных приключений отца Афины Зевса, а именно тот, где он похищает дочку сидонского царя Европу. Афина в назидание превратила Арахну в паука, чтобы ей вечно плести свою паутину (боязнь пауков так и называется – «арахнофобия»).

Сэр Фредерик Лейтон "Пылающий июнь" (1895) На создание самого знаменитого полотна Лейтона вдохновила его модель, которая однажды просто уснула в мастерской. Художника поразила гибкость тела, и та замысловатая поза, которую приняла девушка, при этом не испытывая дискомфорта. На четырех из пяти предварительных набросков девушка предстает обнаженной, и лишь на последнем мастер «драпирует» натурщицу. Скорее всего Лейтон с помощью обнаженной натуры старался добиться максимальной точности в передаче непринужденной позы натурщицы.

Муза Кампа. Бельгийская художница Адель Рено (1988) – автор реалистичных портретов, размеры которых колеблются от камерных, небольших, до огромных масштабных полотен или росписей стен от пола до потолка. Выросла в музыкальной семье на ферме в бельгийских Арденнах. В 14 лет отправилась на семестр учиться в Венесуэлу, а затем в Англию. Во время своих путешествий изучала изобразительное искусство – от классической живописи до современных граффити, экспериментируя с новыми медиа и графическим дизайном. В 2010 году окончила Королевскую академию изящных искусств в Брюсселе. Адель легкого изображает то, что большинство может найти банальным. Пишет портреты пожилых людей, бездомных, птиц и особенно голубей. Однажды на Instagram Адель прочитала историю голубя, которого выходила пара американских художников из Чикаго – Джордж Китон и Мэрайя Наэлья. Увидев, фотографии, сразу поняла, что нашла новую музу для своего творчества. Она создала серию огромных картин, в которых отражены различные этапы жизни Кампа.

Различные позы практика

Читатели сайта Федеральной нотариальной палаты продолжают присылать свои вопросы на различные правовые темы: «Братья унаследовали от матери квартиру в равных долях. Может ли один из братьев уменьшить свою долю в пользу другого брата, не отказываясь от остальной части наследства?» Отвечают https://t.me/n_advices советы нотариуса: «Отказаться можно только от всего наследства (как и принять), от части нельзя. В вашей ситуации обоим братьям сначала необходимо будет принять наследство, оформить право собственности на квартиру (по равной доле недвижимости на каждого), а уже потом тем или иным способом - путем заключения договора дарения или сделки купли-продажи - один брат сможет передать имущество другому брату». Ответы на другие вопросы, касающиеся наследства, вы всегда можете найти на канале «Советы нотариуса». Подписывайся сейчас: https://t.me/n_advice

​​15 апреля исполняется 570 лет со дня рождения гения эпохи Возрождения Леонардо да Винчи ️ВДНХ проведет специальную программу, посвященную мастеру. Вход бесплатный, по регистрации.   ️«АРТ МОСКВА» открылась в обновленном формате. Произведения, представленные на стендах более 100 российских галерей, охватили различные периоды как классического, так и современного искусства. Ярмарка пройдёт с 13 по 17 апреля.   ️Еврейский музей и центр толерантности анонсировал бесплатный цикл лекций и вебинаров по борьбе со стрессом. ️Музей архитектуры им. А. В. Щусева открывает новую выставку, приуроченную к 150-летию со дня рождения архитектора-неоклассика Ивана Александровича Фомина.    Музей архитектуры впервые представляет выдающегося зодчего как мастера офорта.   ️15 апреля в Третьковской галерее открывается новая выставка «Лики модерна».   Выставочный проект раскрывает грани искусства русского модерна, расцвет которого пришелся на период между 1896 и 1914 годами. В это время, по словам Андрея Белого, происходит «пересоздание жизни»: художники с увлечением творят мир вымысла, грез, объединяя реальность с собственными фантазиями, пересматривают эстетические ценности. Особенно ярко модерн отразился в графических искусствах — афише и рекламном плакате, в условных формах которых обнаруживаются самые характерные черты нового стиля: гибкость линий, тяготение к узорам и декоративности, широкое использование фольклорных и исторических мотивов. Фото: Боткин Ф.В., Портрет неизвестной. 1900, Государственная Третьяковская галерея https://telegra.ph/file/1fdbefe78c46adcfdfcac.jpg

Не выбрасывай В 2005 году в Пекине открылась выставка под названием «Не выбрасывай». Художник Сонг Донг с помощью десяти тысяч бытовых вещей, накопленных его матерью в течение всей её жизни, рассказал историю простой китайской семьи, пережившей все те потрясения, через которые прошла их страна на протяжении последних восьмидесяти лет. Как и многие бедствующие люди, мать Донга приобрела привычку крайней бережливости — она никогда ничего не выкидывала и всегда старалась найти применение всем вещам, которые, так или иначе, попадались ей в руки. Ничего не выбрасывать стало магической формулой его матери, пытающейся таким образом защитить себя и свою семью от боли потерь и утрат. Каждый миллиметр их крошечного дома занимали различные вещицы, способные, по мнению матери Донга, пригодиться в хозяйстве. На выставке были представлены все собранные его матерью вещи, так что она могла уже с полным правом и гордостью сказать: «Я же говорила, что они ещё пригодятся!». Искусство или нет?

Баланс в позах очень важно соблюдать, иначе персонажи не будут выглядеть правдоподобно и естественно. Справиться с этой задачей помогут советы от Тони Бэнкрофта, ветерана Диснея. Соблюдайте их — и позы ваших персонажей станут намного убедительнее. познавательное

Детский альбом В 1988–2008 годах фотограф Сергей Кожемякин создал проект «Детский альбом». Комментарий фотографа: «Детский альбом. Напечатано с пленок, найденных 18 ноября 1988г возле дома №1 по ул. Карбышева в Минске. Я нашел несколько катушек пленки, выброшенных кем-то возле жилого дома родителей. Несколько месяцев спустя я нашел еще несколько пленок. Их происхождение оставалось неизвестным. Возможно, фотостудия избавлялась от использованных материалов, или коммерческий фотограф очищал свое рабочее место. На негативах были студийные портреты детей разного возраста: малышей, дошкольников и учащихся начальных и средних школ. Девочки, одетые в русские сарафаны и кокошники. Мальчики, одетые в форму гусаров царской армии. Однообразная одежда, однообразные позы, однообразный фон. И мы начинаем обращать внимание на лица детей, на мимику, на глаза. Целый спектр эмоций — недоумение, страх, безразличие, спокойствие, игривость, неприятие, отстраненность…  Детский Альбом был сделан во время "Перестройки" — в турбулентный период еще советской истории, в период политического кипения и критического анализа существующей реальности. Рассматривая портреты в совокупности, я увидел в них некую схему, модель социального механизма, подчиняющего себе личность, лишающую человека индивидуальности и требующую подчинения и соблюдения ритуалов. Такое было время. Первоначально "Детский альбом" был напечатан с цветных пленок методом аналоговой бромсеребряной печати. В 2008 году я сделал новую, цифровую версию, напечатав цветные работы с оригинальных негативов. Негативы не подвергались механическому воздействию, вся фактура, царапины, обрывы произошли естественным путем и были использованы мной для того, чтобы подчеркнуть особенности медиума фотографической регистрации и для доказательства реальности существующих образов». Искусство или нет?

Инсталляция опыта Художник Валентин Фетисов создал работу «Инсталляция опыта». После того как посетитель выставки заходил в небольшую комнату с телевизором, дверь автоматически закрывалась. Человек оказывался запертым. В комнате не было инструкции как выйти из неё. Но была подсказка: «нужно найти новый алгоритм поведения». Люди начинали искать этот алгоритм: хлопали в ладоши, прыгали, подходили и отходили от дверей, махали руками, включали и выключали телевизор, на котором всё время транслировалась «сказка о потерянном времени». Механизм двери был запрограммирован так, что она открывалась сама через 30 секунд. Художник комментирует: «Эта работа не про комнату как пространство, а про опыт, которым ее наполняет человек. О чем и говорит название, которое в переводе звучит как „инсталляция опыта“. Поведение посетителя в комнате определено его предыдущим опытом взаимодействия с пространством, автоматическими дверями и теми объектами, которые находятся внутри. Люди чаще всего занимаются поиском разгадки: кнопки или выключателя, а при виде 3D-камеры начинают прыгать, махать руками или принимать различные позы. Я же устанавливаю (инсталлирую) новый порядок, поиском которого и занимается человек, попавший в эти обстоятельства». Искусство или нет?

​​️Транссибирской Арт-Фестиваль открывается сразу в нескольких городах. Сегодня открытие в Новосибирске. Повод навестить Ясную Поляну этой весной: ️Музей-усадьба Л. Н. Толстого «Ясная Поляна» в Тульской области во запустил аудиопроекту, посвященному графине Софье Андреевне Толстой. Муза, Супруга и Дорогой Друг, чудесная Софья Андреевна. ️Аукционный дом Vladey открыл выставочное пространство в бывшем доходном доме на Неглинной улице. ️Археологи обнаружили древний туннель в Великой пирамиде Гизы, который может вести к гробнице фараона Хеопса. Учёные использовали мюонную радиологию, чтобы взглянуть внутри пирамиды возрастом более 4500 лет. Великая пирамида в Гизе до 1311 года была самым высоким сооружением в мире. Сегодня это один из семи чудес света! Для Петербуржцев: ️Сегодня вход в Эрмитаж будет бесплатным. ️В Санкт-Петербурге Центральный выставочный зал «Манеж» и бюро Planet9 открыли выставку «Первая позиция. Русский балет».  Проект представляет собой путешествие в историю создания и развития балетного танца в России, рассказ о произведениях, покоривших мир, исторических событиях, сопутствовавших развитию балета в России. Среди 1000 представленных на выставке предметов – не только артефакты из истории русского балета, но и различные художественные образы, эмоционально сближающие зрителя с миром балетного искусства. «Первая позиция. Русский балет», 2023. Центральный выставочный зал «Манеж». https://telegra.ph/file/c510b6bcb15fe5c651f0a.jpg

​​«ВДОХ. ВЫДОХ. ВДОХ» — так назвали свою выставку художники-монументалисты творческого объединения «Пространство». Выставка пройдет с 3 июня по 2 июля 2023 года в картинной галерее Костромского государственного историко-архитектурного и художественного музея-заповедника. ️Более шестидесяти творческих работ разных лет, выполненных в технике монументальной и станковой живописи. ️Разные техники: мозаика, сграффито, фреска, масляная живопись; различные материалы - камень, смальта, керамика, металл и другие. ️Уникальных шанс увидеть в одном месте всю палитру монументальных техник в необычном мультимедийном оформлении. В рамках выставки пройдут мастер-классы по мозаике, линогравюре, каллиграфии, творческие встречи с художниками и психологическая мастерская «Я – творец». Кострома, ул. Молочная гора, Рыбные ряды, корп. 3.

Золотые артефакты, ассоциируемые с формой самолетов и принадлежащие культуре Кимбайа, вызывают споры среди ученых и энтузиастов. Привлекательность и сложность этих артефактов состоит в их сходстве с современными объектами, такими как самолеты. Однако ученые склонны рассматривать их как зооморфные фигуры, представляющие различные животные. Стиль изображений вызывает изумление, и его тщательное изучение может раскрыть множество аспектов культуры и мировоззрения древних жителей Кимбайи. Касательно истории этого народа, его восстания и исчезновения, они являются частью сложного исторического контекста, связанного с испанским завоеванием. Судьба народа Кимбайи и их культуры отражает трагичные последствия колониальных вторжений и культурного уничтожения. Оставшиеся произведения искусства становятся важным свидетельством величия и утраченной цивилизации. Относительно знаменитого сосуда Попорото, его изысканная красота и мастерство литья подчеркивают великолепие древних ремесленников. Изучение подобных артефактов помогает не только понять технологический уровень древних цивилизаций, но и проникнуть в их мировоззрение и символику. Таким образом, артефакты и история народа Кимбайа предоставляют уникальную перспективу для исследования и понимания древних культур и событий. | Культурные каналы

Начало 1920-х годов – нелегкое в жизни и творчестве Зинаиды Серебряковой время. Серия автопортретов этих лет – своеобразная душевная и творческая реабилитация художницы: после смерти мужа, гражданской войны, после двухлетнего профессионального бездействия. Автопортреты этих лет лишены ликующей радости ранних автопортретов. Образ художницы в них печален, взгляд испытующе задумчив, позы просты и статичны. В этом автопортрете Серебрякова запечатлевает себя с кистью в руке, перед мольбертом – но не работающей, а отрешенной, застывшей перед зрителем в грациозной и нерешительной позе. Пространство портрета продлено зеркалом, в котором художница отражается со спины в ином смысловом подтексте: это отражение активно и энергично. Оно являет нам художницу в процессе работы, в движении порывистом и вдохновенном – в жизнеутверждающем жесте сильного и не зависимого от любых невзгод характера.

Трофейный экспонат Перед Днём Победы, еще одним важным майским праздником. И, кстати сказать, очень мною любимым, хочу рассказать вам про Великую Отечественную войну и искусство, а, точнее, про трофейное искусство. Слышали когда-нибудь такой термин? Трофейное искусство - это произведения, которые были похищены Вермахтом в период с 1939 по 1944 год. У Гитлера был план создать «Музей фюрера» в Линце, где все предметы искусства должны были храниться. Кто спас украденное искусство и вернул его музеям? Советская армия. Были специальные трофейные батальоны, которое искусство упаковывали и отправляли в различные пункты сбора в Европе. Часть произведений, например, из Дрездена, была вывезена в СССР. И нет, мы их не присвоили. А отреставрировали! Но в 1955 году было принято решение передать более, сейчас просто вдумайтесь в эту цифру, полутора миллионов спасенных экспонатов в ГДР В их числе была картина Рафаэля «Сикстинская мадонна». Уверена, вы ее видели в учебниках и интернете. Собственно, она в иллюстрации ️ P. S. Улыбаюсь, потому что знаю, как вас удивит все написанное выше… и это далеко не все, что могу вам рассказать ️ А еще радуюсь, что могу рассказывать вам про то, что мне самой важно. Мы должны помнить подвиги нашего народа. И знать свою историю и культуру Вступить в клуб PROISKUSSTVO и узнать еще больше интересного про русское искусство можно по этой ссылке Рафаэль. Сикстинская мадонна. 1512-1513 PROинтересныефакты PROзакрытыйклуб

с 27 июня по 27 августа 2024 года в рамках выставочного проекта «Россия в произведениях современных художников» Константиновский дворец представляет произведения современной петербургской художницы Ольги Юрьевны Ческидовой. Выставка «Широка ты Русь» открывает выставочную трилогию - три последовательные выставки продемонстрируют преемственность профессиональных традиций семьи петербургских художников О.Ю. Ческидовой, О.А. Ческидовой и А. П. Кузнецова. Ольга Юрьевна Ческидова - потомственная петербургская художница, выпускница мастерской станковой живописи В.В. Соколова Санкт-Петербургского государственного академического института им. И.Е. Репина, член Союза Художников РФ, Действительный член Петровской Академии наук и искусств, участник многочисленных международных и отечественных выставок. Художница работает в жанрах пейзажа, натюрморта и портрета, тонко передает различные природные состояния, красоту деревенского быта, русской провинции. На выставке представлено более пятидесяти произведений живописи, написанных в разных уголках нашей страны созданных на пленэрах, симпозиумах.