Референсы собак практика

Прекрасные референсы маяков Маяки в закатном свете - отдельный вид искусства! Вдохновляемся и рисуем! практика

Уильям Хогарт "После" (1731) В этой посткоитальной картине мужчина задумчиво подтягивает портки, а женщина цепляется за него. Ее чепчик и юбки растрепаны. Уставшая от лая собака заснула на упавшем таки зеркале.

"Мистер и миссис Кларк и Перси" Дэвид Хокни, 1971 > Лондон, Тейт На картине изображены друзья художника – Осси Кларк и Селия Биртуэлл, у которых он был свидетелем на свадьбе. У них жили два кота – Перси и Бланш, но на коленях Осси сидит именно Бланш. Художник посчитал, что для названия больше подойдёт имя Перси. При написании Хокни опирался на «Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка. Но если у Эйка главный муж, то Хокни главной изобразил жену. Она стоит в полный рост, возвышаясь над мужем и как бы давя на него. Ещё одним символом у «Арнольфини» Эйк сделал собаку, символ верности и преданности. Хокни же усадил на свою картину изящную белую кошку, которая издавна символизирует лукавство и измену. И это не случайно – Осси изменял своей жене и даже не скрывал этого. Сама Селия была верна мужу, о чём говорят белые лилии возле неё. Жизнь Осси скатилась под откос, что привело к смерти в 1996 году. А вот его жена – до сих пор преуспевающий дизайнер.

► Почему «Обнаженная» Фалька вызвала гнев у Никиты Хрущева? ► Кто виноват в страшном виде Алёнки из Нововоронежа? ► Почему святого Христофора пишут на иконах с головой собаки? ► Почему Шишкин не сам нарисовал медведей на картине «Утро в сосновом бору»? ► Существует ли картина Репина «Приплыли»? ️ Об этих и других любопытных подробностях из жизни художников, интересных фактах о произведениях искусства, а также о репортажах с выставок читайте на канале: "Я люблю музеи" — t.me/ilovemuseum http://t.me/ilovemuseum

Референсы волос практика

Символы в живописи и их значения - Черный цвет используется для обозначения смерти или зла. В то время как белый означает жизнь и чистоту. - Собака часто выступает за верность или преданность. - Лестница может представлять отношения между небом и землей или вознесением. Еще символизирует поддержку, приобретение знаний и достижение моральной зрелости. - Ласточки, изображенные возле святого сооружения, могут символизировать отступников или грешников. Ласточка, в греческой мифологии — птица, посвященная Афродите, а в христианской символике — символ жажды духовной пищи и считается одним из воплощений Иисуса Христа. - Топор - почти универсальный символ решающей силы и власти. Также топор атрибут некоторых христианских святых мучеников, например апостола Матфея.

Славься, Цезарь! Идущие на смерть приветствуют тебя! (Собака с колбасой) 1877 Вильгельм Трюбнер Музей Берггрюна, Берлин На ироничной картине изображена любимая собака художника по кличке Цезарь. Трюбнер - немецкий художник из так называемого «круга Лейбля» (имени немецкого художника-реалиста.), работавший в реалистической, натуралистической и в последние годы импрессионистской манере. Ave, Caesar, morituri te salutant (с лат. — «Славься, Цезарь, идущие на смерть приветствуют тебя») — латинское крылатое выражение, которым, согласно произведению римского историка Гая Светония Транквилла, при императоре Клавдии приветствовали императора гладиаторы, отправляющиеся на арену. Сегодня фраза используется в шутку или для драматизации игры, в которой велики риски или неопределён исход.

Яркие референсы. Вдохновляемся и рисуем практика

"Серый мерин" 2003 г. Люсьен Фрейд Частная коллекция. «Серый мерин» - одна из поздних работ Люсьена Фрейда, которая затесалась между стройными рядами обнаженных человеческих тел, кажется, по какому-то недоразумению. При первом взгляде на это полотно даже сложно поверить, что оно принадлежит кисти того самого Фрейда, который на своих полотнах снимает с моделей оболочку за оболочкой, не оставляя в конце концов даже тела – одну лишь сердцевину. И только когда возникает безотчетное желание прикоснуться к изображению (удивительная особенность, объединяющая большинство работ художника), все сомнения отпадают – это и в самом деле Фрейд. В отличие от людей, по отношению к которым художник в своих работах, суждениях и определениях часто бывал довольно безжалостен, к животным он всю жизнь относился особенно трепетно и нежно. Что, впрочем, неудивительно, ведь в определенный период жизни Фрейда животные были его единственными друзьями. Когда семья Фрейда переехала из Германии в Англию, мальчик на долгое время замкнулся в себе. Люсьен плохо знал английский язык, из-за чего его дразнили сверстники, и тогда он стал искать утешения в общении с природой. С тех пор лошади и собаки окружали художника всю жизнь. Он часто укладывал своих собак рядом со спящими обнаженными натурщиками, создавая на картинах неуловимую ауру безмятежности и полного доверия. Когда Люсьен увлекся живописью, родители будущего художника восприняли это с большим энтузиазмом. Настолько большим, вспоминал потом Фрейд, что он даже стал подумывать о том, чтобы отказаться от карьеры художника и стать жокеем или ветеринаром. И, несмотря на то, что живопись все же взяла верх, лошади навсегда остались едва ли не самой сильной его любовью. В 60-х годах Фрейд каждую свободную минуту проводил на скачках, а позже часто бывал в конюшнях Дворцовой кавалерии, рисуя королевских скакунов. ЛюсьенФрейд Анимализм Натурализм _history

Неприличная скульптура Bad Dog от Ричарда Джексона Эпатажную скульптуру установил возле калифорнийского музея Orange County Museum of Art американский скульптор Ричард Джексон. Скульптура называется Bad Dog, и изображает огромного черного лабрадора, который пристроился у одной из стен музея и бесстыдно поднял заднюю лапу. «Плохая собака» хоть и достигает 8,5 метров в высоту, но все же является щенком, который хулиганит там, где ему вздумается. Стоя в характерной позе, задрав заднюю лапу, песик преспокойно мочится на здание музея, время от времени выпрыскивая на стену краску соответствующего цвета. Этот пикантный нюанс скульптор реализовал для того, чтобы уже ни у кого не оставалось сомнений, что же здесь такое происходит.

"Завтрак" 1924 г. Наталья Сергеевна Гончарова Государственная Третьяковская галерея. Большинство исследователей сходятся в том, что «Завтрак» – не типичная для Натальи Гончаровой картина. Как правило, художница не особо жаловала бытовой жанр. Но, видимо, попробовать свои силы в нем решила. Одно дело – не любить, другое – не уметь. Гончарова написала «Завтрак» и убедилась, что умеет. Перед нами сцена, наполненная глубоким психологизмом. Тщательно выстроенная внутренняя драматургия позволила сделать мгновенный слепок истории жизни нескольких людей. Учитывая, что начинала свой путь Наталья Гончарова с импрессионистических картин, многочисленные завтраки импрессионистов ее явно не обошли стороной. А пикантность ситуации не дает забыть о скандально известном «Завтраке» Мане, изображавшем обнаженную женщину в компании двух одетых мужчин. У Гончаровой все одеты, но всё тайное – оно столь явное… Перед нами стол в саду, семейная пара и их гости. Видимо, недавно закончили завтракать. Служанка несет большое блюдо с фруктами. Такова видимость. А что за ней? Безусловным центром картины является усатый мужчина за столом, всё происходит вокруг него. Хозяин дома? Скорее всего. С какой плотоядно-сладострастной, масляной ухмылкой он смотрит на даму в розовом. Они с «розовой» словно в одной плоскости, а «голубая» - вероятно, жена - отстранена, она на обочине. У нее усталый вид, ей, похоже, давно приелись шашни супруга, в ее лице ни малейшего намека на ревность – полное равнодушие и отстраненность с легкой нотой скепсиса. Небрежно отставив руку с сигаретой, она наклонилась в сторону «розовой», скорее всего, говорит что-то типа «какие нынче погоды стоят», скорее всего, подразумевает «как это, право, скучно, и сколько вас таких было-перебыло»… Но «розовая» сейчас не способна ее услышать, она вся устремлена к «усатому», наклон тела, слегка вытянутая в его сторону шея, взгляд, даже кончики туфель. Кстати, о туфлях – ноги здесь исполняют свой показательный танец. Мужская нога, возможно, мгновение назад касалась нынче скрещенных, но неумолимо направленных к нему ног «розовой». А дама в голубом, скрестив ноги под собственным стулом, осталась в стороне. Сладострастие, грех, пресыщенность витают над столом. Руки мужчины сжимают сорванные цветы – он, вероятно, специалист в этом деле, в срывании цветов. Пейзаж соответствует: непосредственно за «черным человеком» – иссохшие деревья, в то время как по сторонам – зеленая буйная листва. Обратим внимание на правый угол. Вопиюще глупого вида юнец – кто он? Младший брат «розовой»? Сын? Племянник? Послушный и не сводящий с нее взгляда. Или же, напротив, воспитанник хозяев, влюбленный в любовницу «усатого»? Девушка в белом – искренняя, печальная и, кажется, понимающая больше, чем надо для спокойных снов на заре туманной юности. Она повернута к молодому фанту, носок ее туфельки тоже смотрит в его сторону, но ни во взгляде, ни в позе не читается любовное томление. Скорее осознание, что ей его не избежать. Возможно, о ее браке с этим глупцом уже договорено? Про собаку, забравшуюся на стул подле «усатого» и повернутую оскаленной пастью к даме в розовом, Марина Цветаева сказала: «собака есть, но не пёс, а бес». Собака нас отсылает к «Завтраку» Сезанна. У Сезанна яблоко – символ греха и обольщения – в руках у женщины. Здесь же женщина – служанка – вносит целое блюдо с фруктами, словно окончательно обозначая происходящее. Она одета в строгое черно-белое одеяние. Явление служанки вносит в картину ритуальный элемент, создает ауру жертвоприношения. НатальяГончарова _history

Кошки против собак О том, что кошка со времен средневековья впала в немилость и изображалась как символ измены, разврата и лени мы уже писали. Вот на картине Эдуарда Мане «Олимпия» черный котенок в ногах у дамы пониженной социальной ответственности намекает нам о роде её деятельности. Пикассо пошел еще дальше. В своей картине «Кошка, схватившая птицу» в образе кровожадной кошки он изобразил фашизм. Другое дело – собаки. Собака, как известно, друг человека. И в живописи это точно так. Вот «Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка. На переднем плане маленькая собачка – символ верности и домашнего уюта. Такой же символ дремлет в ногах «Венеры Урбинской» Тициана (вроде всё то же, что и у Мане: лежащая обнаженная женщина, животное в ногах, но впечатления прямо противоположны). Или нерадивый ученик с картины Федора Решетникова «Опять двойка» - рада которому лишь одна собака. И как-то сразу верится, что парень он неплохой, и семья хорошая, просто немного не повезло, но он исправится.

► Почему «Обнаженная» Фалька вызвала гнев у Никиты Хрущева? ► Кто виноват в страшном виде Алёнки из Нововоронежа? ► Почему святого Христофора пишут на иконах с головой собаки? ► Почему Шишкин не сам нарисовал медведей на картине «Утро в сосновом бору»? ► Существует ли картина Репина «Приплыли»? ️ Об этих и других любопытных подробностях из жизни художников, интересных фактах о произведениях искусства, а также о репортажах с выставок читайте на канале: "Я люблю музеи" — t.me/ilovemuseum http://t.me/ilovemuseum

Полезные референсы различных поз практика

Референсы одежды практика

Немного примеров разнообразной живописи Перелетных Птиц (за последние пару лет художники из этого объединения уже не раз тут встречались, кстати): Флагелланты, Питер ван Лар; Солдатская драка, Руланд ван Лаер; Прометей и Вулкан, Дирк ван Бабюрен; Концерт, Ян ван Бийлерт; Лебедь, защищающий гнездо от собаки, Ян Асселин (по прозвищу Маленький краб хихи); Аллегория Ноября, Йоахим Зандрарт; Удаление зуба, Иоганн Лисс; Туша на кухне, Якоб Лейссес; Ипомея, жабы и насекомые, Отто Марсеус ван Скрик; Орфей играет на лире, Якоб ван Ставерден

Малоизвестный автсрийский художник Йоханнес Гумпп написал пару своих тройных автопортретов. Смотрите, это автопортрет на котором художник пишет автопортрет. Мы глядим на затылок художника, тот глядит в зеркало, а с нарисованного холста глядит на нас, зрителей, еще один художник. Вероятно, так Гумпп рассказывает как размышляет о себе, вглядываясь в себя, отвернувшись от людей, но при этом демонстрируя себя же, но ненастоящего, приукрашенного, нарисованного. Вообще, такие изображения себя в мастерской или за работой любили писать художники начиная века с шестнадцатого - изображали себя как аллегорию живописи, например, и могли носить такой портрет с собой чтоб демонстрировать заказчикам степень своего владения мастерством. Удобно ведь. Но тут интересно то, что художник стоит спиной - он нас в свою мастерскую совсем не приглашает, наоборот, мы будто за ним подглядываем. А еще нас отделяют от мастера кошка с собакой, явно в процессе ссоры - то есть нам, зрителям, еще и не очень рады. Картины были написаны, вероятно, примерно в 1646 году. Находятся в галерее Уффици во Флоренции.

"Маленькая девочка в синем кресле" 1878 г. Мэри Кассат Национальная галерея искусства, Вашингтон. Один из первых и лучших детских портретов Кассат, который, к тому же, зафиксировал переход художницы от реалистичной манеры живописи к импрессионизму. Эту картину вместе с десятью другими работами Кассат представила на четвертой, дебютной для нее выставке импрессионистов в апреле 1879 года. В создании «Маленькой девочки в синем кресле» непосредственным образом участвовал Эдгар Дега. Художники познакомились в 1877 году. Дега не только предложил американской коллеге выставляться с импрессионистами, но стал ее другом и наставником. Для картины позировала дочь одного из друзей Дега. Брюссельский грифон, изображенный в одном из кресел, — подарок художнице, который преподнес опять-таки Дега. Декоративная порода собак полюбилась Кассат во время путешествия в Антверпен в 1873 году. Обзаведясь первым щенком, она не расставалась с собаками этой породы до конца жизни. Позже Кассат неоднократно писала портреты женщин и детей, держащих на руках ее грифонов. В письме известному парижскому арт-дилеру Амбруазу Воллару Кассат призналась, что Дега помогал ей работать над фоном «Маленькой девочки в синем кресле». Многолетние исследования, проводившиеся в Национальной галерее искусства (Вашингтон), где хранится картина, подтвердили, что на ней есть следы кисти Дега. Кассат хотела представить картину в американском павильоне Всемирной выставки в Париже (1878 год), которая стала знаковым событием того времени. К примеру, соотечественник художницы Томас Эдисон презентовал там свои новые изобретения — мегафон и фонограф. Художница направила жюри «Маленькую девочку в синем кресле» и еще одну работу, название которой до сих пор неизвестно. «Неопознанную» картину включили в экспозицию, а вот детский портрет в импрессионистском стиле отклонили. Узнав об этом, Кассат была в ярости. Картина долгое время находилась в частных руках, пока в 1983 году тогдашние владельцы, чета Меллонов, не подарили ее вашингтонскому музею. Что же не понравилось жюри американского павильона, но восхитило зрителей выставки импрессионистов и до сих пор пленит любителей живописи? Сюжет картины предельно прост. Маленькая девочка, которая только что, судя по всему, бегала по комнате, расположилась в ярко-синем кресле. Взгляд у ребенка слегка недовольный. Девочке скучно, она, раскинув ноги в стороны, практически сползает с кресла, как часто делают непоседливые дети. Юбка задрана, колени оголены — приверженцев академической живописи, скорее всего, смущала именно «телесность» картины. Во второй половине XIX века детей все еще изображали как ангелочков — в чинных позах, в рюшках и со спокойным ясным взглядом. Импрессионизм, который декларировал «искренность в искусстве», отвергал такой подход. Кассат была одной из тех, кто стал изображать детей принципиально по-новому, в их «естественной среде». При помощи ограниченной палитры красок, широких мазков и ассиметричной композиции Кассат придала картине внутреннюю динамику. Свет, входящий в комнату через расположенные сзади двери, оживляет текстуру и рисунок неодушевленных предметов. Этот визуальный эффект усиливают энергичные мазки, с помощью которых выполнены бессистемно расставленные синие кресла и коричневато-серый пол. В противовес мебели девочка и собака изображены в состоянии покоя. Зрителям понятно, что художница «выхватила» момент между играми. Наклонная плоскость изображения и «обрезка» кресел выдают в картине влияние Дега и японской графики. Теоретики искусства называют «Маленькую девочку в синем кресле» одной из самых дерзких для своего времени иллюстраций детства. Картина Кассат передает то чувство несправедливости и беспомощности, которое ощущает подвижный ребенок, скованный социальными ограничениями взрослого мира. МэриКассат Импрессионизм _history

"Фашист пролетел" Аркадий Пластов, 1942 Советский мастер живописи создал одно из самых сильных своих полотен ещё в самом начале войны. Несмотря на то, что перед нами не баталия, трагическая сущность войны передаётся очень точно. Художник словно маскирует смерть идиллическим пейзажем. Только когда мы видим еле заметный улетающий истребитель, становится ясно: случилась беда. Рядом с головой пастушка – кровь, которая течет из пробитого черепа. Несколько коров тоже мертвы, а собака жалобно воет рядом с неподвижным телом хозяина. Картина повлияла не только на развитие советской живописи, но и, возможно, на ход мировой истории. В 1943 году по распоряжению Сталина полотно привезли на Тегеранскую конференцию и повесили напротив тех мест, где во время переговоров сидели Черчилль и Рузвельт. Результатом встречи стало открытие «второго фронта», и существует предположение: на решение британского и американского лидеров повлияли не только социально-политические факторы, но и картина Аркадия Пластова «Фашист пролетел».

"Железная дорога" 1873 г. Эдуар Мане Национальная галерея искусства, Вашингтон. Трудно узнать в прилично одетой даме с ребенком ту самую скандальную натурщицу, которая позировала Эдуару Мане для «Олимпии» и «Завтрака на траве». Разве что прямой вызывающий взгляд ее выдает. Но это действительно она, Викторина Меран. Викторина Меран вернулась неожиданно. 6 лет о ней не было ничего слышно, никто не знал, куда она исчезла. Говорили, что все эти годы любимая натурщица Мане прожила в Америке. Бросать ей в Париже было нечего, жалеть тоже не о чем: нищета, мечты об актерской славе, гитара и несколько художников, которые готовы платить за то, что она раздевается в их мастерских. Поэтому Викторина рванула за океан, не раздумывая, за какой-то страстной роковой любовью. А вернувшись, опять согласилась позировать Мане. Правда предупредила, что на этот раз у нее совсем другие планы, позирует по старой дружбе и искренней сердечной привязанности, но уже готовит первые картины в Салон и тоже, да-да, стала художницей. В «Железной дороге» она наконец-то прилично одета, да и вообще просто одета. Вместо злополучного черного кота, который вызвал бурю возмущения у критиков и зрителей, Мане возвращает ей на колени мирно спящего щенка. Собака, символ преданности и верности, спала на кровати тициановской «Венеры урбинской», и была безжалостно заменена в «Олимпии» Мане на выгнувшего спину шипящего черного котенка. Кошка – это возмутительно, воплощение изменчивости, вожделения, ведьмовской натуры и, наконец, порочности, она стояла у ног обнаженной Олимпии и шипела на зрителя. Картину приняли в Салоне в 1874 год, в тот самый год, когда в ателье фотографа Надара состоялась первая выставка импрессионистов. В «Железной дороге» все было пристойно – и ничего не сбивало зрителя с благочестивых мыслей. Но над Мане снова смеялись. Современному зрителю трудно понять, что смешного видел карикатурист или журнальный критик в этой картине. Их выводила из себя абсолютная бессюжетность и нелитературность изображенного: то ли портрет, то ли жанровая сцена, железная дорога, а поездов не видно. Так смотрят на магазинные вывески из проезжающей кареты, а не на женщину с ребенком. Говорили, что картина схематична, а перспектива бездарно искажена, переднее пространство будто кто-то сжал и впечатал в железные прутья ограды. Это последняя картина, для которой Викторина Меран позировала Мане. Потом ее принимали несколько раз в Салоне, а потом перестали, позже она пристрастилась к выпивке, стала жить с юной натурщицей, играла на гитаре у входа в парижские кафе, продавала рисунки их нетрезвым посетителям. А после смерти Мане написала письмо его вдове, в котором попросила выдать ей процент от продажи картин с ее изображением. Утверждала, что Эдуар обещал с ней поделиться, когда наконец-то прославится и начнет зарабатывать. Не известно, как отреагировала мадам Мане на письмо Викторины. Известно только, что в 1898 году «Железная дорога» была продана за 100 тысяч франков американцу Генри Осборну Хэвемайеру, принадлежала его потомкам до 1956 года и ими же была передана в дар Национальной галерее искусств Вашингтона. ЭдуарМане Портрет Импрессионизм _history

Референсы кошек, больших и маленьких практика

Полезные референсы животных практика

Венера и Адонис 1611 Рубенс Эрмитаж, Питер Картина иллюстрирует сюжет из «Метаморфоз» Публия Овидия Назона: Венера влюбилась в юного охотника Адониса и объясняется ему в любви: Молвит: «Скажу, подивись чудовищ провинности давней. От непривычных трудов я, однако, устала, и кстати Ласково тенью своей приглашает нас тополь соседний; Ложе нам стелет трава. Прилечь хочу я с тобою Здесь, на земле!» И легла, к траве и к нему прижимаясь. И, прислонившись к нему, на груди головою покоясь, Молвила так, — а слова поцелуями перемежала При исследовании картины в мастерских Эрмитажа были выявлены исправления ступней ног Венеры и Адониса, а также заметно, что и профиль Венеры тоже переписывали. Ряд исследователей отмечали, что Рубенс был не единственным автором картины. Кисти Рубенса принадлежат только головы персонажей и животные, или, что фигуры выполнены Рубенсом, а собак написал Ян Вильденс; или, что пейзаж написан Лукасом ван Юденом. Бенуа приписал пейзаж Яну Вильденсу.

"Фокусник" 1502 г. Иероним Босх Муниципальный музей, Сен-Жермен-ан-Ле. Оригинал картины Иеронима Босха «Фокусник» не сохранился, однако произведение дошло до нас в нескольких копиях, наиболее точную из которых можно посмотреть в Муниципальном музее пригорода Парижа Сен-Жермен-ан-Ле. Копия имеет прямоугольную форму, но специалисты почти не сомневаются, что оригинальная композиция была вписана в круг, т.е. имела форму тондо (от итал. rotondo – круглый), наподобие «Извлечения камня глупости» – другой известной картины Босха. Круг, по своей сути, напоминает выпуклое средневековое зеркало или линзу: всё, что попадает в его пределы, приобретает искажённые пропорции и формы, но при этом становится очень наглядным. Датировка Традиционно «Фокусника» относили к раннему периоду творчества Босха – между 1475 и 1480 гг. Считалось, что несколько неловко написанные фигуры и неправильное перспективное сокращение (особенно заметное в изображении стола) говорят о неуверенности руки начинающего мастера. Весьма примитивный рисунок, с одной стороны, может указывать на авторскую неопытность. Но, с другой стороны, и во времена творческой зрелости Босх часто прибегал к намеренной архаизации и примитивизации приёмов изображения, так что вопрос с датировкой «Фокусника» остаётся открытым. Дендрохронологический анализ сен-жерменской копии указывает, что она создана около 1502 года. Сюжет На фоне выщербленной каменной стены, верхняя часть которой поросла травой, шарлатан в черном цилиндре и красном плаще дурачит доверчивую публику. Зрители монолитной группкой расположились у другого края стола и с изумлением глядят, как фокусник извлекает изо рта одного из зевак лягушку. Но вот юноша, обнимающий свою спутницу, замечает неладное и указывает на это пальцем: стоящий рядом человек в монашеской одежде, прикидывающийся слепым, запустил руку в карман «поглотителя лягушек» и пытается вытянуть оттуда кошелёк. Вероятно, это сообщник фокусника и всё представление рассчитано на то, чтобы усыпить бдительность публики и воспользоваться её доверчивой рассеянностью. Фокусник зажимает в пальцах миниатюрный шарик, на столе видны еще несколько шариков и напёрстки. Из прикреплённой к поясу фокусника корзинки выглядывает голова совы – привычной для Босха аллегории зла и дьявольских козней. Лягушки (одна сидит на столе, другая – виднеется во рту у «жертвы» фокусника) тоже рассматривается как символ порока. Сложнее трактовать символическое значение собаки (некоторые полагают, что это обезьянка) под столом и аиста, поглотителя лягушек, темный силуэт которого виден в левом верхнем углу. Над кем насмехается Босх? Чаще всего «Фокусника» трактуют как жанровую сценку, сатира которой направлена и на фокусников-мошенников, и в еще большей степени – на доверчивых разинь, готовых поверить любому ловкому проходимцу. Некоторые специалисты проводят параллели между извлечением лягушки фокусником и церковной процедурой изгнания дьявола. При таком подходе картина «Фокусник» приобретает антиклерикальный смысл, становится сатирой на священнослужителей, почём зря дурачащих доверчиваю паству. Эта идея подкрепляется и теми аргументами, что платье фокусника похоже на красную кардинальскую сутану, а «униформа» его сообщника напоминает об одежде монахов-доминиканцев. Возможно, Босх обличает здесь продажу индульгенций – отпущение грехов за деньги. Загадочный человек в зелёном Специалисты заметили, что персонаж в зеленом головном уборе и такого же цвета плаще (он стоит почти у середины стола и смотрит прямо на зрителя) появляется и на других работах Босха, например, в «Распятой мученице». Предполагают, что он писался с кого-то из реальных знакомых Босха, но вряд ли этот человек был художнику другом, поскольку на картинах он показан скорее в негативном ключе. ИеронимБосх _history

Рисуем собак и волков практика

Площадь Согласия 1876 Эдгар Дега Эрмитаж, Санкт-Петербург «Виконт Лепик и его дочери пересекают площадь Согласия» — второе название картины. На ней изображены художник и меценат Людовик-Наполеон Лепик, курящий сигару; его дочери, его собака и одинокий прохожий (слева) на Площади Согласия в Париже. На заднем плане, за каменной стеной — сад Тюильри. Многие историки искусства полагают, что на композицию картины повлияло искусство фотографии: это выразилось в большом количестве негативного пространства, «обрезанном» кадре и взглядах персонажей, направленных в случайных направлениях. Картина считалась утерянной сорок лет после Второй мировой войны. Позже она нашлась в хранилище Эрмитажа её выставили в залах, где она и находится до сих пор.

Картина Витторе Карпаччо "Венецианские дамы" (ок. 1510) всегда была окружена загадками: кто эти дамы - куртизанки или добропорядочные женщины? Кого они ждут - клиентов или супругов? И что было изображено на утраченных частях картины? Очевидно, что нож прошёлся по картине слева: собака лишилась туловища, а мальчик - руки. Вверху между голубями стоит ваза с цветком, от которого осталась только часть стебля. Левая часть так и не нашлась. А вот верхняя обнаружилась и многое прояснила...

3 толкования картины «Портрет четы Арнольфини». 1 версия. Искусствовед Эрвин Панофский в 1934 году представил толкование «Портрета четы Арнольфини». И пришел к выводу, что перед нами свадебный портрет. Браки в 15 веке заключались без пышных церемоний и священников, только в присутствие свидетелей. Поэтому главный аргумент: положение рук. Похожий жест встречается в Древнем мире на церемониях бракосочетания. Пара изображена без обуви. В момент заключения брака пол в комнате считался святой землей, а в Ветхом Завете мы читаем: «сними обувь свою с ног твоих, ибо место, на котором ты стоишь, есть земля святая». Единственное пламя свечи – это символ всевидящего Иисуса Христа, который стал свидетелем союза. Собака у ног супруги – это символ верности. Апельсины на подоконнике – также признак зажиточности.

Рейн ll В 1999 году немецкий фотограф и художник Андреас Гурски создал работу «Рейн ll». Художник сделал снимок Рейна в пасмурную погоду. Фотография входила в коллекцию из шести снимков Рейна под номером два — поэтому её так и назвали «Рейн II». На фотографии запечатлены два зелёных берега, между которыми течёт река, в водах которой отражается пасмурное небо Дюссельдорфа. Изначально на фотографии присутствовал не только Рейн, но и люди, выгуливающие своих собак, а также завод. Чтобы отсечь всё лишнее, художник удалил и завод, и людей с собаками в Фотошопе. Фотография была продана с молотка в 2011 году на аукционе Christie’s за 4,34 миллиона долларов. Это одна из самых дорогих фотографий в мире. Искусство или нет?

"Овощной рынок в Амстердаме" 1661 г. Габриель Метсю Лувр, Париж. «Овощной рынок» был написан в 1660 – 1661 годах, когда Габриель Метсю, живший в Амстердаме, находился на пике карьеры. Эта оживлённая сцена из повседневной жизни на самом деле является отсылкой к популярной комической пьесе. Этим объясняется присутствие дерзкого лакея, переодетого в красный, словно шутовской, костюм. Большой размер холста и мягкое, почти ностальгическое исполнение городского пейзажа характеризуют картину из собрания Лувра как один из шедевров Метсю. Этот овощной рынок располагался у канала Принсенграхт, где художник проживал примерно с 1657-го (по другим данным, с 1654-го) года. Поселившись в доме дальнего родственника, он мог тщательно изучить жизнь этого маленького мира. Эту жанровую картину он создал под влиянием театра того времени. Несомненно, что изображённые типажи соответствуют персонажам очень популярного тогда фарса «Het Moortje» (1615) нидерландского драматурга Гербранда Адрианса Бредеро. Передний план, где находятся основные действующие лица, ярко освещён таким образом, чтобы подчеркнуть сочные цвета – красный, зелёный и белый, по ослепительности соревнующимися друг с другом. Эта красочная живость контрастирует с приглушенным коричневым фоном и спокойным городским пейзажем, для которого характерны упорядоченный ритм и геометрия фасадов. Композиция этой жанровой сцены, исполняемой на открытом воздухе, довольно интересна. На левой стороне картины сварливая женщина, крепко уперев руки в бока, жарко торгуется за овощи. Приятная пухленькая матрона стоически игнорирует её наскоки, повернув голову к зрителю. Юмористическим отражением этого диалога являются собака и петух в правой части полотна. Пёс и птица пристально смотрят друг на друга, а неустойчивое положение плетёной корзины даёт понять, что вот-вот воцарится весёлый хаос. В центре, словно изолированная от рыночного шума, разворачивается сцена флирта. Пылкий щёголь в элегантном костюме ухаживает за милой домохозяйкой, которая слушает его настороженно, хотя и не без интереса. Сияющие яркие оттенки главных героев и практически монохромные персонажи на заднем плане напоминают о лейденском периоде художника, хотя картину датируют примерно 1660 – 1661 годами. Это исключительная работа в творчестве Метсю, сочетающая реализм рыночной жизни с отсылкой к театральной сцене. Это шедевр, в котором живописец полностью раскрыл свой художественный талант и продемонстрировал важность жанровой живописи. ГабриельМетсю Барокко _history

"Два акробата с собакой" 1905 г. Пабло Пикассо Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА).

Ой, ребят, так жарко что жить невозможно. Поэтому вот картинка, от которой веет прохладой и свежестью - охота на оленей курфюрста Фридриха Мудрого в компании императора Максимилиана в пышных саксонских лесах. У речки! Фридрих III был прекрасно образован, любил читать древних мудрецов, уважал и защищал Лютера, основал Виттенбергский университет и при его дворе работал Лукас Кранах старший, вот эту картину и написавший в 1529 году. Картина, вероятно, была заказана другим курфюрстом, Йоном Верным (он тоже есть на картинке) после смерти и Максимилиана и Фридриха в память о прекрасных былых днях. В большой красивой шляпе на белом коне в самом центре скорее всего скачет сам Фридрих. Вообще, некоторые считают что картину надо читать как последовательность событий - вот в правом верхнем углу замок, а под ним начало охоты - все выехали нарядные и готовятся, а ниже уже сама погоня - несутся лошади, слуги, собаки, одна даже погибла в схватке с оленем, а еще ниже затаились добивающие дичь из арбалетов охотники. Тем временем на лодочке катаются ожидающие мужей дамы и кое-кто, предположительно какой-то монах-протестант, даже ведет себя непристойно и обнимается с шикарно одетой девицей. Кранах управляет тем, как мы смотрим на картину при помощи оленей - они задают тут всю динамику, двигаясь почти по часовой стрелке. Все так празднично, живо, вдалеке виднеется величественный город и заснеженные вершины. Только погибшая собачка напоминает нам о том, что мир не так уж идеален, а в каждом празднике есть место печали. Написана картина на липовой панели масляными красками и благодаря такому выбору материалов Кранах смог прописать мельчайшие детали. Только вот не смогла найти его подпись - фирменного змея-дракончика, а он тут где-то притаился, вроде бы, внизу. Может,у вас получится?

"Увенчание терновым венцом" 1510 г. Иероним Босх Лондонская Национальная галерея. На темно-сером фоне, лишённом даже намёка на глубину, с почти геометрической простотой скомпонованы пять фигур: Христос, облаченный в белые одежды, и четверо его мучителей. Один рвёт одежды Спасителя, второй с издевательской ухмылкой прикасается к его руке, третий, в железных перчатках римского воина, возлагает на голову Христа терновый венец, а роль четвёртого остаётся до конца непрояснённой. Во времена Христа символом царской власти в Римской империи (игравшей по отношению к Иудее роль метрополии) был лавровый венок. Венок из терний был его антиподом, издевательской пародией. Именно поэтому римский воин водружает терновый венец на голову того, кого уверовавшие в Него называли Царём Иудейским. Так римлянин показывает, чего, с его точки зрения, стоит этот «царь». На примерах мучителей Христа Босх пытается осмыслить природу человека. И его вывод неутешителен: человек оказывается равнодушен и жесток, корыстен и порочен, он ищет унижения другого и жаждет кровавых зрелищ. Но образы тех, кто окружает на картине Христа, неравнозначны. Они предельно физиологически конкретны и психологически дифференцированы: на лице фарисея в левом нижнем углу написан садистский азарт, римский воин в зелёной чалме излучает тупую суровость, человек в меховой шапке, украшенной дубовыми листьями, демонстрирует подобие сочувствия. Символика листьев дуба и функция орудия в руке этого персонажа неясны, но вот черты его лица напоминают предполагаемые автопортреты Босха – например, в образе Странника с внешних створок триптиха «Воз сена» или «меланхоличного чудовища» из «Сада земных наслаждений». Возможно, таким образом художник иллюстрирует мысль о том, что любой человек (и сам Босх не исключение), в силу своей греховной природы, является мучителем Христа и одновременно одним из тех, за кого Иисус отправляется на крестные муки. Загадкой для толкователей Босха является и ошейник с шипами. Во времена, когда жил художник, подобные надевали на собак, чтобы защитить их от волков. Есть и в творчестве Босха собака с колючим обручем на шее – она изображена на внешних створках триптиха «Воз сена». Но почему собачий атрибут передан человеку, да еще и имеющему предполагаемые портретные характеристики Босха? Здесь нет однозначного ответа, зато остаётся обширное поле для интерпретаций. Заслуживает внимания версия о том, что на примере мучителей Христа Босху удается изобразить четыре основных темперамента. Теорию четырех его типов разрабатывали еще в античности, так что исторически это предположение вполне обоснованно. Двое вверху считаются представителями холерического и меланхолического темперамента, а двое внизу, соответственно, – сангвинического и холерического. Христос, в отличие от тех, кто его окружает, изображён лишённым признаков темперамента. Он остаётся бесстрастным и словно бы не замечает своих палачей, устремляя полный смирения взгляд куда-то вне пространства картины. Интересны поэтика и геометрия «Увенчания терновым венцом», построенного на символике числа «четыре». В естественнонаучной картине мира «четыре» – важнейший опорный пункт: четыре стороны света (север, юг, запад, восток), четыре элемента (вода, земля, огонь, воздух), четыре времени года. Геометрический эквивалент числа «четыре» – квадрат, сакральный эквивалент – крест. В мистическом плане «четыре» означает всемогущество, всеохватность, власть над пространством и временем. Не случайно так часто число «четыре» встречается в Библии: 4 реки в Раю, 4 величайших пророка Ветхого Завета (Исайя, Иеремия, Иезекииль, Даниил), 4 символических животных несут ковчег Завета в видении Иезекииля, Евангелий – тоже четыре. Вот почему «четыре» в картине Босха может означать «все»: все без исключения виновны в смерти Спасителя на кресте, и, тем не менее, все имеют шанс на прощение и спасение. ИеронимБосх РелигиознаяСцена _history

Лукас Кранах Старший "Меланхолия" (1532) На картине изображены три обнажённых младенца, которые с помощью палочек пытаются прокатить большой шар через обруч. Погружённая в размышления крылатая женщина строгает прут, возможно, собираясь сделать ещё один обруч. Она и является персонификацией меланхолии. По представлениям эпохи Возрождения весь мир был основан на аналогиях. Так, меланхолия в то время ассоциировалась с Сатурном, собакой, плотничным делом. Многие детали картины являются отсылкой к этим аналогиям: и скачка ведьм в чёрном облаке, и войско, в котором солдаты падают с коней.

Референсы персонажей практика

Дорога к морю В 1980 году фотограф Мануэль Литран запечатлел дорогу к морю во Франции, которая была выложена трупами 140 собак. Хозяева бросили своих собак на произвол в летнюю жару без еды и воды, так как не нашли на кого их оставить во время отпуска. А представители общества защиты животных усыпили, так как не было места в приютах. По просьбе фотографа 140 собак, усыплённых только за два дня, были выложены на трассе, ведущей к морскому курорту. «Я не спал по ночам, я был шокирован этой картиной», — вспоминает фотограф. Фотография вызвала резонанс. Во Франции были утверждены законопроекты о запрете на эвтаназию животных без медицинских показателей. Искусство или нет?

Референсы штанов практика

Ян Стен "Влюбленная девушка" (1660) Врач проверяет пульс пациентки, природа болезни которой подсказывается Купидоном над дверью. К несчастью для девушки, у доктора нет лекарства от ее недуга. Художник часто включает в картины дополнительную шутку, которая подчеркивает суть происходящего. В данном случае – это пикантная сцена двух собак в дверном проеме.

Референсы персонажей практика

Эдвин Ландсир "Достойный член гуманного общества" (1831) Героем, изображённым на картине, является пёс по кличке Боб, найденный на побережье Англии после кораблекрушения. Собака стала известной благодаря тому, что в течение четырнадцати лет спасала тонущих людей: всего на её счету 23 спасённых жизни. За эти подвиги пёс стал почётным членом Королевского гуманного общества, он был награждён медалью и запасом корма. The Art Journal охарактеризовал картину как «одно из лучших и самых интересных» произведений года и первый большой успех Ландсира в этом направлении искусства. Впоследствии порода собаки, изображённой на картине, была названа в честь художника «ландсиром».

Сергей Грибков "Водовоз" (1873) Если в русской деревне почти в каждом дворе был выкопан свой колодец, то в городе с водой было сложно. В центральных районах вода в реках и прудах чаще всего была непригодна для питья, поэтому чистую воду приходилось горожанам привозить. Доставкой занимался водовоз. Чтобы им стать, нужно было иметь запряженную лошадьми телегу или двухколесную повозку и большую бочку. В Петербурге цвет бочки говорил о качестве находящейся в ней воды: воду из каналов перевозили в зеленых бочках, а питьевую – в белых. Часто водовоза сопровождала собака: она оповещала жителей о прибытии повозки громким лаем. В крупных городах эта профессия сохранялась до начала XX века, пока не появился централизованный водопровод. В то время эта профессия считалась престижной и доходной: об этом можно судить и по добротной одежде работника. Водовозы часто пользовались тем, что выбора у горожан не было, и брали с них втридорога.

Люсьен Фрейд "Девушка с белой собакой" (1952) С 1950 года внук знаменитого психолога Зигмунда Фрейда работал в основном в жанре портрета и обнажённой натуры. На картине - первая жена художника, Китти. Фрейд, рисуя обнажённое тело, чистил кисть после нанесения каждого мазка, чтобы цвета, набранные на неё с палитры не смешивались. Фрейд принял обыкновение писать стоя, чтобы видеть модель немного сверху, в последние годы жизни он использовал для этой цели высокий стул.

Динамизм собаки на поводке 1912 Джакомо Балла Галерея Олбрайт-Нокс, Нью-Йорк Картина итальянского футуриста. Иногда её называют «Собака на поводке» или «Поводок в движении». На картине такса на поводке и ноги идущей женщины, причем оба находятся в быстром движении, что видно по размытым лапам собаки. Хронофотографические исследования движущихся животных, созданные ученым Этьеном-Жюлем Маре в начале 1880-х годов, привели к введению в живопись техник отображения движения, такие как размытие, умножение и наложение частей тела друг на друга. Например, в картине Марселя Дюшана «Обнаженная, спускающаяся по лестнице». Критика была не благосклонна к картине. В 1947 году критик Генри Р. Хоуп назвал динамизм собаки на поводке «клише современного искусства». Но в наше время в 2009, искусствовед Том Лаббок назвал картину «одной из самых ярких» произведений жанра. В 2014 году искусствовед Роберт С. Морган заявил — это «вероятно, самые элегантная работа, когда-либо написанная в футуристической традиции».

"Бьянка дели Утили Мазелли и её шестеро детей" 1605 г. Лавиния Фонтана Частная коллекция. «Бьянка дели Утили Мазелли и её шестеро детей» – это сокровенный семейный портрет, который Лавиния Фонтана написала в Риме в первые годы XVII века. Это одна из её лучших работ и одно из немногих известных произведений, относящихся к этому периоду карьеры. Картина с изображением Бьянки дели Утили, жены дворянина Пьерино Мазелли, и шести их детей даёт бесценное представление о моде того времени. Эпитафия на могиле Бьянки дели Утили сообщает, что она – флорентийка по происхождению, вышла замуж за римского кавалера Пьерино Мазелли и умерла в сентябре 1605 года в возрасте 37 лет после рождения девятнадцатого ребенка. Эта дата указывает на период исполнения работы – около двенадцати месяцев, поскольку первое упоминание Лавинии в Риме датируется 28-м апреля 1604 года. Известно также, что ещё 19 февраля 1603 года она находилась в Болонье. Портрет делится на две асимметричные и контрастные части. Трое детей слева смотрят прямо на зрителя, они выглядят спокойными, хорошо себя ведут и старательно позируют художнице. А вот трое мальчиков справа более веселы и энергичны. Двое из них смотрят друг на друга, а не на зрителя, создавая менее формальное настроение. Портрет отличается скрупулёзным вниманием к деталям – к цветочным украшениям в волосах Бьянки, вышитым костюмам и текстурам. Его можно сравнить с более ранним «Портретом дворянки» из Национального музея женского искусства в Вашингтоне. Пятеро мальчиков носят одежды из одного роскошного материала, платья матери и дочери сшиты из другого, даже более богатого. Женщина и девочка также носят сложные украшения – золотые серьги и жемчужные ожерелья. У всей группы разные манжеты, но очень похожие пышные воротники, и Фонтана особое внимание уделяет игре света и теней на них. Несмотря на элегантные одежды и формальную обстановку, портрет излучает благожелательность и нежность. Практически каждая фигура держит некий предмет. Мальчик в верхнем левом углу изображён с яркой птицей на цепочке (это может быть щегол, символизирующий Страсти Христовы – тогда можно предположить, что ребёнку предназначалась духовная карьера). В руках его брата ниже – поднос с фруктами, у второго – справа вверху – медальон с фигурой рыцаря, у третьего – перо и чернильница. Вероятно, эти объекты также указывают на род их будущих занятий. Руки мальчика посередине справа не видны, но движение его тела предполагает, что они также не пусты. Девочка по имени Виржиния правой рукой держит указательный палец матери, а левой – лапку маленькой собаки на руках Бьянки, символизирующей её супружескую верность. И, несмотря на то, что аристократка изображена с пятью сыновьями, особое внимание уделяется её дочери. Она – единственный ребёнок, которого обнимает мать, и единственная, чьё имя начертано над головой. Вполне возможно, что портрет был написан специально для неё или в её честь, тем более что позже он достался её прямым наследникам, у которых хранился вплоть до недавнего времени. Эта картина – важное дополнение к зрелому «римскому» периоду творчества Лавинии Фонтаны и демонстрация её мастерства как портретиста и художницы моды. Детали сложных одеяний и психологическое разнообразие множества персонажей сравнимы лишь с другим её шедевром – «Визитом царицы Савской к царю Соломону» из коллекции Национальной галереи Ирландии. Портрет «Бьянка дели Утили Мазелли и её шестеро детей» в январе 2012 года был выставлен на аукцион Sotheby’s с первоначальной оценкой в 200 – 300 тыс. долларов США, а продан за 602,5 тысячи. ЛавинияФонтана Портрет _history

​​Я не понимаю эту картину. Почему женщина лежит на полу? Почему она лежит на полу голая? Ей не холодно? А что делает женщина, сидящая в кресле? Читает? Вяжет? Почему она укрыта пледом рядом с голой женщиной? Ей не стыдно вообще? Чья это кровать? Где остальная мебель? Откуда свет? Зачем тут собака? Я не понимаю эту картину, но она не идёт у меня из головы. Искусство не обязано быть понятно смотрящим, не обязано вступать в диалог и запросто может быть вещью в себе – при этом всегда ожидать от искусства загадочности тоже будет ошибкой. Как говорится, иногда банан – это просто банан. Искусство не обязано радовать глаз и украшать помещение. Часто самый сильный эффект вызывают как раз те произведения искусства, которые создают напряжение, тревогу или даже общественное возмущение. Искусство никому ничего не должно. В этом смысле с ним имеют много общего женщины – во всяком случае, женщины как их вижу я, через феминистскую оптику. Когда я случайно увидела эту картину Люсьена Фрейда, у меня возникли свои собственные ассоциации. Я вешу больше 150 кило, и эта женщина на картине, наверное, тоже около того. Я сплю в комнате с желтоватыми стенами и на подозрительно похожей кровати. В скобках замечу, что спать мне на ней тесновато, а вот на онлайн-сеансах психоанализа эта кровать долгое время очень успешно выступала кушеткой. На пол я бы не легла ни за какие коврижки. Меня смущают раскрытые ноги героини. Мне не понятно, зачем художник рисует её именно так. Я совсем не могу угадать его намерений, поэтому погружаюсь в это смущение. Мне очень трудно не ощущать сексуализации обнажённой натуры, поэтому я терпеть не могу немецкую привычку ходить голиком в общие сауны. Уж не знаю, что влияет на это сильнее: общее советское воспитание или моя индивидуальная гиперсексуальность Я смотрю на эту женщину и испытываю массу чувств. Мне становится интересно, что чувствуют те, перед кем я настолько же обнажена. Моя мама неодобрительно называет соцсети "душевным стриптизом". С некоторых пор я перестала спорить с этой метафорой, только со скрытым в ней осуждением. Да, именно так: я на глазах у людей раздеваюсь всякий раз, когда говорю публично, что я лесбиянка, когда называю вслух свой вес, когда откровенно говорю о психоанализе, эмиграции, горевании или фэтфобии в своём канале . Я не прячусь даже от тех, кто меня знает и кого может шокировать моя откровенность. Какой я кажусь им? Какой я кажусь вам? (продолжение поста на канале ) https://telegra.ph/file/9abc05298e0ee00cd34f5.jpg

В ночь с 11 на 12 сентября 1927 года произошло самое крупное за всю историю полуострова землетрясение. В течение 11 часов произошло 27 сильных толчков. Эпицентр был в море, недалеко от Ялты, с магнитудой 9 баллов по шкале Рихтера. Больше всего пострадали прибрежные города и поселки, некоторые из них были полностью разрушены. К примеру, деревня Демерджи, была полностью погребена под грудой камней. Разбуженные среди ночи мощными толчками, воем собак, подземным гулом, вспышками света, хрустом ломающихся стен, многие в панике выпрыгивали из окон — и со второго, и с третьего этажа. Другие, напротив, оцепенели и не могли сдвинуться с места, третьи истерически смеялись. Одним из очевидцев стихии был Петров-Водкин. Причем это событие он воспринял, как редкую удачу: его чрезвычайно интересовало все, что связано с природными катаклизмами. В Крыму художник остался на несколько месяцев, дабы закончить картину, написанную им, можно сказать, с натуры.

В историю императрица Анна Иоанновна вошла не как благоразумный политик, а как шальная императрица. Она любила окружать себя многочисленными карликами, горбунами. Государыня не блистала красотой, но на фоне уродцев выглядела очень даже выигрышно. Более всего она симпатизировала карлице-калмычке Авдотье Ивановне. Кривоногая, некрасивая шутиха обладала острым умом и от души веселила императрицу. Однажды карлица загрустила. Когда императрица спросила, в чем дело, Авдотья ответила, мол, уже немолода и хочет замуж. Анна Иоанновна загорелась идеей замужества карлицы, да так, что та уже и не рада была. Родовитым женихом стал Михаил Голицын. Как-то, будучи за границей, Голицын женился и принял католичество. Сменой веры он навлек на себя гнев Анны Иоанновны, в следствие чего угодил в опалу: во дворце у него было свое лукошко, где мужчина «высиживал» яйца. На пирах в обязанности князя входило наливать всем квас, за что его и прозвали Квасник. Морально уничтоженный князь, естественно, не мог ничего возразить государыне и стал покорно готовиться к свадьбе с карлицей. Сама же Анна Иоанновна настолько прониклась новой забавой, что приказала выстроить для свадьбы огромный Ледяной дом на Неве. Зима в тот год была очень суровая, температура не поднималась выше минус 30 градусов.  По периметру постройку украшали ледяные фигуры птиц и животных. Наиболее впечатляющим творением стал ледяной слон в натуральную величину. Днем из хобота выпускались струи воды, а ночью – горящей нефти. Для строительства Ледяного дома были привлечены лучшие инженеры того времени. Свадебный кортеж представлял собой сильное зрелище. Молодоженов заперли в клетку, которую поставили на слона. За ними тянулись остальные на верблюдах, оленях, собаках. После венчания последовал пир, а вечером Квасника и Авдотью отправили в их дворец на ледяное брачное ложе. У выхода приставили стражников, чтобы молодые не смогли выбраться. По задумке, новоиспеченные супруги должны были замерзнуть при минус сорока градусах, но они сумели выжить. По легенде, карлица подкупила стражников и пронесла заранее теплые вещи, но все равно на утро они были почти замерзшими. Жестокая забава Анны Иоанновны вызвала сильнейшее возмущение в российском обществе и заграницей. Издевательство над шутами назвали низким, а растрату колоссальных средств на свою прихоть – самодурством. Так случилось, что шутовская свадьба стала последним развлечением Анны Иоанновны. Через полгода ее не стало. Что касается виновников «торжества», то карлица Авдотья родила Кваснику двоих детей. Но через два года после свадьбы женщина скончалась, сказались последствия переохлаждения.

«Интересный студент». Маргарита Жерар (1761 — 1837) — одна из важнейших женщин-художниц 18 века, известная своими жанровыми сценами и небольшими портретами. Сейчас она представлена в Лувре, рядом с блестящим поколением женщин-художниц своего времени, с Аделаидой Лабиль-Гьярд, Энн Вальяер-Костер и Элизабет виже Ле Брюн. «Интересный студент» является одной из первых картин, представленных под единственным именем Маргарита Жерар, хотя не исключено, что Фрагонард (французский живописец и график) написал некоторые детали, такие как кот и собака в правом нижнем углу. Эта работа также дает дань уважения художнику: главная фигура изучает гравюру композиции Фрагонарда «Фонтан любви».

Женщина и собака 1891 Пьер Боннар Институт искусств Стерлинга и Франсин Кларк, Уильямстаун, США На картине Боннар изобразил сестру и кузину, которые играют в саду с собакой семьи Боннар. Вдали, едва видны три другие фигуры. Художник сжал пространство на полотне и упростил формы, сглаживая складки и узоры на женской одежде. Так же Боннар также выделил фигуры людей и собаки как карандашом, так и чернилами — иногда вдавливая линии непосредственно в масляную краску. Подобная экспериментальная техника была характерна для декоративного стиля, который проводила в жизнь группа молодых художников, известных как группа «Наби» (Пророки). Ещё на картине есть абстрактный элемент (женское платье как часть шахматного орнамента) и, одновременно, нарративный (сентиментальные отношения двух молодых женщин и их питомца). Запрещённое искусство — подробно.

​​Владимир Любаров Деревня Рай или Странствие по деревням, от многих из которых остались одни названия   Когда в начале девяностых вся страна рванула осваивать Европу, Владимир Любаров оставил пост главного художника столичного издательства и уехал жить в полузаброшенную деревню Перемилово на самом краю Владимирской области.   Выставлял Любаров героев своих перемиловских картин в музеях и галереях по всей Европе и в России, в том числе в Третьяковской галерее и в Русском музее. И неизменно возвращался к себе в деревню.   Но постепенно, путешествуя по окрестностям, стал заглядываться и на других «девушек», то есть на другие деревни – уж больно в здешних краях у них были диковинные названия: Пенье, Любилки, Случайное, Куда, Нескучай, Упертовка, Бухалово, Перебор, Собакино... Владимир Любаров собирал их как свидетельства народного остроумия, той самой исчезающей смеховой культуры, дух которой он еще успел застать в своей деревне. И среди прочих деревень Любаров нарисовал и главную загадку своей «коллекции» – деревню Рай, ту самую, что в Костромской области.   Может, так и выглядит российский Рай, подумал Любаров. А почему бы и нет? Где человеку хорошо, — там и есть его Рай. Главное, найти свою деревню.   Выставка будет работать с 22 апреля по 10 мая 2022 г. Приходите! www.openklub.ru https://telegra.ph/file/530ad77fa982c722b1880.jpg