Самый умышленный музей https://youtu.be/EVKxyxc5nSs Фильм рассказывает в...

Карильон (карийон, фр. carillon) Карильон - очень редкий инструмент. Он состоит из многочисленных колоколов, настроенных по хроматическому ряду, с диапазоном от двух до шести октав, которые играющий может приводить в действие, используя педали и рычаги. Звучание его зависит от формы колоколов, сплава, из которого они отлиты, материала и веса колокольных языков, акустики колокольни. Ну, и от качества настройки, разумеется. Этот инструмент постоянно проигрывал в борьбе за место в церкви органу или фортепьяно, но это не мешало ему производить большое впечатление. Риверсайдский карильон находится в церкви в Нью-Йорке и был подарен церкви семьёй Рокфеллеров. Он включает в себя 74 колокола, самый массивный из которых весит 20 тонн. Это самый большой карильон в мире, он весит более 100 тонн, что делает его одним из самых больших когда-либо построенных музыкальных инструментов.

Часы от Chopard – 25 миллионов долларов Компания Chopard, известная своими элитными часами, совместила свою экспертность в часовых механизмах с другой своей специализацией – ювелирными изделиями для создания этого интересного ювелирного украшения. В общей сложности эти часы могут похвастаться 874 бриллиантами различного размера, самый крупный из которых весит 15 карат. Ещё больше поражает механизм, позволяющий трём самым крупным бриллиантам отодвигаться в сторону, открывая циферблат часов.

Шишкин Иван Иванович - Вечер Иван Иванович Шишкин — не только один из крупнейших, но и едва ли не самый популярный среди русских пейзажистов. Шишкин знал русскую природу “ученым образом” (И. Н. Крамской) и любил ее со всей силой своей могучей натуры. Из этого знания и этой любви родились образы, которые давно стали своеобразными символами России. Уже сама фигура Шишкина олицетворяла для современников русскую природу. Его называли “лесной богатырь-художник”, “царь леса”, “старик-лесовик”, его могли сравнивать со “старой крепкой сосной, мохом поросшей”, но, скорее, он подобен одинокому дубу со своей знаменитой картины, несмотря на множество поклонников, учеников и подражателей.

"Вечер в Каире" 1870 г. Иван Константинович Айвазовский Частная коллекция. В 2015 году на русских торгах аукциона Sotheby's была заявлена одна из редких картин Айвазовского не на морскую тему – «Вечер в Каире». Эстимейт установили в рамках 1,5-2 миллионов фунтов стерлингов, торги были назначены на 2 июня. Однако Национальное центральное бюро Интерпола в России направило в Великобританию запрос с требованием снять картину с торгов, поскольку в 1997 году она была похищена из частной коллекции в Москве. Судьба картины до похищения известна: полотно находилось в коллекции московского собирателя Дедова. В 1940-е он продал ее Ивану Носенко, занимавшему пост наркома судостроительной промышленности. После смерти Носенко картина перешла в собственность его вдовы. В 1997 году 80-летняя Тамара Георгиевна ожидала внучку с продуктами. Вместо нее пришлось встретить грабителей. Из квартиры вынесли работы Айвазовского, Саврасова, Шишкина. «Вечер в Каире» оценивается как самый дорогой экземпляр коллекции. Впервые полотно всплыло в 2013 году всё на том же Sotheby's. Сын Тамары Георгиевны, дипломат Владимир Носенко опознал один из лотов аукциона и заявил об этом. Полотно было снято с торгов до дальнейшего выяснения обстоятельств. В следующем году аукционный дом получил ответ на запрос из московского ОВД, в котором сообщается: «в материалах уголовного дела отсутствует описание, фотографии и какие-либо другие официальные документы, которые могли бы дать возможность сравнить картину, похищенную в 1997 году у потерпевшей Носенко Т.Г., с картиной, представленной на аукционе Сотбис в 2013 году». То есть доказать, что этот «тот самый Айвазовский», не представляется возможным. Таким образом, с юридической точки зрения ситуация для бывших владельцев оказалась практически безнадежна. Страсти вокруг картины разгорались нешуточные. Представители Sotheby's заявили, что картина не числится ни в списке украденных предметов искусства, составленном Министерством культуры России, ни в международном Art Loss Register. Однако аукционисты связались с «предположительно бывшим владельцем картины» и договорились о выплате определенного процента со стоимости лота. Похоже, в Sotheby's тоже не были уверены в чистоте происхождения картины и понимали, что такой способ решить проблему оптимален для всех. Однако российские и, возможно, британские правоохранители иначе посмотрели на это дело. МВД и Интерпол настойчиво требовали снять картину с торгов. Утром 2 июня 2015 года за несколько минут до начала торгов картина таки были снята. ИванАйвазовский Романтизм _history

Самый уютненький канал о Японии Давай вместе посетим страну вечного прогресса, где буддийские монахи соседствуют с огромными роботами, а торжественные религиозные ритуалы заглушаются шумом игорных залов патинко. Запрыгивай к нам, следующая остановка - Япония!

​​Недавно обнаруженная картина соратника Климта установила рекорд Картина соучредителя Венского сецессиона Карла Молля «Белый интерьер» (1905) более столетия находилась в руках одной семьи. Теперь она произвела фурор на аукционе Freeman’s в Пенсильвании: при эстимейте в 300−500 тысяч долларов работа ушла с молотка за 4,7 миллиона. Это рекорд не только для произведений самого художника, но и для аукционного дома. За «Белый интерьер» сражались несколько участников торгов онлайн и дюжина ценителей по телефону. Все они находились в разных уголках мира. В итоге работа досталась частному калифорнийскому коллекционеру, который, как сообщается, намерен в будущем выставить её в Neue Galerie в Нью-Йорке. Предыдущий рекорд для картин Карла Молля составляет «скромных» 385 тыс. 653 доллара, а самый дорогой лот, который прежде продавал Freeman’s, оценивался в 3,1 миллиона долларов. Это была Императорская белая нефритовая печать периода Цяньлун. Карл Молль относительно малоизвестен за пределами своей родной Австрии. Тем не менее, он был одним из ведущих художников в Вене на рубеже XX века. В 1897 году живописец стал соучредителем Венского сецессиона вместе с Густавом Климтом, Отто Вагнером и Йозефом Хоффманом. Они отошли от конформизма Венской академии изящных искусств, чтобы продвигать новые формы творчества. Молль писал в основном пейзажи и натюрморты, вдохновлённые французским неоимпрессионизмом. Но его кисти принадлежат также безмятежные и элегантные внутренние сцены, которые он создавал на протяжении всей своей карьеры. «Белый интерьер», написанный в 1905 году, — одна из таких картин. На полотне изображена одинокая женская фигура в центре богато украшенной гостиной. Дама в свободном длинном белом платье стоит спиной к зрителю, расставляя букет жёлтых тюльпанов в старинной вазе. В этой сцене ощущается домашнее умиротворение, которое ей придаёт мягкий рассеянный свет. Молль вдохновлялся живописью Яна Вермеера, чьё творчество только что было заново открыто в начале XX века. Композиция тщательно сбалансирована и подчеркнута горизонтальной линией гладкого обеденного стола в центре. Красивым контрастом выступают две высокие стеклянные витрины, размещенные по сторонам холста на переднем плане. Отдельное внимание стоит уделить героине картины. Хотя Молль предпочёл скрыть её лицо, это — не анонимный персонаж. Художник изобразил Берту Цукеркандль, которую называли «кукловодом венской культурной сцены». Она была одной из значимых фигур Вены на рубеже веков и ярым сторонником австрийского модерна, который защищала во множестве своих статей в социал-демократической газете «Wiener Allgemeine Zeitung». Будучи замужем за известным анатомом, Цукеркандль проводила еженедельный салон (один из последних в Европе), где принимала многих знаменитостей того времени, таких как Густав Климт и Стефан Цвейг. «Белый интерьер» был выставлен в Берлине в начале 1905 года, а в следующем году — в Музее Фолькванг в Эссене. Последний публичный показ картины прошёл на знаменитой Венской художественной ярмарке, где она демонстрировалась вместе с культовым «Поцелуем» Густава Климта. Там её приобрёл частный коллекционер, и в течение столетия работа хранилась у его потомков. В середине 1970-х годов семья переехала из Германии в США, и теперь владельцы решили продать шедевр. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7249c86598c0815f7d3c2.jpg

Старейшая картина масляными красками VII в. н. э. Вo мнoгих eврoпeйских учeбникaх пo истoрии и искусству скaзaнo, чтo живoпись мaсляными крaскaми стaлa испoльзoвaться в нaчaлe XV в. Нo учeныe нeдaвнo выявили нa oбрaзцaх из Бaмиaнских пeщeр быстрoвысыхaющиe мaслa. Нaрисoвaннaя в сeрeдинe VII в. н. э. фрeскa изoбрaжaeт Будду в яркo-крaснoй oдeждe, сидящего сo скрeщeнными нoгaми в oкружeнии пaльмoвых листьeв и мифичeских сущeств. Учeныe oбнaружили, чтo 12 из 50 пeщeр были рaзрисoвaны пo тeхникe живoписи мaсляными крaскaми с испoльзoвaниeм, вoзмoжнo, oрeхoвoгo и мaкoвoгo мaсeл. «Это самый ранний четкий пример живописи масляными красками в мире, хотя быстровысыхающие масла уже использовались древними римлянами и египтянами, но только в медицине и косметике», - объясняет Йоко Танигучи, руководитель команды. Твoрцaми кaртин, вeрoятнo, являются худoжники, кoтoрыe путeшeствoвaли пo Вeликoму Шeлкoвoму пути — дрeвний тoргoвый путь мeжду Зaпaдoм и Китaeм, пeрeсeкaющий Цeнтрaльнo-aзиaтскую пустыню.

Внимание, мы наконец доделали, пожалуй, пока что самый трудоемкий выпуск! Про сюрреализм (почти) без Сальвадора Дали - настоящий, махровый, сумасшедший сюрреализм родом из Франции, тот, который был придуман чтоб перевернуть мир и освободить человечество. Мрачный, обращающийся к подсознанию, из переулков морфия и алкоголя, вбирающий в себя прошлое и будущее, вечный! Скорее смотрите, делитесь и приходите обсуждать! https://youtu.be/3V3CvteD-io https://youtu.be/3V3CvteD-io

Натюрморт с цветами ок. 1600 г.г. Ян Брейгель Старший Национальный музей, Бухарест Его прозвали Бархатным, а также Цветочным. Его многочисленные букеты и цветочные гирлянды были написаны с таким мастерством, что многие именитые художники приглашали Яна Брейгеля Бархатного-Цветочного написать цветы в их картинах на разные сюжеты. Самый знаменитый и виртуозный живописец, с которым довелось сотрудничать Брейгелю Цветочному - Питер Пауль Рубенс. Думаю, вы догадались, что я не просто так именно сегодня показал такой цветочный натюрморт. Ну, а если вам этого букета мало, то проходите по ссылке и получите ещё пару десятков) С Праздником!

Бриллиантовое колье «Сатин» Это колье с бриллиантами было сделано специально для героини Николь Кидман голливудского фильма «Мулен Руж». Его автором стал австралийский дизайнер StefanoCanturi. Дизайн украшения выполнен в точном соответствии с традициями моды того времени. Оно состоит из 1308 алмазов, весит 134 карата и стоит около 1 миллиона долларов США. Это роскошное украшение должно было быть продано с аукциона Кристи, но в самый последний момент неизвестный владелец колье снял его с торгов и оставил в своей частной коллекции.

Ренато Гаттузо "Рынок Вуччирия" (1974) Рынок Vucciria в Палермо представляет собой лабиринт переулков недалеко от площади Сан-Доменико. Эти переулки настолько узкие, что в самый разгар торговли возле самых популярных торговых лавок можно задержаться "не по своей воле", движение здесь буквально замирает. Кстати, на местном диалекте Vucciria означает "голоса" или "шум".

Втевал Иоахим Антонис "Марс и Венера, застигнутые Вулканом" (ок. 1610) Вокруг Венеры вечно увивались разного рода боги, но добился ее таки только Марс. От него родился Купидон (Амур), вечно болтающийся рядом с матерью. При этом, законным мужем Венеры был Вулкан  - самый искусный в кузнечном ремесле мастер и самый некрасивый среди богов. Хромоногий Вулкан трудился у наковален в своей кузнице и не испытывал особого влечения к супруге, находя истинное удовлетворение в работе с молотом. Вулкан ничего не знал о похождениях супруги, пока ему не раскрыл глаза Аполлон. Решив поймать предателей, он сплел сеть, которую спрятал над своей кроватью. В нужный момент сеть опустилась, обнаружив прелюбодеяние. Затем Вулкан призвал богов, чтобы они могли полюбоваться на пойманных любовников.

Протестные художники, съёмки митингов, арт-группа «Война», Пригов и Хармс, Студия-54 и Догма-95, кукольдные треугольники Серебряного века, любовницы шпионов и писателей, сплетни ленинградского рок-клуба и самый странный и загадочный арт-хаус от Ходоровски до Гринуэя. Одним словом, увлекательное погружение в необъятный культурный генезис. Всё это в канале о соле земли «Бахчисарайские гвоздики». Подписаться тут https://t.me/darkmgimo

"Триумф Вакха" 1629 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. Картину «Триумф Вакха» Диего Веласкес написал, что называется, на спор. Но удивительным было даже не это, а тот факт, что до сего момента художнику не приходилось обращаться к мифологической живописи, которую так любила его эпоха – эпоха барокко. Картины мифологической тематики пользовались гигантской популярностью: ими украшали ратуши и замки, суды и университеты, гостиные и спальни. Вспомнить хотя бы старшего современника Веласкеса – Рубенса, который отдал аллегорической живописи чрезвычайно щедрую дань! Но 30-летнего Веласкеса античный антураж оставлял равнодушным. Почему же Веласкес создал «Триумф Вакха»? До 23 лет Веласкес жил в Севилье и там писал в основном бодегоны – реалистичные бытовые зарисовки в какой-нибудь таверне или харчевне. Иногда его упрекали: что же ты, дескать, всё малюешь гуляк да пьяниц, изобразил бы бога или героя какого! Но юный Веласкес придумал в ответ замечательную формулу, которой потом руководствовался всю жизнь: «Лучше быть первым в грубом жанре, чем вторым в изящном». А уже в 24 года художник оказался в Мадриде и долгое время писал исключительно портреты. Практически сразу он получил звание придворного живописца короля Филиппа IV. Веласкес был очень молод, но король – на 6 лет моложе. Филипп приблизил его к себе, устроил Веласкесу мастерскую прямо в своих покоях. Любил сидеть там и наблюдать, как художник работает. Не позволял портретировать себя никому, кроме Веласкеса. Давал ему одно придворное звание за другим. Не разрешал уезжать надолго, потому что очень скоро начинал скучать по своему камергеру и другу. И, конечно, у прочих художников это вызывало огромную ревность. При дворах европейских монархов традиционно работали приглашённые итальянцы, воспитанные на культуре античности. Они плели против Веласкеса интриги. Однажды взволнованный король пришёл в мастерскую к своему фавориту и заявил с порога: «Они говорят, что ты умеешь хорошо рисовать только лица! Неужели это правда?» Ответом Веласкеса и стала картина «Триумф Вакха» (известная также под испанским названием Los Borrachos – «Пьяницы»). С убедительной наглядностью он показывал заносчивым итальянцам: «Не только лица! И тела тоже! И композицию могу выстроить не хуже, чем на ваших античных фризах. И Вакха написать не менее живым и соблазнительно-хмельным, чем ваш хвалёный Караваджо!» В чем своеобразие картины Веласкеса «Триумф Вакха»? Но и в несвойственном ему мифологическом жанре Веласкес остался Веласкесом: античную вакханалию он скрестил с испанским бодегоном, высокое – с низким. Как правило, свита Вакха состоит из вакханок и сатиров. А Веласкес решил поместить бога вина и страсти среди простых крестьян, помятых и побитых жизнью, в простой одежде и с обветренными лицами. Его Вакх – белотелый, немного рыхлый. По нынешним меркам, его тело можно назвать слегка «поплывшим», а вот сатир позади него – мускулист и смугл. Противопоставляя их, Веласкес показывает, что он большой мастер своего дела (и чужого тела): он может передавать и сложные ракурсы, и разнообразные позы, и различающееся «агрегатное состояние» человеческой плоти. Вакх Веласкеса сидит на бочке с вином – это его трон. Нагота его прикрыта складками ткани «королевских» цветов – белого и пурпурного. На его голове – венец из виноградных листьев, а сам Вакх коронует кого-то из своих особенно ярых почитателей, отметившегося на ниве пития и разврата, таким же виноградным венком. Крестьяне пришли к божеству с просьбой облегчить их тяжелую жизнь. А Вакх даровал им вино – самый доступный способ забыть о горестях и печалях. Большая плоская чаша в руках у центрального персонажа (в шляпе) написана притягивающе-реалистичной. Кажется, что глядя на глянцевую поверхность вина, можно ощутить его прохладу и терпкий аромат. Взгляд обрадованного пьяницы направлен прямо на нас. Он улыбается так широко и по-свойски, что буквально «затягивает» зрителя в пространство картины, требуя разделить с ним его веселье и питьё. ДиегоВеласкес Барокко МифологическаяСцена _history

Как отделаться от парня за 10 дней? Ну или дольше, но чтоб наверняка? Особенно, если парень этот – самый модный художник Вены и ваша жена без памяти влюблена в него. Вот уж задачка не из легких! Изящный выход из этой щекотливой ситуации нашёл Фердинанд Блох-Бауэр - муж той самой без памяти влюбленной барышни. Он заказал Густаву Климту (именно об этом художнике идёт речь) портрет своей жены. И предложил контракт на баснословную сумму. Контракт был очень сложный. Адель нужно было позировать, и позировать, и позировать. А Густаву – смотреть, и смотреть на неё. Около ста эскизов написал Климт к этому портрету. И закончил работу над ней за четыре года. И так Климту она надоела, что ни о каком романе не могло быть и речи. А мир обрёл великолепный «Портрет Адели Блох-Бауэр».

ОбложкаНедели журнала Collier’s Weekly за 29 сентября 1917 года, США Мужественный военный лётчик в типичном обмундировании — кожаная куртка, шлем с очками и обязательный шарф. Шла ПерваяМировая и обложки периодических изданий часто украшали рисунки военной тематики. Автор этого — известный иллюстратор Джозеф Кристиан Лейендекер (Joseph Christian Leyendecker). Шарф для пилотов тех лет был одновременно и модным, и полезным аксессуаром. Благодаря ему была защищена шея — от ветра и от натирания об воротник во время воздушного боя. Хотя самолёт на фоне почти весь скрыт за фигурой лётчика, но он всё же легко узнаваем — это учебно-тренировочный биплан Curtiss JN-4 Jenny. Самый известный американский самолёт Первой мировой войны широко использовался для обучения будущих пилотов. Был выпущен впечатляющей серией в 6 813 экземпляров.

«Женщина с цветком» 1929г. Грант Вуд Картина содержит все авторские стилистические черты художника– главная героиня изображена крупным планом, чёткая линия рисунка, точная прорисовка, присутствие аллегорических символов. На полотне живописец изобразил свою мать. Ей здесь 71 год, и Вуд написал мать очень реалистично и максимально правдиво. Зритель сразу может отметить характерный «возрастной» цвет лица, глубокие морщины треугольником, уставший взгляд, старческие руки и редеющие седые волосы. Особенная худоба модели также характерна для пожилого человека. Передник, который был в моде десяток лет назад, ещё одна красноречивая отсылка к возрасту героини. Самый неожиданный элемент в картине – цветок в руках женщины. Читая название, мы ожидаем увидеть какое-нибудь цветущие живописное растение. Однако сразу замечаем, что мать художника держит трёхполосную сансевиерию в коричневом глиняном горшке. Сам живописец утверждал, что этот выбор не случаен - растение символизирует прямолинейный характер его мамы.

"Дождь, пар и скорость. Большая западная железная дорога" 1844 г. Уильям Тёрнер Лондонская Национальная галерея. «Дождь, пар и скорость», картину, изображавшую мчащийся по мосту Мейденхед над Темзой поезд, очень любили импрессионисты. В каком-то смысле, именно из этого тумана, окружающего поезд, они и сами появились. Но, конечно, Тёрнер не мог знать, что противопоставление скорости нового и замедленности уходящего – это и противопоставление грядущего импрессионизма и исчерпавшей себя академической живописи. Клод Моне через несколько десятков лет создаст свою вокзальную серию. Англию в те годы охватила настоящая железнодорожная лихорадка. Тёрнер изобразил ее в своем ключе, без любования «железным конем». Не машину он написал, а скорость. Поезд – словно неутомимый яростный зверь - мчится вперед, за ним все скрыто в дымке. Кажется, поезд появляется из ниоткуда, взрезая пространство, несется прямо на нас, а после умчится в никуда. Сверкающая сфера на передней части паровоза – словно распахнутая пасть, это самый яркий элемент картины. «Перед нами ослепляющее видение или мимолетная реальность?» – спрашивает посетивший выставку обозреватель The Times. Мимолетная реальность? Вы тоже чувствуете, что скоро здесь будут импрессионисты? Лодка с людьми по левую сторону от поезда, призрачные фигуры танцующих девушек, застывший пахарь с плугом справа, силуэт зайца на рельсах, – всё это кажется элементами уходящего мира, уступающего место новому, скоростному. Но при этом, и лодки, и танцующие девушки, и пахарь с плугом, и влажный туман, в котором все они практически растворены – вне времени, они есть и будут даже после того, как промчится этот поезд. Им не угнаться за этой скоростью, но поезд уйдет, а они – останутся. Противопоставлением «новое – уходящее» картина близка к настроению знаменитого «Последнего рейса фрегата “Отважный”». Некоторые исследователи сопоставляют колористику этой картины с работами Рембрандта. «Он – мастер в изображении тонкой грани между утренней зарей и полднем, грани, которая обычно ускользает», – признавал заслуги голландца в виртуозном владении цветом и светом художник, посвятивший себя «богу-солнцу». УильямТёрнер Романтизм _history

Питер Пауль Рубенс "Шубка. Портрет Елены Фоурман" Елене Фоурман было 16, когда она вышла замуж за 53-летнего Рубенса, дипломата, дворянина, самого знаменитого художника страны. Она была дочерью торговца коврами, кроме нее в семье было еще 10 детей, за ней не давали большого приданого, но она была молода и прекрасна. «Шубка» - самый интимный и игривый портрет. Рубенс писал его в свое удовольствие и завещал после своей смерти Елене. Изначально он пишет поясной портрет, но потом добавляет к основной доске еще одну, и доставляет сам себе счастье написать Елену в полный рост.

В Финляндии в конце девятнадцатого века случился самый настоящий золотой век искусства - это был период ухода от Российской империи и избавления от шведского влияния, поэтому появилась острая необходимость понять себя, разобраться со своей национальной идентичностью. Художники, писатели, композиторы обратились кто к сказкам и мифам, кто к народной жизни, кто к красотам северной природы. Вышло все у них очень хорошо - один только Аксели Галлен-Каллела чего стоит. Одновременно с этим произошла еще важная штука - появилась идея о важности образования для всех и, например, в Школу Финского Художественного общества (ныне это Академия изящных искусств) стали принимать женщин. А они как давай туда поступать, да еще и объединились в художественное сестринство. Вот про одну из представительниц первого поколения финских профессиональных художниц и расскажу. Там про каждую надо обязательно, но сегодня будет Элин Клеопатра Даниэльсон-Гамбоджи, финская реалистка с шведскими корнями. У нее на картинах очень много женщин - маленьких и больших, за работой и на отдыхе, в одиночестве, с друзьями или с детьми. Покуривают после завтрака, устраивают пикник на побережье, читают вслух, рубятся в картишки - целая энциклопедия всякой женской жизни. Конечно, она написала много прекрасных пейзажей, ей это хорошо давалось тоже, но портреты и жанровые сценки, на мой личный вкус, интереснее. Кстати, вот ее автопортреты какие хорошие - проницательный прямой взгляд, а будто рассмеется сейчас.

​​Как не дать мозгу засохнуть Помимо очевидных способов вроде чтения книг есть крутые тренажёры для мозга. Самый известный такой сервис — Викиум Это такая штука, которая развивает внимание, память, мышление. Всё в игровой форме. Занимаетесь 10-15 минут в день — и первые результаты будут уже через 2-3 недели. В основе тренажёров — методики российских и зарубежных нейропсихологов, которые уже доказали свою эффективность. Короче, это реально работает. После регистрации вам дадут тест. Он покажет, как у вас сейчас с памятью и вниманием. Это вообще интереснее всего — отслеживать свой прогресс. Как будто качаешь персонажа в игре. Тренируйте мозг, он потом спасибо скажет: www.wikium.ru https://telegra.ph/file/5b3c918f62cf32571538c.mp4

"Уличная сцена в Берлине" 1914 г. Эрнст Людвиг Кирхнер Новая галерея, Нью-Йорк. В 2006 году «Уличная сцена в Берлине» Эрнста Кирхнера - одна из самых важных картин немецкого экспрессионизма, как утверждали аукционисты, - была продана в частную коллекцию. Запутанная история, которая вызвала волну негодования среди искусствоведов, политиков, журналистов и любителей живописи – крайне редко произведения такой ценности уходят в частные руки из общественного музея. Brücke museum (музей, посвященный деятельности художественного объединения «Мост») вынужден был отдать картину Аните Хальпинс, которая заявила, что она прямая наследница коллекционера-еврея Альфреда Гесса, первого владельца картины. Ее дед вынужден был продать картину за бесценок во время преследования евреев национал-социалистической партией. В соответствии с Вашингтонской декларацией 1998 года власть Берлина согласилась снять картину с музейной стены и передать семье первого владельца. На аукцион Christie's картина попала в том же году и была продана по рекордной для Кирхнера цене – 38 миллионов долларов. Новым владельцем «Уличной сцены» стала Neue Gallery, частная нью-йоркская галерея. Споры вокруг этого решения не утихают уже много лет: обыкновенный коммерческий ход со стороны наследницы, комплекс вины со стороны немецкой власти, ненадежность сведений о первом владельце и тех причинах, которые побудили его к продаже (а может и не было никакого преследования? может, Альфред Гесс просто продал картину и получил за нее хорошие деньги?). В любом случае, возмущаются галеристы и искусствоведы, нельзя просто взять и отдать настолько значительный музейный экспонат, доступный миллионам людей, во владение одному человеку. Эрнст Людвиг Кирхнер написал 11 картин с берлинскими ночными уличными сценами в последний предвоенный год, 1913. Он переехал из провинциального и тихого Дрездена в Берлин, самый быстро растущий и самый освещенный город в начале ХХ века. Здесь резко меняется художественная манера Кирхнера, писавшего до сих пор обнаженную натуру среди дикой природы во время летних вылазок на Морицбургские озера. Город Кирхнера – это мегаполис, в котором одиноко и неуютно, который одинаково возбуждает и пугает обилием возможностей, агрессивным светом ночных клубов, ресторанов, театров, кабаре, кинотеатров. Героини этой живописной серии – берлинские проститутки, ярко одетые и вызывающе заметные. Позднее искусствоведы скажут о том, что продажная любовь для Кирхнера – это символ: коммерческой основы всех внутригородских отношений, процветавшей коррупции, битвы между личной свободой и цензурой в искусстве и одновременно продажности искусства. Все эти смыслы художник вряд ли формулировал как программу и художественную задачу – Кирхнер пишет не социальный пасквиль, а собственные ощущения и состояние ума, собственное отчаянье и одиночество. Не смотря на то, что между мужчинами-клиентами и городскими проститутками должен происходить сейчас бессловесный договор, не смотря на то, что пространство картины перегружено и плотно заполнено фигурами людей, все взгляды направлены в разные стороны и все движения разрознены. Здесь каждый сам по себе. Проводя вечера на центральных улицах и площадях, Кирхнер делает множество зарисовок – ему теперь хватает нескольких линий, чтобы обозначить движение, характеры, выражения лиц. Он пишет позже о том, что попытка передать движение привела его к отказу от одноточечной перспективы, именно несколько точек зрения способны создать ощущение хаотичного, разрозненного движения. Обрезанные фигуры на первом плане картины создают ощущение случайного снимка, сделанного в гуще быстро движущейся толпы. Вытянутые, угловатые лица – влияние одновременно двух равноудаленных от окружающей действительности традиций: экзотические африканские маски и древняя готическая иконография. ЭрнстКирхнер Экспрессионизм _history

Английский художник Джо Доуден (Joe Dowden) «Пишите свет, а не ландшафт. Такой подход может показаться сложным, но я объясню, как это сделать. Когда вы смотрите на ландшафт, против низко стоящего солнца, все вокруг оживает. Даже самый невзрачный вид сверкает и искрится полный жизни и энергии. Но обернитесь и вы увидите мертвый и скучный пейзаж. Ищите в первую очередь свет, а потом — вид» мастерство

Рим после эпохи Возрождения был центром притяжения для художников долгие века, местом, где случалось все самое важное, где можно было учиться у великих, и туда стремились мастера со всего мира - даже лучших выпускников Императорской Академии Искусств из России отправляли пожить в Риме за казенный счет. Так происходило примерно до девятнадцатого века, когда оказалось, что все самое интересное стало происходить во Франции. Но до того - Рим и только Рим. Для голландских и фламандских художников семнадцатого века путешествие в Рим и вовсе стало своего рода инициацией. Дело в том, что в 1604 году их земляк, художник и писатель Карел ван Мандер, опубликовал книгу, которая свела всех с ума и которая по сей день входит в перечень важнейших нидерландских книг. Это был трактат об искусстве, Шильдер-Бёк, что в переводе означает “Книга об искусстве” или “Книга об изображениях. Книга эта состоит из шести частей. 1. Основы благородного и свободного искусства живописи (тут вводная часть, где читателю рассказывают про основы. Например, объясняют, что такое пейзаж, композиция и драпировка). 2. Жизни выдающихся древних художников, включая египтян, греков и римлян (вольный пересказ избранных отрывков из “Естественной истории” Плиния). 3. Жизнь современных или современных прославленных итальянских художников (этот том, по сути, был переработанным и дополненным пересказом “Жизнеописания наиболее великих художников” Джорджо Вазари). 4. Жизни выдающихся нидерландских и немецких художников (тут уж ван Мандер работал сам и перечислил, снабдив биографическими зарисовками, несколько десятков важнейших мастеров Нидерладов и окрестностей; это том считается самым важным в его работе, а еще он самый длинный). 5. Комментарий к Метаморфозам Овидия (казалось бы, внезапно, но на самом деле тут автор, вслед за теоретиками итальянского Ренессанса, объяснил читателю, что нет никакого противоречия между греческими мифами и Ветхим Заветом, а, наоборот, это вещи взаимообогащают друг друга - например, как, помните, у Боттичелли было, что Венера равна Мадонне и обратно). 6. Изображение фигур (тут рассказано о символическом значении разных зверей для успешного составления аллегорий и украшения сюжетов). Через два года после первого издания своей книги Карел ван Мандер умер, а второе издание было снабжено его биографией, вроде бы, написанной его сыном. Там рассказывалось про его детские шалости, талант поэта, годы учебы и, главное, описывалось путешествие в Рим, в которое он отправился в компании знатных юношей, но решил не спешить и добирался до Рима аж три года, по дороге занимаясь искусством и посещая мастерские всех встретившихся на пути художников. Именно этот факт привел молодых нидерландских художников в полный восторг. Вдохновленные книгой ван Мандера и его особым стилем путешествия, они хлынули в Рим. То есть, до этого нидерландцев в Риме и так хватало, но тут это паломничество стало более массовым. Доехать до Рима надо было почти без денег, зарабатывая на пути своими художественными талантами, приобретая новые знакомства и стараясь как-то выжить. Добирались годами. Доезжали не все. Некоторые разворачивались по пути, кто-то останавливался насовсем в каком-нибудь небольшом городе, а кто-то и вовсе сгинул. В общем, выходило, что доехавшие до Рима художники его в душе своей заслужили и завоевали. А еще по пути многие набирались опыта работы, насмотренности и приезжали уже серьезными мастерами и, главное, знающими, что своим трудом они теперь чего угодно смогут.

Суриков Василий Иванович - Переход Суворова через Альпы (1899) Славным делам и событиям русской истории посвящена и эта картина. Самобытная натура гениального русского полководца А.В. Суворова заинтересовала Сурикова как яркое проявление русского национального характера. Суровый и величественный горный пейзаж. Уходящие ввысь, за пределы картины, скалы окутаны седыми облаками. Крутой обледенелый обрыв. Снег. Ледяные уступы обрыва синеватые, полупрозрачные. Горы полуосвещены солнцем. И горы, и снег, и самый воздух - все здесь чужое, суровое. По ледяным скатам, подобно лавине, низвергаются в пропасть суворовские чудо-богатыри. На краю обрыва остановил своего коня Суворов в синем походном плаще, без шапки, весь подался вперед, он шуткой и острым словом подбадривает своих воинов. Восторженной улыбкой встречает его слова молодой солдат. Около Суворова немолодой солдат - в походе он всегда рядом со своим полководцем.

Как оставаться спокойным, сосредоточенным и энергичным, если вокруг вас шум и хаос Попробуйте медитировать. Это проще, чем вы думаете. Наши глаза наиболее уязвимый орган, чтобы отвлечь нас от чего угодно. Поэтому Визуальная медитация — самый быстрый способ взять контроль над своим сознанием и эмоциями. Выберите любой образ на этом канале, который соответствует настроению и попробуйте найти в нем ответы на свои вопросы. _meditation — эстетическая медитация в вашем кармане. Насыщайте свой мозг свежей энергией!

​​Сегодня Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина отмечает 110 лет со дня открытия! Несколько фактов о музее: ️В конце 1896 года в столичной печати были опубликовали условия конкурса на составление проекта здания для Музея изящных искусств имени императора Александра III при Московском университете, который по просьбе университета проводила петербургская Академия художеств. Ранее проекты и инициативы создания музея в Москве не раз выдвигались общественностью, но воплотить эту идею удалось Ивану Цветаеву. ️ Над основанием и открытием музея в 1912 году работал выдающийся учёный-историк, искусствовед и профессор Московского Университета Иван Цветаев (отец Марины и Анастасии Цветаевых). ️Музей обязан своей историей и коллекцией «всему обществу», которое поддерживало создание художественно-образовательного общедоступного музея: от царской семьи и меценатов до покровителей искусства и купечества. ️В оформлении музейной экспозиции Ивану Владимировичу помогали художники и архитекторы: Фёдор Шехтель, Игорь Грабарь, Константин Коровин и другие деятели культуры. ️Музей обладает крупнейшей коллекцией: большое собрание гипсовых слепков с произведений Античности, Средних веков и эпохи Возрождения; 350 тысяч произведений живописи; 150 тысяч единиц хранения графики; 200 тысяч экспонатов нумизматики; декоративно-прикладное искусство и другие сокровища. Самый лучший способ отметить это событие — сходить на постоянную экспозицию и просто полюбоваться ее изяществом. «Сикстинская Мадонна» Рафаэля на выставке «Шедевры Дрезденской картинной галереи» в ГМИИ им. А.С. Пушкина. 1955 г Наши поздравления! https://telegra.ph/file/3e8d504416724db025a90.jpg

Как оставаться спокойным, сосредоточенным и энергичным, если вокруг вас шум и хаос Попробуйте медитировать. Это проще, чем вы думаете. Наши глаза наиболее уязвимый орган, чтобы отвлечь нас от чего угодно. Поэтому Визуальная медитация — самый быстрый способ взять контроль над своим сознанием и эмоциями. Выберите любой образ на этом канале, который соответствует настроению и попробуйте найти в нем ответы на свои вопросы. _meditation — эстетическая медитация в вашем кармане. Насыщайте свой мозг свежей энергией! https://t.me/visual_meditation

"Вывеска лавки Жерсена" 1720 г. Антуан Ватто Шарлоттенбург, Берлин. Знаменитая «Лавка Жерсена» - последняя и, как считают многие, лучшая картина Антуана Ватто. Она настолько богата колористически, что в ней заложены все цветовые возможности будущего рококо. Тем курьёзнее факт, что картина создавалась с вполне утилитарной целью – она действительно должна была служить вывеской, своего рода наружной рекламой для магазина произведений искусства на мосту Нотр-Дам, принадлежащего другу Ватто Жерсену. В 1720-м году Ватто вернулся из заграничной поездки. Англия воздала должное его таланту: здесь Ватто ценили едва ли не больше, чем в родной Франции. Но долго наслаждаться признанием не пришлось. Прохладный и влажный британский климат обострил давнее заболевание – туберкулёз. Полумёртвый художник вынужден был вернуться в Париж. Жить ему оставалось не более года. К этому моменту 35-летний Ватто был не только широко известен, но и весьма богат. Однако, как и раньше, ему и в голову не приходит обзавестись собственным домом. Всю прошедшую жизнь он предпочитал жить под кровом кого-то из друзей. Так было и на этот раз. Торговец предметами искусства Жерсен с радостью дал приют измождённому чахоткой художнику. В благодарность и чтобы «размять пальцы, истосковавшиеся по работе», Ватто предложил написать для его заведения вывеску – нечто вроде рекламного панно полтора на три метра, раскрывающего покупателю, что его ждёт, когда он переступит порог лавки Жерсена. Жерсен, кстати, отказывался – ему было чудовищно неловко, что такой знаменитый мастер будет писать его скромную лавку. Но Ватто было невозможно переспорить, настолько он был упрям. «Вывеска лавки Жерсена» была окончена всего за неделю, хотя работать Ватто мог только утром, послеобеденное время до вечера уходило на восстановление сил. Чахотка доконала его, и видимо, художник это чувствовал: сейчас картину называют «Завещанием Ватто». Мы видим на ней самый обычный день в магазине, торгующем картинами. Кто-то из покупателей приценивается к картинам. Кто-то уже определился – и его покупку упаковывают в коробку, чтобы доставить по назначенному адресу. Тщательно и реалистично написаны обстановка и ткани, мастерски расставлены фигуры. А картины на «Вывеске Жерсена» не условны, а конкретны и узнаваемы. На стенах – только работы любимых художников Ватто: Веласкеса, Рубенса, Йорданса. А в ящик пакуют портрет Людовика XIV, написанный придворным художником Риго. Король-Солнце скрывается со сцены. Король-солнце сыграл в ящик. Для биографии Ватто этот образ очень символичен, ведь ему суждено было стать родоначальником новой эпохи в живописи, наступившей как реакция на искусство уходящего века Людовика XIV, – эпохи рококо. Но самое значительное в «Лавке Жерсена» – её колорит. Здесь нет чистых и ярких цветов. Вместо этого мы видим невероятное богатство сложных оттенков, их тонких переливов. Говорят, всем будущим приверженцам рококо и последователям Ватто уже не нужно было ничего изобретать в области цвета: все его возможности абсолютно исчерпывающе представлены в палитре «Лавке Жерсена». Уже художники-современники это хорошо понимали. После смерти Ватто они извели Жерсена упрёками, что шедевр такой силы не должен «работать вывеской». Картина провисела снаружи совсем недолго, Жерсен был вынужден уступить и убрать картину, чтобы её не испортила непогода. Сейчас «Лавка Жерсена» хранится в замке Шарлоттенбург, в Берлине. АнтуанВатто Рококо _history

"Железная дорога" 1873 г. Эдуар Мане Национальная галерея искусства, Вашингтон. Трудно узнать в прилично одетой даме с ребенком ту самую скандальную натурщицу, которая позировала Эдуару Мане для «Олимпии» и «Завтрака на траве». Разве что прямой вызывающий взгляд ее выдает. Но это действительно она, Викторина Меран. Викторина Меран вернулась неожиданно. 6 лет о ней не было ничего слышно, никто не знал, куда она исчезла. Говорили, что все эти годы любимая натурщица Мане прожила в Америке. Бросать ей в Париже было нечего, жалеть тоже не о чем: нищета, мечты об актерской славе, гитара и несколько художников, которые готовы платить за то, что она раздевается в их мастерских. Поэтому Викторина рванула за океан, не раздумывая, за какой-то страстной роковой любовью. А вернувшись, опять согласилась позировать Мане. Правда предупредила, что на этот раз у нее совсем другие планы, позирует по старой дружбе и искренней сердечной привязанности, но уже готовит первые картины в Салон и тоже, да-да, стала художницей. В «Железной дороге» она наконец-то прилично одета, да и вообще просто одета. Вместо злополучного черного кота, который вызвал бурю возмущения у критиков и зрителей, Мане возвращает ей на колени мирно спящего щенка. Собака, символ преданности и верности, спала на кровати тициановской «Венеры урбинской», и была безжалостно заменена в «Олимпии» Мане на выгнувшего спину шипящего черного котенка. Кошка – это возмутительно, воплощение изменчивости, вожделения, ведьмовской натуры и, наконец, порочности, она стояла у ног обнаженной Олимпии и шипела на зрителя. Картину приняли в Салоне в 1874 год, в тот самый год, когда в ателье фотографа Надара состоялась первая выставка импрессионистов. В «Железной дороге» все было пристойно – и ничего не сбивало зрителя с благочестивых мыслей. Но над Мане снова смеялись. Современному зрителю трудно понять, что смешного видел карикатурист или журнальный критик в этой картине. Их выводила из себя абсолютная бессюжетность и нелитературность изображенного: то ли портрет, то ли жанровая сцена, железная дорога, а поездов не видно. Так смотрят на магазинные вывески из проезжающей кареты, а не на женщину с ребенком. Говорили, что картина схематична, а перспектива бездарно искажена, переднее пространство будто кто-то сжал и впечатал в железные прутья ограды. Это последняя картина, для которой Викторина Меран позировала Мане. Потом ее принимали несколько раз в Салоне, а потом перестали, позже она пристрастилась к выпивке, стала жить с юной натурщицей, играла на гитаре у входа в парижские кафе, продавала рисунки их нетрезвым посетителям. А после смерти Мане написала письмо его вдове, в котором попросила выдать ей процент от продажи картин с ее изображением. Утверждала, что Эдуар обещал с ней поделиться, когда наконец-то прославится и начнет зарабатывать. Не известно, как отреагировала мадам Мане на письмо Викторины. Известно только, что в 1898 году «Железная дорога» была продана за 100 тысяч франков американцу Генри Осборну Хэвемайеру, принадлежала его потомкам до 1956 года и ими же была передана в дар Национальной галерее искусств Вашингтона. ЭдуарМане Портрет Импрессионизм _history

"Портрет Франсуазы" 1946 г. Пабло Пикассо Музей Пикассо, Париж. Этот небольшой карандашный рисунок, выполненный Пабло Пикассо в 1946 году, – один из самых лирических и чувственных портретов Франсуазы Жило. И, пожалуй, самый реалистичный из них. Пикассо создал этот рисунок в самом начале их отношений, в период, исполненный нежности и искреннего обожания. Несколько лет спустя, когда союз с Франсуазой уже начнет трещать по швам, Пикассо будет безжалостно сминать и искажать черты ее лица на своих картинах, как это уже бывало с ее предшественницами. О Франсуазе Жило чаще всего говорят как о единственной возлюбленной Пикассо, которая нашла в себе силы уйти от него первой. Они встретились в Париже в 1943 году, когда художник еще жил с Дорой Маар. Франсуаза стала его «послевоенной» любовью, нервные и заряженные драмой отношения с Дорой окончились вместе с войной. Очень юная и очень живая Франсуаза стала для Пикассо воплощением новой жизни и новой надежды. На момент знакомства ей исполнился 21 год, он был на 40 лет старше. Некоторое время Пикассо и Жило обитали в Париже, но после войны он увез новую музу на юг Франции. Жениться на ней художник не мог, поскольку официально все еще состоял в браке с Ольгой Хохловой. Тем не менее, Франсуаза прожила с ним почти 10 лет и родила от него двоих детей – Клода и Палому. Хоть и недолго, но их семья была по-настоящему счастливой, а дети служили для обоих родителей мощным источником вдохновения. Счастливые времена, однако, довольно быстро закончились. Франсуазу все сильнее раздражали властность и деспотичность Пикассо. Он требовал от нее постоянного внимания, ревновал к друзьям и лишал Франсуазу возможности развивать собственный талант. При этом сам Пикассо оставался патологически неверным и проводил много времени с Мари-Терез Вальтер и их общей дочерью Майей. Их расставание было неизбежным, и именно тогда Пикассо показал себя с самой отвратительной стороны. Не в силах смириться с тем, что женщина посмела от него уйти, он опустошил их общий дом, прихватив с собой множество вещей Франсуазы, ее коллекцию книг, подаренные им рисунки, адресованные ей письма, в том числе и от Анри Матисса. Последним мстительным ударом Пикассо стало то, что он использовал все свое влияние, чтобы Франсуазу выгнали из ее галереи. К счастью, в отличие от других возлюбленных Пикассо, Франсуаза Жило не сломалась и не повредилась рассудком ни во время их совместной жизни, ни после разрыва. Более того, она жива до сих пор и ведет весьма насыщенную жизнь для своего почтенного возраста. Расставшись с Пикассо, Жило наконец смогла в полной мере раскрыться в своем творчестве и написала несколько книг (в том числе о своей жизни с Пикассо). В 1970 году она вышла замуж за вирусолога Джонаса Солка (изобретателя вакцины от полиомиелита) и счастливо прожила с ним 25 лет до самой его смерти. ПаблоПикассо Графика _history

​​️Завтра в Cube.Moscow открывается сразу 12 выставок! ️Еврейский музей и центр толерантности совместно с журналом «Теория моды: одежда, тело, культура» при поддержке Посольства Израиля в Москве представляют проект New Israeli Fashion. Регистрируйтесь на бесплатный показ фильма «Миссис Джи». ️Музей Ван Гога и Floral Street создадут линию ароматов, посвященных творчеству художника. ️В Нью-Йорке появится крупнейший в мире музей, посвященный NFT и цифровому искусству. Новый музей расположится в небоскребе Steinway Tower на Западной 57-й улице в здании, известном как «самый тонкий небоскреб в мире». ️Скоро мы увидим проект Эрмитаж-Барселона. Архитектором выступил лауреат Притцкеровской премии Тойо Ито. Открытие запланировано на 2024 год. Фото: MUSEO HERMITAGE BARCELONA https://telegra.ph/file/8d3173a16da2dfe8d3585.jpg

​​️В 2021 году Республика Коми отмечает 100-летие своей государственности. Лесной массив Республики Коми включен в список всемирного наследия ЮНЕСКО, как самый большой в Европе. Летом и осенью 2021 года Сыктывкар и другие города Коми ожидает беспрецедентное событие — международная биеннале современного искусства. Ее вдохновитель — Пьер-Кристиан Броше. Кстати, Пьер ведёт потрясающую телепрограмму «Моя любовь — Россия». Почитайте интересную статью от The Art Newspaper о прекраснейшем регионе России! ️Вышел исторический фильм-расследование о жертвах ГУЛАГа. ️Фонд «Синдром любви» запустил проект «Хочу на работу», который помогает людям с синдромом Дауна освоить новые навыки и подобрать работу по душе. YouTube канал Фонда «Синдром любви». ️В бывшем кинотеатре «Кунцево» появится центр с библиотекой, концертным залом и кафе. ️Музей Мунка в Осло откроется 22 октября серией выставок. Первой выставкой, открывающей обновленный музей, станет «Одиночество души», объединившая произведения Эдварда Мунка и Трейси Эмин. Когда пишу о Мунке, всегда упоминаю, что несмотря на абстрактный экзистенциализм, он был настоящим душкой. Фото: Эдвард Мунк, 1905, Голова к голове, выставка в LAC Lugano Arte e Cultura https://telegra.ph/file/f354ef89610c6088a8d78.jpg

Христос из Виссембурга, самый старый из сохранившихся фигурных витражей в хорошем состоянии, датируемый примерно 1060 годом. Хранится в Страсбурге. Christ of Wissemburg, the oldest surviving figured stained glass window in good condition, dating from around 1060. Stored in Strasbourg.

Хризантемы 1905 Игорь Грабарь Грабарь воспринял искания французских мастеров, активно используя приемы дивизионизма - раздельного наложения красок на холст. «Хризантемы» - самый эффектный натюрморт художника. Универсальная фигура в русской художественной культуре: художник, историк искусства, преподаватель, реставратор, музейный и общественный деятель. С 1913 по 1925 — директор Третьяковской галереи, создал в музее новую экспозицию, научно обоснованную и с тщательно продуманной концепцией, ставшую своего рода образцом для последующих музейных реэкспозиций. Он написал портрет девочки по имени Светлана, который вдруг стал невероятно популярен. Принимал непосредственное участие в реставрации иконы Андрея Рублёва «Троица». В начале 1943 года выдвинул идею компенсации потерь советских музеев за счет конфискации произведений из музеев Германии и её союзников. Умер 16 мая 1960 года в Москве. Похоронен на Новодевичьем кладбище.

Бумажные скульптуры. Джефф Нишинака (Жеф Нишинака, Jeff Nishinaka) - Американский скульптор. Японский американец третьего поколения, родившийся и живущий в Лос-Анджелесе. Главный в мире бумажный скульптор с плодотворной карьерой, более 30 лет. Учился в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе и окончил престижный художественный центр колледжа дизайна. Успел поработать практически со всеми крупнейшими американскими компаниями, а также мировыми звёздами кино и музыки. Джефф использует стопроцентно хлопчатую бумагу. В связи с этим он не беспокоится, что со временем она пожелтеет или еще как-нибудь испортится. В работе использует простые инструменты: ножницы, механический карандаш, ножи, зубочистки, разные лекала, треугольник и самый обычный бумажный клей. На создание одной бумажной скульптуры у Джеффа уходит 2-3 недели. Все зависит от размера и сложности скульптуры. Стоимость его работ составляет от 2500 долларов за маленькие работы и до 25000 долларов за большие. Очень большие работы стоят еще дороже.

Самый влиятельный дизайнер XIX века http://www.izbrannoe.com/news/iskusstvo/uilyam-morris-samyy-vliyatelnyy-dizayner-xix-veka/

​​️Уличная выставка «Новые руины. Стекло» под кураторством художника Максима Имы открылась в «Манеже» в Санкт-Петербурге. ️Лоран Ле Бон назначен президентом Центра Помпиду в Париже. С 2014 года он занимал пост президента Национального музея Пикассо. ️6-я Уральская индустриальная биеннале современного искусства состоится осенью 2021-го года. Екатеринбург и города региона снова станут территорией развёртывания активного современного художественного процесса. Тема биеннале вторит цитате из Екклесиаста — «Время обнимать и уклоняться от объятий». В рамках публичной программы биеннале готовится серия событий с участием швейцарских художников. Программа реализуется при поддержке Швейцарского совета по культуре Про Гельвеция. ️️Полотно Рембрандта, которое считалось утраченным «considered lost and never shown until now», обнаружено на частной вилле в Риме после падения со стены. Владельцы картины отправили его на реставрацию, где мастера и произвели открытие. Называется работа «Поклонение волхвов» или «Посещение Иисуса Христа у кроватки тремя мудрецами». «Это самый прекрасный момент в моей работе: внезапное осознание того, что ты стоишь перед работой великого мастера, который открывает себя тебе, выходит из сумерок и выбирает тебя для возвращения из тьмы», — говорит реставратор Антонелла Ди Франческо. Дело в том, что Рембрандт создал множество картин и гравюр, что приводит специалистов к спору об авторстве. Семья, которой принадлежит холст, решила не продавать его, а предоставлять для выставок. Фото: Рембрандт, «Поклонение Волхвов», 1632-33. https://telegra.ph/file/ce1cee5aa8fe901ce6ce0.jpg

"Порыв ветра" 1860-е Камиль Коро ГМИИ имени А. С. Пушкина. Популярные истории о французском пейзажисте Камиле Коро нередко начинаются так: «Его жизнь была такой же безмятежной, как большинство его полотен». Конечно, насчёт биографии это обобщение немного натянуто. Но живопись Коро и вправду почти всегда – умиротворённая, природа – спокойная, настроение – просветлённое. Коро даже зиму никогда не писал: в это время года он работал только в студии, пользуясь эскизами, зарисованными летом. В Пушкинском музее изобразительных искусств хранится редчайший для творчества Коро образец: ненастье. Конечно, речь идёт о знаменитой картине «Порыв ветра». И это одна из самых выразительных работ Коро. Порыв ветра гнёт стволы и ветви деревьев и почти сносит женщину с пути. Небо здесь зловеще, желтые проблески заката тревожны, но главное, как и всегда у Коро, – деревья. Художник умел делать их живыми, передавать колыхание веток и вибрации листвы. В «Порыве ветра» ветви сгибаются под напором воздуха, а темные кроны рвутся и трепещут. И если вглядываться в картину долго, инстинктивно хочется зажмуриться, как делаем мы это в жизни при сильных порывах ветра. Маленькая человеческая фигурка выглядит пугающе одинокой перед лицом бури – так проявляется романтический мотив беззащитности человека перед Вселенной. Забавно, что самая редкая для Коро «ненастная» картина оказалась и одной из самых популярных. Ее благонамеренно копировали и беззастенчиво подделывали. Чаще, чем какую-либо другую. Но Коро, отличавшегося редкой в художественной среде добротой и щедростью, это не слишком расстраивало. В его биографии существует такая легенда. Однажды в мастерскую Коро зашёл его состоятельный почитатель, торжественно неся на вытянутых руках картину «Порыв ветра». Наверно, он хотел поблагодарить любимого художника. А может быть, разделить с ним радость приобретения. - Но это же не Коро! – изумился Коро. - Как не Коро?! Не может быть! Да я велю немедленно найти и арестовать того, кто всучил мне эту подделку! - Но постойте! – начинает беспокоиться Коро. – Вот так вот сразу арестовать? Зачем же? У него ведь, должно быть, семья, малые дети. - Ах, это совсем не важно! Он подделал картину и по закону и справедливости… - По закону?! Сейчас вам будет настоящий, законный, самый что ни на есть подлинный Коро! – и с этими словами художник выхватил из рук гостя подделку и размашисто начертил в углу свою подпись. КамильКоро Пейзаж Романтизм _history

Нет, это не фотошоп. И да, это настоящие деревья. А находится это зелёное сердце в самом центре Санкт-Петербурга между Михайловским садом и Марсовым полем. Откуда мы это знаем? А всё благодаря каналу Наш турист! Канал Наш Турист публикует авторский контент о самых красивых и невероятных местах нашей страны и мира в целом. Расширьте свой кругозор и узнайте: — Как река Енисей случайно подарила Красноярску новый аттракцион — Где в Москве находится секретный сиреневый сад? — Где в России находится самый фотогеничный трамвайный маршрут? Это настоящий авторский контент, каким он должен быть! Обязательно подпишитесь: https://t.me/nashturist

"Купальщики на отдыхе" 1877 г. Поль Сезанн Фонд Барнса, Филадельфия. У Сезанна есть картины, которые стали культовыми для нескольких поколений художников. Непризнанный, отвергаемый, намеренно игнорируемый критиками, Сезанн считался непостижимым гением среди своих: художников-импрессионистов, нескольких коллекционеров и нескольких писателей. «Купальщики на отдыхе» - одна из тех картин, которые именно для этой небольшой группы почитателей имели огромную ценность, обладали сверхъестественными свойствами. Она появилась впервые на Третьей выставке импрессионистов в 1877 году – Сезанн тогда представил для экспозиции щедрую подборку: 14 картин и 3 акварели. После того, как выставка закроется, работы Сезанна в Париже увидеть не удастся очень долго – целых 12 лет. А пока художник привычно собирает возмущенные отзывы журналистов, критиков и зрителей. На его защиту встают лишь несколько человек – именно в «Купальщиках» эти несколько защитников видят древнюю мощь, микеланджеловскую монументальность фигур, непостижимую гармонию объемов, цвета, свойственные старинной керамике. Восторженные коллеги Сезанна удивляются, как другие не видят внутренней силы работы, как позволяют придирками к анатомическим неточностям уничтожить самый смысл полотна. Почитатели в своем мнении единодушны, они видят одно и то же: молчаливую гармонию, преобразующее божественное присутствие, вместо несовершенств – осознанные совершенствования, которыми Сезанн исправляет видимое. Третья выставка импрессионистов закрылась – и Сезанн уходит со сцены, закрывается в мастерской, работает как одержимый, но прежде всего ищет тишины и покоя, чтобы отключить хор спорщиков и найти теоретическое обовнование своих взглядов, своего способа видения. И тут же у самого Сезанна и у его картины «Купальщики на отдыхе» появляется новый поклонник – неожиданный и спасительный. Жан Ренуар в книге об отце и его друзьях рассказывает историю о первом владельце «Купальщиков». Сезанн вышел из поезда на вокзале Сен-Лазар и нес картину подмышкой – ее увидел молодой человек, тут же высказавший восхищение насыщенными цветами, которые художник использовал для изображения трав и деревьев. Сезанн, не раздумывая, подарил картину молодому человеку. Скоро они снова встретятся – и будут близкими друзьями. Счастливым обладателем «Купальщиков» стал композитор, поэт и музыкант Эрнест Кабанер. Нищий, изможденный, эксцентричный – Кабанер был другом Рембо и Верлена, играл в кабаках на фортепиано и «Купальщиков» водрузил над своей кроватью. Сезанн ценил мысли и взгляды Кабанера, а несколько лет спустя взял на себя заботу о смертельно больном друге. Он уговорил коллег-художников пожертвовать по несколько картин, от себя добавил две – и на вырученные деньги обеспечил своему первому стихийному поклоннику небольшую пенсию. После смерти Кабанера «Купальщиков» купил Гюстав Кайботт. И вместе с другими картинами его знаменитой коллекции, которую Кайботт завещал государству после смерти, сезанновское полотно наконец предстало перед двумя важными судьями: директором Школы изящных искусств и директором Люксембургского дворца. Эти двое принимали от умершего Кайботта его несвоевременный и провокативный дар. Как бы ни раскачивали импрессионисты за прошедшие 20 лет упрямо следующую по проторенной дороге крепкую повозку академического искусства, она лишь немного сдвинулась с основного курса. Для «Купальщиков» Сезанна в стенах парижских музеев пока места не нашлось – коллекцию Кайботта приняли в дар не полностью и, конечно, без этой картины. В итоге ее продали за границу – сейчас картина в Америке. Но истории искусства и самому Сезанну не столь важно было местонахождение «Купальщиков»: художник повторит центральную фигуру в нескольких отдельных полотнах, Эдгар Дега купит одну из этих версий для своей коллекции, одной из первых покупок юного Пабло Пикассо будет раскрашенная акварелью авторская литография по мотивам «Купальщиков». Остановить это движение уже не представлялось возможным – Сезанн протоптал для современного искусства новую тропинку и пошел по ней пешком. ПольСезанн Постимпрессионизм _history

Сел Иона у стен города и сидел надувшись и ждал чего будет - погибнет город или все таки нет. И тогда Господь, чтоб и Иона не грустил и солнышком ему голову не напекло, за ночь вырастил над Ионой кустик - вероятно, то была тыква или клещевина. Иона ужасно обрадовался кустику. Тогда Господь на следующую ночь кустик уморил и тот высох. Расстроился Иона, да так сильно, что начал просить о смерти. Ну, вообще, Иона такой специфический пророк, как вы наверное уже поняли - не только убегает от воли божьей, так и еще в любой непонятной ситуации не стоически терпит бедствия, огорчения или просто неприятности, а сразу молит о смерти. А это его даже ни разу в костер не бросили, львам не скормили и на дыбе не растянули, как бывало. А кончается все вот каким диалогом: “И сказал Бог Ионе: неужели так сильно огорчился ты за растение? Он сказал: очень огорчился, даже до смерти. Тогда сказал Господь: ты сожалеешь о растении, над которым ты не трудился и которого не растил, которое в одну ночь выросло и в одну же ночь и пропало: Мне ли не пожалеть Ниневии, города великого, в котором более ста двадцати тысяч человек, не умеющих отличить правой руки от левой, и множество скота?” В средневековье этот сюжет очень любили художники и поэтому он с потрясающей частотой встречается в книжной иллюстрации. Дело в том, что сам Иисус в Новом завете сравнивает себя с Ионой - как Иона тусовался в ките три дня и три ночи, так же и Сын Человеческий три дня и три ночи проведет в земле, а после воскреснет. И еще мне кажется, что этот пророк, Иона, он самый человеческий из всех - он то боится, то хулиганит, то ропщет и в его короткой истории столько живого. Вот совсем крохотная подборка картинок из рукописей и пара фресок из разных храмов и даже иранская книжная миниатюра XIV века, потому что пророк Иона (Юнус) актуален для мусульман тоже.

​Во времена старых мастеров секреты живописи часто передавали по наследству. А если и принимали на обучение в академии, то отбор учеников был очень строгий. Мастера считали, что искусством должны заниматься только те, для кого живопись — это призвание жизни. Потому что, если мастерство требует опыта, то непревзойденное мастерство всегда связано с призванием. Именно поэтому картины получались живыми и настоящими и сохранились до наших дней почти в первозданном виде. А их “выдержка” в коллекциях королей придала шедеврам только особый шарм вечности. Страсть к своей профессии становится той движущей силой, которая помогает возвысить прекрасное до степени великого. В наше время восхищение теми, кто отдает своей работе всю жизнь, стало отправной точкой создания арт-проекта The Makers бренда односолодового виски The Balvenie, 20 июля. Гости мероприятия ознакомились не только с процессом приготовления, но во время ужина продегустировали The Balvenie PortWood 21-летней выдержки. Вообще, The Balvenie — единственная винокурня Шотландии, развивающая пять традиционных ремесел, чьи принципы производства не менялись на протяжении последних ста лет. Начиная с выращивания собственного ячменя, медника, бондаря и мастерства купажа. Все эти технологии не меняются столетиями, чтобы сохранить именно тот неповторимый вкус и аромат. Вы только послушайте: “Бархатисто сладковатый и удивительно мягкий, фруктовые и цитрусовые нотки в ансамбле с корицей, мускатным орехом и мёдом.” И это только вкус! А ещё есть и аромат, и послевкусие. Да, это затратная технология, но окупается всё это исключительным качеством виски. Это всего одна из полутора десятков разной выдержки бутылок с сайта https://wgsacademy.com/brands/the-balvenie/ А ещё о виски The Balvenie говорят, что это самый рукотворный односолодовый виски. THEBALVENIE THEMAKERSBYBALVENIE https://telegra.ph/file/8e04ee4ee6b60a6c2741c.jpg

"Эйфелева башня. Париж" 1889 г. Жорж Сёра Если вы думаете, что Жорж Сёра написал здесь главную французскую достопримечательность и самый посещаемый туристический объект, вы сильно ошибаетесь. В 1889 году художник взялся написать самое спорное и скандальное инженерное сооружение, возведенное посреди Парижа как раз в этом году к открытию Всемирной выставки. Это было то самое сооружение, против которого выступили практически все известные писатели и художники, пытаясь убедить муниципалитет в том, что посреди города прямо сейчас совершается акт вандализма и эта громадная, уродливая, совершенно бесполезная заводская труба исказит архитектуру Парижа и уничтожит вид из любого окна. Помните хрестоматийный анекдот, что Ги де Мопассан обедал ежедневно в кафе на первом уровне башни. Когда его спрашивали, зачем, он отвечал: «Это единственное место в Париже, из которого ее не видно». Эйфелеву башню строили непрерывно 300 рабочих в течение двух лет и двух месяцев. На глазах парижан происходило удивительное действо: больше 18 тысяч деталей конструкции постепенно доставлялись к месту строительства, поднимались на кранах и лифтах выше и выше, пока вся десятитонная конструкция не встала над миром самым высоким сооружением. Процесс строительства приводил горожан в восторг, растущий металлический монстр ужасал и восхищал. Планировалось, что башня простоит посреди города 20 лет, а потом ее разберут. Но оказалось, что ее удобно использовать для передачи радиосигнала, а потом и телевизионного сигнала, с ее помощью можно перехватить радиосигнал и выиграть сражение в войне. Словом, башня осталась. Жорж Сёра, конечно, ничего этого не застал, он умер через два года после ее строительства и через два года после написания этой картины. Но, конечно, в качестве объекта, передающего незыблемую монолитность, постоянство и непреходящую мощь, он не мог выбрать ничего лучше. В отличие от импрессионистов, стремившихся схватить сиюминутность, мимолетность крошечного момента жизни, неоимпрессионисты, и Сёра, как основатель движения, стремятся передать как раз эту неизменную сущность вещей, те их основные качества, которые не изменятся от времени года или солнечного освещения. В их работах нет движения – они ищут истину, которая будет понятна и очевидна днем и ночью, сию минуту и сто лет спустя. В отличие от тех самых художников и писателей, которые писали грозные петиции городским властям Парижа, Сёра, судя по всему, не испытывает ужаса и негодования от вида металлического монстра, выросшего посреди любимого города. Его картины, конечно, никто не пустит за эту башню, в павильоны Всемирной выставки – там сплошь признанные звезды и гордость страны, а пуантилизм только-только несколько лет назад стал новой занозой во всех чувствительных местах салонных академиков. Они едва признали Эдуара Мане, они с ужасом открещиваются от коллекции импрессионистов, которую преподнес государству в дар Гюстав Кайботт. А тут пуантилизм – полунаучная мозаика, замешанная на химии, физике и черт знает какой оптике, явно мало общего имеющая с творчеством и вдохновением. Поэтому конечно Сёра не позовут в павильоны Всемирной выставки в качестве участника – он останется по другую сторону башни и напишет металлическую десятитонную громадину так, как ее будут писать много лет спустя все художники мира, как ее будут фотографировать все фотографы мира, даже зеваки-туристы. Изящным, совершенным по форме, незыблемым и незаменимым в городском пейзаже Парижа, лучшим архитектурным чудом, какое только могло случиться с этим городом. ЖоржСёра Пуантилизм _history

Карл Эмануэл Янссон - шведско-финский художник с Аландских островов. Он родился в 1846 году в городе Финстрём, столице архипелага, в которой тогда жило примерно две тысячи человек, а население всех островов вместе было не больше двадцати тысяч. Отец Карла был фермером, сам же Карл год провел в ученичестве у сапожника, потом подался в маляры, а вот страсть к рисованию ему привил местный приходской художник, который, за одно, обучал юношу грамоте. В 13 лет пришел первый успех - рисунки Карла приметил викарий Франц фон Кнорринг и решил отправить их в недавно появившееся Финское художественное общество, сопроводив рекомендательным письмом, и это имело успех - Янссон получил стипендию на обучение в рисовальной школе “для юных гениев” в Турку. Про гениев и не шутка вовсе - у нас же как раз в это время был тот самый Золотой век финского искусства и живопись стала буквально одним из краеугольных камней, на которых строилось новое национальное самосознание финнов, поэтому вкладывать в художников деньги, время, силы и любовь считалось делом ну очень сильно важным. Поэтому покровителем Янссона стал уже именитый маcтер, Роберт Вильгельм Экман, который помог юноше с жильем и красками. Дальше Янссона ждали сначала в Шведской, а потом в Дюссельдорфской академии художеств, где он учился, не забывая родные острова и постоянно туда приезжая. Начались первые премии, не за горами было настоящее признание, как вдруг в 1872 году у художника обнаружили туберкулез. Стремясь избавиться от болезни и как-то продлить свои дни, он отправился в Рим за солнцем, покочевал немного по курортным местам, понял, что лучше не становится, привел дела в порядок и вернулся на Аландские острова, остановившись в городе Йомала, где его приютила семья местного судьи. И уже там, когда художник был буквально на смертном одре, он получил новость о том, что стал членом Императорской Академии художеств. Умер Карл Эмануэл всего в 27 лет. Живопись Янссона - это такой мелкий серый жемчуг, который не хуже крупного, если его любить и уметь видеть. Почти все его работы - бытовые зарисовки из жизни родных краев. Есть, конечно, немного портретов, есть подражания итальянцам, но домашняя живопись мне нравится намного больше, поэтому я ее сегодня вам покажу. Печка, люлька, шкаф, широкие потрескавшиеся чисто вымытые половицы, добротная крестьянская мебель, простое убранство лютеранской церкви с деревянными фигурками святых, рыбаки, музыкальные инструменты на стенах избы, простая посуда. Ничего лишнего, а каждая вещь добротно и логично, хоть и грубовато скроена, функциональная и понятна. Все очень человеческое. Это не взгляд этнографа - хотя точность передачи быта Янссону свойственна, не потешные сценки, а обжитые пространства, где в северном тусклом свете медленно течет не простая и размеренная жизнь северянина. Простите мне мою романтичность, но для меня вот каждая его маленькая (а это и правда маленькие такие работы, в основном, не превышающие формата 50х40, а обычного мельче) картина - как будто целый роман вроде “Соков земли” Гамсуна.

"Портрет Иды Рубинштейн" 1910 г. Валентин Александрович Серов Государственный Русский музей. В 1910 году Лев Бакст познакомил Серова с танцовщицей Идой Рубинштейн. Бакст был преданным вассалом – он оформлял выступления Иды еще во времена безвестности, в начале ее артистической карьеры. Сейчас, когда балеты «Клеопатра» и «Шахерезада» сделали Иду Рубинштейн суперзвездой, оба нежились в лучах славы. По свидетельствам очевидцев, Рубинштейн была существом необыкновенным. Высокая, угловатая, обладавшая отнюдь не канонической красотой, она была настолько уверена в своей привлекательности, что заражала этой уверенностью всех вокруг. Не будучи профессиональной танцовщицей, в условиях конкуренции с такой грозной соперницей, как Анна Павлова, всего за пару сезонов, она поставила Париж на колени. В 1910 году она была здесь повсюду: на афишах, открытках, газетных страницах, коробках с конфетами. Серийные театралы, журналисты, феминистки, художники, бакалейщики и уличные чистильщики обуви были без ума от Иды Рубинштейн – Серов рукоплескал вместе со всеми. Согласно одной из версий, писать Иду Рубинштейн поручил художнику Дягилев, рассчитывавший повторить прошлогодний успех (когда Серов сделал для Русских сезонов в Париже плакат с Анной Павловой). Однако, самый дотошный биограф Серова – Игорь Грабарь – утверждал, что «Серов был до такой степени увлечен ею, что решил во что бы то ни стало писать ее портрет». Художник хотел, чтобы Ида Рубинштейн позировала обнаженной. Озвучить лично свою просьбу скромный Валентин Александрович не решился, это сделал за него Лев Бакст. Уговаривать Иду ему не пришлось. Решив писать портрет в бывшем домовом монастыре, служившем мастерской-студией многим парижским художникам, Серов не напрасно опасался ажиотажа. Все, что делала Ида Рубинштейн – на сцене и вне ее, – было пропитано эротизмом. Критики писали о ее «сладострастно окаменелой грации», о «гибельной чувственности». Писать ее обнаженной, да еще и в относительно публичном месте было весьма провокационной затеей – как если бы, скажем, Дэмьен Херст взялся рисовать обнаженную Шерон Стоун где-нибудь в Сентрал-Парке сразу после премьеры «Основного инстинкта». Серов просил коллег держать язык за зубами и ничем не выдавать во время сеансов своего присутствия (разумеется, прибытие актрисы в церковь сопровождалось толпами зевак). Сам он во время работы облачался в специально купленную грубую холщовую блузу – чтобы «усмирить плоть» и символически подчеркнуть свою роль в происходящем. Над портретом Иды Рубинштейн Валентин Серов работал в совершенно несвойственной ему манере. Обычно не терпевший позирования, он усадил свою модель в подчеркнуто вычурной позе. Писал непривычно быстро: единственная пауза возникла в связи с тем, что Ида улетела на сафари, где, по ее словам, собственноручно убила льва. Мастерица мистификаций и гений автопиара, она обожала скармливать журналистам невероятные подробности своей удивительной, наполненной приключениями жизни. Вполне возможно, единственным Львом, убитым ее чарами, был Бакст. Впрочем, к делу это не относится и уж тем более не отменяет ощущения, что у мольберта стоял другой художник. Неестественная мертвенная палитра вместо привычной живости красок. Обезжиренная геометрия лопаток вместо традиционного портретного сходства. Во всех отношениях голая форма вместо обычной содержательности – это был категорически не тот Серов, к которому привыкла публика. Позднее искусствоведы многое объяснят, разглядев в неестественной позе акцент на артистической профессии Иды Рубинштейн, в мертвенных красках – намек на ее роковой образ, в перспективе, уткнувшейся в глухую стену, - связь с древнеегипетскими рельефами и мысль о том, что талант обречен существовать вне пространства и времени. «Ни цветом, ни композицией, ни перспективой - ничем не выявляется пространство, в котором размещена фигура. Кажется, что она распластана, прижата к холсту, и при всей остроте и экстравагантности модели это создает впечатление ее слабости и беззащитности», - писал Дмитрий Сарабьянов. ВалентинСеров Портрет _history

​​Куда можно съездить во время отпуска: ️После десятилетней реставрации открыта церковь Преображения Господня на острове Кижи. Она является доминантой объекта Всемирного наследия ЮНЕСКО «Кижский погост». ️TEFAF Online 2021 анонсирует осеннюю сессию. На осенней ярмарке в цифровом формате будет представлено более 700 произведений искусства, каждое из которых — это уникальное повествование, имеющее важное значение для современности. ️Обновлена экспозиция современного искусства в Подземном музее парка «Зарядье» ️«Центр Искусств.Москва» представит иммерсивный спектакль о Марине Цветаевой «Из истории не выскочишь…», – написала Цветаева и вошла в историю, как самый яркий и самый трагический поэт ХХ века. Её земная жизнь как никакая другая связана с историей страны. Но её творчество вне времени и пространства. Спектакль - о судьбе и поэзии, который будет рождаться из образов – не напрямую, но вскользь – не вторгаясь, но проникая вглубь. Бонусом можно будет посмотреть все выставки галереи Фото: экспозиция «Центра искусств. Москва» https://telegra.ph/file/36c8341b243de5c243281.jpg

"Белый мост" 1890-е Джон Генри Твахтман Чикагский институт искусств. Художник Джон Генри Твахтман восхищался творчеством Клода Моне. Подобно своему кумиру, он принимает решение обосноваться в сельской местности. И, по следам Моне с его стогами сена, начиная с 1895 года Твахтман как минимум пять раз пишет маленький пешеходный мостик через ручей Хорснек, что протекает через его ферму в Коннектикуте. Как и Моне, он практикуется в изображении избранного объекта в разное время года и суток, с разнообразных ракурсов и различной степенью освещенности. Конечно, в первую очередь на ум приходит серия японских мостиков Моне, но над ними мэтр начал работать несколько позже. А в 1893 году картины художника Твахтмана были включены в экспозицию Галереи американского искусства, в которой, помимо прочих, были и работы Моне. Так что с точки зрения хронологии шансы на то, что американец мог вдохновиться на свою серию именно стогами француза, а не мостами, самый первый из которых датируется 1896 годом, велики. Чувство и чувствительность Довольно сложно проследить последовательность создания цикла и эволюцию манеры художника. Он почти никогда не датировал работы и часто давал им одинаковые названия (в данном случае это всякий раз был «Белый мост» и лишь единожды – «Мостик»). Считается, что все они написаны в течение последней пятилетки 19 века. Несмотря на то, что на всех полотнах серии очевидно запечатлена одна и та же конструкция, форма моста все же немного разнится. Твахтман видит его то абсолютно ровным, как на этом примере, то дугообразным. Особенность его подхода заключалась в том, что, в отличие от Моне, который исследовал техническую сторону игры света и воздуха, наблюдал, как изменяется объект в зависимости от условий освещенности и погоды (как в случае с пресловутыми стогами и видами на Руанский собор), Твахтмана интересовал прежде всего субъективный взгляд на глубоко личные для него вещи. Именно поэтому довольно часто он выбирает для своих пейзажей не особо-то и зрелищные, но персонально значимые виды. Это парадоксальным образом подкупило тогдашних американских критиков, которые порицали импрессионизм даже не за бойкотирование стандартов классической живописи, но за отказ от социального и духовного аспектов в пользу мимолетного, сиюминутного впечатления. Поэтому избыточная сентиментальность и эмоциональная привязанность художника Твахтмана к своей земле и ее ландшафтам вызвали тогда симпатии современных ему противников импрессионистских методов. Предтеча Инстаграма Появление фотографии освободило живопись от возложенной на нее функции реалистичного изображения действительности. Теперь художники могли позволить себе не только писать предметы и сцены так, как они их видели, но и позаимствовать у фотографов пару приемов. Таких как кадрирование, например. Это позволяло импрессионистам подгонять композицию под свои задачи, ведь для них было критично схватывать мимолетные кол...ия в движении и освещении. Кажется, Твахтман написал больше квадратных картин, чем кто-либо другой. Даже несмотря на то, что это его художественное решение подхватили и поддержали такие европейские современники, как Густав Климт и некоторые из молодого поколения американских почитателей Твахтмана вроде художника Марсдена Хартли. По следам французских собратьев-импрессионистов Твахтман черпал вдохновение в искусстве японской гравюры, и в радиальной композиции – в частности. Архитектоника почти всех версий «Белого моста» опирается на этот принцип: из центра квадратного «кадра» во все стороны расходятся ключевые элементы, разделяя его на диагонали. Будь то ветви дерева, береговые линии ручья, плоскость самого мостика или его отражения в воде – расширяясь, они одновременно создают впечатление сжатого, концентрированного пространства. ДжонТвахтман Импрессионизм Пейзаж _history

"Мост в Нарни" 1826 г. Камиль Коро Лувр, Париж. Храняшийся в Лувре «Мост в Нарни» – первый по времени пейзажный шедевр Камиля Коро и первая его картина, представленная в Салоне. С неё начинаются два важных сюжета. Первый – вполне мучительное противостояние художника и французского Салона. Второй и более глобальный – досрочное и непредвиденное, как всякий фальстарт, зарождение идей и техник импрессионизма задолго до его «официального» возникновения. Нарни, или Нарния, – так называется древний городок в центрально-итальянской Умбрии. Коро попал туда во время трёхлетнего (1825-1828) творческого путешествия по Италии. На родине, во Франции, ему преподавали искусство пейзажа художники Мишалон и Бертен, но это был пейзаж академический (или, как его еще называли – исторический) с его традиционными условностями и статичной монументальностью. А Коро искал чего-то совсем иного – более живого, более непосредственного. Его интуиция подталкивала к пейзажу менее умозрительному и более близкому к реальности. В Италии Коро писал продуктивно и много, он чувствовал себя освободившимся. Одним из результатов этого вдохновенного труда стал замечательный «Мост в Нарни». По сути, традиционная тема: живописные руины, вписанные в ландшафт. Но Коро наполняет её новым, живым и праздничным, содержанием. С поразительной точностью ему удаётся схватить и передать момент раннего солнечного утра. Короткий и лучезарный миг, который вот-вот исчезнет: солнце поднимется выше, свет станет ярче, тени обозначатся резче и пейзаж переменится, станет совсем другим. А ощущение радости – уйдёт. И потому для Коро так важно запечатлеть испытанное настроение (его потом станут называть создателем «пейзажа настроения»). Коро не особо интересны отдельные детали пейзажа – важнее передать прозрачность воздуха, рассеянный утренний свет, контраст желтого песчаного дна и темно-зелёного холма, оттенки цветных отражений в мутноватой воде. Конечно, критики и публика Салона приняли первую работу Коро довольно прохладно. И вторую. И много последующих. А для Коро, по складу своего характера чуждого всякой революционности (он ведь целых 7 лет не решался бросить торговлю, чтобы заняться живописью, – отец не разрешал), официальное признание Салона было так важно! И так недостижимо. Однажды он все-таки получил второй приз и нравоучение: «В следующий раз, мсье, привозите полотна поменьше». В другой раз о его деревьях станут говорить, что они написаны губкой, которую Коро обмакивал в грязь. И вечно картины Коро будут развешивать в самых темных уголках – там, где его валёры (тончайшие переливы цвета) и вовсе не разглядеть. В 1865-м, когда Коро уже будет под 70, его картины войдут в моду и получат признание, но золотая медаль Салона всё равно уйдёт академисту Александру Кабанелю, изобразившему президента Наполеона III. Того самого Наполеона III, который съязвил по поводу утренних пейзажей Коро: «Чтобы понять этого художника, нужно слишком рано вставать». Только постфактум критика поймёт, что «Мост в Нарни» – это точка отсчёта для пейзажного искусства новейшего времени и настоящий шедевр. Один из критиков справедливо напишет о прорыве, который, сам того не осознавая, совершил своей картиной Коро: «Самостоятельно, не имея никакой программы, чисто интуитивно Коро перенёсся через пятьдесят лет живописи, перейдя от классицизма к имрпессионизму». А британский историк искусства и писатель Кеннет Кларк пошутит по поводу «Моста в Нарни», что в этой картине Коро сделался «свободен, как самый энергичный Констебл». КамильКоро Пейзаж Романтизм _history

Ремонтные работы на железной дороге 1874 Константин Савицкий Третьяковка, Москва Замысел картины родился у Савицкого летом 1873 года, когда он наблюдал за работой по ремонту железнодорожных путей Московско-Курской железной дороги недалеко от станции Козлова Засека в Тульской губернии, рядом с которой он жил вместе с художниками Шишкиным и Крамским. Художник и критик Александр Бенуа писал, что с появлением этой картины Савицкий стал «важной опорой передвижников» и полотно «однородно по духу и теме» «Бурлакам на Волге» Репина. «Бурлаки на Волге» и «Ремонтные работы» — «значительная веха в истории русского искусства, в развитии темы народа в русской живописи». Кстати, этот самый художник, который рисовал медведей на картине Шишкина "Утро в сосновом лесу"