Серия «Предательство интеллектуалов» Мачулина Д. 2006-2016 Пластик...

Сумерки. Стога (этюд) 1899 Картон, масло. 17 x 23 см Нижегородский художественный музей В поздний период творчества Левитан обращается к спокойным, умиротворенным сюжетам. Любимым временем суток для художника становятся сумерки и поздний вечер. Темы полей и стогов в пейзаже не новы, к ним обращались и другие художники. Серия изображений стогов Моне вдохновила Левитана на колористические искания в конце 1890-х годов. Я публиковал ранее саму картину из Третьяковки «Сумерки. Стога», где художник обратился к излюбленному Моне мотиву, но решил её в ином ключе. Сегодня этюд к картине, из Нижнего Новгорода. Искусствовед Фаина Мальцева отмечала: "В сочетании лирического и эпического начала заключены неповторимое обаяние и трогательная нежность пейзажа «Сумерки. Стога». Сила воздействия этого произведения кажется неисчерпаемой именно потому, что оно способно вызвать широкий круг жизненных ассоциаций и вместе с тем донести до зрителя лирические чувства, пережитые пейзажистом перед лицом натуры."

"Белая летучая мышь" Лючия Хеффернан Лючия Хеффернан – современная художница из Тайваня, которая в настоящее время живет в США. Она создает картины с животными в юмористической манере. Основа творчества Хеффернан – увлечённость исследованием жизни животных. Лючия старается дать животным голос и личность. Художники-анималисты иногда любят немного пошутить. Такова серия работ о мышатах, которая вызывает море позитива и умиления у зрителей. Представляя в своем творческом воображении, что могут вытворять эти грызуны в той или иной ситуации, Лючия Хеффернан придает им человеческие черты поведения. Среди персонажей художницы есть кошки, кролики, поросята и другие животные. Мир живой природы загадочный и увлекательный. И мы имеем уникальную возможность познавать его и посредством анималистической живописи. Однако, участь художников-анималистов почти всегда незавидна. Они практически никогда не оказываются среди прославленных мастеров живописи, а их картины не ценятся высоко на аукционных торгах.

Краткая биография Михаила Врубеля (1856 - 1910гг.) Врубель - фамилия польская, но к моменту рождения Михаила уже 3 поколения предков художника жили в России. Он рано остался без матери, семья переезжала с места на место, вслед за отцом, офицером казачьего войска. Когда пришла пора выбирать профессию, будущий мастер полностью покорился воле отца и поступил в Петербургский университет на юридический факультет. Университет был окончен, но юристом художник не был ни дня. Он с большим трудом прошел все трудности годовой воинской повинности и вопреки желанию отца поступил в Академию художеств. Его серия «демонов» до сих пор считается самыми известными произведениями мастера, хрестоматийными для искусства модерна рубежа XIX и XX веков. XX век принес мастеру две большие трагедии: умирает его отец, а сын рождается в серьезным дефектом - заячьей губой. К личным трагедиям добавляется жесточайшая творческая депрессия. После этих событий его помещают в психиатрическую клинику, где он и доживает последние годы жизни.

​​️03 марта в ГУМ-Red-Line пройдет паблик-ток «Чжан Хуань. Любовь как мудрость». ️В июле в доме Третьяковых в Голутвинском переулке в Москве планируют открыть музей. ️Деймиан Херст начинает продавать авторские принты за криптовалюту. Лимитированная серия, вдохновлённая кодексом самураев, будет продаваться до 3 марта.   ️Храм Сицилийской иконы Божьей матери будет закреплен за музеем-заповедником «Дивногорье».   ️ГМИИ им. А.С. Пушкина завтра открывает первую в России персональную выставку гения видео-арта Билла Виолы «Путешествие души». Искусство Билла Виолы – это ставший уже классическим пример переосмысления традиционной западной иконографии, религиозных образов и метафор через их преломление в современной повседневности средствами медиаискусства. Обращаясь к фундаментальным вопросам жизни — рождению, смерти, трансформации, — Виола создает сакральные пространства, в которых угадываются образы прошлого. Серия «Страсти», Квинтет Изумленных, 2000, цветная видеопроекция на экране Фото: Кира Перов Студия Билла Виолы https://telegra.ph/file/1b029dc02fc4e514f47ad.jpg

"Тополя" 1891 г. Клод Моне Частная коллекция. Моне, наверное, сошел бы с ума, если бы не закончил эту серию из 20 полотен. Это была настоящая одержимость, которую у него могли вызвать только деревья, кувшинки, стога или цветы. Он часто совершал невероятные поступки, чтобы сохранить в нужном ему виде объект своей одержимости: платил крестьянину, чтобы тот весной оборвал листья на дубе в соответствии с первоначальным зимним эскизом, мостил дорогу рядом со своим домом, чтобы пыль не оседала на его цветах, выкупал стога сена, когда их собирались убирать с поля, устраивал эффектный спектакль для директора вокзала, чтобы тот задержал отправку поезда и обеспечил необходимое количество дыма на перроне. Над серией «Тополя» Моне работал всю весну и лето 1891 года, для чего выкупил островок Крапивный, с которого открывался нужный ему вид. Он грузил на тележку штук 20 – 30 холстов, вез их к месту лучшей точки зрения и работал над каждым из них в разное время суток. Иногда освещение менялось так быстро, что некоторые состояния длились всего минут 7. Когда солнце перемещалось, художник быстро искал среди уже начатых работ нужную, чтобы успеть оставить на ней несколько необходимых цветовых акцентов или поменять полностью. Моне сам изобрел этот метод и сам же переживал с ним самые отчаянные моменты творческого бессилия. Однажды он в ярости швырнул в воду и холст, который долго не находился, и краски с кистями. Ушел. Вернулся. Полез в реку доставать хотя бы кисти и краски. Как-то утром, прикатив к острову свою тележку с будущими шедеврами, Моне обнаружил, что тополя пометили для вырубки. Конечно, он заплатил, чтобы их не рубили, пока серия не будет окончена. Это самая «шумная» серия Моне. И в «Стогах», и в «Руанском соборе» от одной картины к другой меняется освещение, меняется плотность воздуха и цвет каменной кладки или поля. А тополя прекрасны еще и своей податливостью ветру – они шелестят листьями и скрипят старыми стволами в каждый схваченный момент. Сила ветра или отражение деревьев в реке – это новые измерения, в которых Моне заставляет меняться свои тополя. Художник всегда мечтал, чтобы его серии оставались единым целым, занимая целую стену в музее или в частной коллекции. Ему был очень ценен этот эффект прожитого в одном музейном зале светового дня. Ни одна из серий Клода Моне, за исключением «Кувшинок», для которых он сам придумал специальный музей, не собрана в одном месте. Даже в салоне Поля Дюран-Рюэля «Тополя» не задержались надолго и были распроданы, а сейчас они по всему миру – от Нью-Йорка до Токио. За эту же картину в 2011 на аукционе Кристис неизвестный американец заплатил 22,5 млн. долларов. КлодМоне Импрессионизм _history

Медсестры Ричард Принс Современный американский художник-авангардист, перенявший талант эпатажа у Дали. Не стесняется в своих произведениях использовать чужие работы. Много сделал для антипропаганды рекламы. Однажды он заметил, что на обложках любовных романов очень часто встречаются изображения медсестер. Это наблюдение автор решил использовать в своем творчестве, и так на свет появилась серия картин «The Nurse Paintings», медсестры – сексуальные и не очень, опасные, печальные, сострадающие… На картинах использовал мрачно-кровавую палитру фона, а сами ангелы милосердия представали в совсем иной ипостаси… В произведениях делал акцент на темной стороне общества, развенчивал представления о морали и дискредитировал индустрию рекламы. Серия создавалась с 2002 по 2006 годы: за это время появились 42 картины. Художник сохранил оригинальные названия романов, которые стали названиями его работ: к примеру, «Своенравная медсестра» или «Иностранная медсестра»

"Оперный проезд в Париже. Эффект снега. Утро" 1898 г. Камиль Писсарро ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1890-е годы к 60-летнему Камилю Писсарро приходит долгожданное признание. Арт-дилер Поль Дюран-Рюэль устраивает выставки, посвященные городским сериям художника. И все его бульвары, написанные в дождь, в снег и в солнечную погоду, сразу находят покупателей и разлетаются по частным коллекциям. Постаревший Писсаро пишет Париж. Это неожиданно. Художник всегда жил в деревне, в основном потому, что арендовать дом там было значительно дешевле. И прокормить семью из 9 человек, имея сад и огород, можно даже если картины никто не покупает. И писал он чаще сельские пейзажи: вспаханные поля, цветущие фруктовые деревья, извилистые грунтовые дороги, хрустящие морозы и весенние паводки. В 1884 году он поселился в доме в деревне Эраньи, и уже скоро смог его выкупить благодаря денежной помощи Клода Моне. Здесь Писсарро проживет последние 20 лет жизни, ведя по-настоящему крестьянскую жизнь. Но с возрастом у художника развивается болезнь глаз, которая не позволяет ему работать на открытом солнце. Тогда он решает писать, глядя в окно. Никогда не оставляя Эраньи надолго, он теперь выбирается пожить иногда в Париже. В 1897 году, поселившись в самом центре столицы, в гостинице «Отель дю Лувр», Писсарро пишет сыну: «Я рад, что могу попытаться написать улицы нового Парижа, которые мы все так привыкли называть уродливыми, но которые на самом деле удивительно переливчатые, яркие и такие живые». Но почему уродливые? Что с этими улицами было не так? Как и любая кардинальная, беспощадная модернизация города, перестройка Парижа под руководством барона Османа вызывала яростное сопротивление горожан, а некоторых доводила просто до отчаяния. Дега, например, считал барона Османа самым разрушительным явлением, постигшим Париж за всю его историю, похуже войн и стихийных бедствий. Старого города просто не стало: 200 тысяч зданий были разрушены, 34 тысячи - неузнаваемо перестроены. Когда-то тесные, извилистые мощеные улочки превратились в широкие бульвары, достигавшие 18 метров в ширину. Необъятные площади, способные вызвать приступ агорафобии. Пятиэтажные здания, новый шикарный оперные театр, ипподром, могучие металлические опоры железнодорожных мостов. Любовь к современному шумному Парижу легко давалась молодым художникам, а Писсарро решил обучиться этой любви в 67. Писсарро будет возвращаться в этот отель еще несколько раз и напишет из его окна 11 картин с видом на Оперный проезд и площадь Французского театра. Солнечные и пасмурные, снежные, туманные и дождливые дни, разгар дня и раннее утро. С Писсарро так было всегда: папаша, добрый бог, Моисей, как называли его коллеги-импрессионисты, оказывал колоссальное влияние на каждого, кто оказывался рядом. Он был не намного старше других, но с непоколебимым спокойствием древнего пророка успокаивал их душевные бури и сомнения. И при этом до конца жизни был готов каждый день заново учиться жить и писать, ни на минуту не успокаиваясь в собственной значимости. Он полюбил эти уродливые, расчерченные как под линейку, широкие, шумные парижские улицы, как будто видел их впервые. КамильПиссарро Импрессионизм _history

"Мариана" 1851 г. Джон Эверетт Милле Тейт Британия, Лондон. Английский доктор Уильям Эктон в книге «Функции и расстройства репродуктивных органов» заявлял, что женщина по природе своей не может испытывать сексуального влечения. Ее естественные потребности – заботиться о детях и доме, и если бы муж не выказывал желания близости, она и не стремилась бы к ней. Сексуальные отношения для женщины – вынужденная необходимость, которая позволяет сделать мужчину счастливым. Доктора Эктона считали вольнодумцем и либералом, потому что он в принципе заговорил о сексуальности, проституции и вопросах полов. И его мнение в викторианской Англии разделяли многие. Художники-прерафаэлиты начали писать женщин так, что утверждение доктора Эктона уже не казалось таким очевидным. В самых неожиданных состояниях и ситуациях за их усталостью, задумчивостью, испугом, печалью, даже за предсмертным вздохом скрывается страсть и невольная соблазнительность жестов. Пока еще жертвы и мученицы собственных желаний, женщины прерафаэлитов получают разрешение их ощущать. Когда в 1851 году на выставке Академии художеств Джон Эверетт Милле представил картину «Мариана», к ней крепилась табличка с четверостишием из одноименного стихотворения Альфреда Теннисона: Как жизнь пуста! — она сказала. — Он не придет и впредь. А я устала, так устала, Уж лучше умереть! Мариана – героиня пьесы Шекспира «Мера за меру», ее отверг жених после того, как девушка лишилась приданого, а вместе с ним и любимого брата. Она поселилась в полном одиночестве в фермерском доме, окруженном рвом. Ее дни похожи один на другой: шуршат мыши и чирикают воробьи, ночь сменяет день, все вокруг поросло мхом и медленно погружается в запустенье. Но предательство жениха и невозможность быть с ним рядом только добавили силы чувствам Марианы: «его несправедливая жестокость, вместо того чтобы угасить страсть, сделала ее, как препятствие в потоке, еще более бурной и необузданной». Милле пишет обманутую девушку здесь, в уединении, в тишине, в ожидании, в мольбе о смерти вместо такой жизни. Она оторвалась от вышивки, чтобы размять спину, но этот простой жест исполнен страсти. Да только слепой не увидел бы в нем ежесекундное, изматывающее, напряженное, нерастраченное желание. Милле, как и его друзья-прерафаэлиты, выбирал литературные сюжеты, чтобы говорить о современности. Эти трое изрядно встряхнули викторианское общество, затянутое, как в жесткий корсет, в свод правил и приличий. В буквальном смысле, кстати, корсеты тоже начали трещать по швам: на картинах прерафаэлитов женщины появляются вовсе без этой детали гардероба и с распущенными волосами – дресс-код, допустимый только в супружеской спальне, но уж точно не в залах Королевской академии. Его Мариана вглядывается в пейзаж за окном – и там запросто могло бы оказаться унылое английское осеннее поле. Пустой, безлюдный, равнодушный мир – бессменная, лишенная примет времени декорация к женскому страданию. Мариана страдает не только от внешней жестокости, но скорее от внутренней потребности быть любимой, от жара, который распаляется тем сильней, чем безнадежней становится ее положение. Прерафаэлиты вернули женщине способность чувствовать, испытывать сексуальные желания, быть главной участницей собственной жизни и главным распорядителем собственного тела. Это не та женщина, о которой писал доктор Эктон. Эта женщина жаждет любви и близости и готова добиваться своего. На одной из таких женщин вскорости Джон Эверетт Милле женится. И кто знает, решилась бы Эффи Рёскин на скандальный развод с первым мужем ради любви к Милле, если бы он не был тем самым художником, который пишет женщин без корсетов и с распущенными волосами. ДжонМилле _history

​Морфинистка — это серия из двух картин. Отношение к морфию в то время было недооценено и всё ещё считалось, что морфин, в отличие от опиума, наркомании не вызывает, ибо наркомания обусловлена исключительно «свойством желудка». Морфин использовался как обезболивающее во время войн, солдаты, побывавшие в лазарете, часто возвращались с войны наркоманами, что тогда ещё не вызывало озабоченности общества. Считалось частным случаем злоупотребления и получило название «солдатской болезни». https://telegra.ph/file/3bae4b900a18d4ed3dea7.jpg

"Ванна" 1886 г. Эдгар Дега Музей д’Орсе, Париж. Эдгар Дега притащил в мастерскую чаны и тазы. Натурщицы приходили сюда и часами занимались своими делами: расчесывались, мылись, вытирались, зевали, одевались и раздевались. Удивленные поначалу тем, что Дега ничего не пишет, а просто наблюдает, со временем они уставали удивляться и переставали художника замечать. Этого-то ему и было нужно. На Восьмой выставке импрессионистов, в 1886 году, когда в последний раз удалось собрать в одном зале художников, затеявших когда-то всю эту революцию, Эдгар Дега предложил семь пастелей. У них было длинное и нарочито прозаичное название, почти канцелярское или каталогизирующее (так искусствоведы, систематизирующие наследие художника, называют пачку каких-нибудь незначительных набросков и подготовительных рисунков) – «Серия обнаженных женщин — купающихся, моющихся, вытирающихся, причесывающих волосы или сидящих за туалетом в то время, как их причесывают». Эдгар Дега, пожалуй, первый художник, который примирил обнаженную натуру и современность после нескольких столетий салоновской целомудренной традиции, предписывающей облачать обнаженное женское тело в парящие драпировки или окружать символическими атрибутами древних богинь. Вместо оправдательных греческих тог, парящих амуров, облаков, пены морской и прочего божественного антуража, которым еще лет двадцать до этого художники прикрывали наготу своих героинь, Дега вручает им мочалки и расчески. Это не вызывающая и бесстыдная нагота «Олимпии» Эдуара Мане – это самая естественная, повседневная и скучная обстановка, в которой женщина может быть раздета. Моющиеся и причесывающиеся женщины Дега не смотрят зрителю в глаза. Да что там не смотрят – даже лиц их чаще всего не видно. Они неуклюже поднимают ногу, вылезая из ванной, бесцеремонно наклоняются и разворачиваются к нам спиной и задом, собирают в пучок мокрые волосы, чтобы тщательно расчесать, они вытирают ноги и спину. «До сих пор, обнаженная модель всегда изображалась в позах, предполагающих присутствие зрителей», - объяснял художник и добавлял, что в его задачи входило создать ощущение подсматривания в замочную скважину. К середине 1880-х между импрессионистами-основателями движения осталось больше различий, чем проявилось точек соприкосновения. Выставка, на которой были представлены моющиеся женщины Дега – последняя совместная. Художники-бунтари повзрослели – и, каждый по-своему отказываясь от важности мимолетных впечатлений, ищут непреходящие образы, фокусируют взгляд на чем-то важном и разрешают классическому искусству на себя влиять. Искусствоведы хвалят Дега в его поисках – говорят, он, единственный ярый почитатель Энгра в импрессионистском лагере, смог в банной серии пастелей совершить еще один акт примирения. Купающиеся женщины Дега наконец-то примирили Энгра и Делакруа, примирили линию и цвет. ЭдгарДега Импрессионизм _history

Растопленные картины Австрийский дизайнер Алпер Достал создал серию работ «Выставка горячего искусства». В своих работах дизайнер как бы растапливает картины известных художников. Он проделал это с полотнами Пита Мондриана, Пабло Пикассо, Винсента Ван Гога, Рене Магритта, Сальвадора Дали, Эдварда Мунка, Жака-Луи Давида и Хосе Давида Альфаро Сикейроса. «Выставка горячего искусства» — серия работ, которые должны показать, что могло бы произойти, если очень жарким летом мы остались бы без кондиционера. Вот результат». Искусство или нет?

​​️Уличная выставка «Новые руины. Стекло» под кураторством художника Максима Имы открылась в «Манеже» в Санкт-Петербурге. ️Лоран Ле Бон назначен президентом Центра Помпиду в Париже. С 2014 года он занимал пост президента Национального музея Пикассо. ️6-я Уральская индустриальная биеннале современного искусства состоится осенью 2021-го года. Екатеринбург и города региона снова станут территорией развёртывания активного современного художественного процесса. Тема биеннале вторит цитате из Екклесиаста — «Время обнимать и уклоняться от объятий». В рамках публичной программы биеннале готовится серия событий с участием швейцарских художников. Программа реализуется при поддержке Швейцарского совета по культуре Про Гельвеция. ️️Полотно Рембрандта, которое считалось утраченным «considered lost and never shown until now», обнаружено на частной вилле в Риме после падения со стены. Владельцы картины отправили его на реставрацию, где мастера и произвели открытие. Называется работа «Поклонение волхвов» или «Посещение Иисуса Христа у кроватки тремя мудрецами». «Это самый прекрасный момент в моей работе: внезапное осознание того, что ты стоишь перед работой великого мастера, который открывает себя тебе, выходит из сумерок и выбирает тебя для возвращения из тьмы», — говорит реставратор Антонелла Ди Франческо. Дело в том, что Рембрандт создал множество картин и гравюр, что приводит специалистов к спору об авторстве. Семья, которой принадлежит холст, решила не продавать его, а предоставлять для выставок. Фото: Рембрандт, «Поклонение Волхвов», 1632-33. https://telegra.ph/file/ce1cee5aa8fe901ce6ce0.jpg

Ограбление по-зверски 3. Пушкинский музей 3 серия 2 серия 1 серия Эксперты Муров (кот) и Гавов (пёс) предотвращают кражу шедевров из Пушкинского музея и заодно проводят экскурсию по постоянной экспозиции музея Режиссер: Борис Коршунов Художник-постановщик: Алексей Алексеев Роли озвучивали: Леонид Каневский, Алексей Колган, Юлия Рутберг, Диомид Виноградов, Лариса Брохман, Александр Казначеев Композитор: Сергей Слонимский 2019 https://www.youtube.com/watch?v=DQ5gsNh9UaI

Сергей Оссовский (1958) «Котельническая набережная» 1987-1988 серия «Моя Москва» холст, масло. 140х175 см Удмуртский республиканский музей изобразительных искусств, Ижевск сергей_оссовский

Джо, прекрасная ирландка 1860 Гюстава Курбе Национальный музей Швеции. Стокгольм Серия из четырёх портретов французского художника. Курбе один из крупнейших художников Франции на протяжении XIX века, ключевая фигура французского реализма. На всех четырёх портретах изображена рыжеволосая ирландская натурщица Джоанна Хиффернан (позировала Джеймсу Уистлеру и Гюставу Курбе. Была излюбленной моделью Уистлера и его любовницей), смотрящая в зеркало. Работы имеют небольшие различия в деталях и размерах, но их точная хронология неизвестна. Гюстава Курбе. Прозвище в названии указывает на близкую дружбу между художником и его моделью и упоминание имени модели является необычным для женских портретов.

Кацусика Хокусай (1760−1849) «Большая волна в Канагаве» серия «36 видов Фудзи» 1829-1832 цветная гравюра кацусика_хокусай

Кацусика Хокусай (1760−1849) серия «36 видов Фудзи» 1829-1832 цветная гравюра кацусика_хокусай «Обратная сторона Фудзи. Вид со стороны реки Минобугава» «Мост Маннэн в Фукагаве» «Залив Нобото» «Победный ветер. Ясный день» или «Красная Фудзи» https://t.me/id_daily/2790 https://t.me/id_daily/2791 https://t.me/id_daily/2792 https://t.me/id_daily/2998

Шпалера "Крестница фей" Франция, Париж, между 1876 - 1888 гг. Мастерская: Королевская шпалерная мануфактура Гобеленов; Готлиссная мастерская Эдуара Фламана и Франсуа Мюнье Автор картона: Мазеролль, Алексис Жозеф. 1826-1889; Автор картона: Фавр, Огюст (российский герб) Время создания: между 1876 - 1888 гг. Материал: шерсть, шелк, золоченая нить Техника: шпалерное ткачество Размеры: 428х746 см Шпалера подарена французским правительством императору Николаю II по случаю его коронации 25 апреля 1896 г. Шпале́ра (гобелен) — один из видов декоративного искусства, стенной односторонний безворсовый ковёр с сюжетной или орнаментальной композицией, вытканный вручную перекрёстным переплетением нитей. Шпалеры выполняли из шерсти, шёлка, иногда в них вводились золотые или серебряные нити. Со средних веков и вплоть до XIX века практиковался выпуск шпалер сериями, в которые объединяли композиции, связанные одной темой. Такой набор шпалер предназначался для украшения помещения в едином стиле.

Восхитительный мультсериал о кражах картин от Министерства Культуры 1 серия Детектив, эксперт в сфере искусства кот Муров и его коллега пёс Гавов останавливают преступление века — хищение «Моны Лизы» из Лувра Режиссер: Миша Сафронов Художник-постановщик: Алексей Алексеев Роли озвучивали: Леонид Каневский, Алексей Колган, Юлия Рутберг, Диомид Виноградов, Лариса Брохман, Александр Казначеев Композитор: Сергей Слонимский 2019 https://youtu.be/00v2jOkQosQ https://youtu.be/00v2jOkQosQ

Ограбление по-зверски 2. Музей Прадо 2 серия 1 серия На этот раз следователи Муров и Гавов берутся за расследование кражи жемчужины коллекции мадридского музея Прадо — картины «Менины» художника Диего Веласкеса… Режиссер: Миша Сафронов Художник-постановщик: Алексей Алексеев Роли озвучивали: Леонид Каневский, Алексей Колган, Юлия Рутберг, Диомид Виноградов, Лариса Брохман, Александр Казначеев Композитор: Сергей Слонимский 2019 https://youtu.be/e-V4Kgb1K9I https://youtu.be/e-V4Kgb1K9I

Котоживопись. Владимир Дмитриевич Румянцев (21 февраля 1957, Череповец — 9 октября 2019, Санкт-Петербург) — российский художник. Член Общества акварелистов Санкт-Петербурга и Союза художников России. Работы Владимира Дмитриевича Румянцева можно встретить в 8 музейных коллекциях России и в частных коллекциях: Германии, Финляндии, США, Великобритании. Швеции. Этюды серии «Петербургские коты» выполнены в светлых ярких тонах. В мрачных, депрессивных тонах выполнена серия-комикс «Колобок». В 2014 году выпустил альбом «Коты», в 2017 году выпустил второй альбом «НеКоты». В этих альбомах наиболее полно представлены работы художника и его размышления о своем творчестве.

"Белый мост" 1890-е Джон Генри Твахтман Чикагский институт искусств. Художник Джон Генри Твахтман восхищался творчеством Клода Моне. Подобно своему кумиру, он принимает решение обосноваться в сельской местности. И, по следам Моне с его стогами сена, начиная с 1895 года Твахтман как минимум пять раз пишет маленький пешеходный мостик через ручей Хорснек, что протекает через его ферму в Коннектикуте. Как и Моне, он практикуется в изображении избранного объекта в разное время года и суток, с разнообразных ракурсов и различной степенью освещенности. Конечно, в первую очередь на ум приходит серия японских мостиков Моне, но над ними мэтр начал работать несколько позже. А в 1893 году картины художника Твахтмана были включены в экспозицию Галереи американского искусства, в которой, помимо прочих, были и работы Моне. Так что с точки зрения хронологии шансы на то, что американец мог вдохновиться на свою серию именно стогами француза, а не мостами, самый первый из которых датируется 1896 годом, велики. Чувство и чувствительность Довольно сложно проследить последовательность создания цикла и эволюцию манеры художника. Он почти никогда не датировал работы и часто давал им одинаковые названия (в данном случае это всякий раз был «Белый мост» и лишь единожды – «Мостик»). Считается, что все они написаны в течение последней пятилетки 19 века. Несмотря на то, что на всех полотнах серии очевидно запечатлена одна и та же конструкция, форма моста все же немного разнится. Твахтман видит его то абсолютно ровным, как на этом примере, то дугообразным. Особенность его подхода заключалась в том, что, в отличие от Моне, который исследовал техническую сторону игры света и воздуха, наблюдал, как изменяется объект в зависимости от условий освещенности и погоды (как в случае с пресловутыми стогами и видами на Руанский собор), Твахтмана интересовал прежде всего субъективный взгляд на глубоко личные для него вещи. Именно поэтому довольно часто он выбирает для своих пейзажей не особо-то и зрелищные, но персонально значимые виды. Это парадоксальным образом подкупило тогдашних американских критиков, которые порицали импрессионизм даже не за бойкотирование стандартов классической живописи, но за отказ от социального и духовного аспектов в пользу мимолетного, сиюминутного впечатления. Поэтому избыточная сентиментальность и эмоциональная привязанность художника Твахтмана к своей земле и ее ландшафтам вызвали тогда симпатии современных ему противников импрессионистских методов. Предтеча Инстаграма Появление фотографии освободило живопись от возложенной на нее функции реалистичного изображения действительности. Теперь художники могли позволить себе не только писать предметы и сцены так, как они их видели, но и позаимствовать у фотографов пару приемов. Таких как кадрирование, например. Это позволяло импрессионистам подгонять композицию под свои задачи, ведь для них было критично схватывать мимолетные кол...ия в движении и освещении. Кажется, Твахтман написал больше квадратных картин, чем кто-либо другой. Даже несмотря на то, что это его художественное решение подхватили и поддержали такие европейские современники, как Густав Климт и некоторые из молодого поколения американских почитателей Твахтмана вроде художника Марсдена Хартли. По следам французских собратьев-импрессионистов Твахтман черпал вдохновение в искусстве японской гравюры, и в радиальной композиции – в частности. Архитектоника почти всех версий «Белого моста» опирается на этот принцип: из центра квадратного «кадра» во все стороны расходятся ключевые элементы, разделяя его на диагонали. Будь то ветви дерева, береговые линии ручья, плоскость самого мостика или его отражения в воде – расширяясь, они одновременно создают впечатление сжатого, концентрированного пространства. ДжонТвахтман Импрессионизм Пейзаж _history

​​️Пространство Манежа в Нижнем Новгороде открылось выставкой «Небесный Нижний. Святые и святыни Нижегородской земли», где собрано около 340 экспонатов со всей России ️Новая выставка современных художников в рамках проекта SOVRISK напотоке откроется 19 августа в Подземном музее парка «Зарядье». В обновленной экспозиции будет показана картина художника-нонконформиста Олега Целкова. ️В Петербурге открывается международный этнический фестиваль «Музыки мира». ️Бэнкси создал серию граффити в ряде курортных городов в восточных английских графствах Саффолк и Норфолк. Серия «A Great British Spraycation» состоит из девяти произведений Фото: Instagram Banksy https://telegra.ph/file/cd34f4d81841ab9129abd.jpg

Клод Моне "Мост Ватерлоо, эффект тумана" (1903) Эрмитаж Мост Ватерлоо — серия из 41 картины Моне, написанных между 1900 и 1904 гг. Они изображают старый Мост в Лондоне в разное время суток и в разную погоду. Мост был сильно повреждён немецкими бомбардировками во время Второй мировой войны, затем снесен. На его месте возведен новый мост, сохранивший прежнее название.

Ольга Абрамова (1976) «Легкое присутствие» 2021 серия «Голубика» бумага, пастель, акрил. 100х100 см ольга_абрамова

Ноктюрн в синем и золотом: Старый мост в Баттерси 1872 — 1875 Джеймс Уистлер Галерея Тейт, Лондон Картина с вечерним пейзажем и феерверком полна атмосферного эффекта. Для дополнительного эффекта деревянный мост написан выше, чем в реальности. Сегодня этого моста уже нет. Серия Ноктюрнов Уистлера, частью которой была эта картина, получила известность в 1877 году, когда влиятельный критик Джон Рёскин посетил выставку этой серии в Гросвенорской галерее. Он написал разгромную статью в которой обвинил Уистлера в том что тот "просит две сотни гиней, чтобы бросить горшок краски в лицо общественности". Это резко снизило стоимость работ художника. Уистлер подал в суд за клевету в 1878 году. Судья по этому делу, один барон Хаддлстон, вызвал смех в зале, когда он (очевидно, искренне) спросил Уистлера: «Какая часть картины является мостом?» Дело закончилось тем, что суд присудил Уистлер только один фартинг (название английской монеты в 1/4 пенни). После этого Уистлер объявил себя банкротом.

Сергей Оссовский (1958) «Причал на Байкале» 1980 серия «По БАМу» холст, масло. 120х100 см Музей Природы и Человека, Ханты-Мансийск сергей_оссовский

Клод Моне (1840-1926) «Вокзал Сен-Лазар» 1877 холст, масло. 75х104 см Музей Орсе, Париж, Франция вся серия вокзала Сен-Лазар - https://goo.gl/yy2CCX клод_моне

И еще немного, совсем потрясное: серия гравюр “Четыре падения”, изображающие четверку наказанных за свое высокомерие персонажей древнегреческих мифов, Тантала, Икара, Фаэтона и Иксиона. Созданы эти гравюры были по наброскам Корнелиса ван Харлема и тут, конечно, Гольциус разгулялся - невероятно мощные фигуры, дрожащие от напряжения мускулы, спирали облаков подчеркивающие движение. Что самое тут прикольно - это то, что будучи собранными вместе фигуры на гравюрах (кстати, в примерно одинаковых позах, но нарисованные под разными ракурсами) тоже создают что-то вроде спирали, то есть художником было задумано, что вы их рассматривать будете одновременно.

Ольга Пеганова (1963) серия «Эффект присутствия» 2021 холст, акрил. 50х40 см ольга_пеганова

В машине 1963 Рой Лихтенштейн Национальные галереи Шотландии Первоисточником для картины послужил рисунок комикса. Картина описывается напряжение романтического диалога между мужчиной и женщиной. Лихтенштейн использовал горизонтальные параллельные линии, чтобы передать движение. «В машине» была в числе несколько картин «вымышленной драмы», созданных Лихтенштейном в начале 1960-х годов, где изображались женщины в любовных отношениях с властными мужчинами, вынуждающими их быть несчастными. Эта серия послужила прелюдией к картинам 1964 года о наивных «девушках по соседству» в различных тонких эмоциональных состояниях. В этой работе создаётся атмосфера настроение покорности, выраженное очевидным продолжительным молчанием женщины, смотрящей каменным взглядом через лобовое стекло автомобиля. В картине, в отличие от первоисточника, отсутствует текстовый баллон с мыслью девушки: «Я поклялась себе, что не пропущу назначенного мне свидания, что не поеду с ним кататься на машине, но не успела опомниться.…»

Василий Поленов (1844-1927) «Мечты (На горе)» 1890-1900-е серия "Из жизни Христа" холст, масло. 151х142 см Государственная Русский музей, Санкт-Петербург василий_поленов

За минуту до славы В 2009 году фотограф Андрей Луфт создал серию снимков «За минуту до славы». «Минута славы» — телешоу, где любой человек может продемонстрировать свои уникальные способности. Герои программы — люди из глубинки, жаждущие показать свои достижения и таланты на главном телеканале страны. Впервые увидев эту передачу, я поймал себя на мысли, что мне просто необходимо оказаться за кулисами. Позже, когда в новостях появилась информация, что один из участников покончил с собой, не попав в финал, я принял окончательное решение. Серия снималась в течение полугода в дни отборочных туров и записи эфиров. Ее основой являются фотографии с кастингов, и мне прежде всего были интересны герои, которые не появятся на экране телевизора. Мне нужна была изнанка этой яркой, крикливой декорации. Я вижу человека на перекрестке двух эпох — развалившегося СССР и нарождающегося «общества потребления». Бесконечные коридоры телецентра, вымотанные ожиданием люди. И каждый хочет свою порцию счастья и славы. Все эти трудяги уже не хотят за станки, им нужен шоу-бизнес. Я вижу человека «грустного и растерянного», он не научился жить по-новому, и есть в этом шоу надежда и безысходность. Драма моих героев тихая, как вялотекущая шизофрения. Она заключается в том, что они не способны найти себя в сегодняшней действительности. Это побег от реальности в пространство имитации счастья. Сегодняшняя действительность напоминает мне порой гигантскую телестудию, где все мы разыгрываем странные, написанные кем-то роли. Нам всем стараются скормить такой вот суррогат радости в нарядной упаковке». Искусство или нет?

"Красное дерево" 1910 г. Пит Мондриан Картина «Красное дерево» - первая из знаменитой серии работ Мондриана, в центре каждой из которых находится дерево. Эта серия наиболее наглядно демонстрирует переход в творчестве художника от фигуративной живописи к абстрактной. И все полотна изображают, судя по всему, один и тот же объект. Вторая работа в серии («Серое дерево», 1912) написана исключительно теми оттенками, которые Мондриан позже назовет «не-цветами» - черным, белым и серым. На третьем полотне («Цветущая яблоня», 1912) дополнительные оттенки лишь угадываются, здесь снова правит бал серый цвет. В «Красном дереве» Мондриан уже понемногу отходит от привычной фигуративной живописи, используя по большей части те цвета, которые в будущем станут основой всех его абстрактных полотен – красный и синий с небольшими вкраплениями желтого. В этой работе чувствуется влияние фовизма и импрессионизма. Теоретики живописи усматривают здесь отсылку к картинам Ван Гога, особенно к его оливковым деревьям и кипарисам, делая особый упор на похожую манеру письма и упрощение цветов. Кроме того, «Красное дерево» часто связывают с другой важной работой художника, поражающей глаз и воображение вызывающе чистыми цветами «Мельницей в солнечном цвете», которая была написана в том же году. «Красное дерево» стало своего рода отправной точкой в творчестве Мондриана, обозначив новый этап в его эволюции. Кажется, именно с этого момента художника перестает интересовать изображение объектов как таковых, и он полностью сосредотачивается на цвете. Начиная с этой картины, Мондриан постепенно отказывается от полутонов и мало внимания обращает на то, насколько натуралистичны цвета на его полотнах, насколько они присущи тем предметам или пейзажам, которые он изображает. Как ни странно, именно этот своеобразный бунт впервые позволил художнику заявить о себе как о независимом первооткрывателе, способном создать собственный стиль живописи. ПитМондриан _history

Марина Лескова (1963) «Помирятся? Помирятся!», диптих. 2021 серия «Переславские Коты» бумага, цветной карандаш. марина_лескова

​​️РОСИЗО в Петроверигском переулке представил выставку-эссе Юрия Купера «Опыты». К выставке подготовлена серия мастер-классов, на которых участники смогут освоить основы станковой графики и провести собственные опыты с графическими материалами. ️Интересная трансляция от Музея современного искусства «Гараж»: «Не трогать, не слушать, не смотреть: возможен ли в будущем полностью мультисенсорный музей?» ️Библио-кухня — новый проект Библиотеки иностранной литературы, в котором от первого лица рассказывается о книжных сокровищах. В этому году отмечаем 100-летие «Иностранки» и 55 лет ее настоящему дому! ️В Сочи стартовал XV Зимний международный фестиваль искусств Юрия Башмета. ️Еврейский музей и центр толерантности представляет выставку «The Lonka Project. Человек под номером» (16+). Она станет частью международного фотопроекта о людях, переживших Холокост, и покажет более 60-ти портретных снимков. Более 300 фотографов из 30 стран приняли участие в проекте. «Мы являемся последним поколением, у которого есть исключительная возможность скрестить взгляды эпох и услышать личные воспоминания людей, переживших Холокост», — подчеркивают они. Фото: Еврейский музей и центр толерантности https://telegra.ph/file/d0f64c72cf750d8b7efe8.jpg

Владимир Мешков (1919-2012) «В эвенкийской тайге» 1963 серия "Пейзажи Эвенкии" бумага, линогравюра. 35х52 см владимир_мешков

"Пара ботинок" Август 1888 г. Винсент Ван Гог Метрополитен-музей, Нью-Йорк. В 1886 году начался новый период творческой жизни Ван Гога, один из самых плодотворных и значимых для становления его как художника. Он покинул Антверпен, поняв, что дальнейшее творческое развитие в Голландии невозможно, и переехал в Париж. Знакомство с импрессионистами и посещение художественной студии, изучение японской живописи наложили свой отпечаток на творчество живописца. В его картинах появились яркие сочные цвета и особая манера передачи воздушного пространства. Ван Гог окончательно ушел от реализма, свойственного голландской школе живописи. Здесь была написана знаменитая серия работ, посвященная обуви, преимущественно, бедняков. Имеющая непосредственное отношение к этому циклу картина Ван Гога «Пара ботинок», относится к арлезианскому периоду. Создавая полотна, изображающие рваную стоптанную обувь бедняков, Винсент обращается к одной из своих излюбленных тем: жизни простых людей, их тяжелому быту. Кроме того, многие исследователи рассматривают все его произведения как отражение внутреннего мира художника. Неизвестно, чьи башмаки изображены на картине Ван Гога «Пара ботинок»: кого-то из жителей Арля, купленные на блошином рынке или принадлежавшие ему самому. Но они вполне могут служить символом лишений и страданий носившего их человека. Далеко не новые, принявшие форму ног своего владельца, покрытые изломами, как морщинами, ботинки явно только что сняты и небрежно брошены на пол. Судя по всему, их владелец долго бродил под дождем или по влажной траве: об этом свидетельствует лужа, натекшая на пол. Их невозможно рассматривать как просто предмет, безликий и неодушевленный, поскольку они являются свидетелями, пусть и молчаливыми, всего, что случилось за день с их хозяином. Натюрморты с обувью сюжетно перекликаются с известной картиной художника «Едоки картофеля», продолжают ее тему: есть ощущение, что поношенные ботинки принадлежат героям именно этого полотна. Картина же Ван Гога, созданная в Арле, скорее более личная, имеющая непосредственное отношение к самому живописцу: «Пара ботинок» написана в другой манере и иной обстановке. Это произведение заметно отличается от первых в этой серии: явно прослеживается влияние импрессионизма, живописец использует приемы и знания, полученные во время пребывания в Париже. Скорее всего, фоном для этого натюрморта стал пол в «Желтом доме» — несостоявшемся проекте Винсента, ставшим еще одним разочарованием в его жизни. Идея создания мастерской на юге, в Провансе, провалилась. Самое печальное, что ее обсуждение с Гогеном, которому предназначалась главная роль в будущей студии, закончилось ссорой, увечьем и дальнейшим пребыванием Винсента в лечебнице. Все эти события случились после написания картины Ван Гога «Пара ботинок», однако ее можно рассматривать как символическое полотно: ботинки, снятые после тяжелого трудового дня, проделали вместе с хозяином долгий путь, но неизвестно, была ли эта дорога выбрана правильно. ВанГог Постимпрессионизм _history

Слава Фокк (1976) «Черная бабочка» 2022 серия «Черные королевы» холст, масло. 85х50 см слава_фокк

Сразу обозначу - то, что пишу про Верещагина, относится исключительно к искусству и к тому, каким оно может быть разным. Аналогии с современностью проводить не нужно! Итак, классический батальный жанр, то есть картины, которые изображают военные действия, - обычно изображают триумф. У Верещагина все иначе. Он во многом наследует идеологию просветительства, мессианской идеи, искусство для него реализация важной просветительской идеи. А ведь он был великолепным пейзажистом. Верещагин говорил, что он не может писать пейзажи, так как это как красть время у солнца, когда нужно тратить энергию на просвещение общества. Он участвовал в войнах: в средней Азии, в русско-турецкой 1870х. Верещагин был документалистом и писал сериями. В своей "Туркестанской серии, которую, кстати, Третьяков купил полностью (это было условие художника) Верещагин с этнографической тщательностью изображает быт среднеазиатских народов — курение опиума, работорговли. В полотне "Двери Тамерлана" (Тимура) нас поражает застылость почти приравненных к дверям фигур стражников — неизменная, косная суть восточной жизни. Военные наблюдения Верещагин выразил в серии под названием "Варвары", включающей полотна “Нападают врасплох", "Представляют трофей", "Торжествуют". В документальности этих работ заключены сильные и слабые стороны метода художника. Их сила — в непосредственности, точности документального свидетельства. Их слабость — в отсутствии отбора, в умалении эмоционально-образного начала и психологической выразительности. В свете нынешних событий разбор картины "Апофеоз войны" оставлю за рамками блога. Или для личных встреч PROверещагин

​​️В Венеции вводят предварительную регистрацию и сбор на однодневное посещение. С января 2023 года туристы будут платить от 03 до 10 евро в зависимости от многолюдности. Новая цифровая система сможет контролировать наплыв туристов: более 20 миллионов человек посещает маленький город каждый год. Решение необходимо для сохранения природы и облика города со статусом культурного наследия. В прошлом году власти города запретили проход больших грузов и лайнеров, чем смогли избежать внесения Венеции в список объектов Всемирного наследия ЮНЕСКО, находящихся под угрозой. ️Проект «Искусство быть» открыл арт-резиденцию для художников со всей России. Проект будет представлен на трех площадках: ️Государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник «Остров-град Свияжск» ️Государственный Владимиро-Суздальский историко-архитектурный и художественный музей-заповедник ️Ивановский государственный историко-краеведческий музей имени Д.Г. Бурылина. ️Самый большой выставочный зал Екатеринбурга планируют открыть в этом году. Он станет дополнением культурно-просветительского центра «Эрмитаж-Урал». ️25 июля Еврейский музей и центр толерантности представит фотовыставку «Чувство дома». Проект, представленный двенадцатью фотографами, перенесет зрителей в разные точки России: от Финского залива до Биробиджана, от полуострова Таймыр до Северной Осетии, и покажет, как формируются эмоциональные связи с местом, которое человек называет «домом». Фото: Юлия Невская, Серия «Люди тундры», «Ангелина Вэнга с детьми» Таймырский (Долгано-Ненецкий) автономный округ, 2021 https://telegra.ph/file/dfd60b2c637f28e08a9b5.jpg

"Любовь небесная и любовь земная" 1518 г. Тициан Вечеллио Галерея Боргезе, Рим. Одна из наиболее известных и в то же время одна из самых загадочных картин Тициана Вечеллио. Предыстория: для кого и с какой целью Тициан создал картину «Любовь небесная и любовь земная» Однажды на пороге дома Тициана появился высокопоставленный венецианский царедворец Николо Аурелио. Он работал в Consiglio dei Dieci – так называемом Совете Десяти, коллегиальном органе, избираемом ежегодно в Венеции из ста наизнатнейших патрициев. Совет Десяти был своего рода службой республиканской безопасности, отвечал за неприкосновенность политического строя Республики святого Марка и даже имел свою разветвлённую сеть шпионов. А Николо Аурелио был его бессменным секретарём, отвечая за все важнейшие государственные бумаги, предоставляемые дожу на подпись. Дело, которое заставило его обратиться к Тициану, было весьма деликатным. Пожилой Аурелио замыслил жениться на молодой вдове. Но для чиновника такого ранга это был рискованный шаг. Во-первых, отец невесты был казнён в Падуе за военное предательство Республики. А во-вторых, люди ведь могут подумать, что Николо привлекла не сама вдовушка, а оставленное её покойным мужем наследство – вдова действительно была сказочно богата. Нужна картина, которая подчеркнула бы возвышенный, а не грубо-материальный и не низменно-плотский характер любви Аурелио. Джорджоне не справится, слишком легкомысленный. Оба Беллини избалованы славой, с ними лучше не связываться. Только Тициан, с присущей ему рассудительностью и мудростью, сможет предложить какой-нибудь подходящий аллегорический сюжет, и тогда картина станет достойным свадебным подарком для невесты венецианского царедворца. Самого Тициана, переживавшего тогда бурный роман со значительной младшей его Виолантой, также волновала этическая коллизия между добродетелью и сладострастием, которая и была положена в повествовательную основу картины «Любовь небесная и любовь земная». Именно с Виоланты, своей возлюбленной, Тициан напишет обе женские фигуры картины, олицетворяющие две ипостаси любви – профанную (земную) и сакральную (небесную). Символика картины «Любовь небесная и любовь земная» Существует обширная литература, описывающая сложные символы в основе картины Тициана – от воззрений на сущность любви Платона и неоплатоников до аллюзий на книгу кардинала Пьетро Бембо «Азоланские беседы», посвященную Лукреции Борджиа. Широкоформатная горизонтальная композиция строится на двух незримых диагоналях, которые сходятся где-то в районе руки купидона. Сидящая слева женщина в пышном голубом платье олицетворяет целомудрие, она словно задумалась о чем-то, в то время как другая женщина, ее обнажённое alter ego, курящая фимиам из черной плошки, как будто склоняет её отдаться земной, всесокрушающей страсти. Эту же этическую дилемму символизируют барельефы – конь ассоциируется с неудержимостью страсти (так же как и пара зайцев на втором плане, символ плодовитости), а рядом изображается сцена побиения кнутом за плотские грехи. Просветленный и торжественный колорит, парадоксальное примирение чувственного и возвышенного начал делают «Любовь небесную и любовь земную» настоящим гимном женской красоте. ТицианВечеллио Возрождение _history

​​️Музей-заповедник «Коломенское» открывает выставку «Стул’Я. История стула в 12½ главах». ️Экскурсионное бюро Музея Москвы организует цикл экскурсий по городу. ️21 июля на ВДНХ состоится серия игр для всех желающих, приуроченная к Международному дню шахмат. Турниры проведет международный гроссмейстер Владимир Малахов. Вход свободный, по предварительной регистрации. ️Кипр открыл свой первый подводный археологический парк. ️На 10-й ярмарке Cosmoscow, в дополнение к стандартным секциям Main, Frame, Design и Editions, будет представлена новая постоянная секция Digital. К участию в секции Digital приглашаются галереи, которые специализируются на цифровом искусстве. Дедлайн подачи заявки  — 1 августа. Фото: Cosmoscow https://telegra.ph/file/3363339876192741e36a2.jpg

"Электрический стул" 1963 г. Энди Уорхол Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. «В какой-то момент я понял, что все, что я делаю, имеет некое отношение к смерти» Тема исчезновения, смерти как трансформации и жизни после смерти пунктиром проходит через все творчество художника. Серия работ, объединенных общим названием «Большой электрический стул» стала частью масштабного цикла Уорхола «Смерть и катастрофы», который он начал создавать в 1962 году. Эти картины, демонстрирующие боль и страдания, были чем-то совершенно новым, в корне отличающимся от долларовых банкнот или банок с супом, но при этом они удивительным образом несли в себе ту же идею, что и все остальные работы художника. Смерть была такой же обыденной частью жизни американцев, как бутылка «Кока-Колы». Для всех картин из серии «Смерть и катастрофы» Энди использовал снимки из газет. Одной из первых работ этого цикла стала копия первой полосы газеты с фотографией автокатастрофы. За ней последовали изображения самоубийств, уличных беспорядков, ядерного гриба, авиакатастроф и автомобильных аварий. Портреты Мэрилин Монро он начал рисовать только после смерти актрисы. В его работе «Шестнадцать Джеки» счастливые фото улыбающейся Жаклин Кеннеди перемежаются полными скорби снимками с похорон президента. Причиной увлеченности Уорхола темой смерти было не только ее постоянное присутствие в повседневной жизни человека, но и то, насколько мы умеем дистанцироваться от ее воздействия. «Когда ты снова и снова видишь жуткие картины, - говорил художник, - они перестают оказывать на тебя эффект». Серию работ с электрическим стулом Уорхол начал в 1964 году. Основой для нее послужил газетный снимок из новости 1953 года о двух смертных казнях в тюрьме Синг-Синг: тогда на электрический стул отправили Джулиуса и Этель Розенберг за шпионаж в пользу Советского Союза. От других работ из цикла «Смерть и катастрофы» серию с электрическими стульями отличает одна важная особенность: на этих картинах нет ни одного человека. Время будто бы застыло в ожидании неминуемой катастрофы, воздух вокруг «кресла смерти» кажется густым и вязким. В пустоте и неподвижности комнаты Уорхолу удалось изобразить смерть как отсутствие жизни и гнетущую тишину. ЭндиУорхол ПопАрт _history

Утагава Хиросигэ (1797-1858) «Окрестности храма Тенджин в Камейдо» 1856 серия «Сто знаменитых видов Эдо» цветная гравюра. 36х24 см утагава_хиросигэ

Утагава Хиросигэ (1797-1858) «Улица Суругачо» 1856 серия «Сто знаменитых видов Эдо» цветная гравюра. 35х25 см утагава_хиросигэ

Кацусика Хокусай (1760−1849) «Вид на Фудзи с горы Готэнъяма у реки Синагава» 1831-1832 серия «36 видов Фудзи» цветная гравюра. кацусика_хокусай

Кацусика Хокусай (1760−1849) «Сосна в Аояме» 1829-1832 серия «36 видов Фудзи» цветная гравюра. кацусика_хокусай

​​️Christie’s объявил о рекордных продажах в 2022 году. Большая часть сделок пришлась на искусство XX и XXI веков. ️Президентский фонд культурных инициатив 1 февраля начнет принимать заявки на новый конкурс. Идеи проектов можно представить по девяти тематическим направлениям. В конкурсе могут участвовать негосударственные НКО, коммерческие организации и муниципальные учреждения, а также индивидуальные предприниматели. ️В фондах Музея музыки обнаружили неизвестный ранее автограф Рахманинова. Автографы композитора относятся к первой категории ценности и имеют мировое значение. ️В онлайн-кинотеатре Premier запустили тревел-шоу «Музейные маршруты». Выпуски познакомят россиян с более чем 50 музеями России, 100 достопримечательностями и артефактами в 12 регионах страны. Первая серия посвящена Ярославлю. ️Самый большой арт-объект в Самаре открылся у филиала Третьяковки. Автором работы «Супрематический куб» высотой 7 м стал Николай Полисский. Куб будет стоять на этом месте год, затем его сменит другой арт-объект. https://telegra.ph/file/122532c439c23ad3d04f5.jpg

VS Gallery открыла новогодний фиджитал-маркет, который объединил более 40 работ — от небольших скульптур из стекла и керамики до пластификаций и видео. В течение месяца в первой в России галерее фиджитал-искусства можно будет приобрести работы ее четырех художников-резидентов: Рината Абдрахманова (Rinatto L'bank), Данилы Карамушкина, Юлии Низамутдиновой и Кирилла Рейва. Что: новогодний фиджитал-маркет Где: VS Gallery, ул. Малая Ордынка, 19 Когда: до 14 января Фото: Юлия Низамутдинова, Серия Fragilitas