"Слон Целебеса" Макс Эрнст, 1921 > Лондон, Тейт «Слон Целебеса» – первое...

VLADEY X проведет первый в 2021 году тематический аукцион — LOVE. Художественные высказывания звёзд российского искусства на тему любви будут выставлены и проданы на аукционе в субботу, 13 февраля. Как обычно, артбиржа VLADEY X начнется в 15.00. Среди топовых лотов выделяются работы: ️Олег Голосий «Вдвоем» 1990 года (Лот 9) ️Дубосарский и Виноградов «Паучок» 2004 года (Лот 8) ️Василий Слонов LOVE из проекта «Light my fire» (Лот 7), фотография ️Сергей Братков «Любовное отражение» 2009 года (Лот 5) ️Валерий Чтак «Любовь топора не требует» 2017 года (Лот 16) ️и другие! Владимир Овчаренко: «Наступил 2021 год, ковид отступает и VLADEY продолжает еженедельно радовать коллекционеров и любителей искусства новыми шедеврами. Тематические торги всем понравились, и в преддверии праздников мы подобрали великолепные подарки, их можно сделать любимому человеку, а можно порадовать и себя. Дарить искусство - что может быть лучше?” VLADEY X LOVE Живой аукцион с онлайн-участием 13 февраля 15:00 Каталог https://vladey.net/ru/auctions/xlove

"Лувр. Джоконда" Эрик Булатов, 1997–1998 Политикой и протестом, без которых приличному художнику в Стране Советов было не обойтись, проблематика полотен Булатова, естественно, не исчерпывается. "Лувр. Джоконда" – визуальное размышление о диалоге искусства и зрителей. Главное, что интересует художника в полотне да Винчи, – обращенность картины к зрителю. Гипотетические посетители Лувра в работе Булатова вторгаются пурпурной массой в залы музея и заслоняют собой все и вся – остается видна лишь загадочная, немного саркастичная улыбка Моны Лизы. Толпа напоминает фотографию из старой советской газеты, почему-то напечатанную алыми чернилами, в то время как музейные залы – непоколебимый в своей вечности реализм. Возможно ли восприятие искусства в условиях шумного, агрессивного, как красный цвет, медийного хаоса? Вопрос риторический.

Слон и мышь играют в шахматы: скульптура из песка Кто из нас не помнит басню Крылова, в которой моська лаяла на слона, чтобы доказать окружающим, что она сильна? А вот недавно скульптор Рей Виллафан и художница Сью Беатрис совместными усилиями создали чудесную работу - «‎Слон играет в шахматы с мышью ». Привычный сюжет получил новую интерпретацию: интеллектуальный поединок показал, что шансы равны у всех, независимо от массы тела. Идея свести за игральным столом слона и мышь - прекрасна, ведь подобные аллегории всегда вызывают живой интерес. Исполнение задуманного тоже на высоте - мастерам удалось создать скульптуру из песка, при этом и слон, и мышь выполнены в натуральную величину. Да и сами образы очень реалистичны: с первого взгляда кажется, что мультяшные персонажи ожили перед зрителем.

«Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» Пожалуй, первый художник, который вспоминается, при разговоре о символах - Сальвадор Дали. Сам он не любил давать объяснения своим картинам и не рекомендовал кому-либо это делать. Но ведь страсть, как хочется! Психоаналитик бы сказал, что героиня картины видит классический фрейдистский сон — о противостоянии мужского и женского начал. Кстати, Дали однажды встречался с Фрейдом и оба остались не в восторге. Гранат в античной и христианской символике - возрождение и плодородие. «Вся жизнетворящая биология возникает из лопнувшего граната», - говорил Дали. Тигры имеют тот же окрас, что и пчелы, возможно именно они так представляются спящей. Слон, несущий обелиск и атрибуты папы — намек на сон о похоронах папы римского, приснившийся Фрейду из-за колокольного звона. Тонкие суставчатые ноги — символ зыбкости сна. Море, вероятно, - сознание. Одно мы знаем точно: женщина на картине это Гала – жена и муза художника.

Старейшие фигурки из слоновой кости мамонтов Одиннадцать фигурок, вырезанных из бивня мамонта, были обнаружены в пещере Фогельхерд на юго-западе Германии. Радиоуглеродный анализ и слой породы, показывают, что скульптуры были сделаны во время ориньякской культуры, которую связывают с первым появлением современного человека в Европе. Интерпретации резных фигур были сделаны в контексте огромного значения этих животных для выживания палео-человека и связанных с ними охотничьих ритуалов. Еще, возможно, они использовались в доисторических верованиях, культах и ​​шаманских практиках. Скульптура лошади. Длина: 4,8 см (примерно 30 000 - 29 000 лет). Полностью сохранилась только голова. Из-за отслаивания внешних слоев слоновой кости, ширина была уменьшена, а ноги отломаны. Скульптура шерстистого мамонта. Длина: 3,7 см (возраст около 35000 лет). Фигурка мамонта искусно проработанной резьбой. Скульптура пещерного льва. Длина: 5,6 см (возраст около 40 000 лет). Сохранилась только голова.

"Розовый натюрморт" 1918 г. Кузьма Сергеевич Петров-Водкин Государственная Третьяковская галерея. Натюрморты Петрова-Водкина часто напоминают рабочий стол учетчика. Каждый предмет на нем лежит отдельно, не заслоняет других, доступен для полного обзора и ждет присвоения учетного номера. Даже мелкие ягоды, привычные к роскошной, гедонистической летней насыпи в глубокую миску, у него позируют в одиночку. Яблоко - 1 штука, вишня - 1 штука. Художнику достаточно простого и лаконичного набора предметов, чтоб понять вишни вообще и яблоки вообще. Вселенную вообще. У этой внешней скудности огромные возможности - вскрыть порядок вещей. Один из учеников художника вспоминал, как Кузьма Сергеевич советовал писать предметы: «Он говорил: если ты рисуешь карандаш, лежащий на столе, твоя задача определить не только положение этого карандаша к плоскости стола, на которой он лежит, но и его отношения к стенам той комнаты, в которой находится стол, и стен этой комнаты – к мировому пространству, ибо каждая вещь, даже простой карандаш, находится в сфере мирового пространства». И тогда зачем нужна корзина яблок, если уже одно открывает все связи в пространстве и связи с прошлым и будущим. Большинство натюрмортов Петрова-Водкина написаны в течение двух лет, с 1918 по 1920. Страшное, голодное, жестокое, скупое на радости, щедрое на испытания время. Не хватает самого необходимого. Но холодные, аскетичные композиции с яйцами, спичками, черным хлебом, конечно, не о нищете конкретных лет. В эпоху торжества беспредметного и уже даже абстрактного искусства Кузьма Петров-Водкин был несвоевременно привязан к предмету. Он был уверен, что мы в повседневности невнимательны к ним, ограничиваем их декоративными или прикладными свойствами. Эта невнимательность, кстати, и приводит человека со временем к проектированию и созданию по-настоящему уродливых вещей. Но когда художник отстраняется от утилитарного и украшательского, ему открываются «силы, образующие предмет изнутри». Он чувствует вес атмосферы вокруг яблока, энергию давления чайника на поверхность стола, уникальную плотность дерева, металла или стекла. «Вскрытие междупредметных отношений дает большую радость от проникновения в мир вещей: металл, жидкость, камень, дерево вводят анализирующего в их полную жизнь. Закон тяготения из абстрактного, только познавательного становится ощутимым, в масштабе близком, простом для всякого восприятия: кол...ия встречных, пересекающихся, сходящихся и расходящихся осей предметов, как в увеличительном стекле, проделывают пред вами законы движения, сцепления и отталкиваний», - писал Петров-Водкин в книге «Пространство Эвклида», где целую главу посвятил своим первым упражнениям в написании натюрмортов и рассуждениям о драмах, которые разворачиваются от столкновения предметов в пределах картины. По сравнению с многими другими «Розовый натюрморт» густо населен, для Петрова-Водкина, можно считать, даже изобилен. И воздух в нем разрежен, прозрачен до розового. Ветка с тяжелыми яблоками легко парит над столом, выстаивает собственные формулы закона тяготения. У каждого предмета - свой угол обзора, выгодный для него, ощутимый вес и текстура. Сын сапожника и швеи, Петров-Водкин поначалу учился в Московском училище технического рисования. Но чертежи шкафов и схемы декоративных узоров ему отчаянно не давались. Суровые параллели и перпендикуляры требовали цвета, сжимались и раздувались. Учитель черчения осторожно советовал юноше двигаться в живописном направлении. Искать место предмета не в развернутом чертеже, а в пространстве вселенной. ПетровВодкин Натюрморт Модерн _history

После кросса 1935 Самохвалов Русский музей Девушку с картины После кросса называли советской Венерой. Большое, плотное тело, титанически сильное — как и другие тела на картинах Самохвалова. На его эскизах работницы в облегающих майках, сквозь которые проступают твердые груди. Кажется, что их тела существуют вне секса. Их руки — это руки, которые строят новый мир. Самохваловские тела — титанические, на них держится советский мир, причём во всех смыслах. Но боюсь, что Самохвалов, когда писал своих женщин, имел ввиду другое. Проведите простой эксперимент: ладонью заслоните тело и вглядитесь в лицо девушки — лик с раскопок в Помпеях, бархатные манящие глаза, засасывающий взгляд. А теперь, обратите внимание: голова как будто прилеплена к нему. Героиня всего лишь вытирает спину — приобретает эротический оттенок. Она здесь для того, чтобы усладить взгляд смотрящего, но не чтобы действовать, — её тело ей не принадлежит.

Хорошее руководство по рисованию слона практика

Венера и Адонис 1611 Рубенс Эрмитаж, Питер Картина иллюстрирует сюжет из «Метаморфоз» Публия Овидия Назона: Венера влюбилась в юного охотника Адониса и объясняется ему в любви: Молвит: «Скажу, подивись чудовищ провинности давней. От непривычных трудов я, однако, устала, и кстати Ласково тенью своей приглашает нас тополь соседний; Ложе нам стелет трава. Прилечь хочу я с тобою Здесь, на земле!» И легла, к траве и к нему прижимаясь. И, прислонившись к нему, на груди головою покоясь, Молвила так, — а слова поцелуями перемежала При исследовании картины в мастерских Эрмитажа были выявлены исправления ступней ног Венеры и Адониса, а также заметно, что и профиль Венеры тоже переписывали. Ряд исследователей отмечали, что Рубенс был не единственным автором картины. Кисти Рубенса принадлежат только головы персонажей и животные, или, что фигуры выполнены Рубенсом, а собак написал Ян Вильденс; или, что пейзаж написан Лукасом ван Юденом. Бенуа приписал пейзаж Яну Вильденсу.

​​Последний женский портрет Климта вернулся в Вену спустя столетие «Дама с веером» — последний женский портрет знаменитого венского художника Густава Климта. Его героиня соблазнительно и с удивительной самоуверенностью смотрит вдаль. Эта яркая картина вновь выставлена в Вене спустя более века. Она представлена на специальной выставке в Верхнем Бельведере вместе с другими поздними работами мастера. Вскоре после смерти Густава Климта в 1918 году в мастерской художника была сделана фотография. На ней изображены две картины, каждая на своём мольберте — это «Дама с веером» и незаконченная работа «Невеста». Вторая была предоставлена Бельведеру в долгосрочную аренду. Но первая — яркое и мастерски выполненное изображение женщины с обнажённым плечом — исчезла 101 год назад. Она была вывезена из Австрии при невыясненных обстоятельствах. Возвращение «Дамы с веером» в Вену — важное событие, ведь это уникальное дополнение к наследию Густава Климта. В честь этого случая Бельведер организовал небольшой, но громкий показ, посвящённый заключительному этапу творчества культового венского художника. В одном зале с «Дамой…» выставлены другие портреты, относящиеся к этому периоду. «Дама с веером» была последней картиной, над которой Климт работал в 1917 году. Он практически завершил её — за исключением нескольких деталей. И если на большинстве его портретов изображены светские дамы, то здесь, вероятнее всего, он написал неизвестную модель. Этот портрет — вариация на тему венской красоты, один из излюбленных сюжетов художника. Эта соблазнительная незнакомка, которая, скорее всего, была танцовщицей, кажется успешной и уверенной в себе. Её голова высоко поднята, плечо обнажено, а открытая грудь заслонена веером. Женщина смотрит мимо зрителя за пределы полотна. Картина демонстрировалась в Вене всего лишь раз — на выставке искусств и ремёсел Kunstschau в 1920 году. С тех пор её судьбу трудно проследить. По данным Бельведера, в 1960-х годах эту работу купил у вдовы промышленника Рудольф Леопольд — венский коллекционер и основатель музея Леопольда. Остаётся невыясненным, когда холст в конечном итоге покинул Австрию и был продан ценителю из США. Последний раз «Дама с веером» экспонировалась в Кракове в 1992 году. Два года спустя ценное произведение было продано на аукционе в Нью-Йорке за 11,6 миллиона долларов. На тот момент это стало рекордом для работ Климта, когда-либо выставленных на торги. Между тем, Федеральное управление памятников Австрии так и не выдало лицензию на экспорт этой важной картины. По словам директора Бельведера Стеллы Роллиг, нынешний владелец ничего не знал о том, что вывоз «Дамы с веером» был незаконным. И сейчас Австрия дала гарантии анонимному коллекционеру, что его сокровище вернётся неприкосновенным. «Он очень хотел показать эту картину в Бельведере, показать её здесь, в контексте нашей коллекции работ Климта, и снова сделать её доступной для публики», — сказала она. Среди других картин в экспозиции — незавершённые «Невеста», «Амалия Цукеркандль», «Адам и Ева» и «Дама в белом». В октябре к ним присоединятся новые экспонаты, которые продемонстрируют интерес Климта к восточноазиатскому искусству и его влияние на творчество австрийского мастера. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/b11aae8078613b208f5c6.jpg

Ограбление по-зверски 3. Пушкинский музей 3 серия 2 серия 1 серия Эксперты Муров (кот) и Гавов (пёс) предотвращают кражу шедевров из Пушкинского музея и заодно проводят экскурсию по постоянной экспозиции музея Режиссер: Борис Коршунов Художник-постановщик: Алексей Алексеев Роли озвучивали: Леонид Каневский, Алексей Колган, Юлия Рутберг, Диомид Виноградов, Лариса Брохман, Александр Казначеев Композитор: Сергей Слонимский 2019 https://www.youtube.com/watch?v=DQ5gsNh9UaI

Восхитительный мультсериал о кражах картин от Министерства Культуры 1 серия Детектив, эксперт в сфере искусства кот Муров и его коллега пёс Гавов останавливают преступление века — хищение «Моны Лизы» из Лувра Режиссер: Миша Сафронов Художник-постановщик: Алексей Алексеев Роли озвучивали: Леонид Каневский, Алексей Колган, Юлия Рутберг, Диомид Виноградов, Лариса Брохман, Александр Казначеев Композитор: Сергей Слонимский 2019 https://youtu.be/00v2jOkQosQ https://youtu.be/00v2jOkQosQ

Ограбление по-зверски 2. Музей Прадо 2 серия 1 серия На этот раз следователи Муров и Гавов берутся за расследование кражи жемчужины коллекции мадридского музея Прадо — картины «Менины» художника Диего Веласкеса… Режиссер: Миша Сафронов Художник-постановщик: Алексей Алексеев Роли озвучивали: Леонид Каневский, Алексей Колган, Юлия Рутберг, Диомид Виноградов, Лариса Брохман, Александр Казначеев Композитор: Сергей Слонимский 2019 https://youtu.be/e-V4Kgb1K9I https://youtu.be/e-V4Kgb1K9I

Палка-блевалка Русский художник Василий Слонов создал работу «Палка-блевалка». Художник пишет: «В русской сказительной культуре есть много самобытных, очень странных, и уникальных гаджетов. Например: скатерть-самобранка, меч-кладенец, палочка-выручалочка, яблоко на блюдце, клубок-проводник. И вот настало время добавить нечто в нашу материальную культуру и разговорную сокровищницу… Возрадуйтесь соотечественники, теперь у нас есть «ПАЛКА-БЛЕВАЛКА». Блеванул сам, помоги товарищу!». Искусство или нет?

"Семейный портрет" Якоб Йорданс, 1650-1652 > Санкт-Петербург, Эрмитаж В центре картины изображена женщина в богатом платье, прислонившаяся к сидящему мужчине, который её приобнял. Женщина справа демонстрирует явное сходство с центральной фигурой и скорее всего обе женщины являются сёстрами. В трактовке современных искусствоведов сюжет картины является аллегорическим изображением сцены помолвки или бракосочетания. В частности, на это указывают фигура Купидона со стрелой, направленной на грудь женщины, и цветы гвоздики слева на фоне — эти цветы с древних времён символизируют обручение. Венки из цветов традиционно являются знаком чистоты и целомудрия, попугай намекает на верность в браке.

"Дама с веером" 1917 г. Густав Климт Частная коллекция. «Дама с веером» – один из последних женских портретов Густава Климта. Он работал над картиной в 1917 году – незадолго до смерти, которая наступила из-за пневмонии после перенесённого инсульта. Однако прежде художник успел закончить работу – за исключением нескольких незначительных деталей. Если на большинстве портретов Климта изображены светские дамы, то здесь он написал модель, личность которой до сих пор остаётся загадкой. Соблазнительная незнакомка, скорее всего, была танцовщицей. Она выглядит успешной и уверенной в себе: голова высоко поднята, плечо обнажено, а открытая грудь заслонена веером. Женщина смотрит мимо зрителя за пределы полотна. Этот портрет – вариация на тему венской красоты, один из излюбленных сюжетов художника. В нём одновременно отражено влияние японского искусства, модного в эпоху модерна, и самобытный стиль самого Климта. Жёлтый фон напоминает его картины «золотого» периода, такие как «Портрет Адели Блох-Бауэр I» или «Поцелуй». Красочные птицы и вьющиеся цветы отражают характерное для мастера обильное использование цвета и орнамента. Фон имитирует японские ксилографии с их яркими стилизованными узорами. Богато украшены также платье героини и веер, который она держит в руках. Такое множество декоративных элементов вызывает ощущение, будто Климт балансирует между искусством и ремеслом. Комбинация этих двух составляющих отражает тенденции, которые начали набирать обороты на заре XX века. Они охватили живопись, архитектуру, текстиль, дизайн интерьеров и ювелирное дело, вытолкнув декоративные ремёсла из тени и в центр внимания. Ощущение беззаботности, которое создают цвет и орнаменты в «Даме с веером», подчёркивают великолепие центральной фигуры. В результате картина стала гимном как самой женщине, так и миру, который её окружает. Полотно было обнаружено в 1918 году в мастерской Густава Климта вскоре после его смерти. Сохранилась фотография, на которой запечатлены две работы – незавершённая «Невеста» и «Дама с веером». Первая была предоставлена музею Бельведер в долгосрочную аренду, а вторая была вывезена из Австрии при невыясненных обстоятельствах. В Вене «Даму с веером» публика видела всего лишь раз – на выставке искусств и ремёсел Kunstschau в 1920 году. С тех пор она исчезла на многие годы. По данным Бельведера, в 1960-х годах её купил у некой вдовы промышленника Рудольф Леопольд – венский коллекционер и основатель собственного музея. Однако непонятно, как портрет затем был вывезен из Австрии и продан ценителю из США. После этого «Дама с веером» экспонировалась в Токио в 1991 году и в Кракове годом позже. В 1994-м ценное произведение было продано на аукционе в Нью-Йорке за 11,6 миллиона долларов. На тот момент это стало рекордом для работ Климта, когда-либо выставленных на торги. Однако покупатель понятия не имел, что Федеральное управление памятников Австрии так и не выдало лицензию на экспорт этой важной картины. В 2021 году – через сто лет после первой демонстрации в Вене – коллекционер захотел показать работу в австрийской столице вновь. Государство дало ему гарантию, что вернёт полотно неприкосновенным, и сияющий образ стал центром небольшой, но важной выставки «Дама с веером. Последние работы Густава Климта» в Бельведере. ГуставКлимт Модерн _history

Натюрморт с шахматной доской 1630 Любен Божен Лувр, Париж, Франция Один из наиболее ранних французских натюрмортов и один из самых известных натюрмортов, интригующий скрытыми в изображении смыслами. Приписывается художнику Любену Божену. Говорят, что картина таинственное, зашифрованное сообщение художника зрителю. Аллегория пяти чувств. Иногда сам натюрморт называют «Пять чувств». Зрение символизирует зеркало, слух — лютня и нотная тетрадь, вкус — хлеб и вино, обоняние — цветы, осязание — игральные карты и кошель (возможно, и шахматы тоже). Религиозная трактовка. Бокал с вином и хлеб связаны с евхаристией, гвоздика — символ Страстей Христа, сюда же можно отнести и стеклянную вазу, наполненную чистой водой, метафору девственности Марии, все они расположены на заднем плане. На переднем плане расположены предметы, олицетворяющие земные соблазны. Получается, что мирские наслаждения заслоняют человеку Бога.

"Нью-йоркский кинотеатр" 1939 г. Эдвард Хоппер Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). Автор картины «Нью-Йорский кинотеатр» (англ. New York Movie) – знаковый иллюстратор и живописец Нового Света, один из основоположников американского реализма – Эдвард Хоппер. Работа создана мастером в 1939 году: это период его большой творческой активности, когда художник, наконец, получил желанное признание. На полотне выхвачено мгновение из жизни нью-йоркского кинотеатра. Композиционно работа разделена вертикалью стены, отделяющей кинозал от выхода. В левой части в полупустом зале демонстрируется фильм. Немногочисленные зрители поглощены сюжетом кинодрамы. В правой части мы видим занавешенный портьерами выход на лестницу, у которого стоит девушка-капельдинер. Она застыла в скучающей позе, прислонившись к стене. Золотые волосы молодой женщины сияют под светом электрического бра. В десятый, а может и сотый, раз ожидая окончания фильма, служащая синематографа выглядит отчужденной, погруженной в собственные мысли. Моделью для образа героини данной картины, как и для многих других работ Хоппера, послужила жена художника – Джозефина (Джо). Художница, она была компаньоном Эдварда всю их драматичную супружескую жизнь, которая длилась без малого 42 года. Сама Джо вспоминала, что интерес к зарисовкам кинотеатров у мужа вызвала ее акварель «Кинотеатр — Глостер». Якобы под влиянием именно этой работы Хоппер сделал десятки эскизов синематографов Нью-Йорка, в которых часто бывал. В результате для своей картины автор придумал всё внутреннее убранство кинозала, вплоть до рисунка на ковровой дорожке. «Когда я не чувствую потребности рисовать, я хожу в кино на протяжении недели или больше. Я настоящий фанат кино!» (Э. Хоппер) Показанная художником сценка из жизни кинотеатра выходит за рамки одного кадра. Сюжет картины основан на противопоставлении: двух миров и двух состояний. С одной стороны – полутемный кинозал, где зрителей поглотил, увлек недолговечный мир грез и иллюзий. С другой – статичная фигура служащей кинотеатра, символизирующая реальный мир, в котором вечные спутники человека – одиночество и скука. Освещенная фигура капельдинерши уравновешивает полутемный зал со зрителями и светящимся экраном. Пока зрители переживают киноисторию, у капельдинерши время остановилось. Манящий мир сладостных грез и безнадежная реальность. Одной из особенностей творчества Эдварда Хоппера является не только его "приумноженный", а иногда и жесткий реализм, но и уникальный подход к выбору сюжета. Автор предпочитает изображать будто случайно обрезанные фрагменты зданий, где есть изгибы, углы или огромные окна. В контрастном освещении обычные детали фасадов и интерьеров становятся больше, чем просто декорациями. Свет также играет одну из ключевых ролей в его работах. Художник направляет его на своих персонажей, отчего их сложное эмоциональное состояние становится еще отчетливее. Зачастую герои картин Хоппера замкнуты и напряжены. В то же время они охвачены меланхолией, безразличием, они замкнуты и будто находятся в беззвучном коконе «вне эмоций», как и эта служащая в «Нью-Йоркском кинотеатре». Застывшее отчужденное состояние героини автор еще более подчеркнул, поместив ее в самое светлое место на полотне. Хотя художник показал кинотеатр, в котором публика смотрит увлекательный фильм, впечатление от картины формируется под влиянием эмоционального состояния одинокой девушки-капельдинера. Сам Эдвард Хоппер слыл замкнутым и немногословным. Безнадежное одиночество человека в современном обществе - один из лейтмотивов большинства работ живописца. Сегодня картины Хоппера стали классикой. Эта работа хранится в Нью-Йоркском музее современного искусства. ЭдвардХоппер _history

В историю императрица Анна Иоанновна вошла не как благоразумный политик, а как шальная императрица. Она любила окружать себя многочисленными карликами, горбунами. Государыня не блистала красотой, но на фоне уродцев выглядела очень даже выигрышно. Более всего она симпатизировала карлице-калмычке Авдотье Ивановне. Кривоногая, некрасивая шутиха обладала острым умом и от души веселила императрицу. Однажды карлица загрустила. Когда императрица спросила, в чем дело, Авдотья ответила, мол, уже немолода и хочет замуж. Анна Иоанновна загорелась идеей замужества карлицы, да так, что та уже и не рада была. Родовитым женихом стал Михаил Голицын. Как-то, будучи за границей, Голицын женился и принял католичество. Сменой веры он навлек на себя гнев Анны Иоанновны, в следствие чего угодил в опалу: во дворце у него было свое лукошко, где мужчина «высиживал» яйца. На пирах в обязанности князя входило наливать всем квас, за что его и прозвали Квасник. Морально уничтоженный князь, естественно, не мог ничего возразить государыне и стал покорно готовиться к свадьбе с карлицей. Сама же Анна Иоанновна настолько прониклась новой забавой, что приказала выстроить для свадьбы огромный Ледяной дом на Неве. Зима в тот год была очень суровая, температура не поднималась выше минус 30 градусов.  По периметру постройку украшали ледяные фигуры птиц и животных. Наиболее впечатляющим творением стал ледяной слон в натуральную величину. Днем из хобота выпускались струи воды, а ночью – горящей нефти. Для строительства Ледяного дома были привлечены лучшие инженеры того времени. Свадебный кортеж представлял собой сильное зрелище. Молодоженов заперли в клетку, которую поставили на слона. За ними тянулись остальные на верблюдах, оленях, собаках. После венчания последовал пир, а вечером Квасника и Авдотью отправили в их дворец на ледяное брачное ложе. У выхода приставили стражников, чтобы молодые не смогли выбраться. По задумке, новоиспеченные супруги должны были замерзнуть при минус сорока градусах, но они сумели выжить. По легенде, карлица подкупила стражников и пронесла заранее теплые вещи, но все равно на утро они были почти замерзшими. Жестокая забава Анны Иоанновны вызвала сильнейшее возмущение в российском обществе и заграницей. Издевательство над шутами назвали низким, а растрату колоссальных средств на свою прихоть – самодурством. Так случилось, что шутовская свадьба стала последним развлечением Анны Иоанновны. Через полгода ее не стало. Что касается виновников «торжества», то карлица Авдотья родила Кваснику двоих детей. Но через два года после свадьбы женщина скончалась, сказались последствия переохлаждения.

Сара Гудридж "Раскрытая красота" (1828) Картина была создана, когда художнице было 40 лет и представляет собой миниатюру 7 на 8 см. Нарисована на тонкой пластинке слоновой кости и вставлена в аккуратную шкатулку. Материал для «полотна» выбран не случайно — нарисованная на кости обнаженная грудь начинает сверкать под бликами света и выглядит почти такой же белоснежной, как настоящая. Художница Сара Гудридж была влюблена в женатого сенатора Даниела Уэбстера. В январе 1828 года он овдовел, и Гудридж поступила как не по эпохе прогрессивная женщина: взяла инициативу в свои руки и отправила ему нюдсы в виде этого автопортрета."

Горный пейзаж с радугой 1809 Каспар Давид Фридрих Музей Фолькванг, Эссен Картина в стиле романтизма немецкого художника. На переднем плане картины на заросшей травой плоской скале изображён путешественник, прислонившийся к валуну и опирающийся обеими руками на трость; в стороне у его ног лежит, брошенный им, чёрный цилиндр. На мужчине белые штаны и красная рубаха, контрастирующие с коричневато-серым оттенком фона. Фасон одежды выдаёт в нём горожанина. По краям плоской скалы, склонившимися в сторону фигуры на валуне, изображены деревья или кустарники. Путешественник смотрит в овраг, который не виден зрителям, кажется потому, что покрыт туманом. Левая и правая восходящие горы покрыты хвойными лесами. В глубине среднего плана виден силуэт высокой горы, спрятавшейся в ночных сумерках. Небо покрывают густые тёмные облака, через щель в которых едва пробивается серебряный свет луны. Яркая радуга над силуэтом горы изображена серыми и жёлтыми красками. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

"Всемирный потоп" 1864 г. Иван Константинович Айвазовский Государственный Русский музей. Картина Айвазовского «Всемирный потоп» – это поразительное произведение великого мариниста. Работа над полотном началась в 1864-м. Как известно, множество шедевров в истории мирового искусства написано на сюжеты из Библии, и история про всемирный потоп не раз использовалась разными художниками. Да и сам Айвазовский несколько раз на протяжении своей жизни возвращался к этому знаменитому сюжету. Вряд ли кто-нибудь еще, кроме Айвазовского, смог бы отобразить столь искусно размах трагедии, грандиозную бурю, бушующую на небе и земле, громадные волны, покрывающие уступы скал, за которые пытаются уцепиться люди и прочие живые существа. Персонажи этой композиции объединяются в группы – по центру явственно выделяется старик, которого окружает целое семейство; гибнущая женщина, а также группа людей в преклоненной позе. Достаточно интересны образы, которые обличают жадность, бесполезность стараний человека скрыться от своего рока, – изображение царя и жреца, восседающих на слонах с сосудами из золота, со спасаемыми драгоценностями. Картина была продемонстрирована на выставке Академии художеств в 1864-м и стала резонансной среди русской интеллигенции. Чуть позже ее купил Александр Второй и передал в Эрмитаж. Пенное море снова предстало в произведении гениального мастера. Полотно изображает скорее необузданную силу безудержной стихии, чем сюжет Священного Письма. Акцент сделан на самом море, грозной красоте и величии того, даже жестокости. Кисть живописца демонстрирует победу огромных валов над всем сущим. Страшные гребни волн не пощадят ничего живого, ведь существуют определенные законы, по каким действует стихия, и они суровы и непреклонны. Автору нужно было показать, какой сильной может быть природа в сравнении с любым из людей. Обуздать ее нельзя, а если уж попадаешь в бездну вод, то назад дороги нет. Неодолимая стихия влечет к себе словно гипнозом. Люди погибают в пучине моря – вся палитра красок предвещает трагический исход, невозможность спасения. На гениальной картине Айвазовского «Всемирный потоп» мы видим отчаяние человека, оставшегося один на один с грозной стихией. Для человечества это единственный шанс очищения – только так люди могут обрести искупление и помилование от Создателя. Море часто предстает у автора универсальной основой природы и истории, с водой исчезают также грехи и мрак, стихия у мастера – это проблеск надежды и веры вопреки тьме и печали. Итог произведения предполагает выход из тьмы в иную сферу – в мир света и добра. Это подчеркнуто при помощи светлых красок в левой части картины, прямо над кучкой изнемогающих от борьбы со стихией людей – как будто облака расходятся, и благостный свет забирает грешные души. Художнику удалось с помощью красок передать ощущение жизни, глубокие переживания на полотне, поэтому, глядя на картину Айвазовского «Всемирный потоп», мы и сегодня испытываем столь глубокие и искренние эмоции. ИванАйвазовский РелигиознаяСцена _history

Слоновая кость, обезьяны и павлины (царица Савская) 1923 Джон Дункан Центр городских музеев Глазго, Шотландия Картина шотландского художника-символиста, которая изображает легендарную фигуру царицы Савской. Она сидит на троне в окружении экзотических животных и растений. Держит в руке слоновую кость, а на голове у неё корона с павлиньим пером. Царица Савская - это легендарная фигура, которая упоминается в еврейских и исламских традициях. Она считается образцом мудрости, красоты и духовности. Картина предвосхищает богатство и мудрость царицы, а также её любопытство к другим культурам. Картина выполнена в технике гуаши, акварели, цветных мелков и графита на бумаге, поэтому она имеет яркие и насыщенные цвета. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Шар-головоломка из слоновой кости, который находится в музее Rijksmuseum в Амстердаме. Это очень удивительный и красивый предмет, который демонстрирует высокое мастерство китайских резчиков по кости. Шар состоит из восьми вложенных сфер, каждая из которых имеет ажурный узор. Чтобы сделать такой шар, резчик должен был высверлить отверстия в центре куска слоновой кости и затем разделить внутренние сферы с помощью специальных инструментов. Это очень сложный и трудоемкий процесс, который мог занимать несколько месяцев или даже лет. Шар-головоломка является одним из самых изысканных примеров китайского искусства резьбы по кости, которое имеет более четырехтысячелетнюю историю. Шар называют головоломкой, потому что он представляет собой сложную конструкцию из нескольких вложенных шаров, которые можно вращать в разных направлениях. Это требует большого ума и ловкости, чтобы сделать такой шар и понять, как он работает. Кроме того, шар имеет много деталей и узоров, которые тоже являются загадкой для глаза.