​​️Собор Парижской Богоматери вновь примет посетителей в 2024 году.

Картина «Вид на собор в Солсбери из епископского сада». 1823 г. Автор Джон Констебл.

Эдгар Дега. «За кулисами Парижской оперы» Знаменитая Парижская опера стала центром художественных поисков Эдгара Дега на более чем четыре десятилетия. Такое внимание к танцу, движению, а с ними – к особенностям освещения и контрастам цветов – превратило Дега не только в одного из величайших художников своего времени, но и в знаменитого экспериментатора. Дега воспринимал все здание Оперы как свой «дом» и обращался в своих произведениях к закулисью знаменитого театра и его обитателям – не только к балеринам, но и к музыкантам, певцам, посетителям в темноте лож. Как тайная жизнь Парижской оперы изменила Эдгара Дега, а он, в свою очередь, – историю мировой живописи? Об этом пойдет речь на лекции. Лекцию читает Елена Коротких, научный сотрудник отдела искусства стран Европы и Америки ХIХ–ХХ веков. Источник

Красавица и чудовище 1908 Анри Руссо Старая и Новая Национальные Галереи, Берлин Анри Руссо родился в семье жестянщика. После службы в армии устроился работать на французскую таможню. Живописью стал заниматься уже в зрелом возрасте, не имея образования. Он утверждал, что у него нет лучшего учителя, кроме природы, хотя и не отрицал, что получил кое-какие советы от Огюста Клемана и Жана-Леона Жерома. Прослыл художник чудаком, поскольку мало кто мог понять новизну и оригинальность его творчества. Умер от гангрены в парижской больнице после того, как поранил себе ногу. Был похоронен в общей могиле на кладбище Баньё. После смерти все его последователи стали называться примитивистами, а стиль — примитивизм.

Витражи Марка Шагала в Реймсском соборе. В 1974 году Марк Шагал выполнил три большие композиции для окон амбулатория: Древо Иессеево, эпизоды из жизни французских королей и центральный сюжет – Распятие Христа. Витражи были выполнены по эскизам художника в витражной мастерской Жака Симона под руководством самого художника и Шарля Марка. Marc Chagall's stained glass windows in Reims Cathedral In 1974, Marc Chagall performed three large compositions for the windows of the dispensary: The Tree of Jesse, episodes from the life of the French kings and the central plot – the Crucifixion of Christ. The stained-glass windows were made according to the artist's sketches in the stained-glass workshop of Jacques Simon under the direction of the artist himself and Charles Marc. витраж vitrage

Видеоэкскурсия по Лиссабону. Португалия. Часть 2 https://youtu.be/jQbNLUsIWnQ В Лиссабоне на каждом шагу можно встретить напоминания об имперском прошлом города: величественные соборы, нарядные дворцы, помпезные памятники королям и маркизам. Город стоит на семи холмах, крутых и расположенных близко друг к другу, так что стоит запастись удобной обувью. Но главное, ради чего стоит сюда приехать, — это долгие пешие прогулки по лиссабонским улицам. https://youtu.be/jQbNLUsIWnQ

"Тополя" 1891 г. Клод Моне Частная коллекция. Моне, наверное, сошел бы с ума, если бы не закончил эту серию из 20 полотен. Это была настоящая одержимость, которую у него могли вызвать только деревья, кувшинки, стога или цветы. Он часто совершал невероятные поступки, чтобы сохранить в нужном ему виде объект своей одержимости: платил крестьянину, чтобы тот весной оборвал листья на дубе в соответствии с первоначальным зимним эскизом, мостил дорогу рядом со своим домом, чтобы пыль не оседала на его цветах, выкупал стога сена, когда их собирались убирать с поля, устраивал эффектный спектакль для директора вокзала, чтобы тот задержал отправку поезда и обеспечил необходимое количество дыма на перроне. Над серией «Тополя» Моне работал всю весну и лето 1891 года, для чего выкупил островок Крапивный, с которого открывался нужный ему вид. Он грузил на тележку штук 20 – 30 холстов, вез их к месту лучшей точки зрения и работал над каждым из них в разное время суток. Иногда освещение менялось так быстро, что некоторые состояния длились всего минут 7. Когда солнце перемещалось, художник быстро искал среди уже начатых работ нужную, чтобы успеть оставить на ней несколько необходимых цветовых акцентов или поменять полностью. Моне сам изобрел этот метод и сам же переживал с ним самые отчаянные моменты творческого бессилия. Однажды он в ярости швырнул в воду и холст, который долго не находился, и краски с кистями. Ушел. Вернулся. Полез в реку доставать хотя бы кисти и краски. Как-то утром, прикатив к острову свою тележку с будущими шедеврами, Моне обнаружил, что тополя пометили для вырубки. Конечно, он заплатил, чтобы их не рубили, пока серия не будет окончена. Это самая «шумная» серия Моне. И в «Стогах», и в «Руанском соборе» от одной картины к другой меняется освещение, меняется плотность воздуха и цвет каменной кладки или поля. А тополя прекрасны еще и своей податливостью ветру – они шелестят листьями и скрипят старыми стволами в каждый схваченный момент. Сила ветра или отражение деревьев в реке – это новые измерения, в которых Моне заставляет меняться свои тополя. Художник всегда мечтал, чтобы его серии оставались единым целым, занимая целую стену в музее или в частной коллекции. Ему был очень ценен этот эффект прожитого в одном музейном зале светового дня. Ни одна из серий Клода Моне, за исключением «Кувшинок», для которых он сам придумал специальный музей, не собрана в одном месте. Даже в салоне Поля Дюран-Рюэля «Тополя» не задержались надолго и были распроданы, а сейчас они по всему миру – от Нью-Йорка до Токио. За эту же картину в 2011 на аукционе Кристис неизвестный американец заплатил 22,5 млн. долларов. КлодМоне Импрессионизм _history

Неловкая ситуация В 1884 году искусствовед Адриан Прахов пригласил никому не известного молодого Михаила Врубеля в Киев для оформления иконостаса Кирилловской церкви. Неловкость ситуации заключается в том, что когда художник представил публике свою работу, Дева-Мария походила не на Богоматерь, а на Эмилию Прахову – жену заказчика. Младенец же имел лик Оленьки Праховой – их младшей дочери. Именно Ольга Прахова, по указу матери в дальнейшем уничтожит все письма Врубеля к Эмилии. Поэтому достоверных свидетельств романа 28-летнего Врубеля и 35-летней Эмилии не сохранилось. Нет никаких свидетельств о реакции Адриана Прахова (ну кроме того он отстранил Врубеля от росписи Владимирского собора в Киеве). Сохранились лишь письма художника друзьям, по которым мы можем улавливать суть происходящего. И икона, на которой Эмилия увековечена в образе Богоматери. Кроме того, именно Эмилия Прахова пригласила Михаила Врубеля в театр на оперу «Демон», который затем станет едва ли не самым важным образом в его творчестве.

Наружная скульптура Исаакиевского собора https://telegra.ph/Naruzhnaya-skulptura-Isaakievskogo-sobora-03-24

​​Конец эпопеи. Гентский алтарь обрёл своё место за пуленепробиваемым стеклом Шедевр Губерта и Яна ван Эйков, «Поклонение мистического агнца», также известный как Гентский алтарь, обрёл новый дом. Теперь одно из величайших мировых сокровищ будет находиться в пуленепробиваемом стеклянном контейнере стоимостью в 30 миллионов евро. Возможно, потраченная сумма кажется непомерно большой, однако стоит вспомнить, что этот полиптих — самое похищаемое произведение искусства всех времён. Братья Ван Эйки создали алтарь из двенадцати панелей в 1432 году для собора Святого Бавона в Генте (ныне — Бельгия). Сейчас он установлен в часовне Святого Причастия — самой большой часовне собора — в пуленепробиваемой витрине высотой в шесть метров и объёмом в 100 кубометров. В контейнере налажен климат-контроль для лучшего сохранения шедевра, чьё былое величие восстанавливали последние восемь лет. Температура в неотапливаемом соборе зимой опускается до двух градусов Цельсия, а часовня иногда наполняется солнечным светом, который проникает через цветные витражи. Но главным приоритетом для заказчиков и создателей витрины была безопасность шедевра. За свою 589-летнюю историю Гентский алтарь множество раз побывал на грани уничтожения. Полиптих пытались сжечь мятежные кальвинисты, Наполеон выкрал его для парижского Лувра, он был разделён, когда попал в руки короля Пруссии. Во время Второй мировой войны Герман Геринг пожелал преподнести «Поклонение мистического агнца» Адольфу Гитлеру, и похищенное творение Ван Эйков могли взорвать динамитом в австрийской соляной шахте, но его спасли двойные агенты-коммандос. К сожалению, алтарь не полностью сохранился в первоначальном виде. Одна из дюжины его панелей исчезла во время дерзкого ограбления вечером 10 апреля 1934 года. Это преступление до сих пор не раскрыто. В своё время попытка найти пропажу довела до отчаяния нацистских агентов, которых отправил Геббельс, и по сей день загадка сбивает с толку как следователей-профессионалов, так и сыщиков-любителей. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/53bc270c0334f28be8e10.jpg

"Русалки" 1879 г. Константин Егорович Маковский Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. Константин Маковский, Илья Репин и Иван Крамской в 1870-е годы написали каждый своих «Русалок». Объединяет картины не только сюжет и название, но и тот факт, что всем этим художникам пришлось выслушать много нелестных слов в свой адрес. Народнические настроения передвижников, с которыми все трое были связаны, требовали иных сюжетов. Русалки Крамского – бледные утопленницы, словно в саванах, вышедшие на берег лунной ночью. Художник признавался, что сюжет картины навеян повестью Гоголя «Майская ночь, или Утопленница». Репин показал своих русалок в парижской картине «Садко». У него это нарядные экзотические дамы. Совсем иные русалки Константина Маковского. Обнаженные, прекрасные, свившие телами чувственный вихрь, взлетающий к небесам и скрывающийся в лунном свете. Справа на пригорке видны церковные купола, но русалочий обнаженный «мост» в другую сторону движется. Похоже, что и здесь не обошлось без Гоголя! Впрочем, чары русалок звучат и в русских народных сказках, попали под их власть и Пушкин, и Жуковский, и многие другие художники, поэты, писатели. Картину эту Константин Маковский писал в поместье со странным для современного уха названием Загоны, расположенной на границе Черниговской и Полтавской губерний, вблизи знаменитой Диканьки. Перед нами воспетая Гоголем прекрасная украинская ночь. Луну не видно, но она предполагается за деревьями – небо вокруг нее светлое. Лунный луч скользит по груди сладострастно изогнувшейся русалки на переднем плане. Она сидит на перекинутом через речку стволе дерева. Кстати, в русском фольклоре у русалок хвостов нет. А самая «интернациональная», пожалуй, черта русалок – это длинные волосы. Красавицы Маковского тоже длинноволосы все как одна. Здесь нет ни страха, ни дидактики – лишь наслаждение поэтикой народных преданий, любование удивительно гармоничными телами нечистой, но до чего же манящей силы. КонстантинМаковский Академизм МифологическаяСцена _history

"Старый рынок в Руане" 1898 г. Камиль Писсарро Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Писсарро приезжал в этот город уже три раза, прекрасно знал его и изучил, казалось, все мотивы и привлекательные места. Но ехать с мольбертом в Руан после Моне – завидная смелость и профессиональная дерзость. Камиль Писсарро понимает, что каждый, кто в Париже увидит его руанские полотна, вспомнит о знаменитой серии Моне, которая несколько лет назад с успехом распродавалась прямо с выставки в галерее Поля Дюран-Рюэля. А значит, нужно подойти к Руанскому собору совсем с другой стороны, но и не делать при этом вид, как будто собора не существует вовсе. Тогда Камиль Писсарро прячет грандиозную, древнюю, настойчиво привлекательную для приезжего художника достопримечательность за простые городские постройки. Не такие величественные и сакральные, не такие важные. Так, будто он ходит мимо этого собора всю жизнь, будто он вырос и состарился в Руане. С этой точки обзора Писсарро написал в Руане три картины. Только эта является частью музейной экспозиции, две другие – в частных коллекциях. Художник писал сыну из Руана, что нашел прекрасное место, с которого можно написать не только улицу, но и рынок. Писсарро ждет пятницы, пока на городском рынке начнется рабочий день. Это «оконный период» Писсарро, когда он почти не выходит на пленэр из-за прогрессирующей болезни глаз. В последние несколько лет жизни он просто смотрит в окно и наслаждается возможностью иногда менять эти окна и вид за ними – у Писсарро наконец-то появились деньги для путешествия. В этой цельной картине со сжатым пространством две совершенно разные по техническому исполнению области. Одна – собор, нечеткий, текущий и призрачный в толще воздуха. Классический импрессионизм, реверанс в сторону юношеских находок. Вторая область – это мир рынка, шумный и яркий, устойчивый и наполнившийся в солнечном свете тяжестью и объемом. Несколько пятен чистого цвета на козырьке и на крышах прямо по улице Эписери уводят Писсарро далеко от мерцающих стен собора. Некоторые критики видят на этом руанском рынке геометрическую гармонию, которая предвещает скорое и настойчивое изменение живописной философии, которая предвещает кубизм. Писсарро вернулся в Париж – и Поль Дюран-Рюэль тут же купил у него за полторы тысячи франков картину с видом руанского рынка. КамильПиссарро Импрессионизм _history

"Хижина в горах" 1874 г. Гюстав Курбе ГМИИ имени А. С. Пушкина. «Иногда он писал пейзажи, которые не сумел бы создать никто другой, пейзажи, на которые мог бы ложиться снег», - сказал о Курбе британский арт-критик Джон Бёрджер. Сезанн называл Курбе каменотёсом и говорил, что «он так же велик, как Микеланджело». Сам же Курбе был лаконичен: «Я пишу, как Господь!» Конечно, этот француз известен не только своими картинами, но и образом жизни. Он был тщеславен и хвастлив. Его невозможно было представить без пива, трубки и облака дыма, из которого он громогласно, с деревенским задором (своим простонародным происхождением Курбе гордился больше, чем иные орденами) теоретизировал об искусстве реализма, требовал спуститься на землю и поискать красоту буквально под ногами. Хвастовство хвастовством, но Курбе и правда достоин сравнения с Микеланджело. Его пейзажи - даже когда на них нет гор, скал или валунов – напоминают скульптуры, кажутся не написанными, а вылепленными или высеченными из камня. Взгляните хоть на картину «Волна» из коллекции Пушкинского музея. Только, в отличие от Микеланджело, Курбе считал, что художник не должен «отсекать лишнее»: его задача - переносить на холст все как есть. Если перед глазами художника не роскошные бархатные драпировки, а выстиранное бельё – значит, быть на холсте ему. «Хижина в горах» считается одним из лучших альпийских пейзажей Курбе. Картина написана в Швейцарии. Дело в том, что энергии Гюстава Курбе хватало не только на арт-революции, он ещё и к Парижской коммуне примкнул. Когда ненадолго свергнутая власть вернулась, Курбе осудили за разрушение Вандомской колонны, бросили в тюрьму, выписали огромный штраф – в итоге ему пришлось бежать в Швейцарию, где он через несколько лет и умер. Ну, а что же Господь? Есть ли основания сравнивать Курбе и с Создателем, который творил мир сам, а не послушно и достоверно воспроизводил уже созданное? Пожалуй, есть. Курбе хоть и ратовал за работу на пленэре и бескомпромиссную честность в переносе природы на холст, сам иногда все же писал пейзажи в мастерской – когда по памяти, а когда и по воображению. Соблазнялся самыми эффектными природными явлениями (вроде морских бурь на фоне огненного заката). Или выкручивал яркость и контрастность в своих реалистичных пейзажах до открыточного уровня – публике был по душе такой колорит, а Курбе не собирался игнорировать её вкусы и спрос. ГюставКурбе Реализм _history

"Муза, вдохновляющая поэта" 1909 г. Анри Руссо Базельский художественный музей. «Муза, вдохновляющая поэта», – не кто иная как возлюбленная Аполлинера Мари Лорансен, художница и гарвер. Соответственно, поэт – это сам Гийом Аполлинер. Портрет написан после знаменитого приёма у Пикассо, устроенного в честь Таможенника – прозвище Руссо, 15 лет проработавшего на парижской таможне. Руссо был большим любителем такого жанра как портрет-пейзаж. Относительно этой картины сохранилась фотография, раскрывающая способ работы художника. На фото запечатлен Руссо у картины, на которой практически полностью прописан фон и оставлено чистое пространство для фигур, которые он вписывал в последнюю очередь. Базельский портрет – это уже второй вариант. Дело в том, что Мари Лорансен просила изобразить у их ног турецкие гвоздики, символ поэтов. Руссо неоднократно посещал Ботанический сад, делал наброски, а в конце концов всё перепутал и «воткнул» в землю у ног поэта и музы левкои – символ смерти и забвения. Говорят, Мари устроила грандиозный скандал. Кстати, не стоит также забывать, что Мари Лорансен была барышней чрезвычайно стройной, с осиной талией, о чем по портрету догадаться, прямо скажем, непросто. На вопрос, почему он изобразил мадмуазель Лорансен в таком виде, Руссо невозмутимо ответил: «Так ведь большому поэту нужна большая муза!». Впрочем, другие источники утверждают, что чувство юмора у Мари возобладало над женским возмущением, и она дико хохотала, глядя на свое изображение. Но забирать его домой Аполлинер все же не рискнул. Картина оставалась у Руссо и попала на глаза русскому меценату и коллекционеру Сергею Щукину, который купил ее для своего собрания. Так «Поэт и Муза» на фоне левкоев» попали в Россию. И вот незадача – то ли Аполлинер по-новому взглянул на картину, то ли Мари перестала сердиться, но вскоре поэт пришел к Руссо с намерением забрать портрет. Что делать, пришлось писать новый! Нельзя не заметить, что во втором варианте исправлены не только цветы. Мари выглядит не такой крупной, и платье безусловно подчеркивает наличие талии – не осиной, конечно, но по сравнению с первым вариантом она, по крайней мере, имеется. Кстати, Фернанда Оливье, подруга Пабло Пикассо, Мари недолюбливала и язвительно констатировала, что с возрастом та становится всё больше похожа на свой портрет работы Руссо. Да и сам Аполлинер в базельском варианте кажется более «прилизанным», аккуратным. Если в первом варианте, с левкоями, образы Аполлинера и его Музы максимально индивидуализированы, в некоторой степени гротескны, укрупнены – словно мы смотрим на них, поднеся к холсту лупу, то второй вариант – попытка написать салонную картину. Украшения Мари в первом варианте – однозначно из живых цветов. Вся композиция несет некий отпечаток античности. На втором же портрете фигуры и лица изображенных схематичны, шею Мари обвивает просто некое украшение, пейзаж тоже усреднен, схематизирован, кроны деревьев четко образуют арку, под которой представлены объекты. Руссо вообще очень почитал академическую живопись и искренне верил, что он «тоже такой». Авангардизм он считал, по большому счету, баловством, недоумевал, «зачем Робер (Делоне – ред.) сломал Эйфелеву башню» и стремился писать салонную живопись, что не особо удавалось. Зато удавалось значительно большее. В этом смысле сопоставление двух вариантов «Поэта и Музы» очень интересно, поскольку наглядно демонстрирует, как в версии с гвоздиками стало чуть меньше Таможенника, чуть больше салона. АнриРуссо Примитивизм _history

​​Свежие новости Выставочные планы Третьяковской галереи на июнь 2022: ️3 июня – 28 августа 2022 Святитель Николай Чудотворец. Иконы XIII–ХХ веков Инженерный корпус, Лаврушинский переулок, 12, 2-й этаж Святитель Николай архиепископ Мир Ликийских, — один из самых почитаемых святых христианского мира. На Руси святой Николай получил прозвания «угодник» и «скорый помощник». Ему было посвящено множество храмов, а его образы находились в каждой церкви. Святитель Николай покровительствовал и семье Третьяковых. На выставке будут представлены иконографические изводы, воспроизводящие чудотворные образы святителя Николая, которые сыграли заметную роль в русской истории и культуре: иконы Николы Зарайского и Николы Великорецкого, а также иконописные и резные реплики с деревянной статуи Николы Можайского. Ряд памятников экспонируются впервые. ️8 июня - 2 октября 2022 Петр Великий. Усы властелина Лаврушинский переулок, 10, зал 11 Камерная выставка, приуроченная к 350-летию со дня рождения Петра I, представляет около 30 произведений живописи, графики, скульптуры и книги. Экспозиция предлагает зрителям наглядный и весьма нетривиальный взгляд на портретные изображения Петра Великого, относящиеся к XVIII–XXI векам. ️ 16 июня – 14 ноября 2022 Василий Чекрыгин Новая Третьяковка, Крымский Вал, 10, зал 10 Расширенная экспозиция произведений Василия Чекрыгина знакомит с наследием едва ли не самого гениального художника-графика начала ХХ века. Графическими средствами мастер добивается впечатления прозрачности и эфемерности телесного начала, преображающегося в потоках света. ️29 июня – 18 сентября 2022 Велимир Хлебников. Король Времени Новая Третьяковка, Крымский Вал, 10, зал 10 Велимир Хлебников — выдающийся поэт начала XX века, прозаик, драматург, автор утопических теорий, вошедший в историю русской литературы как реформатор поэтического языка и один из основоположников футуризма в России. Региональные проекты: ️2 июня – 17 июля 2022 Сокровища Третьяковской галереи Якутск, Национальный художественный музей Республики Саха, ул. Кирова, 9, 2-й этаж Третьяковская галерея представляет крупный выставочный проект, приуроченный к празднованию 100-летия образования Якутской АССР. Представленные в экспозиции художественные произведения — это образцы классического русского и советского искусства. ️ 19 июня – 17 июля 2022 Выставка одной картины Калининград, Кафедральный собор, ул. Канта, 1 Проект, появившийся в 2018 году, откроется уже в четвертый раз. В этом году в Кафедральный собор приедет «Портрет сестер княжон А.Г. и В.Г. Гагариных» знаменитого художника-сентименталиста Владимира Боровиковского. Фото: ГТГ https://telegra.ph/file/ebd7a5f103fad5f830baf.jpg

Шарль Поль Ландон родился в Нонан-лё-Пене в 1760 году. Обучался в студии Жана-Батиста Реньо, где подружился с Робертом Лефевром. Получив в 1792 году большую премию от парижской академии художеств, отправился в Рим, где провел пять лет. Начал выставляться в 1795 году. Выставил три картины в Лувре. По возвращении в Париж, был придворным живописцем герцогини Беррийской и впоследствии членом-корреспондентом института и консерватором луврской картинной галереи.

"Дождливый день в Париже. Собор Парижской Богоматери" 1910 г. Альбер Марке Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Дождливый день в Париже – идеально подходящий Альберу Марке сюжет. Его Париж серого цвета. Но серость эта – мягкая, спокойная, манящая, ни в коем случае не обреченная и безысходная. Набережная Сены, изящные арки мостов, Нотр-Дам де Пари – любимые объекты Марке. Художник снимал квартиру на пятом этаже и часто писал у окна, поэтому многие его городские пейзажи представляют вид сверху. А в данном случае – не просто сверху, а с уклоном, эдакая горка для глаз: взгляд сразу же скользит по мостовой вглубь холста. На первом плане – набережная, шагающие по мокрому тротуару парижане, угол дома. Но смысловой центр композиции – Собор Парижской Богоматери, чья громада вздымается на заднем плане. Светлая, почти прозрачная улица упирается в приземистый темный силуэт Нотр-Дам де Пари, и взгляд словно проваливается в него. Растерявшись, несколько мгновений ищет выход, затем спешно возвращается на поверхность, к переднему плану и уже более детально воспринимает всю картину. Мы видим зажатую строениями площадь перед собором, пешеходов, проезжающий вдали экипаж, подъемный кран. На углу здания на переднем плане – человек, идущий против сдувающего его ветра в направлении Малого моста. Таким образом, взгляд зрителя одновременно воспринимает всю картину и в то же время движется внутри нее, что в сочетании создает особую объемность восприятия. В городских пейзажах Марке удивительным образом соединены отстраненность и тонкий лиризм. Марке – не импрессионист. Он пишет дождливый день в Париже, а не свои от него впечатления, но чувства, которые этот день и этот город у него вызывают, мы ощущаем. После нескольких выставок, на которых были представлены его пейзажи, критики заговорили о таком явлении как «Париж Марке». Его изображения французской столицы сравнивали с работами импрессионистов и Мориса Утрилло, и говорили, что только им удавалось столь проникновенно и лирично показывать Париж. АльберМарке _history

"Портрет мадам Рекамье" 1800 г. Жак-Луи Давид Лувр, Париж. Изображение мадам Рекамье специалисты считают, во-первых, лучшим портретом кисти Жака-Луи Давида, а во-вторых, эталонным примером стиля ампир в станковой живописи. Забавно, что сама Жюли Рекамье осталась недовольна картиной, из-за чего она так и не была дописана. Жюли Аделаид Рекамье (J. A. Recamier) – знаменитая на рубеже XVIII и XIX веков светская красавица и хозяйка знаменитого салона, который в эпоху Директории был главным центром парижской интеллектуальной жизни. Здесь встречались, флиртовали и до хрипоты спорили лучшие люди своего времени: писатель Шатобриан и критик Сент-Бёв, маршал Бернадот (будущий король Норвегии и Швеции) и романистка мадам де Сталь. Литература тут встречалась с политикой, а умная, образованная и, чего греха таить, чертовски привлекательная хозяйка умело модерировала общение между людьми нередко противоположных и даже враждебных взглядов. Среди воздыхателей Жюли числились брат Наполеона Люсьен Бонапарт, принц Август Прусский и еще многие. Слава мадам Рекамье очень скоро перешагнула границы Франции, а имя её перешло в разряд нарицательных. О ней говорили в Италии и Австрии, Англии и Германии. В далёкой России в начале XIX века «северной Рекамье» называли Александру Осиповну Смирнову, принимавшую у себя, развлекавшую и опекавшую лучших представителей русской литературы, включая Пушкина, Лермонтова и Гоголя. А проделавшая то же через 100 лет Зинаида Шаховская, в чьей гостиной встречались Бунин, Ходасевич, Замятин, Набоков, сетовала: о ней не перестают злословить, дескать, Шаховской всё не дают покоя лавры Рекамье. «Век не салонов, а гостиных. Не Рекамье – а просто дам», – писал о своём времени Блок. Её личная жизнь была необычна. Когда Жюли исполнилось 16, к ней посватался 42-летний богатый банкир Рекамье, некогда страстно влюблённый в её мать. Очень скоро они с Жюли повенчались, но близкий круг знал, что между супругами никогда не было интимной близости, а отношения в семье больше напоминали уважительное доверие между отцом и дочкой. Поговаривали, Жюли и в самом деле могла быть дочерью банкира Рекамье, который пошёл на неординарный шаг с женитьбой, чтобы в случае возможных политических потрясений его состояние перешло к его самому близкому человеку – Жюли. Возможно, именно поэтому Давид решил изобразить 23-летнюю мадам Рекамье в образе босоногой античной девственницы-весталки. Стиль ампир (многие его проявления станут называть «стилем Рекамье», как когда-то рококо называли «стилем Помпадур») как нельзя лучше соответствовал этому замыслу. Мадам полулежит на кушетке, напоминающей античные ложа. После портрета этот предмет мебели войдёт в моду, ампирную кушетку так и будут называть: «Рекамье». Белое платье с высокой линией талии похоже на тунику. Давид написал его без всякой современной отделки, чтобы оно выглядело по-гречески лаконичным и простым. Высокая прическа из кудрей «в греческом стиле», популярном в период Директории, по сравнению с «монархическими» пудреными париками кажется образцом естественности. Правда, Жюли была недовольна, что её черные от природы волосы Давид, увлёкшийся зелено-оливковой гаммой, ради цветовой гармонии сделал каштановыми. Давид писал «Портрет Рекамье» перфекционистски медленно и долго: то свет падал не оттуда, то настроение было не то. Капризная красавица устала ждать и поручила писать себя другому художнику – Франсуа Жерару. А Давид взревновал и сказал, что раз так, то он не станет завершать портрет: «У женщин свои причуды, мадам, а у художников – свои». Торшер и лампу на картине дописывал уже ученик Давида, Энгр. Впрочем, именно в этой аскетичной незавершённости, в гулком пустом пространстве, избавленном от громоздкой мебели и драпировок, сейчас видят главную прелесть картины, ведь они делают обаяние Рекамье еще более волнующим. ЖакЛуиДавид Классицизм _history

Собор семян. Павильон Великобритании на Shanghai Expo в 2010 году стал отдельным произведением современного искусства. Его отметили Премией Любеткина. Награда присуждается ежегодно лучшей постройке архитектора — члена Королевского института британских архитекторов за границей, чаще всего — за пределами Евросоюза. Автор инсталляции —Томас Хезервик. Архитекторы из Heatherwick Studio создали уникальное хранилище, собрав обширную коллекцию мировых ботанических ресурсов. Он, по мнению архкритиков, явился идеальным воплощением «экспо-архитектуры»: запоминающаяся и привлекательная форма сочеталась в нем с простым, но интересным содержанием. Во внутреннем конце каждой из его 60 тысяч щетинок располагалось семя растения из собрания ботанического сада Кью. «Собор» работал в режиме постоянного преобразования солнечного света: днем стержни пропускали внутрь помещения свет. Ночью включались искусственные источники освещения, которые работали за счет аккумулированной днем энергии.

"Моне и госпожа Моне в лодке" 1874 г. Эдуар Мане Новая пинакотека, Мюнхен. Госпожой Моне Камилла Донсье станет только за несколько дней до смерти – священник, который придет проводить обряд соборования к умирающей женщине, сразу и обвенчает ее с Клодом Моне. К этому времени у них уже будет двое сыновей и 13 сложных, часто голодных и холодных, лет вместе. Так что в момент написания картины она все еще была Камиллой Донсье. Но друзья, конечно, считали Камиллу и Клода настоящей семьей. В 1874 году Клод Моне и Эдуар Мане живут рядом – чтобы встретиться, им достаточно переплыть Сену. Мане проводит лето в Женвилье, а Моне теперь живет в Аржантее, на другом берегу. Весной состоялась первая выставка импрессионистов, в которой Эдуар Мане не участвовал (впрочем, как и во всех последующих), но которая существенно повлияла на его и без того уязвимую и шаткую репутацию. Молодых художников, которые бросили вызов академическому искусству, называют бандой Мане. А после их дерзкой выходки с собственной выставкой Мане после мимолетного успеха в Салоне снова записали в лагерь мятежников. Это он начал бунт, это он виновник, вдохновитель целой банды бездарных художников, которые ни в грош не ставят мастерство живописца и считают картинами намалеванные за пару часов наброски. Эдуар Мане никогда не станет импрессионистом и не сможет разделить с юными последователями их одержимости. Сезонных эффектов, световых пятен, мимолетных бликов, случайных видов, цветных теней и плотного воздуха – всего этого ему мало. Но он не прочь этим летом 1874 года разобраться как следует в импрессионистской манере письма и способах работы. Он ставит свой мольберт рядом с мольбертом Клода Моне – и пробует писать воду на его манер. Да, получается, да, занятно, да, эти светящиеся цвета Моне действительно завораживают. Эксперимент удался. Дважды этим летом он пишет и самого Моне – в саду, поливающим цветы, и в плавучей мастерской, которую художник соорудил из обычной лодки. Построил над лодкой деревянный шалаш, в котором можно разместиться с мольбертом, уплывал в ней на середину реки и заглядывал в воду. Эдуар Мане пишет друга так, как стал писать бы сам Моне: продолговатыми короткими яркими мазками – водную рябь, несколькими условными штрихами – лицо Камиллы, которую издалека почти не видно, нарочитая темная тень на летних брюках работающего художника, чем дальше к линии горизонта – тем меньше ясности и четкости. Контур лодки дрожит и расплывается в знойном влажном воздухе, контур навеса очерчен почти небрежно. Мане увлекся импрессионизмом, Мане играет в импрессионизм. Его выдает неземной, неуловимый цвет лодочной кабинки – ровный и однородный, ненаходимый в природе и дерзкий в своей нарочитой декоративности. Такими же кричаще яркими были перила на его картине «Балкон» - неестественного зеленого цвета – и за эти перила Мане серьезно досталось от критиков. И еще. Черный. Это импрессионисты, Клод Моне один из первых, заявили, что черный – это не цвет, что в природе его не существует, а даже искусственно созданный человеком, он приобретает какие угодно оттенки на солнечном свету. Но Мане смело берет черный, чтоб написать обувь и галстук Клоду Моне, чтоб поставить несколько черных штрихов на далеких лодках и даже хулигански мазнуть по траве. Эдуар Мане – художник, который главным кумиром и учителем считает Диего Веласкеса, а потому уверен, что черный – это цвет. ЭдуарМане Импрессионизм _history

​​️С 26 июня в галерее Lazy Mike откроется выставка «ТыНеОдна». Это благотворительный проект, организованный галереей Lazy Mike в поддержку одноименной сети взаимопомощи женщин ТыНеОдна. ️Музей провинции Хайнань представил к 100-летию Коммунистической партии Китая (КПК) экспозицию «Красный оттиск веры», посвященных ключевым моментам в истории компартии и КНР. ️Продолжается сбор средств на восстановление собора Парижской Богоматери. Церковь просит общественность проявить щедрость, чтобы «заставить биться сердце Нотр-Дам». ️В Королевской академии художеств на выставке «Одиночество души» соединили произведения Трейси Эмин и Эдварда Мунка — художников, разделенных столетием. После Лондона она отправится в Осло и станет первым проектом в новом Музее Мунка. ️В музее «Новый Иерусалим» открылась выставка «Константин Горбатов. Приближая красоту», приуроченная к 145-летию мастера русского импрессионизма. Она не только впервые подробно показывает творчество художника, на многие десятилетия вычеркнутое из истории русского искусства, но и дополняет картину художественной жизни России 1910-х годов, которая прежде всего ассоциируется с авангардом. На выставке представлено 103 работы. https://telegra.ph/file/cf6ba4a3256c86523334b.jpg

​​Открытие: американская пара купила картину друга Ван Гога за 45 долларов В последние недели жизни Винсент Ван Гог познакомился с австралийским художником, который значительную часть своей жизни провёл в Японии. До недавнего времени Эдмунд Уолпол Брук был загадочной фигурой. Однако Цукаса Кодера — японский специалист по Ван Гогу — нашёл одну из его акварелей. Её купила в апреле американская пара за 45 долларов. Акварельный пейзаж с пышной растительностью изображает женщину в кимоно с младенцем на спине, выходящей из традиционного японского дома. New York Times пишет, что его купили Кэтрин и Джон Мэтьюз в магазине, торгующем подержанной мебелью и предметами интерьера. Владелец лавочки приобрёл картину лет 15 назад в поместье в штате Нью-Гэмпшир, у семьи, которая переехала из южной Калифорнии. Там проживали два брата Брука, так что у работы есть потенциальная связь с художником. Кэтрин Мэтьюз купила акварель просто потому, что та ей понравилась, и повесила в столовой (позже её перенесли). Женщина заинтересовалась подписью, и поиски привели её к Кодере, профессору-искусствоведу из Университета Осаки, который исследовал жизнь и творчество Брука. Учёный считает, что акварель действительно принадлежит приятелю Винсента: «Она подписана E.W. Brooke и представляет японский пейзаж. Но для полной уверенности необходимы дополнительные исследования». Прежде Кодера обнаружил лишь одну картину художника — сцену в японском саду с женщиной, кормящей цыплят. Однако эта работа исчезла в частной коллекции, и сейчас известна только по небольшой фотографии. У неё близкое сходство с нынешней акварелью, хотя подпись едва различима. Кто такой этот Брук и какова его связь с Ван Гогом? Он родился в 1865 году неподалёку от Мельбурна в семье англичан. Когда мальчику было четыре года, его родители переехали в Йокогаму. Отец Брука был журналистом англоязычной газеты в Японии. Уже подростком Эдмунд заявил о намерении стать художником. Вероятно, он учился в Йокогаме у иллюстратора-англичанина Чарльза Виргмана, создателя японской версии журнала «Панч». В 1885 году Брук отправился изучать живопись в Париж, где его преподавателем был успешный художник Жан-Леон Жером. Весной 1890 года 24-летний Эдмунд Брук поехал работать в деревню Овер-сюр-Уаз, где в то время жил Винсент Ван Гог, и оба художника познакомились. В начале июля Винсент сообщил своему брату Тео: «Брук жил здесь, в Овере, несколько месяцев, и время от времени мы вместе выходили [писать]. Он вырос в Японии, о чём ты ни за что не догадаешься по его картинам». Вероятно, Ван Гог имел в виду, что стиль Брука сильно отличался от японских гравюр. Винсент, большой поклонник японского искусства, наверняка расспрашивал Брука о жизни и культуре Японии. Австралиец был едва ли не единственным из его знакомых, кто провёл значительную часть своей жизни в Стране Восходящего солнца. А вот его работы Ван Гога не впечатлили, он описал их как «довольно безжизненные», хотя заметил, что Брук «по-настоящему наблюдает за природой». Единственное документальное свидетельство связи Винсента и Брука — помимо пары фраз в переписке Ван Гога — это визитная карточка, которую нашли в одном из альбомов голландца. Коллега, вероятно, оставил её во время посещения квартиры Тео в январе 1891 года, когда хотел посмотреть картины его брата. На карточке есть адрес Брука в Овер-сюр-Уазе, написанный от руки. Это «Отель дю Кадран», существовавший до недавнего времени. Почерк сильно отличается от подписи австралийца на акварели, но на картинах автографы художников зачастую стилизованы и не похожи на их обычный почерк. О творчестве Брука известно мало. Он продемонстрировал две картины на летних выставках в Королевской академии художеств в Лондоне. Это «Собор Парижской богоматери ночью» — в 1890 году и «Мисс ***" годом позже. В начале 1890-х художник вернулся в Йокогаму и несколько лет продолжал писать, но позже устроилась корректором в Japan Daily Herald. Он женился на японке по фамилии Секи (или имел с ней отношения), и у них родилась дочь по имени Уме. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/09d6d809b6cee58572052.jpg

​​️Рейтинг посещаемости российских музеев и художественных выставок за 2021 год от The Art Newspaper Russia Топ-5 музеев: ️Государственный музей-заповедник «Петергоф», Санкт Петербург ️Государственный историко-архитектурный и художественный музей-заповедник «Казанский Кремль», Казань ️Государственный музей-памятник «Исаакиевской Собор», Санкт-Петербург ️Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург ️Мультимедиа Арт Музей, Москва Топ-5 выставок: ️«Альбрехт Дюрер» — Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург ️«Святой Благоверный великий князь Александр Невский. Образы и символика» — Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург ️«Искусство Средневековья. Шедевры из собрания Национальной галереи Умбрии» — Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург ️«Тень души, но заострённый чуть» — Мультимедиа Арт Музей, Москва ️«Михаил Врубель» — Государственная Третьяковская галерея, Москва Полные списки от редакции газеты 2 новых повода съездить в прекрасный Владимир: ️Во Владимире в центре современной культуры «Флигель» пройдёт в течение июня и июля свободный к посещению фестиваль «Среда авангарда». Фестиваль посвящен владимирцам, внесшим значительный вклад в мировую культуру и искусство. ️В городском парке открылся новый культурно-выставочный центр «Галера» Владимиро-Суздальского музея-заповедника. Здесь будут временные выставки и современное искусство! ️21 июня в новом пространстве Еврейского музея и центра толерантности откроется персональная выставка Семёна Файбисовича «Разгуляй. Прощание». В экспозицию войдут около 50 произведений художника, большая часть из которых была создана в Москве и ранее не демонстрировалась. ️Фонд Cosmoscow объявил победителей ежегодных программ. ️Художник года — Валерий Чтак ️Институция года — ЦК19 (Новосибирск) ️Музей года — Государственный Эрмитаж Фото: Альбрехт Дюрер, Заяц, 1502, Галерея Альбертина https://telegra.ph/file/5c43114ba6f5838cf83f1.mp4

"Автопортрет со скелетом" 1896 г. Ловис Коринт Городская галерея в доме Ленбаха, Мюнхен. Художник Коринт взял за правило отмечать каждый день рождения написанием автопортрета. Поэтому сохранилось их немало: одних лишь холстов штук тридцать, не считая акварелей и рисунков углем. Причем большинство из них заслуживают внимания. Обладая отменным чувством юмора, достаточной самоиронией и не испытывая к своей внешности особого пиетета, художник всякий раз предстает в новом образе – часто комичном, а иногда и беспощадном к самому себе. Многоликий Коринт Мы видим его и облаченным в рыцарские доспехи, и со стаканом красного шампанского в одной руке и правой грудью своей жены – в другой. Тридцатилетним франтом с щегольски подкрученными усами и дряхлеющим, обезображенным болезнью стариком. А один из наиболее сдержанных автопортретов Коринта был выпущен в ФРГ в виде почтовой марки по случаю 50-й годовщины смерти художника. «Автопортрет со скелетом» – один из самых известных, можно сказать, каноничных образов художника. Коринт запечатлел себя в мюнхенской студии в компании с анатомическим экспонатом для студентов-медиков. То, как он будто бы нарочно не скрывает, а выпячивает свои недостатки: невыгодное положение лица, подчеркивающее двойной подбородок, глубокие залысины и потешно поджатый подбородок – не отталкивает, но, напротив, с первого взгляда заставляет проникнуться симпатией к нескладному на вид художнику. В правом верхнем углу в обрамлении дурашливых вензелей виднеется подпись автора и его возраст на тот момент: 38 лет. В том, как обозначена дата создания полотна – буквой «a.» – сокращением от латинского слова anno («в году»), некоторые исследователи склонны усматривать отсылку к автопортрету Дюрера 1500 года, подписанным на похожий манер. Танцы со смертью «Автопортрет со скелетом» написан Коринтом в качестве ответа, или даже насмешки над известной картиной глубоко почитаемого в то время во всей Германии швейцарского художника Арнольда Беклина. Его «Автопортрет со смертью, играющей на скрипке» в своей предельной серьезности – полная противоположность подчеркнуто обыденной сцены с холста Коринта. Если Беклин сдувает пыль с популярного средневекового сюжета «Пляска смерти», чтобы в очередной раз напомнить, что костлявая стоит у каждого буквально над душой (но и нередко играет роль музы для деятелей искусства), то скелет Коринта – лишь учебная модель без какого-то ни было зловещего или потустороннего контекста. Он безвольно подвешен за железный крюк, словно разделанная бычья туша в мясной лавке. «Да, человек смертен, – будто бы соглашается художник. – Но все мы сгнием в земле, оставив после себя только обнаженные кости и череп». Для Коринта смерть на данном этапе жизни – всего-навсего ее естественный и неизбежный итог, лишенный всякого мистического, сверхъестественного или драматического символизма. Эту констатацию оттеняет и усиливает атмосфера очередного будничного баварского денька. Сквозь раскрытое панорамное окно студии врывается свежий воздух. Снаружи зеленеют деревца, возвышаются купола старинных мюнхенских соборов и дымятся заводские трубы. Как будто подчеркнуто ординарен наряд Коринта – ничем не примечательная клетчатая рубашка и такой же скучный галстук. В шутку и всерьез По-настоящему глубокомысленный здесь один только взгляд художника. И в этом весь Коринт: за любой его насмешкой всегда скрывается нечто большее. Слишком уж много яростной энергии бурлило в его мятущейся душе, чтобы он мог оставаться простым комиком-пересмешником. «Ловис Коринт – это художник-экспрессионист во всех смыслах этого термина. Это художник, нарушающий всякую меру, вводящий в живопись насилие и жестокость, секс, болезненность. ЛовисКоринт Портрет Импрессионизм _history

«Коронация Наполеона». Ценители искусства едут в Лувр, чтобы вживую увидеть монументальные картины французского художника Жака Луи Давида «Клятва Горациев», «Смерть Марата» и грандиозное полотно, запечатлевшее коронацию Наполеона. Полное название картины — «Посвящение императора Наполеона I и коронование императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери 2 декабря 1804 года». Давид выбрал момент, когда Наполеон коронует Жозефину, а папа Пий VII дает ему свое благословение. Картина была создана по заказу самого Наполеона I, который хотел, чтобы на ней все выглядело лучше, чем было на самом деле. Поэтому он попросил Давида изобразить в самом центре картины свою мать, которой не было на коронации, себя сделать чуть выше, а Жозефину — чуть моложе.

​​Расскажу вам интересную историю, которую вам никто ещё не рассказывал: Молодой Эгон Шиле написал портрет Труде Энгель приблизительно в 1913 году, во времена своей богемной жизни в Вене. Труде была дочерью зубного врача Германа Труде и Шиле написал портрет в качестве оплаты. История полотна захватывает и одновременно задает вопросы: почему полотно проткнуто ножом и почему над головой Труде на нижнем слое обнаружен череп. Зная мятежный характер Шиле, можно предположить, что картина ему не понравилась и он пытался уничтожить ее. Все до невероятности иначе: картина не понравилась Труде и она в порыве гнева набросилась на ее с ножом. Был ли ей чужд экспрессионистский стиль Шиле или молодой мастер задел ее чувства и вопрос здесь совсем не эстетический, потому что портрет совершенен. Лишь 30 лет назад брат Труде, Франц Энгель, писал директору музея Lentos Kunstmuseum Linz, Вольфгангу Гурлитту, что Труде возмутило очевидное несходство портрета c ее внешностью. Особенно ей противоречили темные волосы, тогда как у Труде они были каштаново-коричневые. Что касается рентгенографического исследования и изображения черепа, то это объясняется тем, что Шиле повторно использовал старый холст, на котором был изображен этюд от другой известной картины 1911 года «Женщина с ребенком в красном пальто». Всего Эгон Шиле передал Герману Энгель 6 работ, но они остались неоцененными и были розданы во время войны. Но шедевр всегда вернется на свое место — Гентский алтарь братьев Яна и Губерта ван Эйк, который за свою 600-летнюю историю не раз крался, вывозился из страны, хранился в шахтах, но всегда возвращался в Собор Святого Бавона в Генте, для которого был написал, где он живет и сейчас. На мой взгляд портрет Труде не уступает Адель Климта, пусть и скромнее. Невозможно отвести глаз от красоты и величественности портрета Труде Энгель австрийца Эгона Шиле. https://telegra.ph/file/7fea68dc322d115ce59a2.jpg

"Белый мост" 1890-е Джон Генри Твахтман Чикагский институт искусств. Художник Джон Генри Твахтман восхищался творчеством Клода Моне. Подобно своему кумиру, он принимает решение обосноваться в сельской местности. И, по следам Моне с его стогами сена, начиная с 1895 года Твахтман как минимум пять раз пишет маленький пешеходный мостик через ручей Хорснек, что протекает через его ферму в Коннектикуте. Как и Моне, он практикуется в изображении избранного объекта в разное время года и суток, с разнообразных ракурсов и различной степенью освещенности. Конечно, в первую очередь на ум приходит серия японских мостиков Моне, но над ними мэтр начал работать несколько позже. А в 1893 году картины художника Твахтмана были включены в экспозицию Галереи американского искусства, в которой, помимо прочих, были и работы Моне. Так что с точки зрения хронологии шансы на то, что американец мог вдохновиться на свою серию именно стогами француза, а не мостами, самый первый из которых датируется 1896 годом, велики. Чувство и чувствительность Довольно сложно проследить последовательность создания цикла и эволюцию манеры художника. Он почти никогда не датировал работы и часто давал им одинаковые названия (в данном случае это всякий раз был «Белый мост» и лишь единожды – «Мостик»). Считается, что все они написаны в течение последней пятилетки 19 века. Несмотря на то, что на всех полотнах серии очевидно запечатлена одна и та же конструкция, форма моста все же немного разнится. Твахтман видит его то абсолютно ровным, как на этом примере, то дугообразным. Особенность его подхода заключалась в том, что, в отличие от Моне, который исследовал техническую сторону игры света и воздуха, наблюдал, как изменяется объект в зависимости от условий освещенности и погоды (как в случае с пресловутыми стогами и видами на Руанский собор), Твахтмана интересовал прежде всего субъективный взгляд на глубоко личные для него вещи. Именно поэтому довольно часто он выбирает для своих пейзажей не особо-то и зрелищные, но персонально значимые виды. Это парадоксальным образом подкупило тогдашних американских критиков, которые порицали импрессионизм даже не за бойкотирование стандартов классической живописи, но за отказ от социального и духовного аспектов в пользу мимолетного, сиюминутного впечатления. Поэтому избыточная сентиментальность и эмоциональная привязанность художника Твахтмана к своей земле и ее ландшафтам вызвали тогда симпатии современных ему противников импрессионистских методов. Предтеча Инстаграма Появление фотографии освободило живопись от возложенной на нее функции реалистичного изображения действительности. Теперь художники могли позволить себе не только писать предметы и сцены так, как они их видели, но и позаимствовать у фотографов пару приемов. Таких как кадрирование, например. Это позволяло импрессионистам подгонять композицию под свои задачи, ведь для них было критично схватывать мимолетные кол...ия в движении и освещении. Кажется, Твахтман написал больше квадратных картин, чем кто-либо другой. Даже несмотря на то, что это его художественное решение подхватили и поддержали такие европейские современники, как Густав Климт и некоторые из молодого поколения американских почитателей Твахтмана вроде художника Марсдена Хартли. По следам французских собратьев-импрессионистов Твахтман черпал вдохновение в искусстве японской гравюры, и в радиальной композиции – в частности. Архитектоника почти всех версий «Белого моста» опирается на этот принцип: из центра квадратного «кадра» во все стороны расходятся ключевые элементы, разделяя его на диагонали. Будь то ветви дерева, береговые линии ручья, плоскость самого мостика или его отражения в воде – расширяясь, они одновременно создают впечатление сжатого, концентрированного пространства. ДжонТвахтман Импрессионизм Пейзаж _history

Аппиева дорога при закате солнца 1845 Александр Иванов Третьяковская галерея, Москва На картине вид в сторону Рима вдоль Аппиевой дороги (самая значимая из античных общественных римских дорог. Через неё было налажено сообщение Рима с Грецией, Египтом и Малой Азией.) — одной из самых древних мощёных римских дорог, строительство которой началось в 312 году до н. э. Дорога проходит между развалинами древних гробниц, а вдали видны силуэты римских зданий, среди которых выделяется купол собора Святого Петра. В этом полотне «можно видеть пейзаж, не уступающий по значению исторической картине», и никто из творивших в Италии пейзажистов «не сумел увековечить образ вечного города [Рима] так величественно и просто, как это удалось великому русскому мастеру. «Аппиева дорога» стала «квинтэссенцией художественной концепции Иванова, воплощением важнейшего свойства его художественного сознания, образом его творческого пути».

Последняя выставка Урса Фишера буквально тает на глазах в Парижской торговой бирже Урс Фишер - швейцарский художник, который работает с разными материалами и создает живописные произведения, скульптуры, коллажи и инсталляции. У всех выставок обычно есть точная дата окончания, но на экспозицию Урса Фишера вам нужно успеть до того, как воск не расплавится. На выставке представлены масштабные восковые скульптуры. Например, точная копия мраморной композиции Джамболоньи «Похищение сабинянок» (1579–1582) в натуральную величину. Скульптура медленно тает на постаменте. На ARTLIFE FEST 2021 тоже будут представлены интересные скульпторы: Гжегож Гвязда и Гоша. Посмотреть их работы вы сможете с 25 по 31 октября в Манеже. арт_новости

"Ритм. Радость жизни" 1930 г. Робер Делоне Музей современного искусства Парижской мэрии.

​​Портрет Лавуазье авторства Давида преподнёс сюрпризы исследователям В 2019 году знаменитый неоклассический портрет Жака Луи Давида, изображающий химика Антуана Лорана Лавуазье и его жену Марию Анну, был отправлен в лабораторию консервации Метрополитен-музея. Работа предстояла простая — снять старый лак. Но в процессе исследователи обнаружили кое-что ещё, а именно — скрытую композицию под красочным слоем, которая полностью поменяла представление об этом многовековом шедевре. Метрополитен-музей называет изображение «отца современной химии» и его супруги-ассистентки «лучшим неоклассическим портретом в мире». На масштабной картине, которую Жак-Луи Давид закончил в 1788 году, они предстают как либеральные научные лидеры — в своей парижской лаборатории, в окружении приборов и инструментов. Но оказалось, что первоначально художник отвёл им другие роли — не прогрессивно мыслящих учёных, воплощавшей идеалы Просвещения, а модных представителей французской элиты. Музей приобрёл картину в 1977 году, и тогда ещё не существовало технологий, которые помогли сделать нынешнее открытие. Теперь выяснилось, что первая концепция Давида включала богато украшенный стол с позолоченным фризом и три свитка бумаги, свисавшие с его края. Они отражали привилегированное положение Антуана Лорана Лавуазье как генерального откупщика или сборщика налогов. А наряд его жены дополняла гигантская шляпа с перьями, украшенная лентами и искусственными цветами. В композиции не было и намёка на химическое оборудование, стеклянную бутыль и пробирки. Исходная картина с акцентом на богатство пары подчеркивает судьбу, ожидавшую Антуана Лорана Лавуазье. Его должность сборщика налогов помогла не только профинансировать открытие кислорода и химического состава воды, но и в конечном итоге привела его к казни на гильотине в 1794 году во время революционного террора. Мария Анна вела его лабораторные журналы, переводила с английского научные статьи, рисовала и гравировала чертежи. Полагают, что искусство она изучала под руководством Жака Луи Давида. Она выжила и после гибели супруга вышла замуж повторно — за учёного и изобретателя графа Румфорда. По словам Дэвида Пуллинза, помощника куратора европейской живописи в Метрополитене, вряд ли изменения на портрете связаны с политикой. Скорее всего, при создании первого варианта Жак Луи Давид вдохновлялся неформальными портретами аристократов авторства Элизабет Виже-Лебрен и Аделаиды Лабиль-Гиар. Однако у Лавуазье было более скромное происхождение, и это, возможно, стало причиной пересмотра дизайна. Исследования начались в 2019 году после того, как консерватор Метрополитен-музея Дороти Махон потратила десять месяцев на удаление синтетического лака, нанесённого в 1974 году и придавшего картине молочно-серый оттенок. Во время работы она обнаружила на некоторых участках полотна неровности, которые указывали на наличие изображения под красочной поверхностью. С холста были взяты крошечные образцы пигмента, которые подтвердили, что шляпа Марии Анны была чёрно-красной. Они также показали, что в первой итерации Давид написал Лавуазье в более длинном коричневом сюртуке с семью пуговицами бронзового цвета. А в окончательном варианте учёный предстаёт в чёрной одежде с тремя пуговицами. Похоже, художник решил «переодеть» своего натурщика в деловой костюм. Среди других удалённых элементов были струящаяся красная мантия, книжный шкаф на заднем плане и мусорная корзина. Также было изменено положение ноги Антуана Лорана Лавуазье. Давид добавил красную бархатную скатерть, которая отлично закрыла лишние детали. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/49ee2dd112177517afc7b.jpg

В средневековой иконографии есть один интересный мотив, который докочевал из манускриптов века этак десятого аж до эпохи Возрождения, эпично появившись на картинах Эль Греко - это Адовы Уста или Пасть ада. Это один из вариантов изображения, собственно, ада или вход в него. Ну, казалось бы, пасть и пасть. Зубастая, иногда похожая на песика. Но откуда оно такое взялось? В такую вот зубастую пасть попадают грешники на иллюстрациях к самым разным историям - от, конечно же, Христа, спускающегося в ад, картин Страшного суда до видений ирландского рыцаря Тундала, который допился до просветления и которого сопроводили посмотреть на загробную жизнь ангелы, после чего он, конечно же, начал вести праведную жизнь. Этот мотив еще не стоит путать с сатаной, который сидит в аду и закусывает грешниками! Считается, что появилось это изображение в Англии - оттуда большинство его ранних примеров, а в Англию просочился от викингов, у которых мир кончается Рагнарёком, когда из глубин морских всплывает чудовищный морской змей Ёрмунганд, из оков вырывается чудовищный волк Фенрир, а его чудовищные дети своими большими ртами проглатывают Луну и Солнце. Древнеанглийские стихотворения, одним из очень важных в принципе и нужных нам сегодня примеров, является Эксетерская книга, очень сильно крутятся вокруг тематики битв, морей, мореходства и всего вот этого. Нашла тут исследование, в котором говорится, что в древнеанглийской поэзии, например, насчитывалось 13 слов для обозначения битвы, 17 - для корабля и 25 для описания моря. И вот, видимо, поэтому, хорошо сложился в головах у английских художников мотив чудовища с большим ртом, большой битвы и ада и страшного суда. Эксетерская книга - это рукопись X века, в которой было записано порядка 120 текстов, среди них - стихотворения, жития святых, загадки и элегии, написанные в промежутке между XII и X веком и собранные вместе примерно в 990 году (могу положить в комментарии переводы, если кому надо). Книге не слишком повезло с одной стороны - ее подарил библиотеке Эксетерского собора первый местный епископ Леофрик в 1072 году и она каким-то образом стала частью хозяйственной жизни монастыря, поэтому часть страниц погибла - рукопись использовали, судя по оставшимся на ней следам, то как подставку под кружку, то колбасу на ней резали. Но, с другой стороны, то что книга была при деле, отчасти и помогло ей не потеряться и не быть проданной монахами в какой-то момент обнищавшего монастыря. Так вот, возвращаясь к чудовищным пастям, в Экстерской книге есть стихотворение про Кита. Некоторые исследователи считают, что как раз оно может помочь понять как трансформировался мотив чудовищного чудовища из эпосов викингов в христианские мотивы. Стихотворение отличное, в нем рассказывается про кита-сатану, который, притворяясь уютным островом, поджидает усталых моряков. Те видят его покрытую зеленью спину, манящие леса, спускаются на “землю”, разбивают лагерь, а тут их накрывает невидимым щитом и кит со всех сил пускается в глубины моря, топя бедняг. Вот так и грешники! Не знают, не думают и все погибнут! А еще этот кит, злокозненная рыба, когда голоден, то открывает свой чудовищный рот и испускает из него чудесное благоухание. И рыбы, учуяв его, очарованные, отовсюду плывут в этот рот и там обалдевшие болтаются, пока хитрый кит свой этот рот не захлопнет и не проглотит их. Вот так и грешники! Нувыпоняли. Поэтому большой рот, в который залезли глупые грешники для древнеанглийского художника и зрителя - штука очень понятная. Потом, как удачная находка, этот мотив расползается почти по всей Европе, за исключением, наверное, Италии, потому что них там своя иконография ада, восходящая к древнегреческим изображениям спускающийся в Аид героев.

"Коронация Наполеона в соборе Нотр-Дам 2 декабря 1804 года" 1807 г. Жак-Луи Давид Лувр, Париж. «Коронация Наполеона в соборе Нотр-Дам 2 декабря 1804 года» – апофеоз пропагандисткой живописи не только в творчестве классициста Жака-Луи Давида, но и во всём европейском искусстве. Не странно ли: тот самый Давид, который был одним из первых лиц Великой французской буржуазной революции, другом Марата и Робеспьера, членом Конвента и подписантом решения о казни короля Людовика XVI, уже через несколько лет станет прославлять самопровозглашённого императора? Когда Наполеон спросил у одного из приближённых (в прошлом – ярого республиканца, как и Давид), понравилась ли ему коронация, тот отвечал: «Великолепно, ваше Величество. Жаль только, что на ней не присутствовали те триста тысяч людей, которые положили свои жизни, чтобы такие церемонии стали невозможны». Но Давид заглушил в своём сердце подобные рефлексии. Торжественный въезд Наполеона в Париж в 1797 году потряс художника как событие не столько политическое, сколько эстетическое. Корсиканец поразил его, тонкого ценителя античной эстетики, своим римским профилем и энергией абсолютной, не подлежащей малейшему сомнению власти. «Какая же у него голова! – восторгался Наполеоном Давид. – Она настолько совершенна, что достойна сравнения с лучшими образцами античной скульптуры и живописи!» Наполеон, следует заметить, не отвечал художнику взаимностью. Он полагал, что прошлое «живописца революции» даёт основания сомневаться в искренности его верноподданнических инстинктов. Но Бонапарт всегда высоко ценил профессионалов (именно это во многом определило его успех) и потому запечатлеть для потомков торжество своего «венчания короной и помазания на царство» он поручил именно Давиду. Почти три года понадобилось художнику для выполнения этого масштабного гимна имперскому величию. Устроители церемонии коронации постарались на славу: такой помпезности Франция не могла упомнить и во времена монархии. Кортеж из золотых карет с представителями знати, боевыми генералами, церковниками во главе с Папой Пием VII, которого Наполеон решил пригласить на торжество, обеспечивая себе религиозную легитимность, – этот в буквальном смысле блестящий кортеж медленно и торжественно двигался от дворца до Собора Парижской Богоматери, а десятки тысяч парижан толпились на улице, чтобы поглазеть на грандиозное зрелище. Апогеем самой коронации стал момент, когда Папа собирался возлагать на императора золотой лавровый венец, а Наполеон вырвал из его рук корону и сам водрузил её себе на голову. Этим вызывающим жестом Бонапарт утверждал абсолютный характер своей власти, показывал, что обязан ею только самому себе, а не содействию Папы, да и кого бы то ни было (кстати, позже, когда Наполеон присоединит к Франции Папскую область, Пий VII будет брошен в темницу). Изначально Давид намеревался изобразить именно момент возложения короны. Но, по размышлении, решил, что это внесёт ненужную конфликтность и драматизм, и изобразил следующий этап церемонии – когда Наполеон коронует Жозефину. В «Коронации Наполеона» Давид старается не упустить ни одной важной детали. Многочисленные присутствующие на церемонии – реальные лица. Сам художник изображён сидящим где-то на трибунах. Многие чиновники наполеоновского госаппарата, опознав себя на картине, потом выражали неудовольствие: зачем Давид расположил их так далеко от императора. Художник парировал: «Быть слишком близко к солнцу – небезопасно для жизни». Наполеон потребовал внести кое-какие правки – например, Давиду пришлось дописать его мать Летисию, которая в реальности на церемонии отсутствовала. Но в целом император остался «Коронацией» доволен: «Прекрасно, просто прекрасно! Давид, вам удалось постичь мои мысли и изобразить меня французским рыцарем!» ЖакЛуиДавид ИсторическаяСцена Классицизм _history

"Автопортрет с палитрой" 1906 г. Пабло Пикассо Художественный музей Филадельфии. Пикассо создал этот автопортрет в 25 лет. На подготовительных рисунках он поместил кисть в правую руку, но решил не включать её в окончательный вариант. Отсутствие этого предмета заметно; возможно художник посылает зрителю сообщение: творчество – это не просто навык, а внутреннее видение. Голова яйцевидной формы, широко раскрытые глаза и удлинённые уши – эти элементы Пикассо позаимствовал у древних скульптур. В этой картине его лицо похоже на загадочную, словно маска, лицо резной головы. Такие фигурки находили на археологических раскопках неподалёку от Малаги, где родился художник, и потому автопортрет связан с его особым чувством к родным местам. Эта картина относится к «розовому периоду» в творчестве Пикассо, который продолжался с 1904-го по 1906 год. В этот промежуток времени он использовал в своих картинах весёлые оранжевые и розовые оттенки – в отличие от прохладных, мрачных тонов предыдущего «голубого периода». Годы «голубого периода» были тяжёлыми для Пикассо – он жил в крайней нищете, постоянно голодал и испытывал отчуждение. Всё это молодой художник выражал в окрашенных синим образах измождённых, истощённых, несчастных душ, которые едва выживали на обочине общества. В августе 1904 года 24-летний Пикассо встретил Фернанду Оливье, романтическая связь с которой благоприятно повлияла на его творчество. Восторг от телесности и чувственной радости начал вытеснять некогда мучительное отчаяние. Возможно, это и было одной из причин изменения стиля живописи Пикассо. В его картинах начали часто появляться арлекины, цирковые артисты и клоуны, которые будут населять полотна на разных этапах до конца долгой карьеры живописца. И если «голубой период» Пабло Пикассо сегодня пользуется более широкой популярностью у публики, «розовый» имеет гораздо большее художественно-историческое значение. В этот отрезок времени он начал разрабатывать стилистические методы, которые сделали его самым значительным художником XX века. Впрочем, современники Пикассо не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним. Депрессия художника улеглась, но не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни. Но если работы «голубого периода», кажется, выражают скорбь художника, то герои картин «розового периода» не скорбят, хотя по-прежнему демонстрируют покорность судьбе. Произведения Пикассо в «розовый период» начинают вести собственную жизнь в художественном духе своего времени – наибольшее значение обретает сама картина, а не её тема и содержание. Пикассо продолжал экспериментировать, делая своих героев анонимными, скорее представляя художественную матрицу человека, нежели самого человека. И хотя это шаг в направлении абстрактного искусства, это не самая важная особенность «розового периода» Пикассо. Прорывом этого короткого отрезка времени стала плавная линия, которую Пикассо начал осваивать в 1904 году – и она очень хорошо выражена в «Автопортрете с палитрой». Эта беглость и утончённость линии – уникальный вклад Пикассо в экспрессионизм. «Розовый период» отмечает конец развития, во время которого Пикассо обрёл себя как фигуративный художник. За годы, проведённые к тому моменту в Париже, он впитал французскую культуру, сменив серьёзность своего «голубого периода» парижской элегантностью. После завершения «розового периода» Пикассо продолжал время от времени создавать фигуративные работы, но это перестало быть его основным стилем. ПаблоПикассо Портрет Экспрессионизм _history

Экскурсия по Суздалю онлайн. Очарование Древней Руси. Яркие деревянные здания и белокаменные церкви, расположенные в центре города, продолжают жить той же жизнью, что и столетия назад. Экскурсия приведет нас в Суздальский Кремль – один из древнейших в России, который поведает нам правду о том, сколько же на самом деле лет городу. По дороге мы заглянем во двор старинного дома, где познакомимся с предметами русского быта и, наконец, внимательно рассмотрим Рождественский собор Пресвятой Богородицы – первый каменный храм на северо-востоке, внесенный в список Всемирного наследия ЮНЕСКО. Сверив время со старинными часами, расположенными на колокольной башне Суздальского кремля, чей циферблат вместо цифр украшают буквы, мы отправимся на знаменитую торговую площадь с более чем 800-летней историей. https://youtu.be/kurgDFsups4 https://youtu.be/kurgDFsups4

Андрей Редковский (1831-1909) «Вид на Покровский собор от Лобного места» 1854 бумага, графитный карандаш, акварель, лак. Государственный исторический музей, Москва андрей_редковский

"Завтрак на траве", 1863. (1 часть). Сегодня картина французского художника 19-го века Эдуарда Мане "Завтрак на траве" считается шедевром импрессионизма, а в 1863 для парижской публики полотно стало настоящим шоком. Мане попытался выставить картину в Парижском салоне в 1863 году, но нагота женщин среди одетых мужчин так ошеломила критиков организаторов салона, что они отказали художнику. Таким образом, картина Мане оказалась среди 3000 картин, не допущенных к участию в Парижском Салоне. Для них император Наполеон III приказал провести отдельную выставку, получившую название "Салон отверженных". В "Салоне отверженных" участвовали художники, имена которых знакомы сегодня каждому ценителю искусства. Среди полотен таких мастеров как Писарро, Уистлер и Сезанн, картина Мане произвела настоящий фурор. Но это вовсе не значит, что картина пришлась по вкусу зрителям.

Архип Куинджи (1842-1910) «Исакиевский собор при луне» 1869 холст, масло. 80x125 см Смоленский государственный музей-заповедник архип_куинджи

Выставки в Москве, на которые стоит успеть в марте и апреле — До 20 марта. «Явление Образа. Икона «Спас Нерукотворный» Симона Ушакова из собрания Александра Дадиани». Музей Андрея Рублева — До 27 марта. «Родная речь. Школа русского пейзажа». Артефакт — До 27 марта. «Русские в Сербии: Алексей и Иван Шеншины, ученый и художник». Музей русского зарубежья — До 28 марта. «Драгоценные часы и табакерки». ГИМ — До 2 апреля. «Амазонки русского зарубежья». Старый английский двор. Выставка посвящена Надежде Ходасевич-Леже и Тамаре де Лемпицкой. — До 3 апреля «Русское. Народное». РОСИЗО — До 3 апреля. «Жемчуг и перламутр». Дарвиновский музей — До 10 апреля. «Французский рисунок из собрания Инны Баженовой». Фонд In Artibus — До 15 апреля. «Виктор Цой. Путь героя». Манеж — До 17 апреля (продлили). «Уберите чучело лисы. К 100-летию краеведения». Музей Москвы — До 24 апреля. «Лубочная Русь Ивана Билибина». Музей русского лубка и наивного искусства — До 24 апреля. «Интерьер XIX-XX веков из собрания Государственного музея А.С.Пушкина». Музей Пушкина на Пречистенке — До 30 апреля. «Александр Альтман. Романтика предместий. Русский пейзаж Парижской школы». Дом русского зарубежья им. А. Солженицына Современное искусство — До 18 марта. Иван Разумов и ППСС. «Уют и Разумов» Ovcharenko — До 27 марта. New Elements. Западное крыло Новой Третьяковки — До 3 апреля. I Международная биеннале «Искусство будущего». Мультимедиа-арт-музей — До 10 апреля. Иван Плющ. «Театр Плюща». ММОМА на Петровке — До 22 апреля. Владимир Дубосарский. «Дедушкины сказки». Ilona-K Art Space — До 30 апреля. Арт-группа AES+F. «Психоз». Центр «Марс». Стоит сходить, потому что в связи с позицией коллектива – неизвестно, когда мы еще увидим их работы в России.

Портрет Марии-Антуанетты с розой 1783 Элизабет Виже-Лебрен Версальский дворец, Версаль Элизабет Виже-Лебрен была придворной художницей королевы Франции Марии-Антуанетты. 31 мая 1783 года она была зачислена в Королевскую академию живописи и скульптуры. В том же году Мария-Антуанетта поручила ей представить свой портрет для предстоящего Парижского салона. Виже-Лебрен изобразила королеву в сорочке, сшитой парижской модисткой Розой Бертен, любимицей королевы. Однако посетители Салона были шокированы, потому что посчитали неприличным изображение королевы Франции в таком платье и портрет убрали из Салона. Художница немедленно написала новый портрет, который можно было бы выставить в Салоне до его окончания. Королева была уже одета в классическое серо-голубое шёлковое платье с большим полосатым бантом из лент и богатыми жемчужными украшениями, которые считались более подобающими для королевы.

​​️Турецкий музей Трои и «Википедия» создаст информационный цифровой ресурс для музея «ВикиТроя». В «ВикиТрое» можно будет найти информацию про легенду о Трое, об истории и музее, посвященном ему. ️Назван самый популярный автор у слушателей аудиокниг за последние пять лет. ️ 24 февраля в White Room Foundation состоится открытие выставки «Звонок Другу». ️Новая система мониторинга охватит всю территорию археологического парка в Помпеях из-за изменения климата. Древнеримский город Помпеи уничтожило извержение Везувия в 79 году н. э. В городе сохранилось большое количество образцов архитектуры и фресковой живописи. Сейчас Помпеи — музей по открытым небом и объект Всемирного наследия ЮНЕСКО. В 2019-м Колизей начал разрабатывать систему мониторинга, которую должны ввести в эксплуатацию в 2022 году. ️Во Владимире откроют реставрационный центр. В 1158 г. князь Андрей Боголюбский на высокой горе над рекой Клязьма заложил белокаменный Успенский собор на месте деревянного как символ Владимиро-Суздальского княжества. В Успенском Соборе хранятся подлинные фрески иконописцев 15 века Андрей Рублева и Даниила Чёрного. Именно здесь хранилась икона Владимирской Богоматери, которая сейчас хранится в Третьяковской галерее. Собор и стенопись причислены к всемирному наследию ЮНЕСКО. Это национальное достояние России. В чем проявляется величие: В 1410 году Владимир подвергся очередному набегу ордынского войска и необходимо вспомнить о подвиге ключаря Успенского Собора грека Патрикия. Он сохранил тайну спрятанных богатств и не выдал местонахождение укрытых людей. За это он принял лютую гибель. Эти события реалистично представлены в фильме Андрея Тарковского «Андрей Рублёв». Роль Патрикия исполнил Юрий Никулин. https://telegra.ph/file/bc28e07ab8b6ac2c308fa.jpg

Раненый ангел 1903 Хуго Симберг Атенеум, Хельсинки Самая известная картина финского художника. Повторена как фреска Кафедрального собора в Тампере. Наиболее важная работа европейского символизма. Хуго Симберг написал картину после выхода из больницы в 1903 году. Пейзаж намеренно сделан суровым и печальным, но умиротворённым. Картина может символизировать, в зависимости от интерпретации, как земное начало, помогающее духу, так и дух, утопающий в земном начале. На самом простом уровне понимания картина символизирует детскую невинность. Второй план состоит из чувств художника, возвращающегося к жизни после тяжёлой болезни. Здесь жизнь и идеалы смешаны с близостью смерти и эфемерностью живого. Тёмные костюмы мальчиков могут быть также поняты как символ смерти. Один из мальчиков повернулся к зрителям, давая им понять, что темы жизни и смерти имеют к ним прямое отношение. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Мария Башкирцева страдала о том, что у женщины в жизни всего два пути - выйти замуж или умереть. И умерла. А Луиза Бреслау, с которой Башкирцева вместе училась в парижской Академии Жюлиана, решила по-своему - и замуж не пошла и умирать не поспешила, а прожила сорок лет с художницей Мадлен Зиллхардт. Башикрцева на страницах дневника очень много завидует Бреслау. А Бреслау, кстати, очень даже хорошая! Родилась Мария Луиза Катарина Бреслау в 1856 году в Мюнхене, в семье известного врача гинеколога. Это была вообще-то семья польских евреев, но ассимилировавшая в Германии - вроде как, Луиза Бреслау даже потом откажется использовать свое первое имя - Мария - чтоб подчеркнуть свое еврейское происхождение. Когда будущей художнице было два года, ее отец получил должность профессора и сразу главного врача в Цюрихском университете и семья отправилась в Швейцарию. А в 1866 году доктор Бреслау во время патологоанатомического исследования подцепил стафилококковую инфекцию и резко от нее умер - такие вот были времена суровые. Луиза же всю жизнь страдала от астмы, при том в детстве - особенно остро. Чтоб подлечить астму, Луизу отправили в женскую школу при монастыре на Боденском озере и там, бесконечно гуляя или настолько же бесконечно лежа в кровати, от скуки ли, от печали, Луиза начала рисовать и увлеклась этим делом очень сильно, намного больше, чем требовалось от девушки из приличной семьи. По возвращении из монастыря Бреслау берет частные уроки рисования у швейцарского художника, крепкого академиста Эдуарда Пфайфера, потому что в местные академии и кружки ей вход заказан по признаку пола, и приходит к выводу, что надо ехать в Париж. В Париже, как вы помните, в это время происходит все самое интересное - вспыхивают новые художественные течения, художники бегают туда-сюда и машут руками, в академии Жюлиана додумались до того, чтоб брать в рисовальные классы женщин, Роден обучает их же в своих мастерских аж скульптуре. В общем, хочешь рисовать - действуй, и решительная Бреслау меняет Цюрих на Париж. И обожает его до конца своих дней. В академии, даже по воспоминаниям все той же Башкирцевой, Бреслау была самой сильной студенткой, способной соревноваться с мужчинами - и действительно, в 1879 году именно она становится единственной студенткой академии Жюлиана, чьи работы дебютируют на Парижском салоне. Этот дебют принес художнице известность и она стала довольно популярной портретисткой - Бреслау открыла собственный салон, стала завсегдатаем Салона парижского, получала там медали и любовь публики, а потом - заказы от состоятельных парижан и тоже любовь. Столько любви, что в итоге она стала третьей женщиной в истории и первой иностранкой, получившей орден Почетного легиона. Во время учебы Бреслау обрела несколько верных подруг, с которыми общалась всю жизнь. А еще познакомилась там с Мадлен Зиллхардт (ее портрет за утренним туалетом, очень нежный, я добавлю первым в подборку ниже). Мадлен стала главной моделью Луизы, ее музой, другом, доверенным лицом. Часто на картинах Бреслау, которые не портреты, а изображения “подруг” - Зиллхардт как-нибудь красиво лежит или сидит. Во время Первой мировой войны у Бреслау была возможность спрятаться в Швейцарии, но она осталась в Париже и писала портреты солдат и медсестер, а после войны отправилась вести замкнутую и тихую жизнь в своем поместье напару с Мадлен, писала цветочки в своем саду и радовалась (надеюсь) жизни. После смерти Бреслау в 1927 году Мадлен Зиллхардт унаследовала ее поместье и рисунки, которые передала в музей изящных искусств в Дижоне.

Гентский алтарь — церковный створчатый алтарь (алтарь-складень) в католическом кафедральном соборе Святого Бавона в бельгийском городе Гент. Надпись на алтаре сообщает, что он был начат Губертом ван Эйком, «величайшим из всех», и закончен его братом Яном, «вторым в искусстве». Освящён 6 мая 1432 года. Алтарь состоит из 24 панелей, на которых изображены 258 человеческих фигур. Высота алтаря в центральной части достигает трёх с половиной метров, ширина (в раскрытом виде) — пяти метров. Картины, из которых состоит алтарь, расположены на внешней и внутренней стороне алтаря. «Поклонение Мистическому Агнцу» — именно так официально называется Гентский алтарь.

Константин Горбатов "Невидимый град Китеж" (1913) Завоевав многие русские княжества, хан Батый узнал о прекрасном городе Китеже и приказал захватить его. К удивлению монголов, у города совсем не было никаких укреплений. Его жители даже не собирались защищаться и только молились. Увидев это, монголы атаковали город, но тут же остановились: внезапно из-под земли хлынули фонтаны воды и стали затапливать город и самих захватчиков. Нападавшим пришлось отступить, и они только могли видеть, как город погружался в озеро. Последнее, что они видели, был крест на куполе собора. И вскоре на месте города остались только волны. Это предание породило многочисленные невероятные слухи. Говорится, что только те, кто чист сердцем и душой, найдут путь в Китеж. Также говорится, что в тихую погоду можно иногда слышать колокольный звон и пение людей, слышимое из-под вод озера Светлояра. Картина была продана в 2021 году на аукционе Christie’s  за £525 000.

Врубель и жена Прахова Итак, продолжаем серию постов про Абрамцевский кружок и его участников Про Прахова вам писала, он был прям важным человеком в искусстве, со всеми общался и дружил, художников в гости приглашал. И как-то раз пригласил он в гости Врубеля, а там тот увидел его жену, Эмилию Прахову. Она тоже была близка к искусству, содержала салон (в переводе на современный язык - клуб по интересам), который посещали те, кто занимался оформлением Владимирского собора в Киеве. В общем, Врубель ее увидел и влюбился, портреты стал ее писать, ухаживать пытался. Надо сказать, что Эмилия его даже побаивалась:) ну а любовь осталась безответной, но вдохновляла художника. Врубель ее лицо взял за основу женского образа, который у него повторяется из картины в картину - большие глаза, пухлые губы. Нос подкорректировал только немного:) ну а когда с женой своей познакомился - Надеждой Забелой-Врубель, эти два образа смешал, и получилось то, что мы видим на всех его полотнах с женщинами. PROисториилюбви

​​Субботний солнечный день я провела в «Коломенском» во Дворце царя Алексея Михайловича на выставке  «От Аввакума до Агафьи. Наследие старообрядчества»   Проект посвящен 400-летию со дня рождения протопопа Аввакума, русского писателя и религиозного деятеля, автора первой автобиографии и самого ярого противника церковных реформ патриарха Никона.    Видеть такие проекты — это редкость и большая удача.   Что можно посмотреть: ️первое из известных изображение протопопа Аввакума — икону, написанную в конце 17-начале 18 в. на Керженце ️подлинные письма и автографы Аввакума и боярыни Феодосии Морозовой ️этюды Василия Сурикова для знаменитой картины «Боярыня Морозова» ️подлинные документы времен церковных реформ ️материалы, связанные с историей семьей старообрядцев (Агафьи Лыковой в частности) ️церковные книги, живопись, иконы, предметы церковного обихода, ювелирные изделия — драгоценное старообрядческое искусство.    Особо впечатляет история и духовное мужество Соловецкого монастыря в Белом море.   Здесь и «Боярыня Морозова» кисти Василия Сурикова, которая одним зимним московским днём, закованная в цепи, показывает нам жест двуперстного крещения вместе «нового» троеперстного на известной картине в Третьяковской галерее.   Показ выставки сопровождает VR-контент, специально снятый в интерьерах Покровского кафедрального собора Старообрядческой церкви.    Как предметы искусства доходят до нас сквозь века?   Я спросила себя, пока по другую сторону стекла на меня смотрел 400-летний пропитанный временем и сложнейшими человеческими чувствами мешок, где протопоп Аввакум хранил свои письма.   Культура и искусство — это дар человеческому гению и ценность их вне времени. Они вечны. Я очень рекомендую вам приехать на выставку и познакомиться с наследием, которое сохранило для нас старообрядчество.  Сам Дворец царя Алексея Михайловича словно из сказки и внутри так уютно.  Выбирайте тёплые деньки и прогуляйтесь по весеннему «Коломенскому», встретив закат на смотровой и выпив ароматный чай после выставки.   Подробности https://telegra.ph/file/a8e69f818c61067e563cd.jpg

Штрихи к портрету: понять скандальную Сюзанну Валадон Когда мы говорим о Сюзанне Валадон, кого имеем в виду? Прекрасную, всегда разную натурщицу, запечатленную на шедеврах импрессионистов? Художницу, которая и сама оставила след в живописи? Мать знаменитого художника? Яркую, самобытную женщину? А может, скандальную даму Монмартра, участницу «проклятой тройки»? Вспомним всех. Вспомним Сюзанну Валадон. Сюзанна Валадон не родилась Сюзанной Мог ли кто-то предположить, что Мари-Клементин Валадон, незаконнорожденная дочь прачки, прославится отнюдь не достижениями на поприще стирки и прочего клининга, а станет всемирно известна как модель, запечатленная на картинах Ренуара, Тулуз-Лотрека, Пюи де Шаванна (сегодня мы любуемся ею в самых знаменитых музеях)? Но не только. Знаем мы Сюзанну Валадон и как самобытную художницу. Позируя этим мужчинам, Мари-Клементин училась у них. Художники писали ее, она же словно впитывала их умения. Сеансы позирования были для нее и сеансами обучения, о чем до поры до времени никто не подозревал. Известна она и как мать художника Мориса Утрилло, чья слава в итоге превзошла ее собственную. Но почему же Сюзанна? Ревнивый Тулуз-Лотрек (кстати, именно он первый увидел ее рисунки) так нарек ставшую на тот момент знаменитой любимую (во всех смыслах) натурщицу, прозрачно намекая на библейскую историю Сусанны и старцев. В роли старцев Лотрек представил именитых живописцев, которым Мари позировала. Правда, в отличие от Сусанны библейской, Сюзанна Валадон, смущающая «старцов Монмартра», чаще всего им не отказывала. Фамилию какого именитого художника должен был носить ее сын Морис Утрилло, не знала даже она. Мальчику было 8 лет, когда его усыновил один из возлюбленных Сюзанны, архитектор, художник и арт-критик Мигель Утрилло. По этому поводу ему приписывают шутку, мол, подписать творение одного из великих мастеров — большая честь для него. Сюзанна Валадон: «все сложно» С Сюзанной Валадон точности и определенности не будет, это становится очевидно уже при попытке начать стандартную биографию. Имя-фамилия, дата рождения, вот это всё. Насчет имени разобрались выше, но с датой тоже не всё просто. Мари-Клементин Валадон родилась в 6 утра 23 сентября 1865 года в доме мадам Гимбо в Бессине, так значится в книге регистрации актов о рождении. Однако сама художница настаивала на другой дате — 23 июля 1867 года. Мать Мари служила в доме Гимбо прачкой. Ее беременность вызвала множество пересудов: такая тихая, строгая и ответственная работница, и вдруг такой казус, ах. А что с папенькой, кстати? Неизвестно. В рассказах Сюзанны он появлялся то человеком знаменитого имени и голубых кровей, то всего лишь «простым» банкиром, а временами и каторжником. Впрочем, иногда она заявляла, что мать нашла ее у ступеней Лиможского собора. Практически всю свою жизнь Сюзанна Валадон создавала миф о себе, словно дразня биографов и потомков противоречивыми сведениями и шокируя непредсказуемыми выходками. Чего стоило утверждение, что свои неудачные картины она скармливает козе, обитающей в ее мастерской. А посещение мероприятий с пучком морковки в качестве букета? В последние годы жизни уже создавшая себе имя Сюзанна Валадон забросила живопись. Четко увидеть и определить момент, когда ты сказала всё, что могла сказать, и остановиться, — это, пожалуй, даже эффектнее, чем коза в мастерской. «У меня были великие учителя, от которых я взяла лучшее в отношении профессионализма и мастерства. Я нашла себя, стала той, кем в действительности являюсь. Мне было что сказать, и я сказала все. Так чего же хорошего в том, чтобы во что бы то ни стало продолжать, впадать в самоповторы, как старый маразматик? Нет уж, спасибо, не мой стиль».

Джованни Беллини "Мадонна с младенцем" Джованни Беллини стоит у истоков так называемой венецианской школы живописи, отличающейся особым ощущением цвета, звучностью и яркостью красок, насыщенностью цветовой палитры, унаследованной от традиции византийских мозаик собора Сан-Марко. «Джованни Беллини стал смотреть на все окружающее другими глазами; в отличие от линеарной и пластической я назову его манеру видения — живописной, — писал известный историк искусства начала XXстолетия Бернард Беренсон. — Произошло это потому, что Беллини постиг неисчерпаемые возможности цвета. До него колорит считался простым орнаментальным украшением, лишь дополнившим реальные изобразительные средства, которые в XIVвеке выражались линией, а в XV— линией, снабженной светом и тенью. Начиная с Беллини, краска стала для живописца главным, если не единственным средством художественного выражения.

Джон Констебл "Солсберецкий шпиль" "Вид на собор в Солсбери из епископского сада" (1823)

Санкт-Петербург. Величественные соборы Северной столицы. 1. Смольный собор (Воскресения Христо́ва Смо́льный собо́р). 2. Чесменская церковь (Це́рковь Рождества́ свято́го Иоа́нна Предте́чи). 3. Троице-Измайловский собор (Тро́ицкий собо́р). 4. Исаакиевский собор (собор преподо́бного Исаа́кия Далма́тского). 5. Тро́ице-Изма́йловский собо́р. 6. Спас на Крови (Храм Воскресения Христова на Крови́).