Соломон Джозеф Соломон (1860-1927) «Аякс и Кассандра» 1886 холст, масло....

«Дрезденский алтарь» 1496—1497гг. Альбрехт Дюрер Сюжет центральной панели - поклонение Девы Марии Младенцу. Левая створка изображает святого Антония, он спокоен, несмотря на то, что окружен фантастическими существами, искушавшими его в пустыне. На правой створке - святой Себастьян. Его облик нетрадиционен: стрелы, которыми он был пронзен, отсутствуют, но на теле остались раны от них. Центральная панель помимо главной сцены содержит важные сюжетные детали. Так, рядом с Девой Марией на пю­питре помещена книга. Это аллюзия на Книгу Премудрости Соломона. Ангелы держат над головой Девы корону, что указывает на нее как на «Regina Coeli» (с латинского - «Царица Небесная»). Триптих, вопреки традиции, не предназначен для складывания, оборотные стороны его крыльев не расписаны. Алтарь предназначался для часовни замка Виттенберг, первоначально была выполнена лишь центральная его часть. Потом в связи с эпидемией чумы, к алтарю были добавлены две боковые панели с изображениями святых покровителей больных.

​​️В Эрмитаже продолжает работу выставка «Две Пальмиры: реальная и виртуальная».   Экспозиция развивает острую тему: реально существующий город, разрушенный несколько раз, и его виртуальные воплощения, направленные на сохранение облика города.   Я уже рассказывала вам, что готовится полная цифровая модель Венеции. Недавно я общалась с подводными археологами и была просто шокирована, открыв целый мир цивилизаций, который сегодня находится под водой.   ️Во Франции объявили номинантов премии «Сезар». ️Фотовыставка о животных из приютов открылась на Цветном бульваре в Москве. Питомцев можно приютить! ️ГМИИ им. Пушкина рассказали о предстоящей выставке «Билл Виола. Путешествие души». Это будет первая в России ретроспектива классика видеоарта.   Билл Виола один из моих любимых современных художников. Сила стихий, религиозные и античные сюжеты, время и пространство — это все о Билле Виола. «Все художники эпохи Возрождения были одержимы изображением движения — развевающиеся одежды, морской шторм… — но Джотто был первым, кто использовал абсолютный эмоциональный реализм», — говорит художник. Ведь именно Джотто считают родоначальником эпохи Возрождения. Он начал писать небо голубым цветом — первый шаг к реализму. До этого небо изображалось золотым по канонам готики, как знак небесного Божественного света. Только послушайте: На фото я выбрала для вас инсталляцию «Вознесение Изольды». Виола изобразил Изольду восходящую из глубины к лучу света. Это прямая аллегория настолько глубокой и сильной любви Тристана и Изольды, что она не помешается в материальных телах героев и выходит за пределы земной жизни. Вода для Виолы — признак сильных эмоциональных чувств. Мгновенно вспоминаю «Песнь песней Соломона» — «ибо крепка, как смерть любовь... большие воды не могут потушить любви, и реки не зальют ее». Фото: Stella Art Foundation https://telegra.ph/file/9e547b09b945ef133fe82.jpg

Джозеф Райт из Дерби - Две девочки, одевающие котёнка при свете свечи, 1768—1770, холст, масло, 90,8 × 72,4 см, Кенвуд-хаус, Лондон, Великобритания Joseph Wright of Derby - Two Girls Dressing a Kitten by Candlelight, c. 1768–1770, oil on canvas, 89 × 68 cm, Kenwood House, London, UK

Джозеф Райт "Два мальчика с мочевым пузырем" (1770) На картине изображены двое мальчиков, надувающих свиной мочевой пузырь при свете свечи. В те времена мочевые пузыри животных служили игрушками. Дети надували их и использовали как воздушные шарики, или наполняли сушеным горошком и трясли как погремушки.

ОбложкаНедели журнала Collier’s Weekly за 29 сентября 1917 года, США Мужественный военный лётчик в типичном обмундировании — кожаная куртка, шлем с очками и обязательный шарф. Шла ПерваяМировая и обложки периодических изданий часто украшали рисунки военной тематики. Автор этого — известный иллюстратор Джозеф Кристиан Лейендекер (Joseph Christian Leyendecker). Шарф для пилотов тех лет был одновременно и модным, и полезным аксессуаром. Благодаря ему была защищена шея — от ветра и от натирания об воротник во время воздушного боя. Хотя самолёт на фоне почти весь скрыт за фигурой лётчика, но он всё же легко узнаваем — это учебно-тренировочный биплан Curtiss JN-4 Jenny. Самый известный американский самолёт Первой мировой войны широко использовался для обучения будущих пилотов. Был выпущен впечатляющей серией в 6 813 экземпляров.

Озеро при лунном свете 1782 Джозеф Райт из Дерби Йельский центр британского искусства, коллекция Пола Меллона, Нью-Хейвен Это один из выдающихся британских живописцев XVIII столетия. Художник выделяется мастерством световых эффектов, а также картинами, сцены которых освещены свечами или луной. Испытал влияние караваджизма, в первую очередь, нидерландских художников. Считается пионером индустриальной темы в изобразительном искусстве. Его картины на тему зарождения науки из алхимии часто были основаны на темах, обсуждавшихся на заседаниях Лунного общества, группы влиятельных ученых и промышленников, живших в Мидлендсе, и отражают борьбу науки против религиозного мировосприятия в эпоху Просвещения. Так же успех Джозефа Райта в качестве портретиста приносил ему стабильный доход. Однако, в первую очередь, он известен своими научными и индустриальными работами, полными драматизма, что отличало его от других современников, ставя в один ряд с другими великими британскими художниками.

Идолослужение царя Соломона 1620 Корнелис де Вос ГМИИ им. А.С. Пушкина Согласно Ветхому Завету, царь Соломон по наущению своих языческих жен отвернулся от истинного Бога и стал поклоняться идолам, за что был наказан: «И сказал Господь: за то, что ты так поступал и не соблюдал завета Моего и уставов Моих, которые Я заповедал тебе, Я отторгну царство от тебя и отдам его рабу твоему». Де Вос, брат жены Франса Снейдерса, был связан с кругом Рубенса и стремился придать изображенной сцене помпезный характер, используя яркие краски и мастерски изображая драгоценности, ткани и драпировки. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Джозеф Декер "Зеленые сливы" (1885)

Что изображено на этой картине Джозефа Райта? 1. Эксперимент в воздушном насосе. 2. Изобретение фосфора.

Ответ. «Алхимик, открывающий фосфор» (The Alchemist Discovering Phosphorus) — картина английского художника Джозефа Райта, написанная в 1771 году и переработанная в 1795 году. Полное название картины — «Алхимик в поисках философского камня, обнаруживает фосфор и молится за успешное завершение его действий, согласно обычаю древних химических астрологов». Было высказано предположение, что «Алхимик» описывает открытие фосфора алхимиком из Гамбурга Хеннигом Брандом в 1669 году. Эта история была широко известна и часто упоминалась в научно-популярных книгах o химии, опубликованных при жизни художника. С момента первого показа (1771) картина вызвала много противоречивых интерпретаций. Её тайна, очевидно, тревожила зрителей XVIII века, и, хотя Райт был признанным художником, картина не была продана. Джозеф, взяв картину в своё итальянское путешествие в 1773—1775 годах, привёз её обратно в Англию и переписал в 1795 году. Она была продана только через 4 года после смерти художника на аукционе «Кристис».

Музей. Музей Гуггенхе́йма в Бильба́о — музей современного искусства в Бильбао, Испания. Является одним из филиалов музея современного искусства Соломона Гуггенхейма. Расположен на берегу реки Нервьон. В музее расположены постоянные экспозиции, а также проводятся временные выставки как испанских, так и зарубежных художников. Здание музея спроектировано американско-канадским архитектором Фрэнком Гери и было открыто для публики в 1997 году. Здание сразу признано одним из наиболее зрелищных в мире строений в стиле деконструктивизма. Архитектор Филип Джонсон назвал его «величайшим зданием нашего времени». Расположенное на набережной, здание воплощает абстрактную идею футуристического корабля. Также его сравнивают с птицей, самолётом, артишоком и распускающейся розой. Музей можно увидеть в фильме про Джеймса Бонда 1999 года «И целого мира мало», в самом начале которого Бонд крадёт кейс с деньгами у коррумпированного швейцарского банкира.

Возлюбленная 1865–1866 Данте Габриэль Россетти Галерея Тейт, Лондон Картина английского художника-прерафаэлита. Иллюстрация к библейской "Песни песней Соломона". На раме высечены две строки из этого произведения: "Возлюбленный мой принадлежит мне, а я ему (2:16)" и "Да лобзает он меня лобзанием уст своих! Ибо ласки твои лучше вина. (1:2)" На картине невеста приоткрывает вуаль фаты, рядом с ней находятся четыре девушки и африканский мальчик-паж. При работе над «Возлюбленной» Россетти вдохновлялся произведениями Эдуарда Мане, в частности «Олимпией», написанной в том же году (она навела его на создание сильного контраста между яркими волосами и чертами невесты, остальными девушками на картине и мальчиком), а также работами Тициана.

"Замок Алник, Нортумберленд" 1829 г. Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер Художественная галерея Южной Австралии, Аделаида.

Старик и смерть 1773 Джозеф Райт Один из выдающихся британских живописцев XVIII столетия. Художник выделяется мастерством световых эффектов, а также картинами, сцены которых освещены свечами. Испытал влияние караваджизма, в первую очередь, нидерландских художников Геррита ван Хонтхорста и Хендрика Тербрюггена. До конца жизни Джозеф Райт оставался провинциальным художником, однако благодаря его оригинальной манере, сочетающей элементы готики и неоклассицизма, его интересу к научным исследованиям и к современной литературе, он стал одним из предшественников романтического искусства. В основе выбранного сюжета лежит одноимённая басня Лафонтена. Смерть пришла за дровосеком и хочет забрать его с собой. Увлекаемый Смертью дровосек пытается ухватиться за вязанку хвороста, на его лице печать безысходности. Он показал тяжёлую крестьянскую долю, но сделал это в канонах романтической традиции. В работе можно увидеть критику, но без демонстрации реальности во всей её грубости.

Альберт Джозеф Мур (1841-1893) «Silver» холст, масло. альберт_джозеф_мур

Джозеф Райт "Алхимик, открывающий фосфор" (1771) Поиском философского камня, превращающего любой металл в настоящее золото, были заняты учёные испокон веков. Неудивительно, что художника Джозефа Райта, который был большим поклонником научно-технического прогресса, захватил этот сюжет. На полотне изображен старый философ, который надеялся открыть чудесный камень, но случайно получил удивительное светящееся вещество – фосфор. Его глаза открыты от удивления, он припал на одно колено, произнося молитву по древнему обычаю химических астрологов.

"Бьянка дели Утили Мазелли и её шестеро детей" 1605 г. Лавиния Фонтана Частная коллекция. «Бьянка дели Утили Мазелли и её шестеро детей» – это сокровенный семейный портрет, который Лавиния Фонтана написала в Риме в первые годы XVII века. Это одна из её лучших работ и одно из немногих известных произведений, относящихся к этому периоду карьеры. Картина с изображением Бьянки дели Утили, жены дворянина Пьерино Мазелли, и шести их детей даёт бесценное представление о моде того времени. Эпитафия на могиле Бьянки дели Утили сообщает, что она – флорентийка по происхождению, вышла замуж за римского кавалера Пьерино Мазелли и умерла в сентябре 1605 года в возрасте 37 лет после рождения девятнадцатого ребенка. Эта дата указывает на период исполнения работы – около двенадцати месяцев, поскольку первое упоминание Лавинии в Риме датируется 28-м апреля 1604 года. Известно также, что ещё 19 февраля 1603 года она находилась в Болонье. Портрет делится на две асимметричные и контрастные части. Трое детей слева смотрят прямо на зрителя, они выглядят спокойными, хорошо себя ведут и старательно позируют художнице. А вот трое мальчиков справа более веселы и энергичны. Двое из них смотрят друг на друга, а не на зрителя, создавая менее формальное настроение. Портрет отличается скрупулёзным вниманием к деталям – к цветочным украшениям в волосах Бьянки, вышитым костюмам и текстурам. Его можно сравнить с более ранним «Портретом дворянки» из Национального музея женского искусства в Вашингтоне. Пятеро мальчиков носят одежды из одного роскошного материала, платья матери и дочери сшиты из другого, даже более богатого. Женщина и девочка также носят сложные украшения – золотые серьги и жемчужные ожерелья. У всей группы разные манжеты, но очень похожие пышные воротники, и Фонтана особое внимание уделяет игре света и теней на них. Несмотря на элегантные одежды и формальную обстановку, портрет излучает благожелательность и нежность. Практически каждая фигура держит некий предмет. Мальчик в верхнем левом углу изображён с яркой птицей на цепочке (это может быть щегол, символизирующий Страсти Христовы – тогда можно предположить, что ребёнку предназначалась духовная карьера). В руках его брата ниже – поднос с фруктами, у второго – справа вверху – медальон с фигурой рыцаря, у третьего – перо и чернильница. Вероятно, эти объекты также указывают на род их будущих занятий. Руки мальчика посередине справа не видны, но движение его тела предполагает, что они также не пусты. Девочка по имени Виржиния правой рукой держит указательный палец матери, а левой – лапку маленькой собаки на руках Бьянки, символизирующей её супружескую верность. И, несмотря на то, что аристократка изображена с пятью сыновьями, особое внимание уделяется её дочери. Она – единственный ребёнок, которого обнимает мать, и единственная, чьё имя начертано над головой. Вполне возможно, что портрет был написан специально для неё или в её честь, тем более что позже он достался её прямым наследникам, у которых хранился вплоть до недавнего времени. Эта картина – важное дополнение к зрелому «римскому» периоду творчества Лавинии Фонтаны и демонстрация её мастерства как портретиста и художницы моды. Детали сложных одеяний и психологическое разнообразие множества персонажей сравнимы лишь с другим её шедевром – «Визитом царицы Савской к царю Соломону» из коллекции Национальной галереи Ирландии. Портрет «Бьянка дели Утили Мазелли и её шестеро детей» в январе 2012 года был выставлен на аукцион Sotheby’s с первоначальной оценкой в 200 – 300 тыс. долларов США, а продан за 602,5 тысячи. ЛавинияФонтана Портрет _history

"Кенгуру из Новой Голландии" 1772 г. Джордж Стаббс Национальный морской музей, Гринвич. Не ценителям анималистической живописи портрет животного может показаться мало занимательным: просто кенгуру, да и с небольшими изъянами. Но тем не менее картина имеет не только художественную и историческую ценности. В ее истории скрывается целый пласт научных открытий, международных отношений и просто приключений. Сэр Джозеф Бэнкс был участником первого корабельного плавания британцев, посвященного исключительно географическим открытиям. Это знаменитое путешествие капитана Джеймса Кука по Тихому океану, проходившее в 1768-1771 годах. Бэнкс был одной из ключевых фигур в развитии европейского естествознания, натуралист и ботаник, покровитель науки и искусства. В течении двух лет Стаббс писал для него эти две картины. На суд британской публике полотна были представлены в 1773 году в Королевской Академии. Именно здесь англичане впервые смогли увидеть и познакомиться с таким экзотическим животным, как кенгуру из Новой Голландии — это первое название Австралии, которое дали ей голландские мореплаватели в начале XVII в. Забавно, что сам Стаббс никогда не видел кенгуру, а при работе над портретом ориентировался на описания тех, кому посчастливилось в живую лицезреть сумчатое. Ему предоставили шкуру и череп убитого животного, и он, как профессиональный знаток анатомии отлично справился с заданием «удаленно», не считая мелких недочетов (к примеру, неправильные уши). Отныне первооткрывателями кенгуру для европейского мира считаются три человека: Джеймс Кук, Джозеф Бэнкс и Джордж Стаббс. «Кенгуру из Новой Голландии» имеет целую историю борьбы за владение, которая произошла уже в наши дни. Все время картина хранилась у потомков жены Бэнкса. Но 2012 году министр культуры Англии Эд Вейзи, узнав о предстоящей продаже портретов кенгуру и Динго на аукционе за 9,3 млн австралийских долларов анонимному покупателю, объявил о временном запрете на вывоз полотен. Картины были национальным достоянием, и британские власти не планировали прощаться с столь ценными экземплярами. Это дало возможность телеведущему и зоологу Дэвиду Аттенборо (David Attenborough) начать акцию по сбору денег «Сохраним нашего Стаббса». Денег не хватало, и картину собиралась приобрети Национальная галерея Австралии. Срок окончания запрета подходил к концу, и тут в ноябре 2013 года произошло небывалое везение. Фонд семьи Эяля Офера (израильского корабельного магната и миллиардера) пожертвовал на сборы 1,5 миллиона фунтов стерлингов. Это превысило сумму, предложенную австралийцами, и дало возможность Национальному морскому музею в Гринвиче выкупить два портрета. Бизнесмен объяснил свой поступок тем, что картины имеют прямое отношение к британскому мореплаванию, а значит им самое место в морском музее. Изображение Кенгуру кисти Стаббса имеет большое значение не только для искусства Великобритании, но и Австралии. Сэр Рон Рэдфорд — директор Национальной галереи Австралии, выражая желание приобрети портреты животных, в 2013 году говорил, что этот кенгуру более 50 лет служил образцом для множества художников, которые и понятия не имели как он выглядит на самом деле. Героя картины растиражировали с помощью гравюр, а позже работа стала одной из иллюстраций в книге о первом путешествии Кука по Тихому океану. Существует мнение, что кенгуру стал символом Австралии благодаря именно Стаббсу, а также тому факту, что это животное не умеет двигаться назад (на самом деле умеет, просто делает это крайне редко), а значит оно — символ прогресса. К тому же кенгуру на первом гербе Новой Голландии изображен на основе портрета британского анималиста. ДжорджСтаббс Анимализм Романтизм _history

Джозеф Збуквич "Дождливый вечер в Париже"

Джозеф Коте "Отблески"

"Портрет Жанны Эбютерн в желтом пуловере" 1919 г. Амедео Модильяни Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк.

И все это долгое предисловие было ради уточки! Джозеф Кроухолл, шотландский анималист угадайте из какой художественной группировки. Родился в 1861 году в городе Морпет, учился в Лондоне, затем отправился в Париж, где пристрастился к японскому искусству и нашел себя в изображении птичек и рыбок. Путешествовал по Испании и Марокко, а потом вернулся в Англию, где разводил лошадок в сельской местности. Очень все у него декоративно - так и просится на подушечки. Часть акварелей, вроде той, на которой уточка в траве, под названием Белый Дракон (да, дракон!) выполнена на льняной ткани.

Ссора Оберона и Титании 1849 Джозеф Ноэль Патон Национальная галерея Шотландии, Эдинбург Картина шотландского художника по мотивам произведения Уильяма Шекспира «Сон в летнюю ночь». Спор между Обероном и Титанией возник из-за малыша, похищенного у индийского султана (он — подменыш, существовало поверье, что феи похищают новорождённых детей и вместо них подкидывают своих младенцев). Оберон требует от Титании отдать ему мальчика в пажи, Титания непреклонна в своём отказе мужу, так как мать мальчика была её подругой. В ссоре Титания обвиняет своего супруга в измене с Ипполитой, а он её — в связи с Тесеем. На картине реальный мир переходит в мир волшебной фантазии. Главные герои — король и королева фей и эльфов — изображены в полный рост и выглядят великанами на фоне малышей-эльфов. Индийский мальчик в колпаке, виновник ссоры, прячется за спиной Титании, держась за край шлейфа её платья. Восхищённый живописным произведением Льюис Кэрролл в своё время насчитал на картине 165 фей.

"Красные гладиолусы" 1919 г. Хаим Соломонович Сутин Музей Оранжери, Париж. В 1916-1919 годы Хаим Сутин создает целую серию цветочных натюрмортов, особое место среди которых занимают красные гладиолусы. Не стоит обманываться жанром «цветочный натюрморт» – нежности и романтизма в этих картинах мы не найдем. Никаких утопий и пасторали! Иллюзии, розы-грёзы – это не для него. Кажется, Сутин до боли в глазах всматривается в окружающую действительность, и краски его кричат, не умолкая, о том ужасе, в который приводит художника столкновение с ней – даже когда речь о букете цветов или двух детях, которые, взявшись за руки, идут по дороге. От этих кричащих красок невозможно отвести глаз. Цветочные натюрморты Сутина – отнюдь не то, на чем отдохнет уставший глаз, они – настоящее поле битвы. В этом смысле гладиолус выбран не случайно, этимология слова восходит к латинскому gladius - меч. В серии «гладиолусов» впервые на ведущие роли выходит красный – король цветовой палитры Сутина. Мы встречаем у него множество оттенков красного – пурпурный, алый, багряный, кровавый, огненный. Его красный – всегда насыщенный, слепящий. В отличие от фовистов, которые тоже уделяли пристальное внимание цвету, у Сутина цвет не бывает декоративным, он всегда – ключ к чувствам, а чувства эти - никогда не спокойствие. «Экспрессия содержится в мазке», – говорил Сутин. «Красные гладиолусы» из парижского музея Оранжери особенно примечательны в этом смысле. Мазок – плотный, густой, очень ощутимый, явственный. Самого Сутина причисляют к экспрессионистам, хотя он не «вошел в круг» экспрессионистов. Он вообще ни в какие общества и круги не входил, зато близко дружил с Модильяни, изрядно озадачивая публику, которая не могла понять, что общего у изысканного, лощеного знаменитого экспрессиониста и этого странного, оборванного, нервного маленького еврея. Разве что огромный талант? Но в Сутине его увидят позже. Сутин работал в трех жанрах: натюрморт, пейзаж, портрет. Ни в одном из них не отличался натурализмом. Его не интересует, какая форма листьев и цветов у гладиолусов, единственное, что имеет значение – страсть красного, жар и ощущение битвы, которое возникает при взгляде на эти кровавые цветы. Кстати, он неоднократно говорил, что если бы не был художником, то стал бы боксером. Бой на свои холсты он точно перенес. Кто-то из современников прокомментировал «цветы» Сутина: они словно «когти, грубо раздирающие воздух». ХаимСутин Экспрессионизм _history

"Нью-йоркский кинотеатр" 1939 г. Эдвард Хоппер Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). Автор картины «Нью-Йорский кинотеатр» (англ. New York Movie) – знаковый иллюстратор и живописец Нового Света, один из основоположников американского реализма – Эдвард Хоппер. Работа создана мастером в 1939 году: это период его большой творческой активности, когда художник, наконец, получил желанное признание. На полотне выхвачено мгновение из жизни нью-йоркского кинотеатра. Композиционно работа разделена вертикалью стены, отделяющей кинозал от выхода. В левой части в полупустом зале демонстрируется фильм. Немногочисленные зрители поглощены сюжетом кинодрамы. В правой части мы видим занавешенный портьерами выход на лестницу, у которого стоит девушка-капельдинер. Она застыла в скучающей позе, прислонившись к стене. Золотые волосы молодой женщины сияют под светом электрического бра. В десятый, а может и сотый, раз ожидая окончания фильма, служащая синематографа выглядит отчужденной, погруженной в собственные мысли. Моделью для образа героини данной картины, как и для многих других работ Хоппера, послужила жена художника – Джозефина (Джо). Художница, она была компаньоном Эдварда всю их драматичную супружескую жизнь, которая длилась без малого 42 года. Сама Джо вспоминала, что интерес к зарисовкам кинотеатров у мужа вызвала ее акварель «Кинотеатр — Глостер». Якобы под влиянием именно этой работы Хоппер сделал десятки эскизов синематографов Нью-Йорка, в которых часто бывал. В результате для своей картины автор придумал всё внутреннее убранство кинозала, вплоть до рисунка на ковровой дорожке. «Когда я не чувствую потребности рисовать, я хожу в кино на протяжении недели или больше. Я настоящий фанат кино!» (Э. Хоппер) Показанная художником сценка из жизни кинотеатра выходит за рамки одного кадра. Сюжет картины основан на противопоставлении: двух миров и двух состояний. С одной стороны – полутемный кинозал, где зрителей поглотил, увлек недолговечный мир грез и иллюзий. С другой – статичная фигура служащей кинотеатра, символизирующая реальный мир, в котором вечные спутники человека – одиночество и скука. Освещенная фигура капельдинерши уравновешивает полутемный зал со зрителями и светящимся экраном. Пока зрители переживают киноисторию, у капельдинерши время остановилось. Манящий мир сладостных грез и безнадежная реальность. Одной из особенностей творчества Эдварда Хоппера является не только его "приумноженный", а иногда и жесткий реализм, но и уникальный подход к выбору сюжета. Автор предпочитает изображать будто случайно обрезанные фрагменты зданий, где есть изгибы, углы или огромные окна. В контрастном освещении обычные детали фасадов и интерьеров становятся больше, чем просто декорациями. Свет также играет одну из ключевых ролей в его работах. Художник направляет его на своих персонажей, отчего их сложное эмоциональное состояние становится еще отчетливее. Зачастую герои картин Хоппера замкнуты и напряжены. В то же время они охвачены меланхолией, безразличием, они замкнуты и будто находятся в беззвучном коконе «вне эмоций», как и эта служащая в «Нью-Йоркском кинотеатре». Застывшее отчужденное состояние героини автор еще более подчеркнул, поместив ее в самое светлое место на полотне. Хотя художник показал кинотеатр, в котором публика смотрит увлекательный фильм, впечатление от картины формируется под влиянием эмоционального состояния одинокой девушки-капельдинера. Сам Эдвард Хоппер слыл замкнутым и немногословным. Безнадежное одиночество человека в современном обществе - один из лейтмотивов большинства работ живописца. Сегодня картины Хоппера стали классикой. Эта работа хранится в Нью-Йоркском музее современного искусства. ЭдвардХоппер _history

Мераб Гагиладзе (1972) «Царь Соломон» 2021 холст, масло. 90х150 см мераб_гагиладзе

Джозеф Декер (1880-е)

Джозеф Райт из Дерби - Две девочки, одевающие котёнка при свете свечи, 1768—1770, холст, масло, 90,8 × 72,4 см, Кенвуд-хаус, Лондон, Великобритания Joseph Wright of Derby - Two Girls Dressing a Kitten by Candlelight, c. 1768–1770, oil on canvas, 89 × 68 cm, Kenwood House, London, UK

Известно три работы Артемизии Джентилески, носящие название «Купание Вирсавии»: одна хранится в Новом Дворце (Потсдам), другая в Галерее искусств (Коламбус), третья – в частной коллекции. Они аналогичны по композиции и различаются лишь в деталях. Во всех случаях обнажённая Вирсавия сидит перед балюстрадой в окружении своих служанок. У её ног расположился блестящий сосуд для омовений, а позади неё – городской пейзаж с облачным небом, деревьями и строениями, украшенными декоративными колоннами. Все три считаются написанными в Неаполе, когда художнице было уже далеко за 50. Вирсавию традиционно изображают купающейся, потому что за этим занятием, согласно Библии, её впервые увидел израильский царь Давид. Он прогуливался по крыше своего дома и с высоты перед его глазами открылось дивное зрелище: во дворе совершала омовение жена одного из храбрейших израильских воинов, Урии Хеттеянина. Пленённый редкой красотой Вирсавии, Давид приказал привести женщину в свои покои. Так она стала возлюбленной царя. Позднее Давид велел своим военачальникам бросить Урию в самую гущу сражения, «чтобы он был поражён и умер», а когда это случилось, женился на Вирсавии. Их первенец родился мертвым, и Давид раскаялся в том, что так согрешил перед Богом. О его раскаянии повествует знаменитый 50-й Псалом, который обязательно включается в состав церковной службы. Покаяние Давида было принято: Бог послал им с Вирсавией сыновей Нафана и Соломона, ставшего царём после Давида. Интересно, что на большинстве полотен Артемизии Джентилески можно видеть нагое женское тело, однако редкие на её картинах мужчины – всегда одеты. Такое положение дел объяснимо тем, что Церковь категорически запрещала женщинам писать обнаженных моделей-мужчин. Женскую натуру Артемизия, как правило, писала с себя, но для Вирсавии ей, скорее всего, понадобилась другая модель. Сравнивая «Вирсавию» с более ранними героинями Артемизии (Юдифью или Лукрецией), можно видеть, что манера художницы претерпела большие изменения. В молодости она больше была подвержена влиянию Караваджо, в её картинах было больше драматических контрастов и больше сильных эмоций. Но когда зрелая Артемизия писала Вирсавию, мода очень переменилась: заказчики охладели к караваджизму, а ему на смену пришло искусство более рафинирование, которое потом получит название маньеризм. Извилистые линии и грациозно-капризные жесты в «Купании Вирсавии» говорят о том, что Артемизия Джентилески не боялась экспериментировать и модифицировать своё искусство, если этого требовали новые тенденции. Вполне замечательные пейзажи на заднем плане «Купания Вирсавии», как считается, не принадлежат кисти Артемизии – она не была мастером пейзажной живописи. Предполагают, что пейзажи для её картин исполнены художником Вивиано Кодацци. АртемизияДжентилески МифологическаяСцена Барокко _history

"Кораблекрушение" 1805 г. Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер Тейт Британия, Лондон.