​​Субботний солнечный день я провела в «Коломенском» во Дворце царя Алексея...

Исаак Левитан - Близ Бордигеры. На севере Италии (1890) Большую часть сохранившихся картин Левитана можно разделить на два настроения: меланхоличную спокойную задумчивость и тихую, обнадёживающую радость. К первым подходят вечерние и ночные пейзажи, ко вторым – утренние и дневные. Для художника совершенно нехарактерно деление на сезоны; например, его осенняя живопись может быть задумчивой, как на полотнах «Осень», «Туман. Осень» и заразительно жизнерадостной, как в случае с картинами «Золотая осень» и «Большая дорога. Осенний солнечный день». Влюбчивый по натуре не только в женщин Левитан искренне любил окружающий его бессловесный неторопливый мир природы, отдаваясь творчеству без остатка.

"Иней" Игорь Грабарь,1905 > Ярославль, Художественный музей На полотне «Иней» представлена настоящая волшебная сказка зимнего леса, увиденная солнечным морозным утром. На фоне голубого неба застыли белесые деревья, свесив свои тонкие серебристые, замороженные ветви. Живописец увидел и удивительно тонко передал на холсте нежно-звучный хрустальный образ. Сам он о любимом зимнем явлении говорил следующее: «Немного на свете таких потрясающих по красочной полифоничности моментов, как солнечный день инея, где цветовая гамма, ежеминутно меняясь, окрашивается в самые фантастические оттенки, для которых на палитре не хватает красок». Колорит полотна строится на сочетании белого оттенков голубого, яркими акцентами выступают насыщенные темно-серые тона. Манера написания картины малыми, как бы вибрирующими мазочками отчасти напоминает приемы пунктуализма. В целом «Иней» прекрасно передает невероятное ощущение нежности и воздушности этого скованного холодом состояния природы.

"Закат зимой. Берег моря" Архип Куинджи, 1890 > Санкт-Петербург, Русский музей Величие и красота природы Крыма неизменно восхищали Куинджи. Особое пристрастие художник питал к тем явлениям, изображая которые он мог бы передать на холсте эффекты природного освещения. Ряд произведений в творчестве живописца посвящен закатному солнцу и пылающему от его лучей небу. Здесь Куинджи изображает расплывающийся в туманном воздухе желтый солнечный шар, опускающийся в море, яркие лучи и насыщенные пурпурными красками небеса, раскинувшиеся над зимним морским берегом. Для неба, морского побережья и самого зимнего моря, освещенного закатными солнечными лучами, художник использует форсированную цветовую гамму, в которой сочетаются оранжево-красные, фиолетовые и темно-зеленые тона. Сочетания красок, построенные на цветовом контрасте, можно было бы посчитать нереальными, если не знать, насколько трепетно мастер относился к природным тонам и сколько он прилагал усилий, чтобы как можно точнее перенести их на холст или бумагу.

«После дождя» 1935г. Александр Герасимов Пожалуй, картина «После дождя» - это самая яркая, мастерски выполненная работа Александра Михайловича. Он активно и много работает в Москве, но отдыхать любит в родном городе Козлове, где и пишет свою знаменитую мокрую террасу после дождя. По воспоминаниям близких Герасимова, картина была выполнена, как говорится, в один присест - всего за три часа, воодушевленно, без исправлений и перерывов. Композиция полотна построена так, как будто наблюдатель, пережидающий ливень внутри домика, приоткрывает дверь и вдруг видит это великолепнейшее зрелище, подаренное природой. И она - умывшаяся, свежая, оживленная после шумного летнего ливня - приводит живописца в восторг. Солнце еще не вернуло свою силу, оно пока скрыто за нехотя уходящими тучами. Благодаря этому, автор уловил рассеянный, туманный солнечный свет, на фоне которого трепещет листва, переплетаясь в причудливое зеленое кружево. Еще немного, и все вокруг заиграет и засветится в золотых лучах.

«Мальчик с юлой» 1738г. Жан Батист Симеон Шарден Интересно то, что свои изображения детей Жан Батист Симеон Шарден никогда не называл портретами. Вместо этого он употреблял такое определение, как «жанровая сцена». Как и взрослых, так и детей, живописец изображал непременно за каким-нибудь занятием. Действие помогало Шардену написать эмоции, сосредоточится на внутреннем мире. В картине преобладает зелёный колорит. Мастерское использование полутонов позволяет не только расставить акценты (например, розовый румянец) в работе, но и привнести дополнительные элементы, как косой солнечный луч на обоях или зеркальный стол. Представленная картина появилась на выставке в Салоне в 1738 году и удостоилась множества восхищённых отзывов. Популярность работы была такая, что Шарден создал ещё несколько полотен на данный сюжет.

"Сад Ошеде. Монжерон" 1881 г. Альфред Сислей ГМИИ имени А. С. Пушкина. Этот сад писал не только Сислей. Хозяин сада и дома в Монжероне, Эрнест Ошеде, был одним из первых поклонников молодых художников-импрессионистов. Он покупал их картины и часто спасал этим от голода. И был, кстати, владельцем легендарного полотна Моне «Впечатление. Восход солнца», которая дала название всему движению молодых художников. Он приглашал Клода Моне, Эдуара Мане и Альфреда Сислея в свое поместье в Монжероне, где они жили по несколько месяцев и писали местные пейзажи и декоративные панно для огромного дома Ошеде. Художники отдыхали: в этом доме их всегда ждала мастерская в парковом павильоне, приятное общество, изысканная еда и вино, солнце и живописные места. Эрнест - наследник успешного бизнеса. Его родители создали торговое предприятие и занимались продажей тканей. У него жена Алиса, тоже богатая наследница крупных промышленников, и пятеро детей. Дела идут неплохо. Когда Эрнест разорится, бестолково угробит родительский бизнес и истратит родительские деньги, парижские журналисты будут писать ядовитые статьи: как это мило со стороны художника Клода Моне - приютить у себя в доме семью Эрнеста Ошеде, который стал банкротом, покупая его картины. Это была правда лишь наполовину: Моне действительно пригласил Эрнеста, Алису и их детей снимать один дом на две семьи, когда с деньгами у Ошеде стало туго. Но в разорении неудачливого торговца виноват был только он сам. Этот солнечный пейзаж Сислея подписан 1881 годом - к тому времени Эрнест уже разорился и заложил поместье. Его семья уже жила с Клодом Моне, а сам он был в постоянных разъездах и увлеченно делал карьеру журналиста в Париже. Дети Эрнеста скоро станут называть Клода Моне папой, а пока еще законная жена Ошеде Алиса станет возлюбленной и помощницей Моне. Так что скорее всего Сислей начал работу над «Садом Ошеде» за несколько лет до этого, когда Эрнест еще мог себе позволить скупать картины импрессионистов сотнями, когда беззаботная жизнь в Монжероне казалась бесконечной, а легкий летний флирт хозяйки дома Алисы Ошеде и молодого темпераментного талантливого Клода Моне еще казался мимолетным и несерьезным. Вот только дотянутся знойные ленивые тени до другого края сада - и все это наваждение рассеется. АльфредСислей Импрессионизм _history

​​Сегодня будет субботний выпуск — слишком много хороших новостей! Важный проект, поддерживающий искусство в наших культурно-богатейших регионах: ️Выставка «Рихтер регионы: Нижний Новгород» продлится до 30 апреля! ️Завтра в Пушкинском музее пройдет ежегодная акция «Я покажу тебе музей». В этот день старшеклассники и студенты – участники программ Пушкинский.Youth, – проводят в музее экскурсии, игры и квесты, участвуют в перформансах. Во время акции посетители могут по-новому взглянуть на известные экспонаты и увидеть музей таким, каким они его еще не видели. ️В Краснодаре до 25 апреля проходит Pop-up фестиваль в рамках года Германии в России, посвященный современному искусству, кино, музыке и образованию. Есть события онлайн. ️Сегодня Фонд Ruarts открывает двери нового пространства, внутри которого разместились выставочные залы с постоянной и временными экспозициями, библиотека, образовательный центр, книжный магазин и кафе. Первым проектом в новом пространстве стала выставка «Мягкая родина», состоящая из произведений из коллекции фонда, в которых четко прослеживаются основные тематические линии. Название выставки позаимствовано у художника Дмитрия Цветкова, чья одноименная работа открывает проект. Созданная в 2011 году, «Мягкая родина» Цветкова выполнена из шерсти и парчи, это бережно расшитая жемчугом карта России, где каждый регион — это отдельная мягкая драгоценная подушка. Фото: Дмитрий Цветков, Мягкая родина, фото Ивана Ерофеева https://telegra.ph/file/6e39fbba7057a55385729.jpg

"Голливудские африканцы" Жан-Мишель Баския, 1983 > Нью-Йорк, Уитни В 1983 году Баския уже был известным художником и за пределами Нью-Йорка. Он стал много путешествовать – в этом году он отправился в Лос-Анджелес, что бы представить свои картины на выставке. Рэп-музыкант Rammellzee и граффити-художник Toxic составили ему компанию. Полотно «Голливудские африканцы» было написано во время этого путешествия. На картине мы видим их троицу, как будто стоящую под прицелами фотокамер, на фоне красочного жёлтого цвета, который символизирует солнечный Голливуд. И честно говоря выглядят они не особо довольными. В то время, в Америке 80-х расизм ещё преобладал над здравым смыслом. Даже будучи уже успешным художником, Баския подвергался агрессии. «Голливудские африканцы» является издёвкой над всеми стереотипами, касающихся темнокожих актеров в 80-е годы. Автор их выписал и вычеркнул те, на которые хочет обратить наше внимание в первую очередь, что было его коронным приемом.

Николай Пимоненко "Идиллия" (1908) Пимоненко большую часть своего творчества посвятил малороссийским бытовым сюжетам, изображая жизнь простых крестьян, которых знал лично. За это его называли «певцом украинского села». На картине художник изобразил реальных людей, которые были его соседями в селе Малютянка Киевской области. На первый взгляд кажется, что на картине действительно царит идиллия, но, приглядевшись, можно заметить, что парень незрячий. Он неестественно смотрит в одну точку и опирается на палку, которая служит ему помощником при ходьбе. Однако несмотря на слепоту, парень не отличается робостью. Он пытается ухаживать за девушкой и даже преподнёс ей ромашку. Красавица покраснела и, опустив взгляд, не отводит глаз от цветка. Солнечный свет заливает обоих влюблённых, создавая настоящую идиллию.

"Аржантей" 1874 г. Эдуар Мане Музей изящных искусств, Турне. Знакомство Клода Моне и Эдуара Мане началось с очевидного недоразумения – путаницы с фамилиями. После открытия очередного Салона к Мане начали подходить знакомые и хвалить две его марины. Какие марины? Он не посылал на Салон никаких марин! Оказывается, что какой-то молодой нахал пользуется сходством фамилий, чтобы прославиться, мало того – еще и картины его имеют больший успех. Со временем обиды и претензии растворились в огромном взаимном уважении и восхищении. Летом 1874 года художники работали вместе на берегу Сены, в Аржантейе – и Мане как будто решил поиграть со своими друзьями в их импрессионизм. Но по своим правилам. Все импрессионистские находки он этим летом примерил и освоил: короткие отрывистые мазки, светлая палитра, пленэр и солнечный свет. И все равно остался самим собой. Он писал воду и пейзажи, самого Клода Моне, работающего в плавучей мастерской-лодке, но всегда отыскивал то, что интересовало его всегда: отношения мужчины и женщины и внутренние живописные законы произведения, которые не всегда совпадали с закономерностями природных цветов. Так появилась загадочная средиземноморская синева Сены на картине «Аржантей», за которую Мане исступленно поносили критики, требующие соответствия действительности, и которая стала очередной попыткой художника натренировать глаза зрителей на новый взгляд на искреннее, эмоциональное искусство. «Художник может все выразить при помощи фруктов и цветов или одних облаков», - считает Мане. И на этот раз ему хватило синевы Сены, чтобы создать то радостное настроение, в котором пребывал он в то лето и в котором находились окружавшие его влюбленные пары, медленно плывущие по реке и звонко смеющиеся. Когда на Салоне 1874 года кто-то робко пытался похвалить картину Мане, ему обязательно кричали в ответ: «Но эта синева!» «Река цвета индиго, плотная, как металл, прямая, как стена», - захлебывались в возмущении критики. Их интересовала одна только вызывающе синяя река. Этот Мане просто издевается и смеется над ними, нарочно устраивает шумиху и раздувает скандалы вокруг своего имени. «Мое честолюбие – никогда не повторять завтра то, что сделал вчера», - говорил Мане. И после этого лета он больше никогда не напишет синюю Сену, но напишет «Весну», проданную в 2014 году за 65 млн. долларов, и «Бар в «Фоли-Бержер», никогда не повторяя себя вчерашнего. ЭдуарМане Импрессионизм _history

Катание на санях в солнечный зимний день 1919 Петер Мёнстед Известный датский художник-реалист, признанный мастер пейзажа, представитель «Золотого века» датской живописи. С начала XX века и до самой смерти Мёнстед был одним из популярнейших и состоятельных живописцев. Его работы вряд ли можно отнести к академической пейзажной живописи, так как его творчество находилось под сильным влиянием французского импрессионизма. Художник рисует то, что видит, особенно часто поля, леса, сельские домики и дворы. Его пейзажи располагают к долгому созерцанию. Несмотря на многочисленные поездки по миру, полотна, в основном, написаны в Дании и изображают северные нетронутые пейзажи почти без человеческих фигур. Мастеру удалось постепенно развить виртуозную эскизную технику, которая в сочетании с традиционным ландшафтным или жанровым мотивом снискала ему широкую известность среди публики.

"Прием императорской семьи в Судаке" 1867 г. Иван Константинович Айвазовский Частная коллекция. В 1867 году Иван Айвазовский сопровождал императрицу Марию Александровну и ее детей – великого князя Сергея Александровича и великую княжну Марию Александровну – в Константинополь. На обратном пути высочайшее семейство изъявило желание посетить дом художника. Сначала отправились в Феодосию, где им был оказан достойнейший прием. Царевич, услышав о великолепных виноградниках в имении Айвазовского в Судаке, загорелся желанием побывать и там. Хозяин ответил, что будет счастлив, но счастлив стал явно не прямо в тот момент. Дело в том, что в Судаке у Айвазовского не было дома, в котором можно принять царскую семью. В имении стояла сторожка управляющего, и, конечно, пригласить туда императрицу и ее детей было немыслимо. До утра не спала вся Феодосия. В Судак отправлялись бесчисленные подводы, перевозившие поваров и яства, музыкантов и танцоров, фрукты, вино, цветы, ковры, посуду. Когда яхта подошла к берегу, ее встречали наряженные местные жители. В павильоне сада был сервирован восточный пикник: разложенные на земле богатые ковры, отменные яства. В разгар празднества Айвазовский незаметно ушел. Он отсутствовал некоторое время, потом снова присоединился к веселью. Когда высокие гости поднялись на корабль, на стене каюты они обнаружили эту небольшую картину, изображающую только что происшедшие события – прием императорской семьи в Судаке. Перед нами утренний черноморский пейзаж. Ясный солнечный день, рассветная дымка уже тает на солнце, синее море бликует под солнечными лучами. На якоре в бухте стоит императорская яхта, на берегу развеваются флаги, а местные жители вышли навстречу высоким гостям. На заднем плане виднеются Крепостная гора, гора Сокол и мыс Капчик. В 2014 году на аукционе Sotheby's при эстимейте 120 000 – 180 000 фунтов стерлингов картина «Прием императорской семьи в Судаке» была продана за 146 500 фунтов стерлингов. ИванАйвазовский Пейзаж _history

"Зонтик" 1777 г. Франсиско Гойя Национальный музей Прадо, Мадрид. Увлекательная «Санта-Барбара» «Санта-Барбара» – это не только бесконечная американская мыльная опера. В Испании XVIII века так же называлась королевская ковровая фабрика – мануфактура «Санта-Барбара» (или, сказать проще, фабрика святой Варвары). «Совпадение? Не думаю», – так и тянет пошутить, тем более что и задача у обеих Санта-Барбар была примерно одинаковой: на длительное время сделать людям красиво, а также приятно, весело и интересно. Испанская «Санта-Барбара» для этой цели выпускала гобелены – большие безворсовые ковры ручной работы с жизнерадостными сюжетами и исполненными изящества харизматичными героями. Такие гобелены могли занимать почти всю стену, и ими с удовольствием декорировали не только частные дома, но и королевские покои. Вот на такую фабрику гобеленов и устроился работать приехавший в конце XVIII века в Мадрид из Сарагосы молодой художник Франсиско Гойя (справедливости ради скажем – попал он туда не с улицы, а по протекции Франсиско Байеу, придворного художника и старшего брата жены Гойи Хосефы). Задачей Гойи было создавать рисунки, на основе которых «Санта Барбара» будет ткать гобелены. Какие же сюжеты могут подойти? Кстати сказать, во Франции примерно в это же время или чуть раньше фабрику гобеленов возглавлял коллега Гойи – знаменитый художник Франсуа Буше. Темы для гобеленов выбирались идиллические: у французов это были резвящиеся на лоне природы пастухи и пастушки, в Испании персонажами гобеленов тоже были люди из простонародья – махо и манолас. Махо – это представители испанских городских низов, весёлые, темпераментные и витальные. Они готовы в любой момент схватиться за нож, не дураки выпить и вообще довольно криминализированы (как всякие социальные «низы») и в то же время остаются хранителями народных традиций. Их страстных подруг называют «махи» (отсюда – название известных картин Гойи). «Махи» – женщины легкого нрава и таких же правил, что отличает их от «манолас» – приличных девушек строгих правил, этаких «благородных мах», впрочем, столь же безоглядно уверенных в собственной неотразимости. Во времена Гойи изображения махо, мах и манолас были чрезвычайно популярны. Их национальные наряды были так выразительны, ярки и красивы, что даже аристократки, женщины из знатных родов, очень любили время от времени, особенно во время карнавалов и светских вечеринок, наряжаться в народном духе. Это было модно, а в текущей политической ситуации еще и помогало сохранять национальную идентичность. Особой приверженностью к испанскому народному костюму отличалась небезызвестная герцогиня Альба. На ростовых портретах Гойи она, аристократка, как раз одета в испанском народном стиле. Картоны Гойи для «Санта-Барбары» Всего Гойя выполнил не менее шестидесяти монументально-декоративных панно, служащих эскизами для гобеленовой мануфактуры. Их отличает удивительная, не представимая в дальнейшем творчестве Гойи искрящаяся жизнерадостность, многообразие и звучность палитры. Гойя вдохновенно создаёт счастливую утопию «естественного человека» с опорой на глубоко народные образы и представления о мире – образы той среды, откуда вышел и он сам. Картоны Гойи едва не были утрачены. После создания шпалер эскизы, на основе которых делались гобелены, становились не нужны. Сам Гойя, чей ранний период исследователи назовут «гобеленовым», не очень любил эти работы, справедливо полагая, что способен на большее, и не собирался их хранить. Картоны были забыты и некоторое время их местонахождение оставалось не известным. В 1860-х они были случайно обнаружены в каком-то подвале и переданы в Прадо. Гобелен Гойи «Зонтик» «Зонтик» – один из самых жизнерадостных и красивых картонов Гойи. Он изображает молодую манолас, сидящую на траве с маленькой собачкой на коленях. День солнечный, и чтобы красотка не обгорела, её услужливо прикрывает зонтиком юный махо в бархатном костюме и головном платке, которые, наряду с широкополыми шляпами, любили носить молодые испанцы. ФрансискоГойя Романтизм _history

Исаак Левитан "Озеро" (1900) Это последняя крупная работа Левитана. Художник писал её незадолго до своей смерти, и она осталась неоконченной. Впервые эта картина, под названием «Солнечный день», была выставлена на посмертной выставке Левитана, проходившей в Санкт-Петербурге и Москве в 1901 году. Картина является одним из трёх самых больших по размеру произведений художника — наряду с картинами «У омута» и «Над вечным покоем».

"Бассейн в гареме" Жан-Леон Жером, 1876 > Санкт-Петербург, Эрмитаж На картине изображена турецкая баня в гареме. Сквозь маленькие щелочки в потолке проникает солнечный свет. Взоры двух женщин обращены к служке, подающей им кальяны. Одна из них сидит на разноцветном национальном ковре, другая полулежит на ступеньке хамама. На заднем плане возле бассейна виднеется еще несколько женских фигур. Излюбленная Жеромом тема наготы женских тел противоречила мусульманским традициям. Художник с такой точностью изобразил все составляющие турецкой бани, что невольно возникает мысль, будто он видел это собственными глазами. Но этого быть никак не могло, потому что гарем ревностно охранялся от посторонних взглядов, тем более европейских мужчин. Гарем был гордостью султана. Он постоянно пополнялся новыми наложницами со всех концов света. И даже при всём уважении к творчеству Жерома ему вряд ли позволили бы писать с натуры в женской бане. Неординарная фантазия художника в очередной раз воссоздала реальный мотив.

​Композиционный центр картины служил предметом многочисленных дискуссий. Искусствовед Хосе Лопес-Рей находит три таких центра: в инфанте, художнике и отражении королевской пары в зеркале. Лео Штейнберг, соглашаясь с тройственностью композиционного центра, считает причиной его неустойчивости намеренно скрытые линии перспективы, хотя точка схода в локтевом сгибе стоящего в дверях Ньето определяется довольно строго по продолжению линии пересечения правой стены и потолка. Глубина сцены создаётся с помощью линейной перспективы, частичного перекрытия разноудалённых слоёв и использования светотени, тщательное исполнение которой искусствовед Кеннет Кларк считает ключевым фактором для создания композиции. Свет из окна справа освещает передний план сцены и, по замечанию Мишеля Фуко, невидимую область перед ней, где находятся король, королева и зритель. Хосе Ортега-и-Гассет делит пространство на три части: ближний и дальний планы, освещённые естественным светом, и затемнённый между ними средний. Солнечный свет блестит на золотых волосах карлицы, но поворот головы не фокусирует внимание зрителя на её лице. Таким же приёмом не акцентируются черты лица доньи Исабель — свет лишь мягко касается её щеки, оставляя в тени внешность и платье. Инфанта, напротив, ярко освещена. Лицо обрамлено лёгкими прядями волос, отделяющими её от всего прочего на картине; свет моделирует объёмную геометрию формы, подчёркивая корсет с лифом и юбку с кринолином; тень резко контрастирует с яркой парчой — всё это притягивает к маленькой фигурке основное внимание зрителя. https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/2a/Diego_Vel%C3%A1zquez_Las_Meninas_Die_Hoffr%C3%A4ulein_Schema_rus.png

Большой всплеск 1967 Дэвид Хокни Галерея Тейт Масштабная картина в стиле поп-арт размером 2,42 м на 2,44 м. Бассейн рядом с современным домом, поверхность которого нарушена большим всплеском воды, созданным невидимой фигурой, которая, по-видимому, только что прыгнула с трамплина. Типичный калифорнийский день: тёплый и солнечный с безоблачным голубым небом. На заднем плане две пальмы нависают над большим одноэтажным домом с плоской крышей и большими раздвижными стеклянными дверями, перед которыми на широком розовом патио стоит пустое директорское кресло с тонкими скрещенными ножками. Тень под креслом говорит о том, что солнце стоит высоко в небе, что даёт определить приблизительное время запечатлённого момента (около полудня). На переднем плане трамплин.

Нью-йоркская улица с луной 1925 Джорджия О’Кифф Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид погруженные в тень высокие здания и светящий несколько сверхъестественным светом фонарь обрамляют сумеречное небо с луной, выглядывающей из-за мягких облаков. Упрощённость форм и резкость низкой перспективы, унаследованные от прецизионизма и фотографии, усиливают самобытный символизм, которым отличается зрелый этап творчества художницы. Художница считала, что «нельзя написать Нью-Йорк таким, каким он есть, а только таким, каким ты его чувствуешь». В этих словах О’Кифф отразилась любовь к городу небоскрёбов и понимание искусства как средства выражения её чувств и её понимания мира. Похоже, художница предпочитала таинственность ночных сцен, нежели солнечный свет, который она любила использовать для изображения цветов и других объектов сельской архитектуры.

Исследователи обратили внимание, что композиция картины «Аллея парка» (находится в Третьяковке) Исаака Бродского подозрительно напоминала другую работу художника - «Аллею парка в Риме» (Бродский был скуп на оригинальные названия). Это полотно долгое время считалось утерянным, а его репродукция была опубликована лишь в довольно редком издании 1929 года. С помощью рентгенограммы исчезнувшая мистическим образом римская аллея была найдена — прямо под советской. Художник не стал счищать уже готовое изображение и просто внес в него ряд нехитрых изменений: переодел прохожих по моде 30-х годов XX века, «отобрал» у детей серсо, убрал мраморные статуи и немного видоизменил деревья. Так солнечный итальянский парк парой легких движений руки превратился в образцовый советский. На вопрос, почему Бродский решил спрятать свою римскую аллею, исследовали ответа не нашли. Но можно предположить, что изображение «скромного обаяния буржуазии» в 1930 году с идеологической точки зрения было уже неуместным.

"Пряхи, или Миф об Арахне" 1650-е Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. Перед нами масштабная картина, которую знаменитый социолог ХХ века Хосе Ортега-и-Гассет считал лучшей из поздних картин Веласкеса. Не избалованные всеобщим вниманием «Менины» с испанскими королевскими особами, а простонародных «Прях», написанных Веласкесом за три года до смерти (Прадо, где хранится полотно, датирует картину 1655 - 1660 гг), называет Ортега настоящей вершиной. Но для понимания картины, полное название которой «Пряхи, или Миф об Арахне», потребуется определённое интеллектуальное усилие. С первого взгляда не сразу и сообразишь, что именно перед нами происходит: никто из женщин не смотрит на зрителя, не посылает ему объяснительных сигналов. Позы прях на переднем плане настолько же реалистичны, насколько необычны. Обычно Веласкес писал королевских или придворных особ – они располагались лицом к зрителю и изображались в традиционной торжественной статике. А здесь мы видим героинь в ритмичном волнообразном движении. Некоторых – со спины. Других – наклонившимися, развернувшимися, присевшими – словом, полностью поглощенными работой. Помещение, где женщины заняты пряжей, темновато. Это заставляет вспомнить о ранних бодегонах Веласкеса – бытовых сценках, исполненных в манере Караваджо. А впереди, в смежной комнате, отделённой от нашей двумя массивными ступенями, потоком струится солнечный свет. Ортега-и-Гассет, кстати, полагал, что этот поток света, падающего слева, и есть протагонист (главный герой) картины. Свет щедро проливается на другую группу женщин в парадных пышных платьях. Рядом с ними располагаются музыкальные инструменты, а вся стена затянута гигантским дорогим гобеленом, изображение которого, при желании, тоже поддаётся расшифровке. Но прежде возникает вопрос: а что общего между этими двумя группками женщин? Чем они связаны? Почему эти два разнородных пространства Веласкес объединил? Причем не просто объединил, а подчинил принципу зеркальности. Композиционно эти группы аналогичны: по две героини справа и слева, а одна – впереди и несколько в глубине. Но уподоблены группы героинь на первом и втором планах только для того, чтобы тут же их противопоставить. «Здесь работают – там играют, здесь необработанная шерсть – там готовый гобелен, здесь отдёргивают портьеру, чтобы впустить свет, – там все залито светом, здесь крутится колесо прялки – там стоит виолончель, на которой никто не играет. Здесь пространство работы, ремесла, действия, там – созерцания, чистого искусства, - сравнивает искусствовед Марина Торопыгина, - две эти темы – ремесло и искусство – сопоставляются и в то же время как будто отражаются одна в другой». Однако оказывается, что связь между этими двумя группами персонажей, двумя разнородными мирами – гораздо глубже. Она не просто композиционная, но и смысловая. Дело в том, что, гобелен, который с таким вниманием рассматривают знатные дамы, рассказывает нам о… пряхах. Сравнительно недавно удалось установить, что изображение гобелена написано по мотивам картины Тициана «Похищение Европы». А это сразу же заставляет вспомнить о мифической пряхе Арахне. Согласно античной легенде, Арахна так возгордилась своим умением, что вызвала на поединок саму Афину – не просто богиню мудрости, но еще и изобретательницу веретена. Дерзость Арахны простиралась и дальше: она выткала на полотне эпизод из многочисленных любовных приключений отца Афины Зевса, а именно тот, где он похищает дочку сидонского царя Европу. Афина в назидание превратила Арахну в паука, чтобы ей вечно плести свою паутину (боязнь пауков так и называется – «арахнофобия»).

"Субботний день" 1914 г. Андре Дерен ГМИИ имени А. С. Пушкина. Кажется, что в эту комнату, изображенную Андре Дереном чуть ли не в натуральную величину, зритель мог бы войти – а возможно, он уже в ней, рядом с тремя женщинами. Хозяйка с резкими чертами лица что-то говорит служанке, оторвавшись от книги, страницы которой заложила пальцем, а девушка с рукоделием сосредоточена на своей тонкой работе. Каждая могла бы стать отдельным портретом. У них узкие длинные фигуры с вытянутыми шеями, головы чуть повернуты и наклонены, жесты тонких пальцев многозначительны, а складки на одежде заложены туго и тщательно – да и все остальные драпировки тоже. Сумрачный колорит, простота обстановки с автономным натюрмортом на столе и лаконичный пейзаж за окном дополняют сходство со средневековой живописью. Это впечатление подтверждается тем, что тумбочка слева, стол и камин нарисованы в обратной перспективе. Дерен написал это панно в годы пристального внимания к готическому искусству и африканской деревянной скульптуре, оттого фигуры женщин напоминают статуи, а их лица – четкий рельеф экспрессивных масок. В то же время войти в этот мир не так-то легко. И не только из-за того, что он парадоксально сочетает архаику с модерном и многослойную тесноту с ощущением отстраненности, если не одиночества. Странность этого мира нежна и хрупка, почти божественна. Он убран, чист, украшен цветами. Дыхание в нем как будто замедляется. Считают, что название «Субботний день» дал картине Андре Дерена поэт Гийом Аполлинер. Суббота – день отдыха, и служанка, задумавшись о чём-то своём, смотрит с теплотой. А взгляд зрителя в конце концов уходит из этой комнаты вправо – туда, где обсаженная деревьям аллея увлекает к далекому горизонту. АндреДерен Фовизм _history

Эдвард Хоппер (1882-1967) «Солнечный свет на втором этаже» 1960 холст, масло. 102х127 см Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк, США эдвард_хоппер

"Ветряная мельница в солнечном свете" 1908 г. Пит Мондриан Муниципальный музей Гааги. Один из наиболее часто повторяющихся мотивов в раннем творчестве Мондриана – мельница. Что, впрочем, совсем неудивительно для художника, родившегося и прожившего внушительную часть жизни в Нидерландах. Еще одним таким объектом стал маяк в Весткапелле, который Мондриан изображал в разных стилях и техниках, экспериментируя с ними так, как в свое время Моне с многочисленными стогами в разном освещении. Мельницы же Мондриан начал писать еще до экспериментов, новшеств и открытий. Но уже тогда, особенно поддавшись влиянию теософов, он тяготел к изображению этих крестообразных конструкций. «Мельница в солнечном свете» стала одной из самых знаменитых работ художника, обозначив некий рубеж в его творчестве. Это полотно, очень похожее на работы люминистов, – яркий, солнечный аккорд, созданный с помощью одной лишь триады основных цветов. Голландская живопись, повлиявшая на ранние работы Мондриана, была далека от понимания колористики. Большинство нидерландских художников XIX века отдавали предпочтение тонализму, в котором нюансы и оттенки были важнее цвета как такового. Пожалуй, только Винсент Ван Гог сумел выйти за рамки этой традиции. Но в начале ХХ века ситуация изменилась. В 1907 году друг Мондриана Ян Слёйтерс привозит из Франции новые модные веяния – пуантилизм и фовизм. Для всего европейского искусства начала ХХ века и для Мондриана в частности сосредоточенность в первую очередь на цвете стала первым шагом к обновлению. Прежде чем перейти к проблеме формы, европейская живопись находит новое видение реальности через выразительность цвета. Но интересно, что в то же самое время, когда Мондриан увлекается цветом, во Франции Пабло Пикассо и Жорж Брак обращаются к новому видению формы, которая позже станет такой значимой для Мондриана. ПитМондриан Пейзаж Импрессионизм _history

14 января в выставочных залах Института бизнеса и дизайна можно будет увидеть арт-инсталляцию «Солнечный путь». Выставка пройдет в рамках Дня открытых дверей профилей «Архитектурная среда и дизайн» и «Дизайн интерьера». Экспозиционный зал будет пронизан 5-метровыми «солнечными лучами», дополненными колористическими и скульптурными композициями, а также проектам индивидуальных жилых домов, пространств и интерьеров. Отдельным экспонатом выставки станет проект «Хоум бокс» — концептуальное пространство, которое создавалось студентами параллельно с изучением творческого наследия архитекторов и дизайнеров с мировыми именами. Начало: 12:00 Адрес: Протопоповский 9с1. Регистрация

​​️Мариинский театр запустит собственную стриминговую платформу. ️ВДНХ приглашает на бесплатные экскурсии о космических станциях, лекции о мониторинге Земли и субботний кофе с учеными. ️Проект Тимура Бекмамбетова «Особо опасен» вошел в топ-10 на Netflix. ️Директор Музея Гуггенхайма Ричард Армстронг покинет свой пост в 2023 году. Он возглавлял музей 14 лет. ️Уникальная возможность насладиться видом со смотровой площадки Арки Главного входа Парка Горького и посетить постоянную экспозицию «Парк Горького. Начало» – о Парке 1930-х годов. ️15 июля в Доме культуры «ГЭС-2» откроется проект «Настройки-2», объединяющий работы из коллекции фонда V–A–C, архитектуру и звуковые инсталляции российских композиторов. К диалогу архитектуры и звука в «Настройках-2» присоединяется визуальное искусство, представленное работами мировых художников XX и XXI веков из коллекции фонда V–A–C — Василия Кандинского, Александры Экстер, Бриджет Райли, Зигмара Польке, Дэниела Кнорра, Герхарда Рихтера, Лиз Дешен, Вейда Гайтона, Константина Бранкузи, Луиз Буржуа и др. Фото: Василий Кандинский, Резкий и мягкий, 1932, Фонд V-A-C https://telegra.ph/file/a87efa75a337f9379068a.jpg

Синий Тихий океан 1890 Артур Стритон Лондонская галерея Пейзаж австралийского художника изображает мыс Куджи в северной части восточного пригорода Сиднея. Художник писал: «Куджи — очень весёлое место … В тёплые дни это место (похожее на гнездо) наполнено улыбками и милой человечностью. Я приду сюда, чтобы умереть, я думаю». На картине изображён ветреный солнечный день на обрывистом берегу Тихого океана в пригороде Сиднея Куджи. Директор Лондонской национальной галереи Габриэле Финальди считал, что картина демонстрирует влияние французского импрессионизма на австралийское искусство: «Это был способ запечатлеть мимолётные эффекты света и атмосферы в природе при изображении пейзажей, которые никогда раньше не изображались». Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Геннадий Скворцов (1934) «Солнечный день» 1979 серия «Камчатка» картон, темпера. 60х75 см Нижнетагильский музей изобразительных искусств геннадий_скворцов Галерея39

Александр Ветров (1952) «Солнечный март. Куркино» 1996 бумага, цветной офорт. 30х40 см александр_ветров Галерея39