"Судьба" 1920 г. Альфонс Муха Фонд А. Мухи, Прага.

"Вечер в Каире" 1870 г. Иван Константинович Айвазовский Частная коллекция. В 2015 году на русских торгах аукциона Sotheby's была заявлена одна из редких картин Айвазовского не на морскую тему – «Вечер в Каире». Эстимейт установили в рамках 1,5-2 миллионов фунтов стерлингов, торги были назначены на 2 июня. Однако Национальное центральное бюро Интерпола в России направило в Великобританию запрос с требованием снять картину с торгов, поскольку в 1997 году она была похищена из частной коллекции в Москве. Судьба картины до похищения известна: полотно находилось в коллекции московского собирателя Дедова. В 1940-е он продал ее Ивану Носенко, занимавшему пост наркома судостроительной промышленности. После смерти Носенко картина перешла в собственность его вдовы. В 1997 году 80-летняя Тамара Георгиевна ожидала внучку с продуктами. Вместо нее пришлось встретить грабителей. Из квартиры вынесли работы Айвазовского, Саврасова, Шишкина. «Вечер в Каире» оценивается как самый дорогой экземпляр коллекции. Впервые полотно всплыло в 2013 году всё на том же Sotheby's. Сын Тамары Георгиевны, дипломат Владимир Носенко опознал один из лотов аукциона и заявил об этом. Полотно было снято с торгов до дальнейшего выяснения обстоятельств. В следующем году аукционный дом получил ответ на запрос из московского ОВД, в котором сообщается: «в материалах уголовного дела отсутствует описание, фотографии и какие-либо другие официальные документы, которые могли бы дать возможность сравнить картину, похищенную в 1997 году у потерпевшей Носенко Т.Г., с картиной, представленной на аукционе Сотбис в 2013 году». То есть доказать, что этот «тот самый Айвазовский», не представляется возможным. Таким образом, с юридической точки зрения ситуация для бывших владельцев оказалась практически безнадежна. Страсти вокруг картины разгорались нешуточные. Представители Sotheby's заявили, что картина не числится ни в списке украденных предметов искусства, составленном Министерством культуры России, ни в международном Art Loss Register. Однако аукционисты связались с «предположительно бывшим владельцем картины» и договорились о выплате определенного процента со стоимости лота. Похоже, в Sotheby's тоже не были уверены в чистоте происхождения картины и понимали, что такой способ решить проблему оптимален для всех. Однако российские и, возможно, британские правоохранители иначе посмотрели на это дело. МВД и Интерпол настойчиво требовали снять картину с торгов. Утром 2 июня 2015 года за несколько минут до начала торгов картина таки были снята. ИванАйвазовский Романтизм _history

​​Власти Амстердама призвали пересмотреть решение по реституции картины Кандинского Мэр Амстердама решила, что пришло время пересмотреть вопрос о том, должен ли Городской музей Стеделейк оставить себе «Пейзаж с домами» (1909) Василия Кандинского. До того, как музей приобрёл картину во время Второй мировой войны, она входила в собрание коллекционера-еврея. Голландская комиссия по реституциям, которая рассматривает жалобы на нацистские грабежи, в 2018 году постановила, что музей может оставить себе работу «Картина с домами», на которую претендуют наследники его бывших владельцев. Решение реституционной комиссии было поддержано голландским судом. Однако мэр Амстердама в своём письме заявила, что было бы целесообразно, чтобы комиссия по реституции пересмотрела дело о картине, которая находится в коллекции музея с 1940 года. Судьба картины находится в центре внимания, поскольку это один из немногих случаев, когда комиссия по реституции пытается уравновесить интересы культурных учреждений и интересы людей, которые хотят вернуть произведения искусства, награбленные во время Второй мировой войны. Такая формулировка вызвала критику со стороны экспертов по реституции, а в декабре — со стороны комитета, созванного министром культуры Нидерландов для изучения решений комиссии по реституции. В своём письме мэр Фемке Хальсема и несколько других официальных лиц, известных под общим названием Коллегия мэров и олдерменов, написали, что они согласны с выводами комитета, который проявляет больше сочувствия в процессе реституции. «Еврейский народ был лишен своего имущества, прав, достоинства и, во многих случаях, жизни, — говорится в письме. — И если что-то из этой вопиющей несправедливости по отношению к ним ещё подлежит исправлению, у нас, как общества, есть моральное обязательство действовать соответственно». Джеймс Палмер, основатель компании по реституции произведений искусства Mondex Corporation, которая представляет истцов в «деле Кандинского», сказал, что они «в восторге от письма мэра и её коллег». «Прошло уже почти десять лет с тех пор, как семья начала свою тяжбу, — написал он, добавив: «Мы надеемся найти другое решение при поддержке города Амстердама, чтобы разрешить этот вопрос мирным и быстрым образом». новостиИОК _history https://telegra.ph/file/b3f826fa8210b073764c8.jpg

«Параболическая баллада» На 8 марта всегда показывают «Москва слезам не верит» - фильм, где отлично передан дух времени. Помните, кадры, где Людмила с Катериной гуляют по Москве и слышат, как молодой поэт читает свои стихи? «Ничего не понимаю», - резюмирует Людмила. А ведь это история жизни Гогена: Судьба, как ракета, летит по параболе Обычно — во мраке и реже — по радуге. Жил огненно-рыжий художник Гоген, Богема, а в прошлом — торговый агент. Чтоб в Лувр королевский попасть из Монмартра, Он дал кругаля через Яву с Суматрой! Унесся, забыв сумасшествие денег, Кудахтанье жен, духоту академий. Он преодолел тяготенье земное. Жрецы гоготали за кружкой пивною: «Прямая — короче, парабола—круче, Не лучше ль скопировать райские кущи?» А он уносился ракетой ревущей Сквозь ветер, срывающий фалды и уши. И в Лувр он попал не сквозь главный порог— Параболой гневно пробив потолок! <…> 1959 год Андрей Вознесенский (отрывок)

Винсент ван Гог Цена бессмертия Винсент Ван Гог навсегда изменил историю искусства. Его картины не были признаны при жизни, однако сейчас о них говорит весь мир. Судьба художника так же удивительна и интересна, как и сама живопись автора, и эта история должна быть услышана. Источник: Как читать искусство

Как глухой Бетховен мог сочинять музыку? Бетховен был одним из самых великих композиторов. Быть может потому, что его судьба сложилась трагически. Бетховен стал терять слух не сразу. Началось это, когда ему было только 26 лет. К 30 годам его слух ослабел настолько, что ему приходилось сильно напрягаться, чтобы разговаривать с другими людьми. Бетховен опасался, что про его недуг узнают. Он думал, что тогда он уже не сможет преподавать и концертировать как пианист. Наконец, слабеющий слух довел композитора до такого отчаяния, что он чуть не покончил свою жизнь самоубийством. Когда Бетховен ещё что-то слышал, он пытался усилить звуки своего рояля. Для этого он, когда принимался сочинять, брал деревянную трость в зубы и приставлял к роялю. Даже у людей, которые совсем не слышат, сохраняется внутреннее ухо, они могут слышать, если вибрации будут передаваться через кости. Поэтому Бетховен мог писать, слыша звуки рояля таким вот образом.

Русалки - Константин Егорович Маковский 1879, 261.5×347 см Судьба художника Константина Маковского Маковский был самым дорогим живописцем своего времени в России. А еще – баловнем фортуны и любимцем женщин. Кисть его легко скользила по холсту, и многие портреты к концу первого сеанса оказывались готовы. А чтобы заказчику не казалось, что он за какие-то пару часов расстается с серьезной суммой, Маковский нередко заявлял, что позирование окончено, но ему теперь придется тщательно поработать над портретом. После чего выпроваживал позировавшего, убирал готовый портрет в дальний угол, более не прикасался к нему, а через месяц отдавал заказчику, убежденному, что над его обликом художник денно и нощно трудился, не покладая рук. Кажется, что биография Маковского представляет собой череду успехов. Детство – очень счастливое. Дом Егора и Любови Маковских был тем, что называют культурным центром. Позже Константин скажет: «Всем, что я умею, я обязан отцу». Мама же считалась одной из самых красивых женщин Петербурга.

Эту историю мне прислала замечательная художница Армине Х. Удивительно, как жизнь иногда подкидывает нам такие повороты: "Итак, напишу интересную историю, в неё сложно поверить, но это история полностью правдивая. Некоторое время назад, мне поступил заказ на портрет пастелью, человек который его заказал, хотел подарить его своему дорогому другу на 23 февраля. В итоге он отправил мне фотографию, и я приступила к работе, но по ходу написания портрета я почувствовала, что лицо человека мне очень знакомое, что где-то я его раньше видела. Тогда я загрузила его фотографию через сервис Яндекс.Картинки и оказалась в шоке, выяснилось, что его разыскивают родственники через сервис Жди Меня! Все данные по поиску я передала Заказчику, и он сразу же передал это своему другу, а вот что было дальше, я не знаю, но надеюсь, что все хорошо! А что думаете вы, Заказчика свела со мной судьба или счастливый случай?" Узнайте продолжение этой и других историй портретов на канале художницы — https://t.me/armine_art

Похищение Прозерпины Мраморная скульптура Джованни Бернини, создавалась в 1621—1622 годах, когда скульптору было 23 года. Находится в галерее Боргезе (Рим). Высота статуи 295 см. «Я победил мрамор и сделал его пластичным, как воск…», — писал Джованни Бернини. Была у богини Деметры юная прекрасная дочь, Прозерпина. Отцом Прозерпины был громовержец Зевс. Однажды Прозерпина вместе со своими подругами резвилась в цветущей долине. Не знала она, какая судьба ей уготована отцом её Зевсом. Он отдал её в жены мрачному своему брату Плутону, властителю царства теней и умерших, и с ним должна была жить Прозерпина во мраке подземного царства. Плутон видел, как резвилась Прозерпина, и решил её тут же похитить. Он упросил богиню Гею вырастить цветок необыкновенной красоты. Прозерпина увидала цветок и протянула к нему руку. Но только сорвала она цветок, как разверзлась земля, и появился мрачный Плутон на золотой колеснице. Он схватил юную Прозерпину и скрылся в недрах земли. Только вскрикнуть успела Прозерпина. Никто не видел, как похитил Плутон девушку, лишь бог солнца — Гелиос. Услыхала крик Прозерпины Деметра. Стала всюду искать она свою дочь, но нигде не нашла. На десятый день пришла она к богу Гелиосу и стала молить его, чтобы он сказал, кто похитил Прозерпину. Гелиос обо всем рассказал скорбящей матери. Разгневалась Деметра, что Зевс отдал Прозерпину в жены Плутону без её ведома. Она покинула Олимп и приняла вид простой смертной. Но Деметра была богиней плодородия, и без неё всякий рост на земле прекратился. Листья на деревьях завяли и облетели, травы поблекли, цветы засохли. Не было плодов в садах, и не зрели в виноградниках тяжелые сочные гроздья. Замерла жизнь на земле. Гибель грозила всему людскому роду. Ничего не оставалось Зевсу, как повелеть Плутону отпустить Прозерпину на землю к матери. Плутон согласился отпустить Прозерпину, но предварительно дал ей проглотить зерна граната, символ брака. С тех пор Прозерпина две трети года живет с матерью, а одну треть проводит со своим мужем, Плутоном.

У картины Жан-Леона Жерома «Бассейн в гареме» несчастливая судьба. Украденная из самого Эрмитажа нашими современниками, изуродованная, она проходила долгую процедуру восстановления. https://tanjand.livejournal.com/3307398.html

"Жанна д’Арк" 1879 г. Жюль Бастьен-Лепаж Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Земляк Орлеанской девы, Бастьен-Лепаж изобразил Жанну д’Арк не национальной героиней, а простой крестьянской девушкой в родительском саду. Перед нами момент, когда святые сообщают Жанне о роли, которую ей суждено сыграть для своей страны. То есть художник сознательно пренебрег соблазнительной возможностью показать Жанну во главе войска. Здесь ее судьба только вершится, это переломный момент. Простота образа усиливает производимый эффект – босая, в домотканой одежде, в саду, в котором провела столько беззаботный дней, она узнаёт о предписанной ей роли. Весь эффект в этой естественности, перед нами пастушка, которой только предстоит стать Орлеанской девой. Ее образ пронизан напряженностью, она вслушивается в голоса. О предначертанной роли освободительницы Франции девушку извещают архангел и святые, Жанна не видит их, а мы – видим: едва намеченные светящиеся фигуры парят за ее спиной, на фоне родительского дома. Сама Жанна изображена очень натуралистично, осязаемо. Завораживает ее взгляд – кажется, она напряженно всматривается в открывшееся будущее, совсем иное, чем ей виделось еще 10 минут назад. Идеолог передвижников Владимир Стасов в оценке «Жанны д’Арк» Бастьен-Лепажа весьма суров. По его мнению, она показана «безумной психопаткой». Справедливости ради, разве мог образ Жанны не содержать некой доли экзальтации? В этом случае она бы сказала себе «привиделось» и продолжила заниматься делами по хозяйству. А вот Елена Поленова свои впечатления от Всемирной выставки 1889 года, на которой показывалась «Жанна д’Арк», выразила так: «В искусстве один Bastien-Lepage, его Jeanne d'Arc и многие другие чудные вещи». Впервые публика увидела картину на Парижском салоне 1880 года, и ее приобрел американец Эрвин Дэвис, позже он передал картину в музей Метрополитен. Реакцией французской публики на работу учителя была глубоко возмущена Мария Башкирцева, самая верная последовательница Бастьена, находившаяся рядом с ним до самой смерти (она планировала – до его смерти, но умерла раньше). Мария упрекала критиков в том, что они не признают изображение Жанны д’Арк «произведением возвышенного искусства, потому что он представил её нам крестьянкой, а не с белыми ручками и не в вооружении». Под очевидным, признаваемым самим автором влиянием «Жанны Д’Арк» Михаил Нестеров написал «Видение отроку Варфоломею». БастьенЛепаж _history

"Смерть тореадора" Пабло Пикассо, 1933 > Париж, музей Пикассо Пабло Пикассо часто посещал корриду с самого детства. Ему доводилось наблюдать не только победы, но и полнейшие поражение тореадоров. Художник много раз изображал бои быков в своих работах, но самой популярной стала «Смерть тореадора». Бык служил для автора олицетворение мужского начала, а лошадь — женского. В этих образах постоянно присутствует вечное столкновение полов, так вещает нам автор. Тореадор не удачно расположился на рогах огромного быка. Он явно предчувствует свою погибель. Пикассо оставил нам некую загадку — мы видим кусок красной ткани под лицом тореадора, которая растекается по полотну. Если наездник одержит победу, то это будет его победной праздной накидкой. Если же судьба сложится по другому, то мы наблюдаем кровь, покидающую тело тореадора. Исходя из названия картины, более вероятен второй вариант.

Томас Лоуренс "Красный мальчик" (1825) Семилетний мальчик на картине - Чарльз Уильям Лэмбтон, представитель влиятельной британской семьи. Его дед, Чарльз Грей, позже станет премьер-министром Великобритании, а отец - депутатом парламента. Отец заплатил художнику 600 гиней за написание этого портрета, что было огромной суммой денег, эквивалентной сегодня около $ 60 000. В начале этого года Национальная галерея приобрела работу за более чем $ 10 млн. Изначально художник "нарядил" мальчика в желтый цвет, однако герой сливался с коричневым фоном камня на заднем плане. В итоге победил багряно-красный оттенок, придавший лоск юному джентльмену. К сожалению, судьба мальчика сложилась трагически: он скончался от туберкулеза в возрасте 13 лет. "Красный мальчик" стала первой картиной, которую поместили на британские почтовые марки в 1967 году.

"Две девушки за фортепиано" 1892 г. Пьер Огюст Ренуар Музей д’Орсе, Париж. У самого бесстрашного и дальновидного французского маршана Поля Дюран-Рюэля в 1892 году открывается выставка. Выставка посвящена одному Ренуару. Еще 10 лет назад Дюран-Рюэль скупал у импрессионистов картины, чтоб они не умерли от голода, и идея такого мероприятия выглядела дерзко даже для него. А теперь ему пришлось собирать экспозицию, выпрашивая самые значимые полотна Ренуара у новых владельцев. 111 произведений, написанных совсем недавно и очень давно, оказались собраны в галерее и представлены восхищенным парижанам. За последние 20 лет они научились видеть иначе: солнечные блики на коже «Обнаженной» уже не кажутся им трупными пятнами, объемные, страстные мазки не выглядят мазней. На этой выставке происходит важное для 50-летнего Ренуара событие: впервые его картину покупает Департамент изящных искусств для Люксембургского музея. Когда-то продававший картины по 50 франков, Ренуар получает за нее 4 тысячи! Эта картина – «Две девушки за фортепиано». Дальше ее ждала феерическая звездная судьба: Лувр, Галерея современного искусства Же-де-Пом и, наконец, Музей д'Орсе. А пока французы привыкали к импрессионизму, каждый импрессионист уже подумывал, к чему приучать французов дальше, изобретал новые техники и замешивал на палитре новые краски. После путешествия в Италию, после встречи с Рафаэлем и Энгром Ренуар счистил со своей палитры весь этот яркий изумрудный и прозрачно-розовый, аккуратно выдавил краски из тюбиков с охрой и кобальтом и начал обводить фигуры настойчивым контуром. Он убежден, что импрессионизм недооценивал значение классического рисунка. Очень скоро ренуаровской палитре становится скучно – и он возвращает туда для начала красный, белый, черный и все остальные. Картину «Девушки за фортепиано» Ренуар написал в тот восторженный период выхода из классицистического кризиса и обретения собственного живописного языка. «Жемчужный» период – называют его искусствоведы за особую, уже не импрессионистскую и не совсем не энгровскую, переливчатость цветов. И тени на платьях, и волосы двух девушек, и штора на заднем плане, и отблески света на рояле создают цельную переливающуюся, полную взаимных рефлексов, светящуюся изнутри маленькую вселенную, где все со всем связано и ничто друг без друга невозможно. В этот художественный мир ничего не добавишь и ничего не убавишь. Он идеально уравновешен. ПьерОгюстРенуар Импрессионизм _history

"Зеркало над умывальником" 1908 г. Пьер Боннар В 1908 году французский писатель Андре Жид побывал на аукционе в Париже. "Выставляют Боннара, - описывал он этот эпизод в своем "Дневнике", - работа откровенно слабая, но пикантная; на картине обнаженная женщина одевается, где-то я это уже видел. Цена ползет мучительно медленно: 450, 455, 460. Вдруг кто-то выкрикивает: "Шестьсот!" - и я застываю в изумлении, ибо это был мой собственный голос. Я взглядом умоляю соседей перебить мою ставку - я вовсе не желаю становиться владельцем этой картины, - но чуда не происходит». Будущий Нобелевский лауреат приобрел другую картину (эта до 1919 года находилась в коллекции Ивана Морозова). Но мог бы купить и ее: в 1908 Пьер Боннар написал великое множество зеркал и купальщиц, он был одержим этим сюжетом и повторял его вновь и вновь. Некоторые полотна из его «туалетной» серии отличались лишь нюансами. Почти все они обладали патологическим шармом, очаровывая зрителя как бы вопреки его воле. Что заставило Андре Жида вскинуть руку со злополучной карточкой? Что в «Зеркале над умывальником» пленило такого мастера психологического портрета как Валентин Серов (художник считал это полотно главной драгоценностью Морозовского собрания)? Сюжет вторичен. Полка у зеркала по-мещански густо заставлена утварью – скорее натюрморт, нежели чувственное ню. И назойливая декоративность. И еще немного портрет (в девушке с чашкой угадываются черты будущей жены Боннара – Марты Бурсен). Кажется, эта картина страдает от перенаселения – персонажами, жанрами, посудой, мебелью. Словно этого мало, зеркало не расширяет пространство, а парадоксальным образом разрубает его, локализует эдакой рамой в раме. На первый взгляд, единственная безусловная удача этого клаустрофобического полотна – жемчужная палитра Боннара, его виртуозное владение цветом. Впрочем, есть еще кое-что. Картина эта многое дает, но еще больше обещает. Возможно, Жид и Серов каким-то особым творческим чутьем предугадывали эволюцию Боннара – так энтомолог умеет разглядеть в эстетически спорной куколке прекрасную бабочку. Некоторые биографы считают, что тесные интерьеры и перманентные водные процедуры связаны с психическим нездоровьем постоянной натурщицы Боннара: Марта боялась открытых пространств и была зациклена на гигиене. Не менее очевидно, что чистотой был одержим и сам Боннар, правда не в буквальном смысле этого слова. Годами он «оттирал» свою манеру от чужих влияний, выскабливал ее до полного исполнительского блеска, смывал пену сюжетов, жанров, манифестов, принципов, ограничений и школ. И «отмылся», придя сначала к чистому цвету, а позднее – чистому свету, который он сам называл «своим богом». Говорят, незадолго до смерти Пьер Боннар сообщил какому-то торговцу, что «открыл новую краску». А на вопрос «какую?», не моргнув глазом, ответил: «белую». Конечно, от того, что Боннар не состоялся как юрист и однажды ушел с многообещающей должности в прокуратуре, мир только выиграл. Но распорядись судьба иначе, можно не сомневаться: кристальной честности вышел бы прокурор. ПьерБоннар _history

Правда ли, что у Синей Бороды был реальный прототип? Как сложилась судьба сестёр Бронте? Что почитать на выходных? Устраивайтесь поудобнее и открывайте неожиданные страницы биографии известных писателей вместе с каналом МАССОЛИТ. Уютная атмосфера, интересные факты о литераторах и их творениях, аннотации произведений художественной литературы и авторский взгляд на прочитанное. А также книги, книги и ещё раз книги. Подписывайтесь ️ https://t.me/massolit_nbb

Игорь Грабарь "За самоваром" (1905) За самоваром изображена жена художника - Валентина Мещерина. Она была на 20 лет моложе, настоящая красавица с огненно-рыжими волосами. В браке у них родились двое детей. Казалось бы, настоящая семейная идиллия... Однако, судьба приготовила им тяжёлое испытание. Неожиданно у Валентины обнаружили гормональное заболевание и женщина начала терять рассудок. Лечение в известной клинике профессора Казакова, где в общей сложности она провела с небольшими перерывами несколько лет, не дало результатов. Более того, ей стало только хуже. В семью Валентина Мещерина вернулась совсем другим человеком. Столь любимые мужем жизнелюбие и энергия куда-то исчезли. Дома она прожила совсем немного, а потом и вовсе исчезла. Ушла от мужа и детей и все попытки найти её оказались тщетны.

А вы были во Всероссийском музее декоративного искусства? Он находится в Москве на Садовом кольце, на ул. Делегатской д. 3. 18 апреля к Дням исторического и культурного наследия здесь подготовили специальную программу, а вход в музей в этот день абсолютно бесплатный. На канале музея t.me/damuseum/89 и на сайте damuseum.ru все подробности, а если коротко, то в этот день вас ждет: • Экскурсия по Дому Остермана. Вы познакомитесь с историей и тайнами здания музея и узнаете о судьбах его владельцев. Участие в программе по регистрации: https://damuseum.ru/ • Знакомство с художником Алексом Гончаренко и вернисаж по случаю открытия его персональной выставки «Новый авангард: смещение времени» • Кураторские экскурсии по только что открывшемуся выставочному проекту «Интродукция. Поиск современного диалога с традицией», которую музей сделал совместно со студентами и преподавателями Строгановки. Вы увидите, как работы преподавателей и студентов кафедр художественной керамики и дизайна мебели «переселяются» во все основные экспозиции музея. • Все постоянные экспозиции музея в этот день будут открыты для бесплатного посещения До конца апреля во Всероссийском музее декоративного искусства проходит приятная акция «счастливые часы». Т.е. по четвергам и субботам с 18.00 до 21.00 вход в музей на все выставки и постоянные экспозиции бесплатный. Приходите знакомиться с русским стилем, лаковой миниатюрой, традиционным народным искусством России и декоративно-прикладным искусством конца XVIII – начала XX веков, коллекцией советского фарфора, самыми яркими образцами российского дизайна XX века! Никакой регистрации не требуется. Сегодня в музее: https://damuseum.ru https://t.me/damuseum/89

Как сложилась дальнейшая судьба пейзажа «Мокрый луг»? Слухи о картине появились еще до того, как она была окончена. После того как в прошлом году наследник престола, будущий император Александр III, заказал для Аничкова дворца копию картины 20-летнего Васильева «Оттепель», его нових работ ждали – и ждали с нетерпением. На «Мокрый луг» заочно «положил глаз» двоюродный брат Александра III, великий князь Николай Константинович – личность незаурядная, он был первым среди Романовых, окончившим по собственной инициативе высшее учебное заведение (Академию Генерального штаба), много путешествовал и с увлечением собирал западноевропейскую живопись. Судьба у Николая Константиновича сложится необыкновенная: спустя всего пару лет, весной 1874-го, семья обвинит его в краже трёх бриллиантов с оклада иконы, семейной реликвии, ради подарка любовнице – американской танцовщице Фанни Лир; на суде великий князь солжет, поклявшись на Библии, что не виновен, хотя все улики были против него. Романовы публично объявят его сумасшедшим, лишат наследства и запретят упоминание его имени, а самого Николая Константиновича навсегда вышлют без права возвращения в Узбекистан. Впрочем, и там он не пропадёт: женится, доживет до Октябрьского переворота (умрёт только в 1918-м), станет основателем нескольких бизнесов, а его коллекция из пяти сотен предметов искусства обогатит Ташкентский музей изобразительных искусств. Но только картины «Мокрый луг», о которой в 1872-м году мечтал Николай Константинович, там не будет, потому что соперничать с великим князем за васильевский шедевр станет Павел Третьяков. Средств, выделяемых Федору Васильеву на прожитие в Крыму Обществом поощрения художников, решительно не хватало. За первый год он несколько раз обращается в письмах к Павлу Третьякову с просьбой прислать денег: «Положение моё самое тяжелое, самое безысходное. Я один в чужом городе, без денег и больной. Мне необходимо 700 рублей...» Третьяков высылает денег в счёт будущих картин, и еще раз, и еще... Он щедр, но щедр расчётливо: «Будьте здоровы, любезный друг, мужайтесь! Кто смолоду похворает, под старость крепче бывает!.. Ваш преданный П.Третьяков». Чувствуя себя облагодетельствованным и обязанным, художник обещает Третьякову, что только у него будет неотъемлемое право первым смотреть и выбирать васильевские картины. От таких предложений не отказываются. И Третьяков начинает мягко, но настойчиво ставить условия. Например, просит Федора Васильева перед тем, как отправлять «Мокрый луг» в Петербург на выставку, прислать картину ему в Москву – для предварительного знакомства. Мы не знаем, что двигало в тот момент Федором Васильевым, но это условие он нарушил. В конце февраля 1872-го года, вопреки просьбе Третьякова, он отсылает «Мокрый луг» в Петербург – Крамскому. Впрочем, выставочный конкурс он всё-таки проиграет, заняв лишь второе место: первое отдадут картине Шишкина «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии». Узнав о том, что «Мокрый луг» вот-вот уйдёт из его рук, настойчивый Третьяков специально едет в Петербург. Шишкинский «Сосновый бор» он уже без всяких препятствий купил до открытия конкурса, а вот за картину Васильева намерен побороться. Зная, что главный претендент на неё – великий князь, Третьяков назначает сразу значительную сумму – тысячу рублей – и «Мокрый луг» остаётся за ним. Сейчас это достояние Третьяковской галереи. «Первый взгляд не в пользу силы, – писал Федору Васильеву, получив «Мокрый луг», о своём противоречивом первом впечатлении от картины Крамской. – Она показалась мне чуть-чуть легка, и не то чтобы акварельна, а как будто перекончена. Но это был один момент... Во всём остальном она сразу до такой степени говорит ясно, что Вы думали и чувствовали, что и самый момент в природе не сказал бы ничего больше... Эта картина рассказала мне больше Вашего дневника». _history https://t.me/pic_history2/256

"Венеция. Северный вид на мост Риальто со стороны Фондамента-дель-Карбон" 1760-е Франческо Гварди Частная коллекция. «Венеция. Северный вид на мост Риальто со стороны Фондамента-дель-Карбон» составляет знаменитую пару с другой ведутой – «Венеция. Мост Риальто с палаццо деи Камерлинги». Эти монументальные пейзажи поразительно передают атмосферу Венеции того времени. Они имеют большое значение как для творчества Франческо Гварди, так и для всего искусства XVIII века. Обе картины написаны в середине 1760-х годов, и одна представляет взгляд с севера, вторая – с юга. Эти полотна можно назвать самыми яркими произведениями зрелого периода одного из последних представителей классической венецианской школы живописи. Художник подписал свои творения, – и это указывает на то значение, которое он придавал им. Любопытна и судьба этих двух пейзажей. Впервые они были куплены, скорее всего, у художника, в 1768 году молодым англичанином по имени Шалонер Аркдикон. Он совершал Гранд-тур – путешествие по Европе, обязательное для отпрысков аристократических и состоятельных британских семей. Спустя 123 года полотна приобрёл за 3 тыс. 850 фунтов стерлингов (в закрытой сделке через дом Christie’s) Эдвард Сесил Гиннесс, 1-й граф Айвори – исполнительный директор, а затем глава пивоваренной компании «Гиннесс» и страстный коллекционер. Шедевры передавались по наследству в его семье вплоть до 2011 года, когда были разделены. «Венеция. Северный вид на мост Риальто со стороны Фондамента-дель-Карбон» ушёл с молотка на аукционе Sotheby’s за 26,7 млн фунтов стерлингов (42,7 млн долларов). Временный запрет на продажу, установленный правительством Британии с тем, чтобы местные коллекционеры могли приобрести картину и оставить в стране, не помог – и она была выставлена на открытые торги. Ровно шесть лет спустя «Мост Риальто с палаццо деи Камерлинги» стал лидером вечерней распродажи произведений старых мастеров на Christie’s. Покупатель выложил 26,2 млн фунтов стерлингов (33,9 млн долларов), что стало максимальной суммой за картины любого из старых мастеров на аукционах в 2017 году. После того, как аукционист объявил победителя, в Большом зале Christie’s на Кинг-стрит в Лондоне раздались аплодисменты. ФранческоГварди _history https://t.me/pic_history2/267

Даже второй центральный персонаж (лейтенант Виллем ван Рёйтенбюрг) открыто возмущался работой ван Рейна – ему не понравилась странная тень от руки капитана, точнее то место, на которое она двусмысленно попадает. Еще во время работы над полотном умерла любимая супруга Рембрандта – Саския. От нее у художника остался сын Титус. Критика, жалобы, потеря репутации – все это вызвало «эффект домино». Начиная с этого момента ситуация стала постоянно ухудшаться. Постепенно разбежались почти все ученики, приносившие львиную долю дохода за обучение, стало уменьшаться количество заказчиков, а долги росли. Через какое-то время клиентов практически не стало. Понимая, что дело идет к банкротству, Рембрандт передает почти все свое имущество сыну. В дом мастера приходят кредиторы. У него забирают все, что можно было забрать – дом, всю домашнюю обстановку, недописанные картины. Семья Рембрандтов еле-еле сводит концы с концами. От голодной смерти постаревшего гения спасает его повзрослевший Титус. Он открывает свой бизнес по продаже произведений искусства. Только благодаря такому ходу измученный Рембрандт смог спокойно работать дальше, не опасаясь, что у него отберут плоды творения его рук в счет уплаты бесконечных долгов. Наконец то семья смогла вздохнуть свободно. Но, к сожалению, судьба лишь ненадолго пощадила гения – из-за бушевавшей в то время чумы в 1668 году Титус скончался. Мастер ненадолго пережил своего любимого сына – через год его тоже не стало.

"Распутное семейство" 1664 г. Ян Стен Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Жанровая сцена «Распутное семейство», ныне принадлежащая Метрополитен-музею в Нью-Йорке, – один из нескольких вариантов на тему безалаберного домохозяйства, созданных Яном Стеном в 1660-х годах. Художник знаменит своими энергичными юмористическими картинами, в которых рассматривает жизнь как обширную комедию нравов. В голландском языке есть выражение «дом Стена», обозначающее шумное и неряшливое подворье, изображённое, в частности, здесь. Именно на «комедийной» грани творчества живописца сделал акцент художник и искусствовед XVII – XVIII веков Арнольд Хоубракен, когда писал, что «картины Стена похожи на его стиль жизни, а его стиль жизни – на его картины». Однако это ошибочно поверхностная оценка. Даже самые комичные произведения одного из «столпов» Золотого века Голландии содержат серьёзную подоплёку, раскрывая человеческую глупость или порочность. И в этом смысле «Распутное семейство», как выразился Вальтер Лидтке, куратор Метрополитен-музея, – это «каталог излюбленных грехов» современников художника. Действительно, на картине Стен изобразил лень, представленную спящей старухой; похоть в виде отца семейства, который за спиной жены держит руку служанки, пока та наливает вино хозяйке (пьянство). Разорённый стол со смятой скатертью символизирует обжорство; госпожа, попирающая Библию, воплощает кощунство; доска для нард – азартные игры; разбитая бутылка и кошка, которая готовится вцепиться в окорок на полу, – безалаберность, едва ли не самый главный грех в Голландии XVII века. Мальчик, прогоняющий попрошайку от окна, отсылает зрителя к евангельской притче о богаче и Лазаре: один, устраивая роскошные пиры, скупился даже на объедки второму, но после смерти был обречён на муки в аду, умоляя облегчить его страдания, в то время как нищий вознёсся на небеса. Но над головами этих людей висит Судьба в виде корзины с мечом (справедливость и наказание), костылём и кружкой (грядущая бедность) и колотушкой (ею пользовались поражённые чумой и проказой). Грядущие раздоры символизирует лютня с порванными струнами, а лежащие на полу часы напоминают о скоротечности времени. При этом Ян Стен не побоялся написать персонажей картины со своих домашних. Себя он изобразил в роли патриарха семьи, свою жену Маргрит ван Гойен – в виде хозяйки дома, а их сыновья Фаддей (позади бабушки) и Корнелис (у окна) воплотили дурное воспитание. И, хотя семейную жизнь самого художника – с семью детьми и постоянными финансовыми проблемами – вряд ли можно назвать спокойной и упорядоченной, маловероятно, что он отразил реальность собственного хозяйства. Нет ни одного достоверного факта, подтверждающего его репутацию транжиры и пьяницы, а судя по количеству работ, созданных за довольно короткую карьеру (Стену приписывается около восьмисот произведений), он был предан своей профессии. ЯнСтен Барокко _history

На своей финляндской даче в Ино Валентин Серов предпочитал писать то, что хотел, оставляя заказные работы за стенами этой бревенчатой крепости. Исключения он делал лишь изредка: портрет писателя Леонида Андреева стал одним из них. В 1906-м портрет Андреева Серову заказал издатель журнала «Золотое руно» Николай Рябушинский, причем Андреев желал быть нарисованным «только Серовым и никем другим». Сдать работу в срок Серову не удалось: Андреев, имевший отношение к восстанию матросов Балтийского флота в Свеаборге, был вынужден бежать и скрываться от ареста в Европе. В письме, которое Серов получил из Берлина, писатель признавался: «Более всего жалею, что не придется мне быть написанным вами». Год спустя Серов узнал, что Андреев построил дом в пяти километрах от его дачи в Ино – сама судьба намекала, что пришло время отдать Рябушинскому старый долг. Серов впервые увидел Леонида Андреева на даче Максима Горького в Куоккале, где обсуждали первый номер сатирического журнала «Жупел». Это был красивый молодой человек, полный энергии, жизни, благородной ярости и желания сделать мир лучше. Два года спустя Андреев был тенью себя прежнего: в Берлине он похоронил жену, кроме того Леонид Николаевич несколько разуверился в революционных идеалах. Эта перемена и стала основой портрета: траурные одежды, потухший взгляд, скорбная складка над переносицей. Написанное акварелью и темперой лицо – «прозрачно», оно будто сливается со стеной: Андреев опустошен и отстранен, он словно не здесь. Этот человек уже не рвется на баррикады и, кажется, не решается встретиться с публикой взглядом. В 1905-м Леонида Андреева – еще полного решимости и надежд – писал Репин. О той работе писатель отзывался с некоторым пренебрежением: «Не портрет, а идиллия». Серовский же портрет Андреев ценил – за правдивость и точно взятую трагическую ноту. Изрядно потрепав, жизнь все же не сломила этого человека. Он оставался остроумным и интересным собеседником, чьим обществом Серов дорожил. После того как портрет был окончен, художник регулярно бывал у Андреева в гостях. Он любил его как писателя, друга, соседа. У них были схожие взгляды на происходившие в России события. Кроме того, Андреев отвозил Серова домой на лодке с мотором – по меркам тех мест и лет, это была невидаль и роскошь. Через два года, после того как был написан этот портрет, Леонид Андреев женился во второй раз. В 1912-м у него родился сын, которого писатель назвал Валентином. _history ВалентинСеров Портрет Импрессионизм

Земляк Орлеанской девы, Бастьен-Лепаж изобразил Жанну д’Арк не национальной героиней, а простой крестьянской девушкой в родительском саду. Перед нами момент, когда святые сообщают Жанне о роли, которую ей суждено сыграть для своей страны. То есть художник сознательно пренебрег соблазнительной возможностью показать Жанну во главе войска. Здесь ее судьба только вершится, это переломный момент. Простота образа усиливает производимый эффект – босая, в домотканой одежде, в саду, в котором провела столько беззаботный дней, она узнаёт о предписанной ей роли. Весь эффект в этой естественности, перед нами пастушка, которой только предстоит стать Орлеанской девой. Ее образ пронизан напряженностью, она вслушивается в голоса. О предначертанной роли освободительницы Франции девушку извещают архангел и святые, Жанна не видит их, а мы – видим: едва намеченные светящиеся фигуры парят за ее спиной, на фоне родительского дома. Сама Жанна изображена очень натуралистично, осязаемо. Завораживает ее взгляд – кажется, она напряженно всматривается в открывшееся будущее, совсем иное, чем ей виделось еще 10 минут назад. Идеолог передвижников Владимир Стасов в оценке «Жанны д’Арк» Бастьен-Лепажа весьма суров. По его мнению, она показана «безумной психопаткой». Справедливости ради, разве мог образ Жанны не содержать некой доли экзальтации? В этом случае она бы сказала себе «привиделось» и продолжила заниматься делами по хозяйству. А вот Елена Поленова свои впечатления от Всемирной выставки 1889 года, на которой показывалась «Жанна д’Арк», выразила так: «В искусстве один Bastien-Lepage, его Jeanne d'Arc и многие другие чудные вещи». Впервые публика увидела картину на Парижском салоне 1880 года, и ее приобрел американец Эрвин Дэвис, позже он передал картину в музей Метрополитен. Реакцией французской публики на работу учителя была глубоко возмущена Мария Башкирцева, самая верная последовательница Бастьена, находившаяся рядом с ним до самой смерти (она планировала – до его смерти, но умерла раньше). Мария упрекала критиков в том, что они не признают изображение Жанны д’Арк «произведением возвышенного искусства, потому что он представил её нам крестьянкой, а не с белыми ручками и не в вооружении». Под очевидным, признаваемым самим автором влиянием «Жанны Д’Арк» Михаил Нестеров написал «Видение отроку Варфоломею». _history БастьенЛепаж https://t.me/pic_history/6353

В 1894 году Густав Климт был чрезвычайно популярным художником в Вене. О славе, которая его окружала, многие его коллеги могли только мечтать. За его плечами была не только череда успешных полотен, обласканных критиками, но и благосклонно встреченное оформление здания «Бургтеатра» и венского Художественно-исторического музея. Он – шутка ли! – в возрасте 26 лет получил императорскую награду за заслуги в искусстве. И вот в 1894 году Климт получил очередной престижный и масштабный заказ: ему предстояло написать три полотна, которые должны были украсить потолок большого актового зала главного здания Венского университета. О том, что заказ будет выполнен не совсем так, как предполагали университетские власти, стоило задуматься уже тогда, когда Климт стал предводителем Венского сецессиона и начал писать скандальные картины, шокирующие публику своей откровенностью. Когда в 1901 году полотна «Философия», «Медицина» и «Юриспруденция» были представлены на выставке сецессиона, на художника обрушился шквал критики. Картины называли «извращенными» и «порнографическими». «Медицина», которая должна была изображать торжество науки в победе над болезнями, подверглась особенно жестокой обструкции. Художнику пеняли на то, что на полотне вообще отсутствует какое бы то ни было упоминание о медицинской науке, и что оно изображает скорее победу смерти над жизнью. Жалобы на Климта написали 87 профессоров с разных факультетов Венского университета, после чего дело дошло даже до рассмотрения в Австрийском парламенте. В 1905 году уставший от многолетней эпопеи художник вернул полученный от Министерства образования аванс и вскоре продал «университетскую серию» частным коллекционерам. Полотна, к сожалению, постигла трагическая судьба. После вторжения Германии в Австрию нацисты присвоили себе множество предметов искусства, в их числе оказались и «университетские» картины Климта. В 1943 году они были перевезены на хранение в замок Иммендорф, но в 1945 году отступающие под натиском союзнической армии нацисты сожгли замок вместе с полотнами. От них остались лишь несколько предварительных набросков и фотографий. _history ГуставКлимт Модерн https://clck.ru/Ro4iq

Золотые артефакты, ассоциируемые с формой самолетов и принадлежащие культуре Кимбайа, вызывают споры среди ученых и энтузиастов. Привлекательность и сложность этих артефактов состоит в их сходстве с современными объектами, такими как самолеты. Однако ученые склонны рассматривать их как зооморфные фигуры, представляющие различные животные. Стиль изображений вызывает изумление, и его тщательное изучение может раскрыть множество аспектов культуры и мировоззрения древних жителей Кимбайи. Касательно истории этого народа, его восстания и исчезновения, они являются частью сложного исторического контекста, связанного с испанским завоеванием. Судьба народа Кимбайи и их культуры отражает трагичные последствия колониальных вторжений и культурного уничтожения. Оставшиеся произведения искусства становятся важным свидетельством величия и утраченной цивилизации. Относительно знаменитого сосуда Попорото, его изысканная красота и мастерство литья подчеркивают великолепие древних ремесленников. Изучение подобных артефактов помогает не только понять технологический уровень древних цивилизаций, но и проникнуть в их мировоззрение и символику. Таким образом, артефакты и история народа Кимбайа предоставляют уникальную перспективу для исследования и понимания древних культур и событий. | Культурные каналы