Существует огромное множество талантливых художников, которые заслуживают...

"Империя света" 1949 г. Рене Магритт Частная коллекция. Первое полотно «Империя света» Рене Магритт написал в 1949 году, и затем развивал всю одноимённую знаковую серию в течение следующих пятнадцати лет. В 1950 году это парадоксальный образ ночной улицы приобрёл Нельсон Рокфеллер, председатель и президент Национального банка Чейза, занимавший аналогичные должности в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Последующие картины покупали многие крупные коллекционеры XX века. Среди них Жан и Доминик де Мениль, Пегги Гуггенхайм, композитор Ричард Роджерс, а также один из самых преданных поклонников Магритта – Гарри Торчинер. Другие авторские копии можно увидеть в постоянных коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке и Королевского музея изящных искусств Бельгии в Брюсселе. Все они содержат те же ключевые элементы, что и оригинал: погружённую в темноту тихую улицу, которая очень похожа на рю де Эссгем в Брюсселе, где жил Магритт. Одинокий фонарь освещает сцену, словно маяк, и лишь несколько окон слабо светятся изнутри. Однако этот безмятежный ночной пейзаж венчает залитое дневным солнцем небо, по которому дрейфуют белые облака. В 1966 году Магритт пояснил своему другу: «После того написания «Империи света» у меня появилась идея, что день и ночь существуют вместе, они едины. Это разумно или хотя бы соответствует нашим знаниям: в мире ночь всегда существует одновременно с днём. Так же, как одни люди ощущают печаль в то же время, как другие – счастье». Отсылку к «Империи света» сделал режиссёр Уильям Фридкин в своём оскароносном фильме ужасов «Изгоняющий дьявола» 1973 года – в сцене, где отец Меррин (Макс фон Сюдов) стоит перед домом семьи МакНил. Этот кадр потом использовался в постерах ленты. Годом позже музыкант Джексон Браун процитировал картину на обложке своего альбома «Late for the Sky». 13 ноября 2017 года полотно впервые было выставлено на публичные торги в аукционном доме Christie’s. Оно было куплено за 20,6 миллиона долларов США. РенеМагритт Сюрреализм _history

Кого вконец заела лень, Кто спит в постели целый день, Часов двенадцать кряду, Тому вручает магистрат Почетную награду. Где-то далеко-далеко существует дивный край, страна Кокань. Чтоб туда попасть надо то ли найти сахарную гору и слизать ее, то ли проесть себе тоннель в пшеничной каше, но путешествие стоящее, ведь в этой волшебной стране вас ждет райское существование. Там в колодцах и реках благородные вина всех сортов, а на волнах качаются золотые и серебряные кубки чтоб эти вина зачерпывать, пироги и булки растут на деревьях, утки летают сразу жаренные и пытаются метко приземлиться прямо в открытый рот всем желающим, жареные поросята сразу с вилочкой в боку пасутся на лугах и сами предлагают собой отобедать. Дома сложены из множества вкуснейших рыб, дороги мостят сырами, а заборы состоят из колбас. Колбасы же колосятся на полях, а вокруг полей шкворчат на вертелах гуси и столы накрытые чем-то вроде скатертей-самобранок ежесекундно готовы предоставить блюда на любой вкус каждому желающему. Там всегда лето, но если вдруг зима и случается, то метели из муки и сахара. А еще три дня в неделю наблюдаются осадки из горячих кровяных колбас. Вот это уже звучит угрожающе, но все довольны. О, сколь много чудес в той стране! Ведь и одежда у всех там новая и чистая, никто не мерзнет и не одет в лохмотья, всем раздают лучшие суконщики прекрасные костюмчики, да туфельки. И любовь там процветает свободная - каждый может выбрать понравившуюся даму и каждая дама может свободно выбрать себе кавалера и никто их не осудит, потому что в стране Кокани осуждать не принято, там все счастливы. Это особенно прикольно, потому что первая рукопись про Кокань относится в 1250 году, а, вроде как, всего за лет 30 до этого католическая церковь официально постановила, что у женщины стоит спрашивать согласие на брак. Есть и некое противоречие - кто больше спит, тот больше всех зарабатывает, но совершенно не ясно зачем, ведь вокруг все бесплатное, а на полях тут и там валяются кошели полные разнообразных золотых монет. Наверное, так просто смешнее. Еще там необыкновенный календарь - в году четыре Пасхи, четыре дня святого Иоанна, четыре праздника сбора винограда, и вообще каждый день — либо праздничный, либо воскресный; есть четыре Дня Всех Святых, четыре Рождества, четыре Сретения, четыре праздника Карнавала, а вот Великий пост соблюдают лишь раз в двадцать лет, и то, по желанию. А самое чудесное, что есть в Кокани - это источник вечной молодости. Течет за городом река, Не широка, не глубока. Столетний дед с одышкой Ныряет в воду стариком, А вынырнет парнишкой. Когда поеду в ту страну, Я захвачу с собой жену. Пусть в речку окунется И вновь невестой молодой Немедля обернется.

"Концерт в яйце" Иероним Босх, 1480 > Лилль, Дворец изящных искусств Это одна из самых загадочных картин Босха. На полотне изображено огромное яйцо с трещинами, в одной из которых сидят 10 человек. Они как бы формируют желток яйца, который в Нидерландах традиционно ассоциируется с глупостью. Люди, вероятно, символизируют разные виды сумасшествия, так как на картине есть ещё несколько знаков, отсылающих к глупости, безумию и злу. Например, воронка на голове музыканта в очках – знак шарлатанства или же алхимии, которую Босх осуждал. В другой трещине виден дьявольского вида лютнист и темнокожий человек, что крадёт кошелёк у одного из музыкантов. Другие символы зла на картине: сова, вороны, обезьяна и инструментальная музыка. Помимо основного сюжета, на картине присутствует ещё множество мелких деталей. В левой нижней стороне картины из трещины появляется человеческая рука, которая пытается достать рыбу, при этом за происходящим наблюдает кошка. Ещё левее – адский пожар. Справа внизу – маленькие фигуры людей.

Оноре Домье "Вагон третьего класса") Реализм (от лат. «realis» - действительный, вещественный) представляет собой направление в искусстве, возникло оно в конце 18 века, достигло пика своего расцвета в 19, продолжает развиваться в начале 20 века и существует до сих пор. Его целью является реальное и объективное воспроизведение предметов и объектов окружающего мира, с сохранением их типичных черт и особенностей. В процессе исторического развития всего искусства в целом реализм приобрел конкретные формы и методы, вследствие чего выделяют три его стадии: просветительский (Эпоха Просвещения, конец 18 века), критический (19 век) и социалистический реализм (начало 20-го века).

► Почему «Обнаженная» Фалька вызвала гнев у Никиты Хрущева? ► Кто виноват в страшном виде Алёнки из Нововоронежа? ► Почему святого Христофора пишут на иконах с головой собаки? ► Почему Шишкин не сам нарисовал медведей на картине «Утро в сосновом бору»? ► Существует ли картина Репина «Приплыли»? ️ Об этих и других любопытных подробностях из жизни художников, интересных фактах о произведениях искусства, а также о репортажах с выставок читайте на канале: "Я люблю музеи" — t.me/ilovemuseum http://t.me/ilovemuseum

Картины «Над вечным покоем» и «У омута». 1894 и 1892 г. соответственно. Автор Исаак Ильич Левитан. Художник Михаил Нестеров в январе 1892 года так описывал «большую, с рамой аршина четыре» картину «Омут»: «Впечатление огромное. Тревожное чувство охватывает всецело и держит зрителя в напряжённом возбуждении всё время. Со времён Куинджи в пейзаже не появлялось ничего подобного». Впоследствии в своей книге «Давние дни» Нестеров вспоминал, что он любил «Омут» Левитана «как нечто пережитое автором и воплощённое в реальные формы драматического ландшафта».

"Аллегория живописи" Ян Вермеер, 1667 Считается, что картина относится к одной из последних работ художника. Само название говорит о том, что Вермеер имел ввиду аллегорическое изображение живописи, её символический образ. Картина наполнена символами: занавес на переднем плане напоминает театральный и говорит об искусстве постановки, маска на столе также говорит о некой театральности живописи. Исследователи картины, изучив костюм художника, пришли к выводу, что Вермеер изобразил самого себя. Модель, с которой Вермеер пишет картину, также наделена атрибутами-символами: лавровый венок на голове, который является символом победы, труба – символ славы, в руках у девушки томик историка Фукидида, что говорит о том, что живопись ищет вдохновение в истории и исторических достижениях. Существует и предположение, что девушка-муза на этой картине – жена Вермеера. Ян Вермеер очень дорожил этой работой и не продавал её даже в те времена, когда у него накопилось много долгов и пошатнулось материальное положение.

"Автопортрет" 1873 г. Камиль Писсарро Музей д’Орсе, Париж. Первый в истории мировой живописи художник-еврей*, немного испанец, немного доминиканец, он все же известен как французский художник-импрессионист. Его искренне любили и уважали все друзья-художники и литераторы, независимо от темперамента и художественных принципов. Он обладал завидным внутренним стержнем, особой силой духа и характера, и, должно быть, золотой тенью – звездами импрессионизма стали те, кто работал рядом с ним и кого он перезнакомил друг с другом. Этот автопортрет написан в то время, когда Писсарро открывает французам Сезанна. Приглашает молодого художника, которого никто не воспринимает всерьез, к себе в дом, настойчиво рекомендует включить его работы в экспозицию выставок импрессионистов, дает Полю уроки, которые тот не забудет никогда. Для обоих художников это было время перемены стиля и взаимного обогащения художественными идеями. Писсарро учится по-сезанновски моделировать объем цветом и прорабатывать композицию, а Сезанн наконец-то впускает свет в свою палитру и избавляется от черного цвета. Свой автопортрет Писсарро пишет так же, как если бы это был холм в Понтуазе или уходящая вдаль дорога в Лювесьенне. Не водную гладь и не колышущиеся деревья, которые меняют форму от порывов ветра, а некую непоколебимую основательность, чье настроение меняется, а суть неизменна. Здесь та же неуловимая игра солнечного света, те же короткие мазки и ощущение живого мира. При этом нужно понимать, что Писсарро в 1873 году всего 43 года, война уже позади, а первая выставка импрессионистов состоится только через год. Это время надежд и дерзких экспериментов, время, когда старые художественные принципы и стандарты трещат по швам. А Писсарро… Он всегда был мудрым старцем, холмом, скалой и дорогой. *У евреев существует запрет на изображение визуальных образов: «не делай себе кумира и никакого изображения того, что на небе вверху, что на земле внизу, и что в воде ниже земли», вторая заповедь. В синагогах не встретишь фресок или скульптур. Британский искусствовед Вальдемар Янушчак считает, что до Писсарро никто из евреев этот запрет не нарушал, а потому до него не было художников-евреев. КамильПиссарро Импрессионизм _history

Тут сейчас будет о довольно спорной выставке и о смерти, поэтому вы, если что, пролистайте это дело просто. Меня тут, видимо, как эксперта по любым вопросам, пару раз попросили высказаться на тему выставки “Body Worlds”, которая сейчас проходит на ВДНХ и которую, что особо иронично, пытаются закрыть деятели, относящие себя к коммунистической партии. И, хоть я обычно не лезу в современность, тут решила поддаться и ответить. В двух словах, о чем тут речь: в Москву снова приехала выставка немецкого анатома Гунтера фон Хагенса, на которой все экспонаты собраны из частей настоящих человеческих тел. И, конечно, это вызывает множество вопросов, диалогов и, куда без них, скандалов. Гунтер фон Хагенс в 1977 году изобрел особый способ консервации анатомических препаратов, который называется пластинацией - это когда воду и липиды в биологических тканях заменяют смолами и полимерами. Вот описание процесса от автора: “Этот метод я изобрёл случайно в 1977 году, когда был ассистентом в Анатомическом институте Гейдельбергского университета. Я спрашивал себя, рассматривая выставленные препараты, залитые полимером, почему их заливают, а не вводят полимер внутрь? Тогда-то мне и пришла в голову идея пропитать препараты биополимером при помощи вакуума. Для этого препарат сначала нужно погрузить в ледяной ацетон. Когда в результате диффузии вода в тканях заменится ацетоном, вещество следует погрузить в биополимер. Ацетон вакуумным способом откачивается, и его место в тканях заполняется силиконом. После этого с веществом можно работать как с художественным материалом”. Тело как художественный материал. А нужно ли нам такое? Ну, начнем с того, что человеческое тело - штука безумно интересная. Анатомия как наука появилась в эпоху Возрождения и первым анатомом был вовсе не врач, а наш любимый художник Леонардо да Винчи. Он вскрыл, разобрал на запчасти и описал с точки зрения механики более тридцати трупов. За ним следовала целая плеяда выдающихся анатомов, которые разбирали устройство человеческого тела, то и дело открывая что-то новое и потрясающее - то риолановы аркады, то вормиевы кости, то евстахивеву трубу или капсулу Глиссона какую. Каждая крохотная мышца, косточка, связочка, из которых собрано это чудо, наше тело, в результате кропотливой работы и бесконечных зарисовок десятков, сотен ученых были описаны и поняты. Надо ли говорить насколько огромный вклад это внесло в медицину? Но еще интереснее то, что это все оказалось огромным вкладом в искусство. Я не зря выше там про зарисовки написала - между врачами и художниками издавна существует тесная связь, и как раз в эпоху Возрождения художники и врачи входили обычно в один цех и имели общего покровителя - святого Луку. Художники эпохи Возрождения учили анатомию не по атласам и манекенам, а именно что по трупам и даже иногда их воровали с кладбищ под покровом ночи. Проблема воровства покойников докторами и рисовальщиками встала в какой-то момент настолько остро, что на захоронениях даже начали устанавливать специальные приспособления - клетки или тяжелые плиты, которые не под силу было быстро взломать или перетащить. В случае же с работами Гунтера фон Хагенса, который себя считает продолжателем традиций анатомов эпохи Возрождения и даже специально, чтоб это подчеркнуть, постоянно носит черную шляпу, как это было принято у анатомов тех времен, мы имеем дело с донорами, которые добровольно при жизни завещали свои тела. То есть это свободное выражение воли людей, которые, видимо, слишком буквально восприняли идею попадания в музеи после смерти.

"Менины" 1656 г. Диего Веласкес Национальный музей Прадо, Мадрид. «Менины» (что в переводе означает «Фрейлины») – самая знаменитая и даже знаковая картина Диего Веласкеса. Это картина-иллюзия, картина-зеркало, картина-автобиография. В музее Прадо «Менины» намеренно размещаются очень низко – так, чтобы зритель оказался практически на одном уровне с персонажами картины. Инфанта Маргарита Младшая дочь испанского короля Филиппа IV, девочка, на которую империя Габсбургов возлагала большие династические надежды, была любимицей Диего Веласкеса. Художник занимал должность главного распорядителя королевских покоев, а его мастерская находилась прямо в апартаментах короля, поэтому в самом факте того, что Маргариту привели к Веласкесу в его «рабочий кабинет», ничего необычного нет. Веласкес писал Маргариту многократно. Очаровательное существо с воздушным ореолом тоненьких рыжеватых волос и в негнущемся платье на жестком каркасе-вертигадо – её часто сравнивают с лучом света, осветившим мрачную мастерскую. Она умрёт 21-летней, пережив Веласкеса всего на 13 лет. Фрейлины (менины) Девушки-фрейлины расположились по правую и левую руку от принцессы. Одна из них, донья Изабелла де Веласко, склонилась в почтительном поклоне. Вторая, донья Мария Сармиенто, низко присев, протягивает Маргарите, сосуд с водой. Всё это соответствует ритуалам, которые при испанском дворе соблюдались неукоснительно. Принцесса не могла выпить воды самостоятельно – её должны были поднести слуги. А чтобы напоить девочку, фрейлина обязана была опуститься перед ней на колени. Карлики Испанский двор непредставим без карликов. Имена некоторых из них история сохранила благодаря Веласкесу. В «Менинах» мы видим карлицу Марию Барболу, привезённую из Баварии и, возможно, являвшуюся нянькой Маргариты, и миниатюрного карлика-итальянца Николао де Пертусато. Уродцы и карлики были единственными людьми при дворе, свободными от условностей этикета. В «Менинах» Барбола хвастается орденом на её груди, а Николао бесцеремонно толкает ногой спящего королевского пса. Сам художник Веласкес изображает в этой компании и себя самого. Некоторые видят в его лице гордость и надменность. Еще бы – выходец из семейства небогатых португальских евреев-переселенцев оказался почти что членом семьи короля империи, господствовавшей над половиной мира. Но есть и те, кто читает в лице Веласкеса благородство, а также неудовлетворенность и меланхолию. Известно, что, вознамерившись получить дворянство, он пережил довольно унизительный судебный процесс, в котором ему, в частности, требовалось доказать, что живопись не является его способом заработка. В самом конце жизни Веласкеса, уже после того, как были написаны «Менины», Филипп IV пожалует ему орден Святого Яго – высшую государственную награду. Сейчас мы можем видеть этот орден на груди Веласкеса только потому, что после его смерти король велел другому художнику дополнить картину этой деталью. Кого же на самом деле пишет Веласкес? Самая большая интрига картины – над чем же в изображаемое мгновение работает Веласкес? У него в руках палитра и кисть, он смотрит куда-то дальше, поверх голов Маргариты и фрейлин, а перед ним стоит на подрамнике огромное полотно. Но зрителям и не нужно ничего домысливать: те, кого он пишет, отражаются в небольшом зеркале за спиной Веласкеса. Это Филипп IV и королева Марианна Австрийская – родители инфанты. Их несколько размытые, но всё же безошибочно узнаваемые портреты зритель различает в амальгаме зеркала. Интересно, что во всем творческом наследии художника мы не найдём картины, где король и королева были бы написаны не по отдельности, а вместе. Веласкес пишет себя в том окружении и том антураже, который на протяжении 30-ти лет был содержанием его жизни. И вместе с тем, будучи частью этой реальности, он сам её порождает – своим талантом и своей кистью. Вот почему «Менины» – это и лучшая автобиография Веласкеса, и его манифест о месте художника в мире. ДиегоВеласкес Барокко _history

Первый кутюрье Чарльз Фредерик Ворт (1825-1895) - французский модельер английского происхождения, основатель дома моды Worth. Он же первый в истории кутюрье. До этого существовали лишь модистки. Он же в 1868 основал Синдикат Высокой моды, который существует до сих пор. Кроме того, Ворт был первым, кто: - Стал рекламировать свои туалеты в модных журналах. - Привлекать манекенщиц для демонстрации моделей. - Начал проводить модные показы дважды в год. - Пришивать на созданную им одежду ленты с вытканной на них своей фамилией. - Создал конструкцию нижней юбки на обручах - кринолин, а потом сам же её «упразднил» и ввел в моду турнюры. Чарльз Ворт «одевал» императрицу Евгению, королеву Викторию, императрицу Елизавету Австрийскую, испанскую королеву Марию Кристину, королеву Швеции Луизу, а также российских императриц: Марию Александровну (супругу Александра II), Марию Федоровну (супругу Александра III) и Александра Фёдоровна (супругу Николая II), за что его называли «Некоронованный король моды».

► Почему «Обнаженная» Фалька вызвала гнев у Никиты Хрущева? ► Кто виноват в страшном виде Алёнки из Нововоронежа? ► Почему святого Христофора пишут на иконах с головой собаки? ► Почему Шишкин не сам нарисовал медведей на картине «Утро в сосновом бору»? ► Существует ли картина Репина «Приплыли»? ️ Об этих и других любопытных подробностях из жизни художников, интересных фактах о произведениях искусства, а также о репортажах с выставок читайте на канале: "Я люблю музеи" — t.me/ilovemuseum http://t.me/ilovemuseum

Карл Калер Любовники моей жены 1893 Огромное полотно, принадлежащее кисти австрийского художника Карла Калера (1855–1906), было создано в 1891-1893 годах по заказу американской миллионерши Кейт Бёрдселл Джонсон. В ее особняке в Калифорнии обитало более 300 котов, но лишь 42 из них были удостоены чести остаться в истории. Предположительно, название было дано её супругом, Робертом Джонсоном - хотя он и умер в Париже в 1889 году. Прежде никогда не писавший кошек, Калер провёл почти три года в имении Джонсон за изучением их поз, повадок и рисованием эскизов. В центре композиции изображён кот Султан, купленный миллионершей за 3 тысячи долларов во время поездки в Париж. Картина является самым большим полотном с изображением этих животных - её размер 180x260 см, общий вес - 103 кг. Журнал Cat Magazine назвал её «величайшей в мире картиной с изображением кошек». Картина была закончена в марте 1893 года, её заказчица скончалась от воспаления лёгких в том же году, 2 декабря 1893 года. После смерти Джонсон, её имущество было выставлено на аукцион, и картину в начале 1894 года приобрёл Эрнест Хакетт для своего арт-салона в Сан-Франциско. Этот Palace of Art Salon уничтожило землетрясение 1906 года. Картина осталась цела, тогда как её автор, художник Карл Калер, погиб во время землетрясения. На протяжении XX века полотно неоднократно меняло своих владельцев. В 1940-х годах оно принадлежало супругам Джулиан, владельцам галереи Julian Art Galleries. Они выставляли картину по всей стране вместе с передвижной выставкой кошек. Полотно пользовалось популярностью: в этот период было продано около 9 тысяч его репродукций. В ноябре 2015 года картина была продана на аукционе за 826 тысяч долларов частному покупателю из Лос-Анджелеса, причём из-за большого веса полотна пришлось соорудить специальную стену для его демонстрации. художник всемкотиков живопись галерея арт искусство лебедиЛеонардо

Сидящий обнаженный мужчина (автопортрет) 1910 Эгон Шиле Музей Леопольда, Вена Невозможно уйти от традиционной живописи дальше, чем Шиле с его автопортретами. Его работы и сегодня, спустя столетие, шокируют и потрясают. В 1910 году ему было всего лишь 20 лет, но к этому времени он выставлял работы уже в течение двух лет. В «Автопортрете в виде сидящего обнаженного» художник раздет, его тело - странное, нездорово бледное на белом фоне. Как будто он существует в пустоте, неспособный соединиться ни с чем вне себя. Удивительный симбиоз нового взгляда сквозь калейдоскоп Микеланджело и Родена — youtube.com/watch

"Старый рынок в Руане" 1898 г. Камиль Писсарро Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Писсарро приезжал в этот город уже три раза, прекрасно знал его и изучил, казалось, все мотивы и привлекательные места. Но ехать с мольбертом в Руан после Моне – завидная смелость и профессиональная дерзость. Камиль Писсарро понимает, что каждый, кто в Париже увидит его руанские полотна, вспомнит о знаменитой серии Моне, которая несколько лет назад с успехом распродавалась прямо с выставки в галерее Поля Дюран-Рюэля. А значит, нужно подойти к Руанскому собору совсем с другой стороны, но и не делать при этом вид, как будто собора не существует вовсе. Тогда Камиль Писсарро прячет грандиозную, древнюю, настойчиво привлекательную для приезжего художника достопримечательность за простые городские постройки. Не такие величественные и сакральные, не такие важные. Так, будто он ходит мимо этого собора всю жизнь, будто он вырос и состарился в Руане. С этой точки обзора Писсарро написал в Руане три картины. Только эта является частью музейной экспозиции, две другие – в частных коллекциях. Художник писал сыну из Руана, что нашел прекрасное место, с которого можно написать не только улицу, но и рынок. Писсарро ждет пятницы, пока на городском рынке начнется рабочий день. Это «оконный период» Писсарро, когда он почти не выходит на пленэр из-за прогрессирующей болезни глаз. В последние несколько лет жизни он просто смотрит в окно и наслаждается возможностью иногда менять эти окна и вид за ними – у Писсарро наконец-то появились деньги для путешествия. В этой цельной картине со сжатым пространством две совершенно разные по техническому исполнению области. Одна – собор, нечеткий, текущий и призрачный в толще воздуха. Классический импрессионизм, реверанс в сторону юношеских находок. Вторая область – это мир рынка, шумный и яркий, устойчивый и наполнившийся в солнечном свете тяжестью и объемом. Несколько пятен чистого цвета на козырьке и на крышах прямо по улице Эписери уводят Писсарро далеко от мерцающих стен собора. Некоторые критики видят на этом руанском рынке геометрическую гармонию, которая предвещает скорое и настойчивое изменение живописной философии, которая предвещает кубизм. Писсарро вернулся в Париж – и Поль Дюран-Рюэль тут же купил у него за полторы тысячи франков картину с видом руанского рынка. КамильПиссарро Импрессионизм _history

"Ночная терраса кафе в Арле" Сентябрь 1888 г. Винсент Ван Гог Музей Крёллер-Мюллер, Otterlo. «Ночное кафе в Арле» - одна из самых узнаваемых и цитируемых работ Ван Гога. В популярности она уступает, разве что, «Подсолнухам» и «Звездной ночи». Благодаря довольно необычному изображению звездного неба «Ночное кафе» перекликается с другими картинами Винсента, написанными в то же время – «Звездной ночью над Роной» и «Портретом Эжена Боша». Звезды на этих полотнах больше напоминают миниатюрные цветы, из которых год спустя вырастут огромные «подсолнечные» светила и спиральные вихри «Звездной ночи». Еще задолго до переезда в Арль Винсент мечтал написать ночной пейзаж. Сначала на свет появилась «Звездная ночь над Роной». Существует легенда, согласно которой Ван Гог закреплял на полях своей соломенной шляпы свечи, чтобы освещать холст во время работы, поскольку уличное освещение было слишком скудным. О своей работе над изображением ночного кафе он упоминал в письме сестре Вильгельмине, вспоминая «Милого друга» Ги де Мопассана. А в одном из писем брату Тео Винсент писал, что звезды в ночном небе похожи на черные точки на незнакомой карте, обозначающие далекие города. Кафе, увековеченное Ван Гогом на этой картине, находится на прежнем месте до сих пор. Теперь оно носит название «Le Café La Nuit». Однако туристов, побывавших в Арле и разместившихся на знаменитой террасе в надежде выпить кофе и в полной мере проникнуться атмосферой картин Винсента, ждет жестокое разочарование. Судя по отзывам, зайти в это кафе стоит разве что для того, чтобы в нем сфотографироваться. Но, несмотря на высокие цены, оставляющее желать лучшего обслуживание и качество блюд, поток туристов остается неизменным. ВанГог Постимпрессионизм _history

"Дом у железной дороги" 1925 г. Эдвард Хоппер Нью-Йоркский музей современного искусства. «Дом у железной дороги» относится к достаточно раннему периоду творчества Эдварда Хоппера. В 1910 году художник вернулся из Франции в Америку, чтобы уже никогда не покинуть ее пределов. Но еще долгое время в его работах остается заметным влияние французских импрессионистов. Восхищаясь работами Сезанна и Моне, Хоппер стал менять цветовую палитру своих картин, делая ее более яркой и светлой. Дом на этой картине ярко освещен солнцем, которое, судя по всему, уже клонится к закату. Но в глубоких тенях и безжизненных окнах здания просматривается какая-то тоскливая тревожность и заброшенность. Вместе с этим при взгляде на полотно появляется безотчетное ощущение того, что за этими окнами, из глубины темных комнат за тобой кто-то пристально наблюдает. Хоппер часто использует в своих картинах строгий и четкий горизонтальный элемент, как будто насильно разделяя реальный мир, в котором существует зритель, и пространство внутри картины. Здесь таким элементом становятся рельсы железной дороги, которые оттягивают на себя часть внимания и не позволяют увидеть дом целиком. И чем больше зритель пытается разглядеть, тем более непроницаемым становится изображение. «Дом у железной дороги» знаменит в первую очередь тем, что эта работа стала первой картиной, приобретенной Нью-Йоркским музеем современного искусства, основанным в 1928 году. К тому же, очень примечателен тот факт, что дом с картины Хоппера был взят за основу для строительства особняка, ставшего знаменитым «мотелем Бейтса» из фильма Альфреда Хичкока «Психо». Этот особняк стал самой дорогой декорацией фильма и обошелся киностудии в 15 тысяч долларов. Благодаря киношедевру Хичкока, а также многочисленным продолжениям (к примеру, с 2013 года в США выходит успешный сериал «Мотель Бейтса»), полотно Хоппера периодически переживает новые волны популярности, приобретая славу мрачного и зловещего. Хотя здесь и сложно сказать, что же изначально было причиной, а что – следствием. ЭдвардХоппер Реализм _history

"Фашист пролетел" Аркадий Пластов, 1942 Советский мастер живописи создал одно из самых сильных своих полотен ещё в самом начале войны. Несмотря на то, что перед нами не баталия, трагическая сущность войны передаётся очень точно. Художник словно маскирует смерть идиллическим пейзажем. Только когда мы видим еле заметный улетающий истребитель, становится ясно: случилась беда. Рядом с головой пастушка – кровь, которая течет из пробитого черепа. Несколько коров тоже мертвы, а собака жалобно воет рядом с неподвижным телом хозяина. Картина повлияла не только на развитие советской живописи, но и, возможно, на ход мировой истории. В 1943 году по распоряжению Сталина полотно привезли на Тегеранскую конференцию и повесили напротив тех мест, где во время переговоров сидели Черчилль и Рузвельт. Результатом встречи стало открытие «второго фронта», и существует предположение: на решение британского и американского лидеров повлияли не только социально-политические факторы, но и картина Аркадия Пластова «Фашист пролетел».

Возвращение 1968 Михаил Кугач Музей изобразительных искусств Татарстана, Россия Важнейшим местом творческого вдохновения для Михаила Кугача стал Вышний Волочек, близ Академической дачи имени Репина. Эти места Московский художник называет своей малой Родиной. С этим краем связана и история картины «Возвращение». Полотно входит в серию работ, посвященных судьбе солдата вернувшегося с фронта. Героем этого «живописного повествования» стал солдат из деревни под Вышним Волочком, возвращение которого с войны Михаил Кугач видел в детские годы. «Я сам был свидетелем такого возвращения, - вспоминает художник, - я испытывал огромное чувство благодарности и восхищения скромной и неповторимой судьбе этих героев. Это чувство настолько сильно вошло мне в душу, что впоследствии все время, вспоминая эти события, эти переживания, я считал своим долгом рассказать об этом».

Скрытое слово В 2003 году Сантьяго Сьерра представлял Испанию в ее национальном павильоне на биеннале в Венеции. По его решению внутрь павильона, название которого художник заклеил скотчем, могли попасть только обладатели испанского гражданства. У каждого желающего осмотреть экспозицию охранник перед входом проверял наличие испанского паспорта, внутри же павильона была пустота. Работу Сьерра прокомментировал: «Нация — ничто. Стран не существует. Когда космонавты отправлялись в космос, они не видели линии между Францией и Испанией; Франция не окрашена в розовый цвет, а Испания — в синий. Это политические конструкции, а что внутри конструкции? Все, что вы хотите поместить туда. Да и вообще павильон не пустовал: там остались остатки прошлых выставок. Это был акт уважения к истории места». Искусство или нет?

"Похороны сардинки" 1810-е Франсиско Гойя Королевская академия изящных искусств Сан-Фернандо, Мадрид. Франсиско Гойя – специалист по жутким историям и непростым для понимания сюжетам. Его «Капричос» даже сопровождались подписями, без которых сложно, а иногда и совсем невозможно понять замысел Гойи. Но картина, о которой пойдёт речь, не вписывается в этот ряд персональных фантазий Гойи. «Похороны сардинки» – это не произвол авторской фантазии, а реально существовавший в Испании ритуал с лёгким привкусом абсурда. Зачем испанцам хоронить сардину? В пепельную среду – день, предшествующий началу Великого Поста, жители Мадрида и других городов Испании, а также испанских колоний в Латинской Америке, шумной толпой высыпали на улицы. Многолюдная процессия несла впереди себя большую рыбу (сделанную из подручных материалов). Со всех сторон раздавались притворные рыдания и громкий потешный плач. Ближе всех к безвременно почившей рыбе располагались громко стенающие «вдовы» с черными усами – группа ряженых испанских мужчин. Все идущие изображали безутешную скорбь, неизбежно переходящую в народные гуляния с песнями и плясками. Задача похорон сардины та же, что у любого карнавала: повеселиться и покуражиться так, чтобы хватило на все семь недель предстоящего поста. В конце праздника чучело рыбы сжигали (совсем как чучело Масленицы во время аналогичного праздника), а пепел бросали в воду. В наше время этот обычай с соблюдением всех установленных ритуалов лучше всего сохранился на острове Тенерифе – самом большом из островов Канарского Архипелага, бывшей испанской колонии. Пиренейские конквистадоры в XVI веке экспортировали на Тенерифе из Испании не только грипп и оспу, но также католическую религию и сопутствующие ей ритуалы вроде потешных похорон мёртвой рыбы, нашедших отражение в известной картине Франсиско Гойи. Версии происхождения «Похорон сардинки» Похороны мёртвой рыбы бессмысленны только на взгляд рационалиста. Но в карнавальном сознании, переворачивающем мир вверх ногами и предпочитающем порядку – весёлый хаос, ничего невозможного не существует. По одной из версий, похороны сардины – это трансформация другого карнавального ритуала, еще более древнего. Когда-то в Испании накануне поста принято было погребать специально для этой цели заколотого поросёнка. Название такого жертвоприношения – cerdna – было созвучно слову «сардина», так что со временем и хоронить стали её: чем абсурднее, тем веселее! Другая версия приурочивает ритуал как раз к эпохе Гойи: якобы при короле Карлосе III, первом покровителе художника, народ во время карнавала угостили протухшими сардинками. Но угощение сопровождалось таким количеством вина, что подданные Карлоса III не обиделись, а решили учредить торжественные похороны безвременно усопшей рыбы. Место картины в творчестве Франсиско Гойи Фред Лихт, специалист по творчеству Гойи, пишет: «Похороны сардинки» – одно из самых удивительных и виртуозных из дошедших до нас произведений кисти Гойи. Редко кто достигал такой решительности и смелости мазка. Каждый мазок является каллиграфическим чудом и в то же время с виртуозной точность живописует выражения лиц и эмоциональный заряд каждой позы или жеста. Глядя на картину, мы оказываемся где-то посередине, в идеальной точке равновесия между гобеленами Гойи и его «черными картинами». Буйное народное веселье первых постепенно сменяется тревожностью последних. В потемнении колорита, в неоднозначной маске на стяге и особенно в избыточности жестов и движений зритель начинает смутно ощущать беспокоящий подтекст массовой истерии, лежащей в основе фиесты». ФрансискоГойя Романтизм _history

Монументальная живопись или мурализм — разновидность монументального искусства, создание картин на архитектурных сооружениях. Иногда для обозначения произведений такого рода используется термин "мураль" или "мурал". В Нижнем Новгороде создан первый в этом году мурал в рамках международного фестиваля "Культурный код". Это работа испанского художника с русскими корнями Вячеслава Гунина, известного также как Sav45. Он к восьмисотому юбилею Нижнего написал огромный портрет Максима Горького на фасаде одного из зданий города. Первый - значит не последний. Участники фестиваля вскоре будут работать в Ставропольском крае, Татарстане, на Ямале... По задумке организаторов, в общей сложности до конца 2021 года в рамках фестиваля будет создано порядка 60 муралов. Этот фестиваль и существует для того, чтобы в буквальном смысле создать музей монументального искусства под открытым небом. Нам остаётся только ждать (и не завидовать нижегородцам).

Данте и Беатрис, 1884 год Генри Холидей Художественная галерея Уокера, Ливерпуль На картине первая встреча «музы» и тайной возлюбленной итальянского поэта Данте Алигьери. Была его первой и платонической любовью, вышла замуж за другого и рано скончалась. Воспета в главных произведениях Данте и оказала огромное влияние на тему платонической любви поэта к недоступной даме в европейской поэзии последующих веков. Картина считается самой важной у Холидея. После смерти о художнике говорили, как "последний Прерафаэлит". Художник хотел, чтобы картина была исторически точной, и в 1881 году отправился во Флоренцию. Он обнаружил, что в 13 веке улица Лунгарно на северной стороне реки Арно между мостами Понте Веккьо (видно на заднем плане) и Понте Санта-Тринита, была вымощена кирпичом и что в этом районе были магазины; они показаны на картине.

"Завтрак на траве" 1865 г. Клод Моне ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1865 году Клод Моне решил писать огромную картину - 4 на 6 метров. Фигуры людей на ней должны превосходить средний человеческий рост вдвое. В лесу Фонт... он делает много этюдных зарисовок, для которых просит позировать друзей, и вскоре набрасывает предварительный вариант - именно этот пробный вариант сейчас хранится в музее Пушкина в Москве. И название будущей работы, и ее общий замысел - это дань уважения другому «Завтраку на траве», картине Эдуара Мане, которая двумя годами ранее была представлена в знаменитом Салоне отверженных и вызвала бурю негодования критиков, салонных судей и посетителей. На Клода Моне, ученика частной студии, она произвела тогда грандиозное впечатление - и сейчас он готов объявить Мане о своем восхищении и совершить что-то настолько же невероятное. Он не собирается возмущать публику обнаженными женщинами, как это сделал Мане, он хочет писать яркие солнечные пятна и контрастные глубокие тени на одежде и на лицах, на траве и белом покрывале. Трудно представить, где и как юный художник хранил огромное полотно во время работы над ним. Зато он подробно рассказывал позже, как при своем росте в 165 сантиметров ухитрялся доставать до его верхней части. Моне вырыл глубокий длинный ров, опускал в него картину - и сам оказывался на нужном уровне. Этой работой Моне одержим, он пишет друзьям, что не может больше ни о чем думать, что сойдет с ума, если не доведет дело до конца. Эта работа отнимает все силы и, если честно, обходится совсем не дешево. Сегодня воссоздать общий вид готового «Завтрака на траве» можно только по этому предварительному наброску. Окончательный вариант не сохранился, вернее, сохранился изрядно потрепанным, побывав в нескольких передрягах. Моне полжизни был в долгах - он сбегал среди ночи из арендованной квартиры, когда не мог расплатиться с хозяином, он делил долгое время мастерскую с Фредериком Базилем и с Огюстом Ренуаром, он ссорился с владельцами гостиниц и давал обещания. А однажды, оставшись без гроша в кармане, он свернул свой огромный «Завтрак на траве» и оставил хозяину квартиры в качестве залога. Деньги у Моне появятся не скоро - и он вернется за картиной много лет спустя. Все это время она пролежала свернутая в рулон в сыром подвале - и в некоторых местах начала подгнивать. Картину пришлось разрезать на куски - и спасти удалось только три неповрежденных фрагмента. Но и из этих трех фрагментов до музейных стен добрались только два - сегодня они находятся в музее д’Орсе. Каждый - в отдельной раме. Третий фрагмент потерялся. От предварительного, но вполне самостоятельного и завершенного, варианта огромная итоговая картина немного отличалась. Моне переодел девушку слева из белого платья в серо-красное и заменил центральную фигуру сидящего юноши на другую. Новый участник «Завтрака на траве», веселый, крупный бородач, очень похож на художника Гюстава Курбе. С Курбе, тогда уже шумно знаменитым и признанным мастером, Клод Моне познакомился как раз во время работы над «Завтраком». Картину Курбе, по одним воспоминаниям, восторженно повалил, по другим - одобрил, но порекомендовал немного доработать. Как бы то ни было, Моне уже не собирается отправлять «Завтрак» в Салон, он решительно настроен покорить судей новым портретом дамы в зеленом платье. КлодМоне Импрессионизм _history

"Моне и госпожа Моне в лодке" 1874 г. Эдуар Мане Новая пинакотека, Мюнхен. Госпожой Моне Камилла Донсье станет только за несколько дней до смерти – священник, который придет проводить обряд соборования к умирающей женщине, сразу и обвенчает ее с Клодом Моне. К этому времени у них уже будет двое сыновей и 13 сложных, часто голодных и холодных, лет вместе. Так что в момент написания картины она все еще была Камиллой Донсье. Но друзья, конечно, считали Камиллу и Клода настоящей семьей. В 1874 году Клод Моне и Эдуар Мане живут рядом – чтобы встретиться, им достаточно переплыть Сену. Мане проводит лето в Женвилье, а Моне теперь живет в Аржантее, на другом берегу. Весной состоялась первая выставка импрессионистов, в которой Эдуар Мане не участвовал (впрочем, как и во всех последующих), но которая существенно повлияла на его и без того уязвимую и шаткую репутацию. Молодых художников, которые бросили вызов академическому искусству, называют бандой Мане. А после их дерзкой выходки с собственной выставкой Мане после мимолетного успеха в Салоне снова записали в лагерь мятежников. Это он начал бунт, это он виновник, вдохновитель целой банды бездарных художников, которые ни в грош не ставят мастерство живописца и считают картинами намалеванные за пару часов наброски. Эдуар Мане никогда не станет импрессионистом и не сможет разделить с юными последователями их одержимости. Сезонных эффектов, световых пятен, мимолетных бликов, случайных видов, цветных теней и плотного воздуха – всего этого ему мало. Но он не прочь этим летом 1874 года разобраться как следует в импрессионистской манере письма и способах работы. Он ставит свой мольберт рядом с мольбертом Клода Моне – и пробует писать воду на его манер. Да, получается, да, занятно, да, эти светящиеся цвета Моне действительно завораживают. Эксперимент удался. Дважды этим летом он пишет и самого Моне – в саду, поливающим цветы, и в плавучей мастерской, которую художник соорудил из обычной лодки. Построил над лодкой деревянный шалаш, в котором можно разместиться с мольбертом, уплывал в ней на середину реки и заглядывал в воду. Эдуар Мане пишет друга так, как стал писать бы сам Моне: продолговатыми короткими яркими мазками – водную рябь, несколькими условными штрихами – лицо Камиллы, которую издалека почти не видно, нарочитая темная тень на летних брюках работающего художника, чем дальше к линии горизонта – тем меньше ясности и четкости. Контур лодки дрожит и расплывается в знойном влажном воздухе, контур навеса очерчен почти небрежно. Мане увлекся импрессионизмом, Мане играет в импрессионизм. Его выдает неземной, неуловимый цвет лодочной кабинки – ровный и однородный, ненаходимый в природе и дерзкий в своей нарочитой декоративности. Такими же кричаще яркими были перила на его картине «Балкон» - неестественного зеленого цвета – и за эти перила Мане серьезно досталось от критиков. И еще. Черный. Это импрессионисты, Клод Моне один из первых, заявили, что черный – это не цвет, что в природе его не существует, а даже искусственно созданный человеком, он приобретает какие угодно оттенки на солнечном свету. Но Мане смело берет черный, чтоб написать обувь и галстук Клоду Моне, чтоб поставить несколько черных штрихов на далеких лодках и даже хулигански мазнуть по траве. Эдуар Мане – художник, который главным кумиром и учителем считает Диего Веласкеса, а потому уверен, что черный – это цвет. ЭдуарМане Импрессионизм _history

"Порыв ветра" 1860-е Камиль Коро ГМИИ имени А. С. Пушкина. Популярные истории о французском пейзажисте Камиле Коро нередко начинаются так: «Его жизнь была такой же безмятежной, как большинство его полотен». Конечно, насчёт биографии это обобщение немного натянуто. Но живопись Коро и вправду почти всегда – умиротворённая, природа – спокойная, настроение – просветлённое. Коро даже зиму никогда не писал: в это время года он работал только в студии, пользуясь эскизами, зарисованными летом. В Пушкинском музее изобразительных искусств хранится редчайший для творчества Коро образец: ненастье. Конечно, речь идёт о знаменитой картине «Порыв ветра». И это одна из самых выразительных работ Коро. Порыв ветра гнёт стволы и ветви деревьев и почти сносит женщину с пути. Небо здесь зловеще, желтые проблески заката тревожны, но главное, как и всегда у Коро, – деревья. Художник умел делать их живыми, передавать колыхание веток и вибрации листвы. В «Порыве ветра» ветви сгибаются под напором воздуха, а темные кроны рвутся и трепещут. И если вглядываться в картину долго, инстинктивно хочется зажмуриться, как делаем мы это в жизни при сильных порывах ветра. Маленькая человеческая фигурка выглядит пугающе одинокой перед лицом бури – так проявляется романтический мотив беззащитности человека перед Вселенной. Забавно, что самая редкая для Коро «ненастная» картина оказалась и одной из самых популярных. Ее благонамеренно копировали и беззастенчиво подделывали. Чаще, чем какую-либо другую. Но Коро, отличавшегося редкой в художественной среде добротой и щедростью, это не слишком расстраивало. В его биографии существует такая легенда. Однажды в мастерскую Коро зашёл его состоятельный почитатель, торжественно неся на вытянутых руках картину «Порыв ветра». Наверно, он хотел поблагодарить любимого художника. А может быть, разделить с ним радость приобретения. - Но это же не Коро! – изумился Коро. - Как не Коро?! Не может быть! Да я велю немедленно найти и арестовать того, кто всучил мне эту подделку! - Но постойте! – начинает беспокоиться Коро. – Вот так вот сразу арестовать? Зачем же? У него ведь, должно быть, семья, малые дети. - Ах, это совсем не важно! Он подделал картину и по закону и справедливости… - По закону?! Сейчас вам будет настоящий, законный, самый что ни на есть подлинный Коро! – и с этими словами художник выхватил из рук гостя подделку и размашисто начертил в углу свою подпись. КамильКоро Пейзаж Романтизм _history

Восхождение и спуск 1960 Морис Эшер После Второй Мировой Эшер обрел настоящую популярность. Его работы оказались оценены математиками. В период с 1950 по 1960 годы он создал свои наиболее известные картины в том числе и с невозможными конструкциями. Бесконечные лестницы — главный мотив этой картины, навеяны статьей Р. Пенроузов из "Британского журнала психологии" 1958 года. Прямоугольник внутреннего двора замкнут стенами здания, у которого вместо крыши – бесконечная лестница. Скорее всего, в этом доме живут монахи. Возможно, ежедневный ритуал предписывает им подниматься по ступеням несколько часов подряд. Кажется, если они устанут, им разрешается повернуть в обратную сторону и спускаться, вместо того чтобы подниматься. Однако оба направления, хотя и выразительны, но одинаково бесполезны. Двое непокорных индивидов в этот момент отказываются участвовать в ритуале. Эшер оказал огромное влияние на несчетное количество художников в разных странах мира. А математики особенно любят работы Эшера.

Знаете ли Вы, почему Магрит на своей известной картине «Поцелуй» изобразил головы целующихся людей, завернутыми в белую ткань? Существует теория, что этот образ был взят из детства. Его мать страдала от депрессии и имела психические проблемы, что привело к страшной истории, оставившей свой след на психике художника. Что за история? Узнай подробности на

Ответ. «Лютнист» — одна из ранних картин Караваджо. Сам художник считал «Лютниста» наиболее удавшимся ему произведением. Картина существует в трёх версиях. Из них до недавнего времени общепризнанным было авторство только эрмитажного полотна; сейчас первой авторской версией сюжета считается полотно из Нью-Йорка, картина из Бадминтон-хаус, по мнению исследователей, — копия с эрмитажного. Существует мнение, что «Лютнист» — это парная картина к «Концерту» («Музицирующие мальчики»). Вероятно, это первое произведение, где художник использовал свою знаменитую контрастную светотеневую моделировку.

Знаете ли Вы, почему Магрит на своей известной картине «Поцелуй» изобразил головы целующихся людей, завернутыми в белую ткань? Существует теория, что этот образ был взят из детства. Его мать страдала от депрессии и имела психические проблемы, что привело к страшной истории, оставившей свой след на психике художника. Что за история? Узнай подробности на

"Портрет старика с внуком" 1480-е Доменико Гирландайо Лувр, Париж. «Портрет старика с внуком» – самое знаменитое станковое произведение флорентийского художника Доменико Гирландайо, входящее в золотой фонд эпохи Возрождения. При этом современникам Гирландайо так не казалось: Вазари хоть и считал Доменико чуть ли не самым выдающимся живописцем Флоренции XV века, об этом полотне в своих «Жизнеописаниях» не сообщает ничего. Первое появление картины в информационном пространстве датируется 1866 годом – доску приобрел Лувр. А в 1880 году берлинский Музей Боде отказался перекупить полотно из-за его ужасного состояния. Неизвестные первые хозяева картины явно относились к ней с пренебрежением и надлежащих условий хранения шедевру не обеспечили. Полноценную реставрацию полотна провели только в 1996 году, и с тех пор «Портрет дедушки с внуком» - must-see для ценителей ренессансного портрета. «Не существует более гуманистической картины периода Кватроченто, будь то внутри или вне Италии», - считал историк искусств Бернард Беренсон. И действительно, - здесь и потрясающая для того времени прорисовка портрета в плане натуралистичности, и вечные ценности, но без доли пафоса. Единство старика и внука подчеркивается одинаковым цветом одежд, при этом каждый из них выражает любовь к другому по-своему: старик смотрит на мальчика с нежностью и словно с высоты прожитых лет, а в облике ребенка – детская невинная доверчивость и искреннее обожание. Спокойный пейзаж за окном и лентой вьющаяся река призваны усилить ощущения неумолимости времени и связи поколений. О том, кто был реальными прототипами старика и внука, известно не более, чем о том, что же происходило с картиной в течение 400 лет. Возможно, мальчик – это сын Доменико Ридольфо (ребенок подходит по возрасту), а старик весьма отдаленно напоминает Франческо Сасетти – одного из знатных людей Флоренции 15 века. Впрочем, сходство с Сасетти весьма условно, а вот ринофима у модели Гирландайо – заболевание, проявляющееся в шишковидных наростах на носу – неоспоримый факт. Точные причины возникновения ринофимы медикам до сих пор не ясны, при этом ряд специалистов считает, что алкоголь здесь играет не последнюю роль. Так что не исключено, что наш дедушка от лишнего бокала не отказывался. «Старик откровенно некрасив» – с этих слов начинается чуть ли не каждое описание картины. Может, именно поэтому шедевр и не был оценен по достоинству в свое время. Язык Ренессанса строго предполагал, что нравственность, высокие моральные стандарты, красота души и прочая духовность присущи лишь внешне привлекательным (по меркам эпохи) людям. Поэтому не совсем понятно, как в Кватрочетно мог появиться столь реалистичный, и, главное, человечный портрет. Классические лица XV века – это лица без тени каких-либо внутренних противоречий. И то же, в принципе, можно было бы сказать и об изображенном Гирландайо дедушке, если бы не оттягивающий на себя максимум внимания нос с бугорками. Но непривлекательность старика в сочетании с его благостным и любящим выражением лица, с обожанием смотрящий на деда внук-ангелочек – все это делает полотно на редкость гармоничным. Вот эта вот амбивалентность «на лицо ужасные, добрые внутри» появится в искусстве гораздо позже, портреты же раннего Возрождения предполагали однозначные посылы. Однако изображенная ринафима у Гирландайо – словно протест против принятой в искусстве идеализации. Впрочем, не исключено, что Гирландайо и не имел в виду ничего такого, а просто передал внешность своей модели с максимальной точностью, что и требовало ренессансное «подражание натуре». Вазари отмечает, что сходство портретов Гирландайо с оригиналом практически не имело во Флоренции себе равных. ДоменикоГирландайо Портрет Возрождение _history

"Композиция VII" Василий Кандинский, 1913 > Москва, Третьяковская галерея "Композиция VII" является одним из центральных произведений первой половины 1910-х годов. Существует более трех десятков эскизов этюдов и эскизов к "Композиции VII". Тщательная проработка пластического решения картины в эскизах и этюдах способствовала тому, что процесс написания большого полотна занял буквально несколько дней - с 25 по 28 ноября 1913 года. Большой размер произведения предполагает своеобразное "погружение" внутрь полотна, некий эффект присутствия и сопричастности происходящему в картине. Художник приглашает не просто созерцать картину, но приобщиться к творческому процессу создания произведения. Направление движения фиксируется цветовыми акцентами синего ("элемент покоя") и красного ("ощущение силы") цветов, а объединяющим и гармонизирующим началом является белый цвет, разработанный с множеством оттенков, на котором развивается все построение картины.

"За лесом и озерами" Отто Хессельбом, 1908 > Стокгольм, Национальный музей Швед Отто Хессельбом перед тем, как заняться живописью, работал разносчиком книг и переписчиком в музее. В период с 1888 по 1895 он учился в Королевской академии изящных искусств у пейзажиста П. Хольма и в этом жанре дебютировал в 1897. Впоследствии он также создавал портреты. Хессельбом любил писать виды с озерами, лесистыми холмами, открытыми широкими пространствами. В представленном произведении «За лесом и озерами» художник воплотил все эти мотивы. Он изобразил огромное пространство с рекой на первом плане и несколькими небольшими озерами, чередой уходящими к горизонту. Но край не безжизнен – на ближнем к зрителю, высоком, берегу реки стоят несколько домиков, а по ее руслу плывут корабли. Мягкий гармоничный колорит, построенный на сочетании голубого, зеленого и белого цветов, создает атмосферу спокойствия и вдохновения.

"Завтрак, или Столовая" 1887 г. Поль Синьяк Музей Крёллер-Мюллер, Otterlo. «Завтрак» Поля Синьяка – своеобразная присяга на верность неоимпрессионизму. «Неоимпрессионист не начинает писать холст, не уточнив композицию», – заявлял художник. Над этой картиной он работал долго, писал множество набросков и «композицию уточнял» тщательно. Картину показали на третьей выставке Салоне независимых, и она вызвала весьма прохладный прием. Синьяка упрекали в том, что он изобразил вместо лиц «раскрашенные поверхности». Художник написал своего деда, мать и служанку. В его портретах действительно не встретить тщательно прорисованных лиц. Тем не менее, в данном случае Синьяк мастерски показал психологические характеристики персонажей, не детализируя портреты как таковые. В позе мужчины во главе стола, его волевом профиле, сжатых в кулак руках чувствуется властность, привычка к подчинению окружающих, возможно, самодурство. Его впору отлить из бронзы! Лицо женщины неразличимо, единственное, в чем мы можем быть уверены – глаза ее опущены вниз. Ее фигура выражает смирение, покорность, даже забитость, пожалуй. Несмотря на то, что сидят они друг от друга не так уж далеко, создается впечатление, будто их разделяет огромное расстояние. Он – на передовой, она – где-то на задворках. На одном из предварительных вариантов не было фигуры служанки, ее Синьяк включил в композицию в процессе работы над картиной. В отличие от главных персонажей, служанка безлична, о ее характере мы ничего особо сказать не можем, она изображена скорее как функция, а не как человек. В том числе, одна из ее задач – еще больше разделить фигуры сидящих за столом, увеличить пропасть между ними. Фигура служанки – перекличка Синьяка с Жоржем Сёра, ее поза повторяет позу дамы на переднем плане на картине «Воскресный день на острове Гранд-Жатт». Сёра в те годы был для Синьяка безусловным лидером, а «Воскресный день» произвел фурор, так что речь явно не о совпадении, а о диалоге. Отчуждение – это, пожалуй, основное качество, характеризующее отношения между объектами на картине Синьяка. Причем речь не только о людях, предметы на столе – и те разделены. Графин, сахарница, тарелки, чашка, свернутая салфетка не соединяются в ансамбль, не соотносятся, а существуют отдельно друг от друга. Пуантилистская манера зачастую создавала эффект остановившегося времени. Имеет место этот феномен и в данном случае. Даже чашка, которую подносит ко рту женщина, вовсе не обещает дальнейшее движение, это мгновение застыло, и выход из него не предусмотрен. Не будем забывать, что неоимпрессионисты появились не на пустом месте, а как противодействие импрессионистам, у которых «завтрак» – одна из любимых тем. Вспомним «Завтраки на траве» Эдуарда Мане и Клода Моне, «Завтрак гребцов» Ренуара и множество других вариаций на эту тему. Картина Синьяка кардинально отличается от предвосхитивших ее «завтраков». Здесь совершенно иное «меню»: нет яркости, легкости, праздничности импрессионистских завтраков. Напротив, статичная, четко структурированная картина оставляет довольно тягостное, гнетущее впечатление, импрессионистской радости и мимолетности мы здесь не найдем. ПольСиньяк Пуантилизм _history

Портрет двоюродного брата Эдуарда Мане Национальный музей Уэльса собирается отреставрировать редкий портрет двоюродного брата Мане. Музей получил грант в размере 20 000 евро от Фонда реставрации музеев TEFAF Портрет месье Жюля Дежуи (1879) изображает старшего кузена Мане, который оказал огромное влияние на художника как его советник по правовым вопросам и доверенное лицо. Жюль Дежуи был известным парижским юристом. После смерти отца Мане, в 1862 году, Дежуи был назначен главным советником художника и его братьев. В какой-то момент Эдуард Мане даже отправил свои ценные вещи кузену на хранение во время осады Парижа в 1870 году Картина маслом была приобретена музеем в 2019 году после того, как почти столетие находилась в частной коллекции. После реставрации картина впервые будет выставлена в музее арт_новости

"Отравленные газом" Джон Сингер Сарджент, 1919 > Лондон, Ламбет Полотно было заказано британским мемориальным комитетом. Тема полотна – газовая атака. Первый раз газ хлор был использован германскими войсками под Ипром. Последствия были чудовищны – более 6000 солдат и офицеров задохнулись в своих траншеях и убежищах, огромное количество людей ослепло и получило страшные повреждения слизистых оболочек и органов дыхания, сделавшие их инвалидами на всю оставшуюся жизнь. На картине изображены солдаты, у которых из-за газовой атаки пострадали глаза. Они закрыты повязками и сильно обожжены хлором, поэтому видеть солдаты не могут. Выстроившись цепочкой и положив руку на плечо предшествующего, они медленно передвигаются к госпиталю, ведомые единственным помощником или санитаром. Вдали справа видна еще одна небольшая колонна солдат и офицеров, также ведомая санитаром. А вокруг прямо на земле лежит и сидит множество других пострадавших, очередь на осмотр врачом которых еще не пришла. На глазах у всех плотные повязки.

"Кенгуру из Новой Голландии" 1772 г. Джордж Стаббс Национальный морской музей, Гринвич. Не ценителям анималистической живописи портрет животного может показаться мало занимательным: просто кенгуру, да и с небольшими изъянами. Но тем не менее картина имеет не только художественную и историческую ценности. В ее истории скрывается целый пласт научных открытий, международных отношений и просто приключений. Сэр Джозеф Бэнкс был участником первого корабельного плавания британцев, посвященного исключительно географическим открытиям. Это знаменитое путешествие капитана Джеймса Кука по Тихому океану, проходившее в 1768-1771 годах. Бэнкс был одной из ключевых фигур в развитии европейского естествознания, натуралист и ботаник, покровитель науки и искусства. В течении двух лет Стаббс писал для него эти две картины. На суд британской публике полотна были представлены в 1773 году в Королевской Академии. Именно здесь англичане впервые смогли увидеть и познакомиться с таким экзотическим животным, как кенгуру из Новой Голландии — это первое название Австралии, которое дали ей голландские мореплаватели в начале XVII в. Забавно, что сам Стаббс никогда не видел кенгуру, а при работе над портретом ориентировался на описания тех, кому посчастливилось в живую лицезреть сумчатое. Ему предоставили шкуру и череп убитого животного, и он, как профессиональный знаток анатомии отлично справился с заданием «удаленно», не считая мелких недочетов (к примеру, неправильные уши). Отныне первооткрывателями кенгуру для европейского мира считаются три человека: Джеймс Кук, Джозеф Бэнкс и Джордж Стаббс. «Кенгуру из Новой Голландии» имеет целую историю борьбы за владение, которая произошла уже в наши дни. Все время картина хранилась у потомков жены Бэнкса. Но 2012 году министр культуры Англии Эд Вейзи, узнав о предстоящей продаже портретов кенгуру и Динго на аукционе за 9,3 млн австралийских долларов анонимному покупателю, объявил о временном запрете на вывоз полотен. Картины были национальным достоянием, и британские власти не планировали прощаться с столь ценными экземплярами. Это дало возможность телеведущему и зоологу Дэвиду Аттенборо (David Attenborough) начать акцию по сбору денег «Сохраним нашего Стаббса». Денег не хватало, и картину собиралась приобрети Национальная галерея Австралии. Срок окончания запрета подходил к концу, и тут в ноябре 2013 года произошло небывалое везение. Фонд семьи Эяля Офера (израильского корабельного магната и миллиардера) пожертвовал на сборы 1,5 миллиона фунтов стерлингов. Это превысило сумму, предложенную австралийцами, и дало возможность Национальному морскому музею в Гринвиче выкупить два портрета. Бизнесмен объяснил свой поступок тем, что картины имеют прямое отношение к британскому мореплаванию, а значит им самое место в морском музее. Изображение Кенгуру кисти Стаббса имеет большое значение не только для искусства Великобритании, но и Австралии. Сэр Рон Рэдфорд — директор Национальной галереи Австралии, выражая желание приобрети портреты животных, в 2013 году говорил, что этот кенгуру более 50 лет служил образцом для множества художников, которые и понятия не имели как он выглядит на самом деле. Героя картины растиражировали с помощью гравюр, а позже работа стала одной из иллюстраций в книге о первом путешествии Кука по Тихому океану. Существует мнение, что кенгуру стал символом Австралии благодаря именно Стаббсу, а также тому факту, что это животное не умеет двигаться назад (на самом деле умеет, просто делает это крайне редко), а значит оно — символ прогресса. К тому же кенгуру на первом гербе Новой Голландии изображен на основе портрета британского анималиста. ДжорджСтаббс Анимализм Романтизм _history

ФИЛЬМ ДЗИГИ ВЕРТОВА «ЧЕЛОВЕК С КИНОАППАРАТОМ» Нагляднее всего открытия Дзиги Вертова воплотились в фильме Человек с киноаппаратом». Он снимался без сценария, актеров и декораций. Таким образом Вертов манифестировал свою главную идею: приоритет объектива камеры, «кино-глаза», над человеческим глазом и возможность не только зафиксировать реальность, но и пересоздать ее на территории кино. Этот преобразовательный пафос и был созвучен идеям многих авангардистов – как и несколько утопический образ мысли режиссера, который предполагал, что фильм станет образцом «подлинно международного абсолютного языка кино». Казимир Малевич замечал родство этой кинокартины с беспредметным искусство и опытами футуристов: «Я обнаружил в «Человеке с киноаппаратом» огромное количество элементов (кадров) именно кубофутуристического порядка…». Видео: «Дзига Вертов. Человек с киноаппаратом (фрагмент). 1929».

"Авиньонские девицы" 1907 г. Пабло Пикассо Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). Едва ли найдется много художников, которые кардинально меняли стиль в один момент. Чаще всего существует некий переходный период, во время которого работы совмещают в себе разные техники и стили. «Авиньонские девицы» Пикассо относятся, пожалуй, именно к таким картинам. С одной стороны это уже практически кубизм в чистом виде, но в то же время лица героинь полотна имеют неоспоримое сходство с масками, что было свойственно «африканскому периоду» в творчестве художника. Работа над «Авиньонскими девицами» заняла у Пикассо девять лет. Он сделал множество набросков к этому полотну, на которых изначально кроме обнаженных женщин присутствовали еще и мужчины – завсегдатаи публичного дома. Да и сама картина называлась «Бордель в Авиньоне». По словам Пикассо, он назвал ее так в память о том времени, когда жил неподалеку от квартала «красных фонарей» в Барселоне – Carrer d’Avingo. «Как ни странно, - вспоминал художник, - там я нашел единственную лавку по продаже бумаги и акварели по низкой цене». Новое, более благопристойное название для полотна придумал художественный критик Андре Сальмон, организовавший выставку Пикассо в 1916 году, на которой «Авиньонские девицы» были впервые представлены публике. И даже спустя девять лет после создания картину назвали аморальной. Зрителей поражала не только бесстыдная нагота изображенных на полотне женщин, но и отказ Пикассо от общепринятых живописных канонов. Он искажает лица и тела своих героинь, разбивая их на фрагменты, используя геометрические формы. Художник бросает вызов привычным нормам идеализированного изображения женского тела как чего-то исключительно прекрасного. Женщины на полотне кажутся застывшими в страхе, они как будто стараются максимально отделиться и отдалиться друг от друга. Они скорее сосредоточены на зрителе, они смотрят прямо на вас, изучающе и настороженно, а их написанные в разных стилях лица и несимметричные глаза только усиливают магнетическую силу взглядов и окончательно сводят на нет эротизм сцены. По мнению искусствоведов, Пикассо написал «Авиньонских девиц» под влиянием сразу нескольких произведений коллег: чаще всего здесь упоминаются «Радость бытия» Матисса, «Купальщицы» Сезанна, «Турецкая баня» Энгра, «Открытие пятой печати» Эль Греко и скульптура Гогена «Овири». В свою очередь, «Авиньонские девицы» невероятно впечатлили художника Жоржа Брака, с которым Пикассо познакомился в том же 1907 году. Эта работа положила начало не только многолетней дружбе двух основоположников кубизма, но и триумфальному шествию крайне противоречивого живописного направления по Европе. ПаблоПикассо Кубизм | Слушать аудиоразбор _history

"Бордель" Октябрь 1888 г. Винсент Ван Гог Фонд Барнса, Филадельфия. Наверное, не будет преувеличением, если сказать, что Винсент Ван Гог был завсегдатаем борделей. В некоторые периоды жизни художника женщины легкого поведения были едва ли не единственными, к кому он мог обратиться в поисках поддержки и понимания. И получить их, пусть даже и за деньги. Частые визиты к проституткам, конечно, печальным образом сказались на состоянии здоровья Винсента, однако эти женщины зачастую помогали ему в работе, становясь его натурщицами. Картина «Бордель» была написана осенью 1888 года, когда Ван Гог жил в Арле. И, вероятнее всего, работница именно этого заведения сыграла немаловажную роль в судьбе художника. Как известно, в истории с отрезанным ухом Ван Гога фигурировала некая проститутка Рошель, которой художник то ли отправил, то ли даже лично принес свой кровавый «презент». Существует мнение, что эта женщина была главной причиной размолвки двух художников, поскольку Винсент испытывал к Рошель нежную привязанность, а любвеобильный Гоген этим пренебрег. Возможно, с помощью такого экстравагантного подарка Ван Гог хотел продемонстрировать женщине всю глубину своих чувств. Можно предположить, что на картине «Бордель» изображено то самое место, где работала Рошель, ведь Арль все же был маленьким городом, и подобных заведений в нем вряд ли было много. С помощью довольно скупых выразительных средств Ван Гогу удалось передать интимную и немного зловещую атмосферу, царящую в борделе. В одном из писем Тео, рассказывая о другом своем полотне – «Ночное кафе» - художник пишет, что хотел «выразить пагубную страсть, которая движет людьми, с помощью красного и зеленого цвета». Но если в «Ночном кафе» преобладал красный цвет, то здесь первую скрипку играет зеленый. Словно постепенно наступающие сумерки, этот цвет поглощает картины на стенах, столики и одежду героев, превращает лица в лишенные индивидуальности маски. Остаются только яркие детали, не поддающиеся этой обезличивающей «болотистой» атмосфере – вроде золотисто-теплой лампы на стене или ярко-красного мазка губ женщины на переднем плане. ВанГог Постимпрессионизм _history

​Ранее писатель Мартин Бэйли, специалист по творчеству Ван Гога, обнародовал документы, подтверждающие, что в вечер, когда художник лишился уха, он получил письмо от Тео с известием о его помолвке. Ван Гог боялся потерять психологическую и материальную поддержку брата. Художник находился на грани нервного срыва, и ссора с Гогеном стала последней каплей: чтобы унять душевное беспокойство, Ван Гог нанес себе увечье, чтоб показать брату, как ему важна его поддержка. На следующее утро Ван Гога нашли в окровавленной постели без сознания и поместили в госпиталь с диагнозом «острая мания с общим безумием». Кстати, чтоб удивлять окружающих знаниями об искусстве, не забывайте подписываться по кнопке снизу экрана Другая версия парой постов выше ✑✑✑ ✧✧✧✧✧✧ ✑✑✑ Винсент Ван Гог оказал огромное влияние на живопись XX века. Он написал 2100 полотен, в частности, около 860 картин маслом. Хотя процесс создания многих его работ связывают с психическим расстройством, эксперты подтверждают, что художник редко писал в периоды психозов. Он умер 29 июля 1890 года, через два дня после попытки покончить с жизнью. Автопортрет с перевязанным ухом и трубкой 1889 Винсент Ван Гог Частная коллекция https://telegra.ph/file/6b9f582799eadf457d97d.jpg

"Ночное кафе" Сентябрь 1888 г. Винсент Ван Гог Художественная галерея Йельского университета, Нью-Хейвен. Картина Винсента Ван Гога «Ночное кафе» отсылает нас к другой его работе с похожим названием – «Ночное кафе в Арле». И, несмотря на то, что два этих полотна были написаны в один и тот же период (более того – в один месяц), они абсолютно, почти диаметрально разные по настроению. Одна из самых знаменитых работ Винсента с летней террасой под звездами пронизана ощущением безмятежности и спокойствия: теплый желтый и оранжевый свет в окнах, чистое высокое небо, прогуливающиеся по улице и сидящие за столиками люди… А в этом «Ночном кафе» картина совсем иная. Здесь Ван Гог снова отводит зрителю роль стороннего наблюдателя, но взгляд на интерьер кафе направлен сверху вниз, а перспектива намеренно искажена. Висящие на стене часы показывают начало первого ночи: в это время в подобном заведении едва ли можно было встретить приличную публику. В отличие от людей за столиками летней террасы, некоторые из здешних посетителей, похоже, уснули на месте, выпив лишнего. Да и вся эта сцена выглядит так, будто бы мы смотрим на нее глазами весьма нетрезвого человека. Стены окружают со всех сторон, давят и не дают дышать, и в то же время как будто «разъезжаются». Но самое главное, что отличает эти две картины – цветовая гамма, которая задает настроение. Несмотря на типичное для арльских работ Ван Гога обилие желтого и ореолы света вокруг ламп, «Ночное кафе» лишено ощущения уюта и спокойствия. В письме брату Винсент писал об этой картине так: «Я попытался изобразить место, где человек губит самого себя, сходит с ума или становится преступником. Я хотел выразить пагубную страсть, движущую людьми, с помощью красного и зеленого цветов». На самом деле красный цвет довольно редко становился доминирующим в работах художника. И похожий грязноватый кровавый оттенок в следующий раз станет фоном для его «Автопортрета с перевязанным ухом и трубкой». Существует и второй вариант «Ночного кафе», в котором изображение еще более плоское, а цвета – еще более ядовитые. В «Ночном кафе» Винсент изобразил реально существовавший интерьер маленького привокзального заведения, принадлежавшего супругам Жино. Художник снимал у них комнату, когда только поселился в Арле, и позже написал портреты обоих. Мадам Жино и ее сурового супруга уговорил позировать присоединившийся к Ван Гогу Поль Гоген. И хотя художники работали над портретами мадам Жино одновременно, готовые полотна оказались очень разными. У Ван Гога хозяйка кафе стала воплощением некоего светлого образа задумчивой прекрасной дамы. Гоген же не упустил случая немного поиздеваться над другом и соперником: зная, что Винсенту сложно писать «из головы», он по памяти воспроизвел интерьер кафе, использовал те же красные и зеленые оттенки и поместил на передний план мадам Жино, придав ее образу оттенок порочности. ВанГог Постимпрессионизм _history https://t.me/pic_history/5882

Автопортрет с отрезанным ухом 1889 Винсент Ван Гог Галерея института искусств Курто, Лондон По одной из версий, художник лишился уха во время спора со своим другом Полем Гогеном. Творцы якобы не могли поделить между собой женщину – проститутку Рашель, в которую оба были влюблены. Кстати, чтоб удивлять окружающих знаниями об искусстве, не забывайте подписываться по кнопке снизу экрана Считалось, что 23 декабря 1988 года Гоген не выдержал напряженного разговора и оставил Ван Гога в одиночестве в доме на площади Ламартина. Художник в гневе отхватил себе мочку уха бритвой, завернул ее в газету и отправился в бордель, где вручил кусок плоти проститутке Рашель. Наутро полицейские отвезли художника в больницу. Однако, существует и другая версия

Обещала рассказать о великолепной выставке, посвящённой образу женщины в советской фотографии «И это всё о ней…» В экспозиции 50 лучших работ репортажной, уличной и портретной фотографии 1920-х–1990-х из коллекции Галереи Люмьер. Восхитительно осознавать, как менялся образ женщины и женственности: «спортсменка, комсомолка и просто красавица», «жена и мать», «боевая подруга», «хранительница домашнего очага» и далее, далее. Фотография начинает развиваться с 1920 года и обретает свой эстетический язык, становясь языком идеологии и отражением тенденций в обществе. К 1950 году появляется клубная фотография, а к 1960 годам фотография разделяется на официальные тенденции и неофициальные творческие поиски. Я лично получила огромное удовольствие от выставки. Глядя на фотографии, чувствуешь сильную связь поколений, которые переживали те же чувства, наслаждались тем же утрешним солнцем и шли по той же Красной площади с сердцем полным надежды и веры в завтрашний день.

Натюрморты. Художник Хосе Эскофет (Jоse Escofet) родился в окрестностях Барселоны в 1930 году. С раннего детства увлекался живописью. В возрасте 22 лет перебрался в Барселону и начала работать, как свободный художник. Испробовал огромное количество стилей и техник в поисках своего уникального почерка, при этом всё больше склонялся к живописи реалистичной и в частности, к натюрморту. С молодых лет Хосе Эскофет восхищался творчеством голландских художников эпохи Возрождения и живопись голландцев явно оказала своё влияние на последующий выбор собственного стиля. С 1979 года художник живёт и работает в Великобритании.

Живем мы с вами, конечно, в интересное время…. Вы когда-нибудь задумывались, что с картинами делают в случае опасности для здания музея? Я вот, честно, не думала, пока мне случайным образом не пришлось попасть в бункер в Новой Третьяковке, где было отдельное огромное помещение под хранение произведений (оно и понятно, здание строилось долго, но как раз в период Холодной войны). Скульптуры - с ними все ясно, их можно просто расставить. А всю коллекцию живописи как сохранить компактно? Помните, про валы вам писала? https://t.me/yulya_pro_iskusstvo/133 Так вот, в бункере (или бомбоубежище) есть ячейки для этих самых валов, на которые предполагалось самую ценную часть коллекции «накатать». Да, увы, пришлось бы выбирать, что ценнее Не знаю, правда ли это, но говорят, что диаметр отверстий для хранения валов в бомбоубежище соответствует диаметру снаряда ядерной боеголовки. Вот такие интересные совпадения ‍ PROинтересныефакты

Микела́нджело Буонарро́ти. Для Микеланджело ключевым этапом в работе над скульптурой был выбор мраморной глыбы. Он считал, что любая скульптура уже существует внутри камня: надо только найти этот камень и освободить сокрытое в нём творение, отсечь всё лишнее. В 15-м сонете он писал: "И у величайшего художника не может быть идеи, какую кусок мрамора не хранит в потенциале в массе своей, но лишь рука, послушная сознанию, способна добраться до этого образа".

155 лет назад родился гениальный архитектор и новатор, идеолог органической архитектуры — Фрэнк Ллойд Райт. Его работы оказали огромное влияние на архитектурный путь всего мира — дома, вписанные в природное пространство — идеально выверенная геометрия и объемы. Самой знаменитой «программной» постройкой Райта остаётся «Дом над водопадом» в Пенсильвании. Современной интерпретацией работ Райта в России стал уникальный проект компании Галс-Девелопмент: элитный загородный посёлок «Берёзки River Village» напрямую связан с идеями органической архитектуры. Задачу вписать современные формы в подмосковный ландшафт решали швейцарские проектировщики, стремясь «впустить природу внутрь дома». Итогом стали необычные для наших широт дома в стиле райта. Коттеджный поселок «Берёзки River Village» победил в европейском конкурсе European Property Awards 2017–2018 в двух тематических категориях. Так что если визитная карточка Райта — это «Дом над водопадом», то у нас продолжение его идей — это подмосковные «дома у реки».

Ежегодно в американской пустыне Блэк-Рок в штате Невада проходит огромное событие, которые соединяет в себе искусство и людей. С 1986 года со всего мира на Burning Man ежегодно съезжается почти 80 000 человек. В 2020 году художникам из Екатеринбурга Burning Man выдал грант по программе Black Rock City Honoraria Grants. Из 750 заявок комитет грантовой программы выбрал 70, из России — только одну. Ирина и Станислав Шминке представят свой арт-объект, который называется DIPTOWN — город в овраге, утонувший в песках. В объекте видно только верхушку, а все остальное скрыто в глубине. В инсталляции может участвовать кто угодно. Желающие смогут дополнять арт-объект своим опытом, например, делиться своими вещами или придумывать истории про утонувший город. Выданный комиссией грант покроет только часть всей поездки, поэтому остальную часть художники собирают фандрайзингом и пожертвованиями. Сайт проекта Сбор на Тинькофф Анкета для волонтеров

Какого цвета слово «искусство»? Оно сладкое или кислит? Чем пахнет нота «ми»? И при чем тут синестезия? Синестезия — феноменальная особенность восприятия окружающего мира, когда разные сигналы и чувства становятся единым ощущением. Только 4% людей на планете обладают такой «способностью». Синестеты могут услышать цвет, нарисовать звук, придать объем буквам, увидеть настроение. Например, человек может не любить имя, так как видит его черным и скользким, или обожать запах бензина, напоминающий ему свежую выпечку. Интересный факт: «смешение чувств» воспринимается синестетами как абсолютная норма, и что остальные ощущают реальность так же. Русский художник Василий Кандинский был синестетом и часто рисовал свои картины, ощущая цвет через музыку. Так он создал свое произведение «Импрессия III». Существует мнение, что Винсент Ван Гог и Эдвард Мунк писали свои работы через смешения чувств. ⠀ И все-таки. Какого цвета слово «искусство» для вас?