Такой современный пин-ап

Художник Александр Николаевич Волков — выдающийся живописец, чьи произведения пронизаны глубоким смыслом и красотой. Его работы поражают своим исполнением, включающем в себя разнообразные стили и техники, особенно впечатляет его умение передавать атмосферу и настроение, а самое главное заложить глубокий смысл в каждую картину. Благодаря виртуозному владению кистью и цветом, Волков создает образы, которые вызывают у ценителей изобразительного искусства различные эмоции. Некоторые картины могут вызывать радость и улыбку, другие - грусть и печаль, а третьи – способны дать такой мощный импульс и заряд силы, который способен пробудить в человеке такие положительные качества как отвага, героизм, доблесть, благородство, патриотизм и любовь к родной земле. К таким картинам относиться полотно «Испания», написанная в 1937г. Она отражает дух времени, когда народные массы восстали против угнетения и требовали изменений. Этот момент исторического перелома нашел свое яркое отражение в живописи, делая картину значимой не только с художественной, но и с исторической точки зрения. Гражданская война в Испании 1936-1939 г-в стала ключевым событием в истории Испании, когда страна была разделена на два лагеря: республиканцев и националистов. Женщины играли значительную роль в этом конфликте, не только как участницы гражданских, политических движений, но и как бойцы на передовой. Главной героиней картины Волкова стала простая испанская женщина, вставшая на ровне с мужчинами в один боевой строй. Она была одной из тысяч женщин, которые поднялись на защиту своей страны от фашистской опасности. Героиня отважно шагает вперед, крепко сжимая своими руками красное знамя, преисполненная решимости любой ценой воплотить в жизнь священные ценности. В ее глазах — отражение будущего, где каждый человек будет свободен и равен. Ее бой — это бой за будущее, где правят не тираны и деспоты, а голос народа, голос свободы. Это женщина-воин, готовая идти до конца ради своих идеалов и убеждений. Каждый шаг, каждый момент этой борьбы наполнен опасностью и риском. Но для нее нет ничего более важного, чем борьба за свободу и достоинство. Она готова принести в жертву все — свою жизнь, свои мечты, свои надежды — лишь бы добиться победы. И пока она идет в бой с красным флагом в руках, ее душа наполнена надеждой. Надеждой на то, что однажды красный флаг станет символом не только борьбы, но и победы — победы свободы и справедливости для всех. Образ женщины на картине — это образ революции, символизирующий силу единства и веры в светлое будущее.

Прошлого не изменить. Что было, то было. Надо отвечать за свои дела, но судить себя за них... быть судьёй, присяжным и палачом самому себе — не выход, ведь чаще всего такой суд ведёт только к повторению наших действий. Купить картину на холсте "Во все тяжкие" https://futuart.ru/products/kartina-vo-vse-tyazhkie-2 30х40 см - 450 руб. 40х50 см - 650 руб. 50х70 см - 1250 руб.

Иероним Босх  Смерть скупца 1500 Иероним Босх (около 1450-1516)) - ярчайший представитель Северного Возрождения, художник, чья личность не перестаёт оставаться загадкой, а творчество - источником вдохновения для современных художников, дизайнеров и кинематографистов. Сюжет картины взят из популярного во временя Босха трактата «Искусство умирать», в котором смерть человека рассматривается как итог бездарно либо праведно прожитой жизни. А мерой вещей является то, принимает ли умирающий заветы Христа или отвергает их. Перед такой же дилеммой оказывается и персонаж картины Босха. Зрителю открывается спальня со сводчатым высоким потолком и кроватью под пологом, на которой привстал измождённый умирающий. Смерть, традиционно изображаемая в виде скелета, завёрнутого в белый саван, заглядывает в его дверь. Она наводит на умирающего стрелу, но медлит в нерешительности. У скупца на смертном одре всё еще остаётся шанс на спасение. Накануне смерти он оказывается перед тем же выбором, который искушал его при жизни: деньги или спасение, кошелёк или вечная жизнь. С одной стороны ангел, заботливо поддерживающий больного сзади, указывает на распятие в арке оконного проёма под потолком. С другой стороны, дьявол в обличье невиданного монстра протягивает ему денежный мешок. И хотя Новый завет предостерегает о том, что «не можете служить Богу и маммоне» (обогащению), скупец отворачивается от ангела и инстинктивно тянет руки за мешком с деньгами. Вокруг резвятся разнообразные темные существа. Очевидно, это духи преисподней, слетевшиеся, чтобы склонить умирающего на свою сторону. Но окончательный выбор всё еще не сделан. Пока стрела смерти не пущена, у скупого остаётся шанс отвергнуть дьявола и последовать за ангелом в рай. художник Босх живопись галерея арт искусство лебедиЛеонардо

​МЫ УЧИМ РИСОВАТЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ ДАЖЕ НОВИЧКОВ и ВЕДЕМ К ПОСТОЯННОМУ ВЫСОКОМУ ЗАРАБОТКУ НА РИСОВАНИИ И РОСПИСИ СТЕН! Если Вам нравится рисовать и не нравится нынешняя работа, или заработок на ней, пора расширять свои границы и выходить на новый уровень! Живопись востребована всегда, и, имея навыки рисования и продвижения, Вы всегда будете обеспечены заказами и хорошим заработком. Я Арон Оноре, и за годы практики в живописи я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнайте, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке http://aron-onore-school.ru/zapis_na_zanyatie?utm_source=telegram&utm_campaign=simpleartist https://telegra.ph/file/e8ea6c30c7a993a38b11c.jpg

Если у вас есть 5 минут, и вы любите танцы, то обязательно посмотрите работу ниже. В 2017 году художник адаптировал отрывок из одноименной оперы-балета "Галантная Индия" Жана Филиппа Рамо (фр. композитор) в сотрудничестве с танцорами крампа*. * Крамп — современный танец, зародившийся в гетто Лос-Анджелеса в 90-е. В атмосфере беспорядков (избиение людей, репрессии со стороны полиции), молодые танцоры стали выражать через танец напряженность физического, социального и политического тела страны. Автор: Clément Cogitore https://www.youtube.com/watch?v=9h9HP-VOJv4&list=FLIJYvYVJxJfVsNWRn9trq4w&index=6 https://www.youtube.com/watch?v=9h9HP-VOJv4&list=FLIJYvYVJxJfVsNWRn9trq4w&index=6

Tim Eitel — современный немецкий художник, представитель Новой Лейпцигской школы. Говорит, что "живопись всегда искусственная и постановочная". Художник извлекает параллельный мир из ежедневного потока образов. Его картины мрачны, так как мы не можем разглядеть обезличенные лица, а фон, в основном, приглушенный и монохромный.

​Elise Ansel — "переводит" картины старых мастеров на современный живописный язык. Образы из прошлого используются для определения цвета и динамики. Спонтанность абстракции затмевает рациональное мышление, свойственное процессу создания картин. Полотна старых мастеров, в основном, созданы мужчинами для мужчин. Элизабет Ансель преобразует повествование в чувственную форму визуальной коммуникации. https://telegra.ph/file/e7f0b511b74b2d2751305.jpg

​ВЫ МОЖЕТЕ НАУЧИТЬСЯ РОСПИСИ В СТИЛЕ ГИПЕРРЕАЛИЗМ И ЗАРАБАТЫВАТЬ НА ЭТОМ ОТ 300К В МЕСЯЦ Художник - проводник прекрасного в этот мир! И если Вы увлечены этим искусством, вы априори достойны успешной профессиональной деятельности! Я Арон Оноре, и мой путь к успеху в мире искусства не был простым и быстрым, я не сразу пришел к тому, что вообще могу зарабатывать на этом. И сейчас встречаю большое количество художников с таким же мнением! Можно сказать, что жизнь сама привела меня к профессии художника. И, спустя годы, меня стали часто просить научить рисовать гиперреализм. Так и появилась Школа гиперреализма и росписи стен Арона Оноре. За годы творческой деятельности я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнаете, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке: http://aron-onore-school.ru/ https://telegra.ph/file/838ef97d59679502e5560.jpg

Исаак Левитан (1860-1900) «Деревня. Зима» ~1878 холст, масло. 23х34 см исаак_левитан Тульский музей изобразительных искусств –––––––––––––––– Ах, были бы у меня деньги, купил бы я у Левитана его "Деревню" - серенькую, жалконькую, затерянную, безобразную, но такой от нее веет невыразимой прелестью, что оторваться нельзя: все бы на нее смотрел да смотрел. До такой изумительной простоты и ясности мотива, до которых дошел в последнее время Левитан, никто не доходил до него, да не знаю, дойдет ли кто и после. А.П.Чехов

«Осенний день. Сокольники» 1879г. Исаак Левитан Пустынная аллея парка, усыпана жёлтыми опавшими листьями. Трава ещё зелёная, но цвет этот не такой яркий как летом, а наоборот, по-осеннему пожухлый. Вдоль дороги растут молодые деревья. Их совсем недавно посадили, оттого они такие тонкие, с редкой осыпающейся листвой. Как контраст этой молодой поросли края картины «обступили» старые деревья парка. Высокие, тёмно-зелёные и чуть мрачноватые. И над всем этим пейзажем плывут облака, серые и хмурые, создавая ощущение сырого пасмурного дня. Центральным элементом картины является героиня, но её присутствие «не ворует» у природы главную роль. Левитан не автор этой примечательной, одинокой фигуры. Девушку в тёмном платье, идущую прямо навстречу к зрителю, написал Николай Чехов, художник и брат писателя Антона Павловича. Общее настроение полотна грустно-ностальгическое, и этому есть объяснение. Именно в этот период Левитан подвергся первому выселению из Москвы, согласно указу, запрещающему проживание евреев в городе.

​МЫ УЧИМ РИСОВАТЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ ДАЖЕ НОВИЧКОВ и ВЕДЕМ К ПОСТОЯННОМУ ВЫСОКОМУ ЗАРАБОТКУ НА РИСОВАНИИ И РОСПИСИ СТЕН! Если Вам нравится рисовать и не нравится нынешняя работа, или заработок на ней, пора расширять свои границы и выходить на новый уровень! Живопись востребована всегда, и, имея навыки рисования и продвижения, Вы всегда будете обеспечены заказами и хорошим заработком. Я Арон Оноре, и за годы практики в живописи я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье у пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнайте, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке http://aron-onore-school.ru/zapis_na_zanyatie https://telegra.ph/file/f59a9331417df365a1145.jpg

Зигмундс Биелис – современный скульптор из Латвии, родился в 1954 году в Риге, окончил Рижское училище прикладного искусства (1974 г.) и Латвийскую Академию художеств, факультет скульптуры (1984 г.). С 1989 года член Латвийского Союза художников. Как сам художник характеризует свои современные творения – это объединение воедино Экспрессии, Элегантности и Эротики! Одна из самых известных скандальных работ автора, скульптура из отполированной бронзы, под названием «Писающая Дама» была выставлена в рижском саду зала «Dzintari», последняя картинка в нашей галерее.

"Вечер в Каире" 1870 г. Иван Константинович Айвазовский Частная коллекция. В 2015 году на русских торгах аукциона Sotheby's была заявлена одна из редких картин Айвазовского не на морскую тему – «Вечер в Каире». Эстимейт установили в рамках 1,5-2 миллионов фунтов стерлингов, торги были назначены на 2 июня. Однако Национальное центральное бюро Интерпола в России направило в Великобританию запрос с требованием снять картину с торгов, поскольку в 1997 году она была похищена из частной коллекции в Москве. Судьба картины до похищения известна: полотно находилось в коллекции московского собирателя Дедова. В 1940-е он продал ее Ивану Носенко, занимавшему пост наркома судостроительной промышленности. После смерти Носенко картина перешла в собственность его вдовы. В 1997 году 80-летняя Тамара Георгиевна ожидала внучку с продуктами. Вместо нее пришлось встретить грабителей. Из квартиры вынесли работы Айвазовского, Саврасова, Шишкина. «Вечер в Каире» оценивается как самый дорогой экземпляр коллекции. Впервые полотно всплыло в 2013 году всё на том же Sotheby's. Сын Тамары Георгиевны, дипломат Владимир Носенко опознал один из лотов аукциона и заявил об этом. Полотно было снято с торгов до дальнейшего выяснения обстоятельств. В следующем году аукционный дом получил ответ на запрос из московского ОВД, в котором сообщается: «в материалах уголовного дела отсутствует описание, фотографии и какие-либо другие официальные документы, которые могли бы дать возможность сравнить картину, похищенную в 1997 году у потерпевшей Носенко Т.Г., с картиной, представленной на аукционе Сотбис в 2013 году». То есть доказать, что этот «тот самый Айвазовский», не представляется возможным. Таким образом, с юридической точки зрения ситуация для бывших владельцев оказалась практически безнадежна. Страсти вокруг картины разгорались нешуточные. Представители Sotheby's заявили, что картина не числится ни в списке украденных предметов искусства, составленном Министерством культуры России, ни в международном Art Loss Register. Однако аукционисты связались с «предположительно бывшим владельцем картины» и договорились о выплате определенного процента со стоимости лота. Похоже, в Sotheby's тоже не были уверены в чистоте происхождения картины и понимали, что такой способ решить проблему оптимален для всех. Однако российские и, возможно, британские правоохранители иначе посмотрели на это дело. МВД и Интерпол настойчиво требовали снять картину с торгов. Утром 2 июня 2015 года за несколько минут до начала торгов картина таки были снята. ИванАйвазовский Романтизм _history

​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на публике Крупная работа Винсента Ван Гога парижского периода, которая более века находилась в частной коллекции одной французской семьи, будет выставлена на всеобщее обозрение впервые с момента её написания весной 1887 года. «Уличная сцена на Монмартре» — часть очень редкой серии, изображающей знаменитую «Мулен де ла Галетт», возвышающуюся над городом на вершине холма. Цикл был написан в течение двух лет, которые художник провёл в одной квартире со своим братом Тео на улице Лепик. Картина была приобретена французским коллекционером в 1920 году и с тех пор переходила из поколения в поколение в одной семье. Полотно никогда не одалживали для публичных выставок, несмотря на то, что оно было внесено в семь каталогов. Теперь «Уличная сцена на Монмартре» будет выставлена в Лондоне, Амстердаме и Париже. А в марте её продадут на аукционе Sotheby’s. Ожидается, что работу купят не меньше, чем за 5−8 миллионов евро. «Очень немногие картины Ван Гога „периода Монмартра“ остаются в частных руках. Большинство же находится в коллекциях престижных музеев по всему миру, — представительница аукционного дома Орели Вандевоорд. — Появление на рынке работы такого калибра из такой знаковой серии, несомненно, станет крупным событием». Клаудиа Мерсье из аукционного дома Mirabaud Mercier, связанного с продажей, назвала работу «пленительной». На картине изображена ветряная мельница на Монмартре, разрушенная в 1911 году, а также вход в «Мулен де ла Галетт», увенчанный декоративными фонариками, и карусель за деревянным забором. Монмартр, также известный как Ла-Бют, Холм, в то время быстро превращался из пригородного поселения в район развлечений. Среди парижан всё большую популярность набирали его кафе, а у поколения художников, интеллектуалов и писателей — его богемная атмосфера. Два года, которые Ван Гог провёл в Париже (с 1886-го по февраль 1888-го), прежде чем уехать в Арль, принято считать основополагающими для его более позднего уникального стиля. На него оказали влияние такие импрессионисты, как Клод Моне и Камиль Писсарро, а также молодая генерация художников, включая Поля Синьяка, Эмиля Бернара и Анри де Тулуз-Лотрека. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/974e0fec3fde7f6cc6d83.jpg

​МЫ УЧИМ РИСОВАТЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ ДАЖЕ НОВИЧКОВ и ВЕДЕМ К ПОСТОЯННОМУ ВЫСОКОМУ ЗАРАБОТКУ НА РИСОВАНИИ И РОСПИСИ СТЕН! Если Вам нравится рисовать и не нравится нынешняя работа, или заработок на ней, пора расширять свои границы и выходить на новый уровень! Живопись востребована всегда, и, имея навыки рисования и продвижения, Вы всегда будете обеспечены заказами и хорошим заработком. Я Арон Оноре, и за годы практики в живописи я выработал свою методику работы в стиле гиперреализм, росписи стен и точно знаю, как обеспечить поток клиентов. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 000р., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ ️️️В это воскресенье у пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. 11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. Узнаете, что нужно развить лично Вам. 3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. Какой шаг пропускают 100% любителей и 90% профессиональных художников на пути к деньгам и славе? А Вы не пропустите. 6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество, восхищение в глазах окружающих и постоянно растущий доход. ⠀ Когда: воскресенье, 18:00 Как попасть: регистрируйся по ссылке http://aron-onore-school.ru/zapis_na_zanyatie?utm_source=telegram&utm_campaign=simpleartist https://telegra.ph/file/2329ca770b8a80d29df6a.jpg

"Прометей" 1630 г. Хосе де Рибера Частная коллекция. Летом 2009 года Барбара Пьясецка-Джонсон (1937-2013), бывшая польская горничная, ставшая после удачного замужества наследницей гигантской фармацевтической империи Johnson & Johnson, выставила на торги лондонского отделения аукциона Sotheby's свою коллекцию мебели и предметов искусства эпохи барокко. Общая сумма продаж составила тогда 9,9 млн фунтов (около 16 млн. долларов), а самым дорогим лотом из всей торговавшейся коллекции стала картина «Прометей» Хосе де Риберы: она была продана за 3,8 млн фунтов. Высокая цена – всегда результат синергии многих факторов. Причём далеко не всегда можно сказать, какой из них имел решающее значение. Возможно, дело в том, что «Прометей» – одна из характернейших картин Риберы с его «фирменным» острым драматизмом и резкой светотенью. А быть может, к легендированию картины имеют непосредственное отношение слухи о нездоровом интересе Риберы к истязаниям и пыткам. Или же свою роль сыграла «караваджиевская» манера исполнения «Прометея», а Караваджо, как известно, всегда отлично продаётся. Рибера использовал в «Прометее» своё излюбленное композиционное решение – разместить тело в напряженнной и сложной позе строго по диагонали картины. В подобных, хотя и не тождественных, положениях предстают в 1620-х годах на картинах Риберы святые Варфоломей, Андрей, Себастьян. Композиция, «отработанная» на христианских святых, в 1630-м году или позже, когда написан «Прометей», оказалась едва ли не более подходящей для античного титана. Тем более, сюжет мифа о Прометее, самоотверженном защитнике человеческого рода от произвола богов, располагает к живописным упражнениям в передаче телесных мук и корчей. Точная передача анатомии прикованного Прометея, предельного напряжения всех мышц, рваной кровавой раны в боку и, главное, передача эмоционального накала огромной силы – вот «визитная карточка» Риберы. Все это делает картину драматически-волнующей и такой желанной для покупателей. Согласно некоторым данным, для этюдов и зарисовок Рибера регулярно посещал неапольские тюрьмы, где наблюдал за истязаемыми заключенными. Это позволяло ему натуралистично изображать человеческое тело, насильственно вывернутое, распластанное в неудобном и мучительном положении. Недаром Риберу иногда называют «художником истязаний». Рибера действительно заимствует у Караваджо живописные техники, известные как «кьяроскуро» и «тенебросо». Некоторые старые авторы настойчиво пытались найти доказательства их личных встреч. Но, ради исторической справедливости, следует уточнить, что Хосе де Рибера и Микеланджело Меризи да Караваджо познакомиться всё-таки не успели: Караваджо бежал из Неаполя в 1607-м, а Рибера, вероятнее всего, перебрался туда и остался там на всю жизнь несколькими годами позже, когда Караваджо уже не было в живых. Среди восьми покупателей, охотящихся за этим лотом на Sotheby's, были представители Прадо, но им так и не удалось пополнить коллекцию главного музея Испании. К огромному сожалению, личность нового владельца «Прометея», согласно аукционным правилам конфиденциальности, остаётся неизвестной. Рибера Барокко МифологическаяСцена _history

Чжунъюаньская статуя Будды (Будда Весеннего Храма) Статуя являлась самой большой на планете до 2018 года. Изображает она Будду Вайрочана — это один из пяти священных Будд, олицетворяющих мудрость. Статуя находится в поселке Чжаоцунь в Китае. Идея возведения такой оригинальной святыни возникла после того, как в Афганистане талибы взорвали две огромных статуи Будды, китайцы очень резко отреагировали на это событие. Строительство уникального гиганта было очень оперативным и достигло финиша в 2008 году. Высота Весеннего Будды — 128 метров, из которых 20 метров — это подножие в виде цветка лотоса, а остальные 108 — непосредственно статуя Будды. Всё это грандиозное сооружение стоит на 25-метровом пьедестале. В 2010-м году холм, на котором воздвигнута статуя, преобразовали в две больших каменных ступени, таким образом, высота всей конструкции от верхушки до самого основания насчитывает 208 метров, этот факт был зарегистрирован в книге рекордов Гиннеса.

​Как попасть в арт-среду, не имея опыта. Творец отдаёт всего себя искусству, поэтому ему нужен менеджер, который взял бы на себя всю управленческую работу. Возможно, популярность пришла бы к Ван Гогу раньше, будь у него такой помощник. Если вы готовы стать таким человеком и открывать новые таланты — регистрируйтесь на бесплатное занятие Нетологии «Арт-менеджмент: как управлять проектами в сфере искусства». Вы познакомитесь с внутренней кухней арт‑менеджмента и узнаете, почему спрос на специалистов в этой сфере растёт. Поймёте, как проходит рабочий день арт‑менеджера, что входит в его обязанности и как войти в арт-сферу. Открывайте художественные таланты ↓ https://netolo.gy/gip https://telegra.ph/file/b1911452641c5cea6b1f0.jpg

Модернизм (от франц. moderne - новый, новейший, современный) – художественное направление, объединяющее множество течений, основанных на противостоянии классическому искусству и возникшие в ХХ веке. Для всех них характерны глубокая индивидуальность, внутренняя свобода, вызов устоявшимся канонам. К ранним течениям модернизма относятся импрессионизм и постимпрессионизм. Позже получили развитие такие направления модернизма, как фовизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм, дадаизм и сюрреализм. Более поздними считаются кинетическое искусство и оп-арт (оптическое искусство).

«Смерть Инессы де Кастро» 1834г. Карл Брюллов История Инессы поражает своим драматизмом. Будучи придворной дамой, она влюбилась в инфанта, наследника португальского трона. Тайно обвенчавшись, они скрывали такой брак, тем более что у инфанта была невеста. Прознав реальную причину отказа сына жениться, король Афонсу IV решил убить его тайную жену. Но увидев женщину и своих внуков, молящих о пощаде, смиловался. Именно этот момент и отобразил на холсте Брюллов. Картина написана в ярко выраженной академической манере – «говорящие» жесты, скульптурные фигуры. Кульминацией картины выступает высветленное автором лицо Инессы, молящее и несчастное. Ещё более усугубляют щемящее впечатление дети, приникшие к матери. Лицо короля невозмутимо, но он опасается глядеть на нежеланную невестку. Лишь стража равнодушно глядит на правителя и ждёт его указаний. Известно, что Афонсу, который нуждался в «правильном» в политическом плане браке сына, поставил дело государства выше личных чувств, и Инесса потом всё таки была убита.

Как попасть в арт-среду, не имея опыта. Творец отдаёт всего себя искусству, поэтому ему нужен менеджер, который взял бы на себя всю управленческую работу. Возможно, популярность пришла бы к Ван Гогу раньше, будь у него такой помощник. Если вы готовы стать таким человеком и открывать новые таланты — регистрируйтесь на бесплатное занятие Нетологии «Арт-менеджмент: как управлять проектами в сфере искусства». Вы познакомитесь с внутренней кухней арт‑менеджмента и узнаете, почему спрос на специалистов в этой сфере растёт. Поймёте, как проходит рабочий день арт‑менеджера, что входит в его обязанности и как войти в арт-сферу. Открывайте художественные таланты ↓ https://netolo.gy/gin

Топ 3 самых узнаваемых рок хитов 1. Nirvana — Smells Like Teen Spirit В то время никто и подумать не мог, какую популярность обретет альбом «Nevermind» с заглавным синглом «Smells Like Teen Spirit». Песня стала самой известной гранж-композицией, принесла известность и толпы фанатов группе. 2. AC/DC — Highway to Hell Название «Шоссе в ад» породило многочисленные слухи о смысле песни. На группу посыпались обвинения в сатанизме, основанные на нескольких строчках текста и фотографии Ангуса Янга на обложке альбома, на которой он изображен с хвостом и рогами. Участники AC/DC категорически не соглашались с такой трактовкой, а Малькольм Янг даже заявил: «Моя мама убила бы меня за это!». 3. Queen — We Will Rock You Данный трек является примером того, что не обязательно играть на всех инструментах сразу, дабы создать хитовую песню. Два удара ногой, один хлопок в ладоши — такое сопровождение открывает композицию и длится до самого конца. Добавляем до этого неповторимый вокал Фредди и вуаля — хит на все времена готов.

Натюрморт с цветами ок. 1600 г.г. Ян Брейгель Старший Национальный музей, Бухарест Его прозвали Бархатным, а также Цветочным. Его многочисленные букеты и цветочные гирлянды были написаны с таким мастерством, что многие именитые художники приглашали Яна Брейгеля Бархатного-Цветочного написать цветы в их картинах на разные сюжеты. Самый знаменитый и виртуозный живописец, с которым довелось сотрудничать Брейгелю Цветочному - Питер Пауль Рубенс. Думаю, вы догадались, что я не просто так именно сегодня показал такой цветочный натюрморт. Ну, а если вам этого букета мало, то проходите по ссылке и получите ещё пару десятков) С Праздником!

Картина «Притихло». 1890 г. Автор Николай Дубовской. Исаак Левитан писал, что «такой захват от самой природы, как „Притихло“, где чувствуешь не автора, а самую стихию, передать не всякий сможет». При работе над картиной Дубовской использовал этюд, написанный на Балтийском взморье.

Плачущая девушка - Рой Лихтенштейн Сюжет и объекты: Портрет Стиль: Поп-арт Техника: Литография Материалы: Бумага Дата создания: 1963 Размер: 44×59 см Поп-арт (англ. pop-art, сокращение от popular art – популярное искусство) – течение, которое возникло в начале 1950-х в Англии и базировалось на эстетике объектов массовой культуры. Стиль считается ответвлением авангардизма. Впервые в искусстве возникло направление, не претендующее на духовное и нравственное развитие общества – такой была реакция художников на беспредметный абстракционизм и экспрессионизм. Авторы поп-арта заявили обществу «Пора вернуться в реальность!»

​Как попасть в арт-среду, не имея опыта. Творец отдаёт всего себя искусству, поэтому ему нужен менеджер, который взял бы на себя всю управленческую работу. Возможно, популярность пришла бы к Ван Гогу раньше, будь у него такой помощник. Если вы готовы стать таким человеком и открывать новые таланты — регистрируйтесь на бесплатное занятие Нетологии «Арт-менеджмент: как управлять проектами в сфере искусства». Вы познакомитесь с внутренней кухней арт‑менеджмента и узнаете, почему спрос на специалистов в этой сфере растёт. Поймёте, как проходит рабочий день арт‑менеджера, что входит в его обязанности и как войти в арт-сферу. Открывайте художественные таланты ↓ https://netolo.gy/giq https://telegra.ph/file/577d735bae02e547b2e36.jpg

Джон Уильям Уотерхаус "Срывайте розы поскорей" (1909) Уотерхаус цитирует в названии первые строки стихотворения «Девственницам: спешите наверстать упущенное» Роберта Геррика, английского поэта XVII века: Срывайте розы поскорей, Подвластно всё старенью, Цветы, что ныне всех милей, Назавтра станут тенью. Поэт призывает читателя, а художник — зрителя насладиться минутами красоты, юности и цветения, потому что такой момент может не повториться: после восхода солнца всегда наступает ночь, а после весны придет осень, и то, что вызывает восхищение сегодня, завтра превратится в прах.

Вот интересное дело - как наткнешься на какого-нибудь одиозного персонажа, который немного историк, так окажется, что он, почему-то, считает себя специалистом именно по Наполеону. Я как-то задавала вопрос людям причастным - это личность Наполеона приманивает таких оригиналов или происходят с ними трансформации в процессе работы, но ответа, конечно же, не последовало. (Только пожалуйста, если вдруг меня читают специалисты по Наполеону, вы не обижайтесь, это я так шучу). Собственно, я сейчас читаю интервью одного занятого товарища, который надурил кучу искусствоведов, журналистов и вообще целый бельгийский музей изящных искусств. Захватывающее интервью, скажу я вам. Да и история отличная, хоть ей уже и три года. Некий Игорь Топоровский, секретный советник всех президентов прямо с университетских лет, тайный агент всех агентств, теневой дипломат, друг всех генсекретарей по переписке и лично, бельгийский бизнесмен сложных бизнесов и, в целом, широкий специалист по мутным делам (без единого подтверждения, конечно же), оказался собирателем русского авангарда. При том не какого-то то там вашего в каталогах-резоне записанного, а совершенно неизвестного, никем не виданного, но очень важного - в его коллекции оказались и Кандинский и Малевич и амазонки Попова с Гончаровой и Экстер и прочий Родченко. В общем, художники первой линии авангарда. И все - уникальное и секретное. Что уже странно, ведь и правда бывает, что находят какую-то неизвестную картину известного художника и долго ее изучают, проверяют, так и сяк вертят, а потом танцуют и поют обнявшись, а тут прям оптовая поставка. То есть, чтоб вы понимали масштаб, Топоровский говорил, что он планирует представить в будущем публике сотни работ авангардистов. Сотни! Ну, бывает, насобирал и радуется - так что же теперь. А вот что - он, видимо, благодаря своему какому-то совершенно змеиному обаянию и уникальному таланту пудрить мозги умудрился втереться в доверие директору музея изящных искусств Катрин де Зегер и устроить выставку “шедевров” в Генте. Там было всего 24 шедевра из заявленных сотен, но открытие было громким и привлекло внимание по всему миру. По легенде, часть коллекции Топоровскому досталась от родственников жены, а часть он скупил буквально на барахолке за Эрмитажем, где в 90е чуть ли не из ларьков продавали по рублю авангард. Там правда проблема вышла - “родственники” жены официально ответили на запросы, что такой женщины в принципе не знают, а вот распродажи коллекции Эрмитажа, кстати, почему-то, в Одессе - ну тут даже комментарии излишни. Авангард и правда очень долго был не в чести, но если бы его вот так распродавали, то это было бы, как минимум, известно хоть кому-то, тем же музейным работникам, коллекционерам, историкам. Но нет - все в тумане, а сама легенда периодически менялась. Короче, следов собирательской деятельности Топоровского в России никто так не обнаружил. Ну, кроме истории про пару искусствоведов-жуликов, которые продавали поддельный авангард и с которыми Топоровский сотрудничал, а после проходил свидетелем по уголовному делу. Не ясно так же как коллекционер умудрился незаметно перетащить через границу пять сотен заявленных картин. Сам Топоровский эти и еще целую гору несостыковок объясняет просто - у вас, говорит, просто заговор искусствоведов, ведь если все вот это великолепие попадет на рынок, то искусство подешевеет, а злые и хитрые искусствоведы не хотят такого и плетут интриги. И хотел он передать свою коллекцию русским музеям, но вы же знаете, какие там змеи подколодные - испугались, не взяли. Потом еще оказалось, что Топоровский по половине европейских музеев пробежался со своим собранием, но нигде его не воспринимали всерьез.

​ ЛЮБИТЕ РИСОВАТЬ? ПОВЫШАЙТЕ СВОИ НАВЫКИ И ЗАРАБАТЫВАЙТЕ НА ЭТОМ! Художник - проводник прекрасного в этот мир! И если Вы увлечены этим искусством, вы априори достойны успешной профессиональной деятельности! Я Арон Оноре, и мой путь к успеху в мире искусства не был простым и быстрым, я не сразу пришел к тому, что могу расписывать стены на высоком уровне и зарабатывать на этом. Цифры: в среднем роспись стены стоит 10 000 - 15 000р/м2. Обычно заказ выходит на сумму от 70 тр., но чаще больше 100 т.р. Такой заказ, зная методику, можно выполнить за 3-5 дней. Это все реальные цифры, я так работаю и учу других. ⠀ В это воскресенье пройдет мое онлайн-занятие, на котором я расскажу: -За счёт чего у меня получилось выйти на доход 300 000 в месяц рисованием? Адаптируйте мой опыт под себя. -11 навыков художника, чтобы рисовать потрясающий реализм. -3 фактора из которых состоит моя формула успеха в рисовании. Получите уверенность, что всё получится. -6 шагов росписи стен. Узнав это, Вы уже сможете выполнять заказы на роспись, даже если Вы новичок в рисовании. ⠀ Эти 2 часа помогут Вам увидеть абсолютно иной, новый путь, где Вам не придется тратить время на нелюбимую работу, а каждый день получать удовольствие и достойное вознаграждение за любимое творчество. Воскресенье, 18:00 Регистрируйся: http://aron-onore-school.ru/zapis_na_zanyatie https://telegra.ph/file/fe58bf5f7559fbd09fa11.jpg

Но вернемся к художникам пока. Недавно интернет облетела фотография статуи Микеланджело (я ее ниже прикреплю), с вот такой вот подписью: “В предплечьях есть одна очень маленькая мышца, которая сокращается только при поднятии мизинца. Моисей Микеланджело приподнимает мизинец, поэтому эта крошечная мышца сокращается. 10 вниманий к деталям из 10!” - ну и понимаете, что это самое внимание к деталям было бы невозможно без досконального изучения и глубинного понимания анатомии человека. Я тут как-то рассказывала про художников-назарейцев, которые отказались по идеологическим соображениям от такого изучения анатомии и, не смотря на все достоинства их живописи, тела на их картинах выглядят как сосиски. И такими же сосисками выглядят герои картин до повального интереса к анатомии. Выставка Хагенса - редчайшая возможность поглядеть как устроено человеческое тело для тех, кто не студент-медик. Мне, кстати, кажется довольно интересным то, что Хагенс не называет себя художником (хотя есть версия, что его не принял артмир из-за этических сложностей) - он просто показывает зрителю как велико и восхитительно творение совсем другого автора - Природы, ну или, если хотите - Бога. То есть, не смотря на все этические сложности и обсуждения этой выставки как чего-то мрачного и зловещего, мне кажется, что она не про смерть, а про жизнь. У меня дома есть несколько анатомических атласов, основная часть из них - это анатомия для художников, но, конечно, самые потрясающие - это атласы медицинские. Атлас Френка Неттера, который я умыкнула у своего брата-врача, является буквально моей настольной книгой, в нем миллион закладок и он всегда под рукой. А тут приехала возможность поглядеть на все это трехмерное, настоящее. Да, действительно жутковато осознавать, что там настоящие тела, хоть и залитые пластиком по особой технологии. Но, с другой стороны, у нас в Пушкинском музее лежит мумия, а в Кунсткамере вообще заспиртованные младенцы. А еще есть церковь из костей, катакомбные святые, анатомические препараты, скелеты в музеях и еще миллион всего - и это тоже настоящие тела, но просто к ним как-то уже привыкли, а тут свежее нарушение табу. Отсюда и беспокойство - за нарушением табу, если это воспринимать так, следует какая-нибудь кара, поэтому и предлагают выставку закрыть как бы чего не вышло неконтролируемого. Приветствую дискуссию и отзывы тех, кто там побывал, потому как вопрос мне кажется сложным, но интересным.

Кошки против собак О том, что кошка со времен средневековья впала в немилость и изображалась как символ измены, разврата и лени мы уже писали. Вот на картине Эдуарда Мане «Олимпия» черный котенок в ногах у дамы пониженной социальной ответственности намекает нам о роде её деятельности. Пикассо пошел еще дальше. В своей картине «Кошка, схватившая птицу» в образе кровожадной кошки он изобразил фашизм. Другое дело – собаки. Собака, как известно, друг человека. И в живописи это точно так. Вот «Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка. На переднем плане маленькая собачка – символ верности и домашнего уюта. Такой же символ дремлет в ногах «Венеры Урбинской» Тициана (вроде всё то же, что и у Мане: лежащая обнаженная женщина, животное в ногах, но впечатления прямо противоположны). Или нерадивый ученик с картины Федора Решетникова «Опять двойка» - рада которому лишь одна собака. И как-то сразу верится, что парень он неплохой, и семья хорошая, просто немного не повезло, но он исправится.

​​Рекорды аукционов: самая большая картина в мире, Баския и Бэнкси Аукционы в марте 2021 года принесли несколько неожиданных сюрпризов. Вновь заявил о себе криптовалютный рынок. На этот раз один из его игроков за внушительную сумму купил целиком самое большое в мире полотно, которое автор планировал продать частями. «Воин» Жана-Мишеля Баскии стал самым дорогим произведением западного искусства, проданным в Азии. А антипандемическое заявление Бэнкси установило рекорд для его работ. Осенью прошлого года британский художник Саша Жафри попал в книгу рекордов Гиннеса как создатель самой большой в мире картины под названием «Путешествие человечества». Теперь она продана на аукционе за не менее внушительную сумму в 62 миллиона долларов. Такой результат поставил Жафри на четвёртое место в списке самых дорогих из ныне живущих мастеров — после Джеффа Кунса, Дэвида Хокни и цифрового художника Бипла. Покупателем стал французский крипто-бизнесмен Андре Абдун. Выручка от продажи картины пойдёт на благотворительность. Произведение занимает площадь в 1580 квадратных метров, что приблизительно соответствует двум теннисным кортам. Жафри создавал его в течение восьми месяцев, когда застрял на карантине в пятизвёздочном отеле Atlantis The Palm в Дубае. Холсты он размещал на полу танцевального зала гостиницы. Картина навеяна детскими рисунками — художник просил детей со всего мира нарисовать их впечатления во время пандемии. 44-летний Жафри получил работы более чем из 140 стран. Первоначально он планировал разделить картину на 70 частей и продать на четырёх аукционах. Но теперь, благодаря Андре Абдуну, для неё будет построен музей и открыт благотворительный фонд. Картина «Воин», которую Жан-Мишель Баския написал в 1982 году, установила новый рекорд среди произведений западного искусства, проданных в Азии. Она ушла на аукционе Christie’s в Гонконге за 41,8 миллиона долларов США. Предыдущим рекордсменом была абстракция немецкого художника Герхарда Рихтера. В октябре прошлого года на Sotheby’s за неё выложили 27,7 миллиона долларов. Продажа картины Баскии стала аукционом одного лота перед лондонско-гонконгским марафоном произведений XX века, сюрреализма и современного искусства. Фокусом торгов стала работа Бэнкси «Тот, кто меняет игру» (2020), которую продавали в пользу сотрудников и пациентов университетской больницы Саутгемптона. Художник даже получил особое разрешение от Красного Креста на использование культового знака организации в своей работе — подобные просьбы удовлетворяются редко. Предварительная оценка картины кол...ась от 2,5 до 3,5 миллионов фунтов стерлингов, и когда ставки достигли 5-ти миллионов, торги несколько замедлились. Однако они вновь оживились, когда в битве остались двое участников. Они шли нос к носу с шагом в 200 тысяч фунтов стерлингов, и в конце концов победитель предложил 14,8 миллиона. С учётом премии окончательная цена составила 16,8 миллиона фунтов стерлингов или 23,2 миллиона долларов США. Это не только впечатляющий вклад в благое дело, но и новый аукционный рекорд для Бэнкси. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/25ffc61083c73277f5828.jpg

Японский подход Современный японский художник Хироаки Мияяма родился в 1955 году, окончил университет Цукуба в Токио, живет и работает в пригороде столицы. Является главой издательской студии «УЦУСИ», членом Международной ассоциации художников Printsaurus, преподавателем художественного отделения школы Мацудо префектуры Тиба. Работает в технике гравюры. Работы Хироаки Мияяма выставлены в музеях Токио, Вашингтона, Иерусалима и Москвы. Каждый гравюра - результат филигранной работы мастера (один офорт печатался с 7-8 досок), а фоном часто служит сусальное золото или серебро. Благодаря сложной технике многоразовой печати, его произведения, полны цветовых нюансов и фактурной проработки. Художник разбавляет растительные мотивы образами людей, но делает это тоже по-японски деликатно, полунамеком.

«‎Менуэт быка» Однажды Франц Йозеф Гайдн, к немалому своему удивлению, увидел у себя дома гостя — мясника, который оказался любителем и знатоком его произведений. — Маэстро, — мясник почтительно снял шляпу, — на днях свадьба моей дочери. Напишите мне новенький красивый менуэт. К кому же мне обратиться с такой просьбой, как не к прославленному Гайдну? В назначенный срок мясник явился и получил драгоценный подарок. Через несколько дней Гайдн услышал оглушительные звуки, в которых он с трудом узнал мелодию своего менуэта. Подойдя к окну, он увидел у своего крыльца великолепного быка с позолоченными рогами, счастливого мясника с дочерью и зятем и целый оркестр странствующих музыкантов. Мясник сделал шаг вперёд и произнёс с чувством: — Сударь, мне думается, что лучшим выражением признательности за прекрасный менуэт со стороны мясника может быть только лучший из его быков. С тех пор до-минорный менуэт Гайдна стал называться «Менуэтом быка.

Скульптуры Вилли Верджинера отчасти сходны с похожими произведениями современных скульпторов, делающими акцент на реалистичность изображений, но работы Верджинера отличаются особой нотой сюрреалистичности и сакральности смысла, заключённого в каждой такой деревянной скульптуре. Вилли Верджинер родился 23 февраля 1957 года в Брессаноне, Италия. Именно поэтому технику обработки дерева он почерпнул из опыта традиций южно-тирольских мастеров, прославившихся своим искусством ещё в 17 веке. Смотреть работы мастера https://tanjand.livejournal.com/3269255.html

Медсестры Ричард Принс Современный американский художник-авангардист, перенявший талант эпатажа у Дали. Не стесняется в своих произведениях использовать чужие работы. Много сделал для антипропаганды рекламы. Однажды он заметил, что на обложках любовных романов очень часто встречаются изображения медсестер. Это наблюдение автор решил использовать в своем творчестве, и так на свет появилась серия картин «The Nurse Paintings», медсестры – сексуальные и не очень, опасные, печальные, сострадающие… На картинах использовал мрачно-кровавую палитру фона, а сами ангелы милосердия представали в совсем иной ипостаси… В произведениях делал акцент на темной стороне общества, развенчивал представления о морали и дискредитировал индустрию рекламы. Серия создавалась с 2002 по 2006 годы: за это время появились 42 картины. Художник сохранил оригинальные названия романов, которые стали названиями его работ: к примеру, «Своенравная медсестра» или «Иностранная медсестра»

​​Как не дать мозгу засохнуть Помимо очевидных способов вроде чтения книг есть крутые тренажёры для мозга. Самый известный такой сервис — Викиум Это такая штука, которая развивает внимание, память, мышление. Всё в игровой форме. Занимаетесь 10-15 минут в день — и первые результаты будут уже через 2-3 недели. В основе тренажёров — методики российских и зарубежных нейропсихологов, которые уже доказали свою эффективность. Короче, это реально работает. После регистрации вам дадут тест. Он покажет, как у вас сейчас с памятью и вниманием. Это вообще интереснее всего — отслеживать свой прогресс. Как будто качаешь персонажа в игре. Тренируйте мозг, он потом спасибо скажет: www.wikium.ru https://telegra.ph/file/5b3c918f62cf32571538c.mp4

Теперь немножко про остальных бамбоччанти. В Италии в чести было искусство возвышенное и театральное, а бамбоччанти любили гротеск, темные стороны жизни и решительно не хотели писать персонажей не то что возвышенными, а даже просто красивыми. Взяли и скрестили хулиганско-наставительные сюжеты Питера Брейгеля Старшего с мрачноватыми последователями Караваджо и, пожалуй, сарказма еще добавили кое-где. Типичные герои их небольших картин или офортов - солдаты, бродяги, торговцы, фермеры и доярки, трактирщики, прачки или, как писал Сальватор Роза “негодяи, мошенники, карманники, бандиты, пьяницы, обжоры” - ну, то есть, как посмотреть. Бамоччанти критиковали представители официального искусства, называли их картины низостью и гадостью, призывали вернуться к изысканности и красоте заблудших художников. А вот покупатели и коллекционеры их гадостей очень быстро нашлись и жанр приобрел огромную популярность - и ван Лар и его друзья устанавливали довольно высокие цены на свои картины, но их раскупали, переправляли по всей Европе и особенно ценили на их родине, в Нидерландах. Считается, что эта группировка повлияла на Веласкеса, которые любил писать сценки из темных трактиров в ранние годы, что любитель нравоучительных бытовых серий Хогарт тоже насмотрелся, Гойя даже вроде что-то имел в личной коллекции, а еще что к камерным и иногда двусмысленным сценкам бамбочатти обращались после многие художники рококо. Но тут же тоже интересно, раз мы говорим о группе голландских художников, то стоит иметь в виду, что они не так просты чтоб быть обыкновенными реалистами, которые просто запечатлевают неприглядный окружающий мир как он есть ради анекдота. Вы же помните, что как раз голландцы даже в натюрморте с тыквой и букетом цветов зашифровывали сложные аллегории. Так и тут все было. Простые предметы и вульгарные сценки должны побудить нас, зрителей, к сложным размышлениям. Трюк такой. Особенно тут важно, что работают художники именно в Риме, поэтому то там то тут намекнут на то, в каких величественных пейзажах, да с каким прошлым, разворачиваются все эти мелкие житейские происшествия. В общем, рассматриваем и ищем глубокий смысл.

"Хижина в горах" 1874 г. Гюстав Курбе ГМИИ имени А. С. Пушкина. «Иногда он писал пейзажи, которые не сумел бы создать никто другой, пейзажи, на которые мог бы ложиться снег», - сказал о Курбе британский арт-критик Джон Бёрджер. Сезанн называл Курбе каменотёсом и говорил, что «он так же велик, как Микеланджело». Сам же Курбе был лаконичен: «Я пишу, как Господь!» Конечно, этот француз известен не только своими картинами, но и образом жизни. Он был тщеславен и хвастлив. Его невозможно было представить без пива, трубки и облака дыма, из которого он громогласно, с деревенским задором (своим простонародным происхождением Курбе гордился больше, чем иные орденами) теоретизировал об искусстве реализма, требовал спуститься на землю и поискать красоту буквально под ногами. Хвастовство хвастовством, но Курбе и правда достоин сравнения с Микеланджело. Его пейзажи - даже когда на них нет гор, скал или валунов – напоминают скульптуры, кажутся не написанными, а вылепленными или высеченными из камня. Взгляните хоть на картину «Волна» из коллекции Пушкинского музея. Только, в отличие от Микеланджело, Курбе считал, что художник не должен «отсекать лишнее»: его задача - переносить на холст все как есть. Если перед глазами художника не роскошные бархатные драпировки, а выстиранное бельё – значит, быть на холсте ему. «Хижина в горах» считается одним из лучших альпийских пейзажей Курбе. Картина написана в Швейцарии. Дело в том, что энергии Гюстава Курбе хватало не только на арт-революции, он ещё и к Парижской коммуне примкнул. Когда ненадолго свергнутая власть вернулась, Курбе осудили за разрушение Вандомской колонны, бросили в тюрьму, выписали огромный штраф – в итоге ему пришлось бежать в Швейцарию, где он через несколько лет и умер. Ну, а что же Господь? Есть ли основания сравнивать Курбе и с Создателем, который творил мир сам, а не послушно и достоверно воспроизводил уже созданное? Пожалуй, есть. Курбе хоть и ратовал за работу на пленэре и бескомпромиссную честность в переносе природы на холст, сам иногда все же писал пейзажи в мастерской – когда по памяти, а когда и по воображению. Соблазнялся самыми эффектными природными явлениями (вроде морских бурь на фоне огненного заката). Или выкручивал яркость и контрастность в своих реалистичных пейзажах до открыточного уровня – публике был по душе такой колорит, а Курбе не собирался игнорировать её вкусы и спрос. ГюставКурбе Реализм _history

"Пейзаж с красными деревьями" 1906 г. Морис де Вламинк Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. Известный парижский галерист Амбруаз Воллар к моменту создания пейзажа «Красные деревья» уже посетил мастерскую Вламинка и скупил множество его картин. Художник воодушевлен, полон идей и жизненных сил. Лето 1906 года нередко называют самым плодотворным и успешным периодом его творчества. Он работает в окрестностях Шату на берегу Сены, где вместе с Дереном снимает мастерскую. «Только киноварь могла передать ярчайший красный цвет черепичных крыш на противоположном склоне. Оранжевый цвет земли, жесткие и резкие цвета стен и зелени, ультрамарин и кобальт неба гармонировали между собой до непристойности в чувственном и мелодичном порядке», – так художник описывал работу над пейзажами в то счастливое для его кисти лето. Период с 1903 по 1907 годы исследователи его творчества называют фовистическим. Причем под завершение этого этапа буйство цветовых контрастов на палитре частично смягчилось. Теперь основные приемы, с помощью которых Вламинк выражает эмоциональную напряженность пейзажа – контуры, формы. Сравним, к примеру, этот пейзаж и написанный в 1905 году. На переднем плане зеленая и желтая крона деревьев соседствует с красными, местами переходящими в охряные, стволами. Черные, нарочито небрежные контуры упорядочивают изображение. Контур использован не везде. Мазки сочные, сияющие и, в отличие от начала фовистского периода, широкие и густые. Нередко Вламинк вообще откладывал кисть и выдавливал краски из тюбика прямо на холст. Такой прием активно использовал и Ван Гон, чья яростная неистовость была особенно близка Вламинку. Отсветы розового неба вносят неожиданный элемент легкости, словно расширяя и облегчая пространство плотного цвета и сильных эмоций. Вламинк стремится не столько передать внешнее – то есть изобразить деревья, сколько воплотить посредством цвета и движения кисти ощущения. Причем никакой мимолетности, импрессионисты его не привлекали. Напротив, краски передают жгучую силу жизни, несут в себе необузданную радость и таят замершую в ожидании разрядки тревожность – такова эмоциональная палитра художника «дикого цвета». Некоторые исследователи считают, что необузданный темперамент – не только сила, но и слабость Вламинка, поскольку за пределы его он так и не вышел. Впрочем, такое мнение чересчур субъективно. Сам же Вламинк считал, что теории в искусстве бессмысленны, а живопись – это «манера жить». МорисДеВламинк Модерн _history

Куры в огне В 2018 году французский художник алжирского происхождения Адель Абдессемед создал работу «Весна». В видео-перфомансе сняты подвешенные за ноги курицы. Они пытаются вырваться, в то время как их перья пылают. На следующий день после открытия выставки видео вызвало сильное возмущение защитников животных. Музей современного искусства Лиона и художник разъяснили: «Видео было снято с командой специалистов по кинематографическим спецэффектам, которые использовали специальное безопасное вещество для имитации огня. Птицы подвергались „эффекту огня“ всего три секунды, под строгим контролем техников и художника». Затем эти три секунды были смонтированы в режиме повтора в финальном видео. Волна негодования и обвинений в жестоком обращении с животными в социальных сетях приобрела такой масштаб, что художник сам пожелал убрать видео с выставки. Художник затрагивает болезненные темы и показывает то, чего общество видеть не хочет. Искусство или нет?

"Муза, вдохновляющая поэта" 1909 г. Анри Руссо Базельский художественный музей. «Муза, вдохновляющая поэта», – не кто иная как возлюбленная Аполлинера Мари Лорансен, художница и гарвер. Соответственно, поэт – это сам Гийом Аполлинер. Портрет написан после знаменитого приёма у Пикассо, устроенного в честь Таможенника – прозвище Руссо, 15 лет проработавшего на парижской таможне. Руссо был большим любителем такого жанра как портрет-пейзаж. Относительно этой картины сохранилась фотография, раскрывающая способ работы художника. На фото запечатлен Руссо у картины, на которой практически полностью прописан фон и оставлено чистое пространство для фигур, которые он вписывал в последнюю очередь. Базельский портрет – это уже второй вариант. Дело в том, что Мари Лорансен просила изобразить у их ног турецкие гвоздики, символ поэтов. Руссо неоднократно посещал Ботанический сад, делал наброски, а в конце концов всё перепутал и «воткнул» в землю у ног поэта и музы левкои – символ смерти и забвения. Говорят, Мари устроила грандиозный скандал. Кстати, не стоит также забывать, что Мари Лорансен была барышней чрезвычайно стройной, с осиной талией, о чем по портрету догадаться, прямо скажем, непросто. На вопрос, почему он изобразил мадмуазель Лорансен в таком виде, Руссо невозмутимо ответил: «Так ведь большому поэту нужна большая муза!». Впрочем, другие источники утверждают, что чувство юмора у Мари возобладало над женским возмущением, и она дико хохотала, глядя на свое изображение. Но забирать его домой Аполлинер все же не рискнул. Картина оставалась у Руссо и попала на глаза русскому меценату и коллекционеру Сергею Щукину, который купил ее для своего собрания. Так «Поэт и Муза» на фоне левкоев» попали в Россию. И вот незадача – то ли Аполлинер по-новому взглянул на картину, то ли Мари перестала сердиться, но вскоре поэт пришел к Руссо с намерением забрать портрет. Что делать, пришлось писать новый! Нельзя не заметить, что во втором варианте исправлены не только цветы. Мари выглядит не такой крупной, и платье безусловно подчеркивает наличие талии – не осиной, конечно, но по сравнению с первым вариантом она, по крайней мере, имеется. Кстати, Фернанда Оливье, подруга Пабло Пикассо, Мари недолюбливала и язвительно констатировала, что с возрастом та становится всё больше похожа на свой портрет работы Руссо. Да и сам Аполлинер в базельском варианте кажется более «прилизанным», аккуратным. Если в первом варианте, с левкоями, образы Аполлинера и его Музы максимально индивидуализированы, в некоторой степени гротескны, укрупнены – словно мы смотрим на них, поднеся к холсту лупу, то второй вариант – попытка написать салонную картину. Украшения Мари в первом варианте – однозначно из живых цветов. Вся композиция несет некий отпечаток античности. На втором же портрете фигуры и лица изображенных схематичны, шею Мари обвивает просто некое украшение, пейзаж тоже усреднен, схематизирован, кроны деревьев четко образуют арку, под которой представлены объекты. Руссо вообще очень почитал академическую живопись и искренне верил, что он «тоже такой». Авангардизм он считал, по большому счету, баловством, недоумевал, «зачем Робер (Делоне – ред.) сломал Эйфелеву башню» и стремился писать салонную живопись, что не особо удавалось. Зато удавалось значительно большее. В этом смысле сопоставление двух вариантов «Поэта и Музы» очень интересно, поскольку наглядно демонстрирует, как в версии с гвоздиками стало чуть меньше Таможенника, чуть больше салона. АнриРуссо Примитивизм _history

"Уличная сцена в Берлине" 1914 г. Эрнст Людвиг Кирхнер Новая галерея, Нью-Йорк. В 2006 году «Уличная сцена в Берлине» Эрнста Кирхнера - одна из самых важных картин немецкого экспрессионизма, как утверждали аукционисты, - была продана в частную коллекцию. Запутанная история, которая вызвала волну негодования среди искусствоведов, политиков, журналистов и любителей живописи – крайне редко произведения такой ценности уходят в частные руки из общественного музея. Brücke museum (музей, посвященный деятельности художественного объединения «Мост») вынужден был отдать картину Аните Хальпинс, которая заявила, что она прямая наследница коллекционера-еврея Альфреда Гесса, первого владельца картины. Ее дед вынужден был продать картину за бесценок во время преследования евреев национал-социалистической партией. В соответствии с Вашингтонской декларацией 1998 года власть Берлина согласилась снять картину с музейной стены и передать семье первого владельца. На аукцион Christie's картина попала в том же году и была продана по рекордной для Кирхнера цене – 38 миллионов долларов. Новым владельцем «Уличной сцены» стала Neue Gallery, частная нью-йоркская галерея. Споры вокруг этого решения не утихают уже много лет: обыкновенный коммерческий ход со стороны наследницы, комплекс вины со стороны немецкой власти, ненадежность сведений о первом владельце и тех причинах, которые побудили его к продаже (а может и не было никакого преследования? может, Альфред Гесс просто продал картину и получил за нее хорошие деньги?). В любом случае, возмущаются галеристы и искусствоведы, нельзя просто взять и отдать настолько значительный музейный экспонат, доступный миллионам людей, во владение одному человеку. Эрнст Людвиг Кирхнер написал 11 картин с берлинскими ночными уличными сценами в последний предвоенный год, 1913. Он переехал из провинциального и тихого Дрездена в Берлин, самый быстро растущий и самый освещенный город в начале ХХ века. Здесь резко меняется художественная манера Кирхнера, писавшего до сих пор обнаженную натуру среди дикой природы во время летних вылазок на Морицбургские озера. Город Кирхнера – это мегаполис, в котором одиноко и неуютно, который одинаково возбуждает и пугает обилием возможностей, агрессивным светом ночных клубов, ресторанов, театров, кабаре, кинотеатров. Героини этой живописной серии – берлинские проститутки, ярко одетые и вызывающе заметные. Позднее искусствоведы скажут о том, что продажная любовь для Кирхнера – это символ: коммерческой основы всех внутригородских отношений, процветавшей коррупции, битвы между личной свободой и цензурой в искусстве и одновременно продажности искусства. Все эти смыслы художник вряд ли формулировал как программу и художественную задачу – Кирхнер пишет не социальный пасквиль, а собственные ощущения и состояние ума, собственное отчаянье и одиночество. Не смотря на то, что между мужчинами-клиентами и городскими проститутками должен происходить сейчас бессловесный договор, не смотря на то, что пространство картины перегружено и плотно заполнено фигурами людей, все взгляды направлены в разные стороны и все движения разрознены. Здесь каждый сам по себе. Проводя вечера на центральных улицах и площадях, Кирхнер делает множество зарисовок – ему теперь хватает нескольких линий, чтобы обозначить движение, характеры, выражения лиц. Он пишет позже о том, что попытка передать движение привела его к отказу от одноточечной перспективы, именно несколько точек зрения способны создать ощущение хаотичного, разрозненного движения. Обрезанные фигуры на первом плане картины создают ощущение случайного снимка, сделанного в гуще быстро движущейся толпы. Вытянутые, угловатые лица – влияние одновременно двух равноудаленных от окружающей действительности традиций: экзотические африканские маски и древняя готическая иконография. ЭрнстКирхнер Экспрессионизм _history

Английский художник Джо Доуден (Joe Dowden) «Пишите свет, а не ландшафт. Такой подход может показаться сложным, но я объясню, как это сделать. Когда вы смотрите на ландшафт, против низко стоящего солнца, все вокруг оживает. Даже самый невзрачный вид сверкает и искрится полный жизни и энергии. Но обернитесь и вы увидите мертвый и скучный пейзаж. Ищите в первую очередь свет, а потом — вид» мастерство

"Мариана" 1851 г. Джон Эверетт Милле Тейт Британия, Лондон. Английский доктор Уильям Эктон в книге «Функции и расстройства репродуктивных органов» заявлял, что женщина по природе своей не может испытывать сексуального влечения. Ее естественные потребности – заботиться о детях и доме, и если бы муж не выказывал желания близости, она и не стремилась бы к ней. Сексуальные отношения для женщины – вынужденная необходимость, которая позволяет сделать мужчину счастливым. Доктора Эктона считали вольнодумцем и либералом, потому что он в принципе заговорил о сексуальности, проституции и вопросах полов. И его мнение в викторианской Англии разделяли многие. Художники-прерафаэлиты начали писать женщин так, что утверждение доктора Эктона уже не казалось таким очевидным. В самых неожиданных состояниях и ситуациях за их усталостью, задумчивостью, испугом, печалью, даже за предсмертным вздохом скрывается страсть и невольная соблазнительность жестов. Пока еще жертвы и мученицы собственных желаний, женщины прерафаэлитов получают разрешение их ощущать. Когда в 1851 году на выставке Академии художеств Джон Эверетт Милле представил картину «Мариана», к ней крепилась табличка с четверостишием из одноименного стихотворения Альфреда Теннисона: Как жизнь пуста! — она сказала. — Он не придет и впредь. А я устала, так устала, Уж лучше умереть! Мариана – героиня пьесы Шекспира «Мера за меру», ее отверг жених после того, как девушка лишилась приданого, а вместе с ним и любимого брата. Она поселилась в полном одиночестве в фермерском доме, окруженном рвом. Ее дни похожи один на другой: шуршат мыши и чирикают воробьи, ночь сменяет день, все вокруг поросло мхом и медленно погружается в запустенье. Но предательство жениха и невозможность быть с ним рядом только добавили силы чувствам Марианы: «его несправедливая жестокость, вместо того чтобы угасить страсть, сделала ее, как препятствие в потоке, еще более бурной и необузданной». Милле пишет обманутую девушку здесь, в уединении, в тишине, в ожидании, в мольбе о смерти вместо такой жизни. Она оторвалась от вышивки, чтобы размять спину, но этот простой жест исполнен страсти. Да только слепой не увидел бы в нем ежесекундное, изматывающее, напряженное, нерастраченное желание. Милле, как и его друзья-прерафаэлиты, выбирал литературные сюжеты, чтобы говорить о современности. Эти трое изрядно встряхнули викторианское общество, затянутое, как в жесткий корсет, в свод правил и приличий. В буквальном смысле, кстати, корсеты тоже начали трещать по швам: на картинах прерафаэлитов женщины появляются вовсе без этой детали гардероба и с распущенными волосами – дресс-код, допустимый только в супружеской спальне, но уж точно не в залах Королевской академии. Его Мариана вглядывается в пейзаж за окном – и там запросто могло бы оказаться унылое английское осеннее поле. Пустой, безлюдный, равнодушный мир – бессменная, лишенная примет времени декорация к женскому страданию. Мариана страдает не только от внешней жестокости, но скорее от внутренней потребности быть любимой, от жара, который распаляется тем сильней, чем безнадежней становится ее положение. Прерафаэлиты вернули женщине способность чувствовать, испытывать сексуальные желания, быть главной участницей собственной жизни и главным распорядителем собственного тела. Это не та женщина, о которой писал доктор Эктон. Эта женщина жаждет любви и близости и готова добиваться своего. На одной из таких женщин вскорости Джон Эверетт Милле женится. И кто знает, решилась бы Эффи Рёскин на скандальный развод с первым мужем ради любви к Милле, если бы он не был тем самым художником, который пишет женщин без корсетов и с распущенными волосами. ДжонМилле _history

Женский портрет 2020 Райан Хьюитт Известный своими задумчивыми и вызывающими воспоминания картинами, Райан Хьюетт увлекается портретной живописью не во внешнем сходстве с предметом; а скорее внутреннее путешествие самоисследования и самовыражения. Фрагментированные сегменты, в работах Хьюетта, рассекают формы и лица до точки абстракции, в результате получается эстетика, которая радует яркой цветовой палитрой. Современный южноафриканский художник экспериментирует с формами человеческой фигуры с помощью ножей, кистей и малярных валиков. Его работы выставляются в известнейших галереях Лондона и Нью-Йорка.

"Автопортрет, посвященный Льву Троцкому" 1937 г. Фрида Кало Национальный музей женщины в искусстве, Вашингтон. О многочисленных любовниках (и любовницах) Фриды Кало ходили легенды еще при ее жизни, а со временем они обросли слухами и домыслами. Однако записывать художницу в сердцеедки и соблазнительницы, пожалуй, не стоит. Конечно, она не была образцом супружеской верности, но главным мужчиной в ее жизни всегда оставался Диего Ривера, который и сам никогда не скрывал своих бесчисленных романов. Любовная связь между Фридой Кало и Львом Троцким была гораздо менее серьезной, продолжительной и страстной, чем принято считать. Безусловно, опальный русский был пленен экзотической красотой сильной и темпераментной женщины с железобетонным характером, а Фриде, в свою очередь, льстило внимание такой выдающейся личности. Но их роман продлился от силы пару месяцев, после чего «старичок», как пренебрежительно стала называть Троцкого Фрида, быстро ей наскучил. Она прекратила эти отношения, на прощание оставив бывшему любовнику автопортрет, который был скорее очередной шалостью, чем признанием в глубоких чувствах. Как и на большинстве автопортретов, Фрида изобразила себя в традиционной мексиканской одежде и с вплетенными в волосы цветами. В руке она держит листок с надписью: «Я посвящаю эту картину Льву Троцкому, со всей моей любовью, 7 ноября 1937 года. Фрида Кало, Сан-Анхель, Мехико». Соблазнительная и самоуверенная, Фрида, кажется, вот-вот скроется за обрамляющими ее фигуру шторами, похожими на театральный занавес, который готов закрыться после окончания представления. Фрида подарила этот портрет Троцкому в его день рождения. Но, когда в 1939 году он переехал на другую квартиру, ставшую его последним пристанищем, картина, по настоянию супруги Троцкого Натальи Седовой, была оставлена в доме Фриды и Диего. Впервые портрет был представлен публике в 1938 году под названием «Между шторами» на первой персональной выставке Кало в Нью-Йорке. В 1940 году картину приобрела давняя подруга Фриды, американская писательница и политический деятель Клэр Бут Люс. Позже она подарила портрет Вашингтонскому Национальному музею женщин в искусстве, где его можно увидеть в постоянной экспозиции. ФридаКало Примитивизм _history

Зарядка для ума и пища для размышлений в лучших образовательных телеграмм-каналах. Не проходите мимо! • — Экскурсовод в твоём Telegram. Искусствовед простым языком учит понимать картины • _afanasieva — предельно ясно о сложных философских проблемах от профессора Веры Афанасьевой • — автор пишет о кино и современном искусстве. Статьи про классический и современный кинематограф, а также личные заметки про индустрию • — канал, полный закрученных загадок, головоломок, интересных фактов и историй. И аккуратнее, там можно залипнуть надолго! • _best — Твой путеводитель по миру культуры, который подскажет «Что посмотреть?» и «Что почитать?». Регулярные анонсы кинопремьер, новинки литературы и статьи о живописи и истории • — культовый канал с письмами Чехова теперь обзавёлся видео: короткие видеосообщения от Антона Павловича раз в несколько дней заставляют улыбнуться даже в серые зимние будни, попробуйте! • — Все об архитектуре и дизайне в России и ближнем зарубежье. Получите вдохновение в удобном и интересном для вас формате • _poet — поэзия Иосифа Бродского в твоём телефоне • _krasivo — каждый день для вас известные слова в ярком неожиданном обрамлении • _dovlatov — "Талант — это как похоть. Трудно утаить. Еще труднее симулировать". Канал для поклонников творчества Сергея Довлатова. • — Франц Кафка в цитатах, письмах, дневниках • — первый канал в телеграме, где ты научишься рисовать и узнаёшь об искусстве • _reviews — старейший книжный канал в телеге, к автору за комментами обращаются РИА Новости, The City и Peopletalk • — канал про работу со словом, копирайтинг, маркетинг и писательское мастерство. Автор пишет вторую книгу и щедро делится полезным • — Авангардизм и концептуализм в искусстве и моде • _book — когда я голоден, я открываю холодильник, когда голоден мой мозг, я открываю этот канал. На канале есть пища для ума. Увлекательные отрывки и подборки книг утолят ваш голод

Малоизвестный автсрийский художник Йоханнес Гумпп написал пару своих тройных автопортретов. Смотрите, это автопортрет на котором художник пишет автопортрет. Мы глядим на затылок художника, тот глядит в зеркало, а с нарисованного холста глядит на нас, зрителей, еще один художник. Вероятно, так Гумпп рассказывает как размышляет о себе, вглядываясь в себя, отвернувшись от людей, но при этом демонстрируя себя же, но ненастоящего, приукрашенного, нарисованного. Вообще, такие изображения себя в мастерской или за работой любили писать художники начиная века с шестнадцатого - изображали себя как аллегорию живописи, например, и могли носить такой портрет с собой чтоб демонстрировать заказчикам степень своего владения мастерством. Удобно ведь. Но тут интересно то, что художник стоит спиной - он нас в свою мастерскую совсем не приглашает, наоборот, мы будто за ним подглядываем. А еще нас отделяют от мастера кошка с собакой, явно в процессе ссоры - то есть нам, зрителям, еще и не очень рады. Картины были написаны, вероятно, примерно в 1646 году. Находятся в галерее Уффици во Флоренции.

"Гималаи. Розовые горы" Николай Рерих, 1933 >Нью-Йорк, музей Николая Рериха Данное полотно великого русского художника Николая Константиновича Рериха относиться к его зрелому творчеству. Он был разносторонним человеком и много путешествовал по миру, изучая философии и религии. Рерих побывал во многих странах, но одна полюбилась ему больше всех — красочная Индия. Прожив там много лет вплоть до самой смерти, художник успел написать целую серию работ посвящённых Индии. Горы — то, что манило Рериха больше всего. В данной работе изображены Гималаи, которые по праву считаются одними из самых прекрасных гор на планете. Миллионы людей ими восхищаются, но только Николаю Константиновичу удалось их изобразить на холсте. Сложно представить, сколько усилий было приложено для этой работы, наверняка художнику пришлось взбираться высоко на горы, что бы поймать такой вид. Смотря на картину, можно почувствовать свежесть и прохладу, но вместе с тем и умиротворение.