Тайны древних раскопок Как на самом деле выглядели древние люди.

​​– Эмиль Швицер, страдавший шизофренией, был пациентом психиатрической клиники в Цюрихе, где работал доктор Юнг, – подхватила Сара. – В галлюцинациях он видел солнце с огромным фаллосом, покачивание которого создавало ветер. Поначалу Юнг никак не мог понять сущность этого невроза, столь конкретного и своеобразного, – ничего подобного он не встречал ни в своей врачебной практике, ни в обширной на тот момент литературе по психиатрии и психоанализу. Но затем ему в руки попался безвестный перевод древних текстов, посвященных Митре – индоиранскому божеству, чей культ возник за две тысячи лет до нашей эры и угас к третьему веку. В текстах говорилось, что земной ветер исходит из трубы на солнце. Не было сомнений, что Эмиль Швицер ничего не знал о Митре и связанных с ним мифах, однако один из этих мифов нашел образное воплощение в его шизофреническом бреде. https://telegra.ph/file/2623f59d8ead4506f098a.jpg

Артефакты: тайны и красота https://tanjand.livejournal.com/3240130.html

«Она – моя», сказала бы Рената Литвинова. Потому что «Северный ветер» это не фильм. Это настоящая картина – женского рода, красоты, ума, тайны, матриархата. Это прекрасный сон, понять который можно, лишь открыв сердце чарам неповторимой Ренаты, под музыку не менее чудесной Земфиры. И смотреть – на женщин, их власть, ожидание, одиночество и надежду. Смотрите «Северный ветер» и вы! В онлайн-кинотеатре Okko по подписке «Оптимум» и «Премиум».

В 2017 году в пещере в Краби(Таиланд) группой учёных был найден скелет размером более 5 МЕТРОВ!!! Это неопровержимое доказательство существования расы гигантов в прошлом на земле Мы заранее предупреждаем общественность о том что началась широкомасштабная кампания дезинформации чтобы скрыть всё материалы по поводу этого важного открытыя Хотите знать какие тайны хранят от нас? Добро пожаловать на канал Вольнодумец. Авторы канала собирают для вас самые интересные и неудобные для науки свидетельства и находки, которые… вы вообще не должны видеть! Присоединяйтесь и узнайте то, что тщательно от нас скрывают.

Пинакс (греч. pinax— до­ска, картина) — картина, произведение стан­ковой живописи, появившейся в ан­тичном мире. Пинаксы применялись и в качестве кулис на сцене. Пинакоте́ка (фр. pinacothèque, от греч. πινακοθήκη, πίναξ — доска, картина и θήκη — хранилище) — у древних греков помещение для хранения живописных изображений. Так называлось левое крыло пропилей афинского Акрополя, где находилось собрание картин, принесённых в дар богине Афине. В нескольких шестиколонных залах были собраны картины, написанные на досках, глиняные таблицы и другие произведения с росписью. Это собрание было открыто для посещения афинскими гражданами. В Мюнхене картинные галереи сохраняют и ныне наименование Старой и Новой пинакотеки. АБВсловарь

Вот интересное дело - как наткнешься на какого-нибудь одиозного персонажа, который немного историк, так окажется, что он, почему-то, считает себя специалистом именно по Наполеону. Я как-то задавала вопрос людям причастным - это личность Наполеона приманивает таких оригиналов или происходят с ними трансформации в процессе работы, но ответа, конечно же, не последовало. (Только пожалуйста, если вдруг меня читают специалисты по Наполеону, вы не обижайтесь, это я так шучу). Собственно, я сейчас читаю интервью одного занятого товарища, который надурил кучу искусствоведов, журналистов и вообще целый бельгийский музей изящных искусств. Захватывающее интервью, скажу я вам. Да и история отличная, хоть ей уже и три года. Некий Игорь Топоровский, секретный советник всех президентов прямо с университетских лет, тайный агент всех агентств, теневой дипломат, друг всех генсекретарей по переписке и лично, бельгийский бизнесмен сложных бизнесов и, в целом, широкий специалист по мутным делам (без единого подтверждения, конечно же), оказался собирателем русского авангарда. При том не какого-то то там вашего в каталогах-резоне записанного, а совершенно неизвестного, никем не виданного, но очень важного - в его коллекции оказались и Кандинский и Малевич и амазонки Попова с Гончаровой и Экстер и прочий Родченко. В общем, художники первой линии авангарда. И все - уникальное и секретное. Что уже странно, ведь и правда бывает, что находят какую-то неизвестную картину известного художника и долго ее изучают, проверяют, так и сяк вертят, а потом танцуют и поют обнявшись, а тут прям оптовая поставка. То есть, чтоб вы понимали масштаб, Топоровский говорил, что он планирует представить в будущем публике сотни работ авангардистов. Сотни! Ну, бывает, насобирал и радуется - так что же теперь. А вот что - он, видимо, благодаря своему какому-то совершенно змеиному обаянию и уникальному таланту пудрить мозги умудрился втереться в доверие директору музея изящных искусств Катрин де Зегер и устроить выставку “шедевров” в Генте. Там было всего 24 шедевра из заявленных сотен, но открытие было громким и привлекло внимание по всему миру. По легенде, часть коллекции Топоровскому досталась от родственников жены, а часть он скупил буквально на барахолке за Эрмитажем, где в 90е чуть ли не из ларьков продавали по рублю авангард. Там правда проблема вышла - “родственники” жены официально ответили на запросы, что такой женщины в принципе не знают, а вот распродажи коллекции Эрмитажа, кстати, почему-то, в Одессе - ну тут даже комментарии излишни. Авангард и правда очень долго был не в чести, но если бы его вот так распродавали, то это было бы, как минимум, известно хоть кому-то, тем же музейным работникам, коллекционерам, историкам. Но нет - все в тумане, а сама легенда периодически менялась. Короче, следов собирательской деятельности Топоровского в России никто так не обнаружил. Ну, кроме истории про пару искусствоведов-жуликов, которые продавали поддельный авангард и с которыми Топоровский сотрудничал, а после проходил свидетелем по уголовному делу. Не ясно так же как коллекционер умудрился незаметно перетащить через границу пять сотен заявленных картин. Сам Топоровский эти и еще целую гору несостыковок объясняет просто - у вас, говорит, просто заговор искусствоведов, ведь если все вот это великолепие попадет на рынок, то искусство подешевеет, а злые и хитрые искусствоведы не хотят такого и плетут интриги. И хотел он передать свою коллекцию русским музеям, но вы же знаете, какие там змеи подколодные - испугались, не взяли. Потом еще оказалось, что Топоровский по половине европейских музеев пробежался со своим собранием, но нигде его не воспринимали всерьез.

Рим после эпохи Возрождения был центром притяжения для художников долгие века, местом, где случалось все самое важное, где можно было учиться у великих, и туда стремились мастера со всего мира - даже лучших выпускников Императорской Академии Искусств из России отправляли пожить в Риме за казенный счет. Так происходило примерно до девятнадцатого века, когда оказалось, что все самое интересное стало происходить во Франции. Но до того - Рим и только Рим. Для голландских и фламандских художников семнадцатого века путешествие в Рим и вовсе стало своего рода инициацией. Дело в том, что в 1604 году их земляк, художник и писатель Карел ван Мандер, опубликовал книгу, которая свела всех с ума и которая по сей день входит в перечень важнейших нидерландских книг. Это был трактат об искусстве, Шильдер-Бёк, что в переводе означает “Книга об искусстве” или “Книга об изображениях. Книга эта состоит из шести частей. 1. Основы благородного и свободного искусства живописи (тут вводная часть, где читателю рассказывают про основы. Например, объясняют, что такое пейзаж, композиция и драпировка). 2. Жизни выдающихся древних художников, включая египтян, греков и римлян (вольный пересказ избранных отрывков из “Естественной истории” Плиния). 3. Жизнь современных или современных прославленных итальянских художников (этот том, по сути, был переработанным и дополненным пересказом “Жизнеописания наиболее великих художников” Джорджо Вазари). 4. Жизни выдающихся нидерландских и немецких художников (тут уж ван Мандер работал сам и перечислил, снабдив биографическими зарисовками, несколько десятков важнейших мастеров Нидерладов и окрестностей; это том считается самым важным в его работе, а еще он самый длинный). 5. Комментарий к Метаморфозам Овидия (казалось бы, внезапно, но на самом деле тут автор, вслед за теоретиками итальянского Ренессанса, объяснил читателю, что нет никакого противоречия между греческими мифами и Ветхим Заветом, а, наоборот, это вещи взаимообогащают друг друга - например, как, помните, у Боттичелли было, что Венера равна Мадонне и обратно). 6. Изображение фигур (тут рассказано о символическом значении разных зверей для успешного составления аллегорий и украшения сюжетов). Через два года после первого издания своей книги Карел ван Мандер умер, а второе издание было снабжено его биографией, вроде бы, написанной его сыном. Там рассказывалось про его детские шалости, талант поэта, годы учебы и, главное, описывалось путешествие в Рим, в которое он отправился в компании знатных юношей, но решил не спешить и добирался до Рима аж три года, по дороге занимаясь искусством и посещая мастерские всех встретившихся на пути художников. Именно этот факт привел молодых нидерландских художников в полный восторг. Вдохновленные книгой ван Мандера и его особым стилем путешествия, они хлынули в Рим. То есть, до этого нидерландцев в Риме и так хватало, но тут это паломничество стало более массовым. Доехать до Рима надо было почти без денег, зарабатывая на пути своими художественными талантами, приобретая новые знакомства и стараясь как-то выжить. Добирались годами. Доезжали не все. Некоторые разворачивались по пути, кто-то останавливался насовсем в каком-нибудь небольшом городе, а кто-то и вовсе сгинул. В общем, выходило, что доехавшие до Рима художники его в душе своей заслужили и завоевали. А еще по пути многие набирались опыта работы, насмотренности и приезжали уже серьезными мастерами и, главное, знающими, что своим трудом они теперь чего угодно смогут.

Бесплатный интенсив лекций о Ватикане - зарегистрироваться — история и искусство — секреты и тайны пап римских — современная жизнь Ватикана Узнайте все тайны самого маленького государства в мире в онлайн путешествии с лучшим гидом Рима и Ватикана - Анной Синицей. Путешествуй, даже если границы закрыты! При регистрации - всем приятный бонус - онлайн экскурсия по музеям Ватикана! 13 мая в 20:00 по мск - Ватикан: мифы и реальность 14 мая в 20:00 по мск - Тайны папского двора Переходите по ссылке https://annasinitsa.ru/webvatican_tg

Двусмысленность и тайна. Эми Джадд – лондонский художник. Вдохновляясь женскими образами из традиционной мифологии, Эми передаёт в своём творчестве тонкую связь, существующую между женщиной и природой. Во многих картинах фигурируют женские фигуры с цветами, перьями и птицами. Сова - частая тема в ее работах, отражает чувственный и одновременно сильный образ женского тела. Перья в различных образах намекают на уверенность полёта и отвагу, а не на хрупкость женской натуры. «Двусмысленность образа очень важна для меня, она дает зрителю чувство интриги и тайны и дает ему возможность создать свой собственный рассказ вокруг картины. Мне нравится намекать на отношения или движения тела, но, если бы они смотрели вам в глаза, они бы уже выдавали свою историю».

"Прачка" 1886 г. Анри де Тулуз-Лотрек Частная коллекция. Тулуз-Лотреку было 23 года, когда он написал картину «Прачка». Юный и неуверенный в своих силах Анри еще учился в мастерской Фернана Кормона и ответственно следовал всем советам учителя. На утренних занятиях Кормон, вдохновленный последними археологическими находками, пытался увлечь учеников монументальными сценами из жизни первобытных людей, а завершая урок, советовал выходить на улицу и делать зарисовки прямо в гуще монмартрской повседневности. Внеклассные задания Кормона нравились Лотреку куда больше, чем академические штудии. Выполнять домашние задания было исключительно приятно – старшие друзья-художники щедро делились с новичком Лотреком списком отборнейших злачных мест и закоулков Монмартра, где жизнь просто кипела. Однажды, выходя из ресторанчика, Лотрек заметил худенькую девушку с огненно-рыжими волосами и не удержался: "Как хороша! Типичная ...! Вот бы написать ее!" Кармен Годен оказалась не ..., а простой работницей, смирной и скромной, а потом еще и ответственной натурщицей, моделью нескольких портретов кисти Лотрека. Анри писал матери, что нашел девушку с волосами из чистого золота, рассказывал друзьям, что рыжие женщины – это для венецианцев, и был страстно увлечен Кармен. Если и могло художника в то время что-то обрадовать больше, чем ее благосклонность, так это только признание из уст настоящего гуру, которого Лотрек боготворил и которому не видел равных во всем современном французском искусстве. Он никогда бы не посмел лично попросить Эдгара Дега взглянуть на свою мазню, это друзья Лотрека выпросили у метра хотя бы один взгляд бросить на картины Анри. Скупой на похвалы и неспособный к лести Дега был к Лотреку благосклонен, в отличие от Кармен, которая хранила верность любовнику, постоянно ее избивавшему. Юный Анри работы Дега изучал и восхищался ими. «Прачка» Лотрека получилась гениальной эмоциональной противоположностью «Гладильщицы» Дега при явном сходстве композиции и совершенно идентичном расположении модели, стола, окна в пространстве. В отличие от Дега, Лотрек отбирает у девушки атрибуты ее профессии, переносит акцент из внешнего мира на внутренний. В отличие от анонимного и лишенного индивидуальных черт силуэта, написанного Дега, Лотрек бросает мягкие лучи на лицо своей героини. Так ангельское сияние освещает лица святых на древних фресках. Лотреку все женщины были ангелами – он смотрел на их волосы цвета золота немного снизу вверх. Этот взгляд на модель легко проследить и в «Прачке». Лотрек был ниже тех женщин, которых писал и в которых влюблялся. Но уже тогда, в последние годы ученичества, он доставал из них эту внутреннюю бурю, пронзительную печаль и неизбывное одиночество. Этот портрет Кармен Годен и не портрет уже – мы даже глаз ее не видим. Только мороз по коже – вдруг повернется… Анонимный покупатель в 2005 году на аукционе Christie's в Нью-Йорке купил эту картину за рекордную на тот день для Анри де Тулуз-Лотрека сумму – 22 миллиона долларов. ТулузЛотрек Постимпрессионизм _history

Легенды и тайны метро, секретные линии и закрытые станции, интересные факты и новости метрополитенов мира... Вам сюда ️ ️ Знали ли вы, что самое старое метро - в Лондоне? Что за годы Войны, московское метро увеличилось на треть? Что делать если упал на путь? Сколько в Москве станций-призраков? Что самое глубокое в мире метро в Питере, а самая глубокая станция в Киеве? Об этом и многом другом вы можете узнать на канале "Мир метро". Добро пожаловать!

"Ванна" 1886 г. Эдгар Дега Музей д’Орсе, Париж. Эдгар Дега притащил в мастерскую чаны и тазы. Натурщицы приходили сюда и часами занимались своими делами: расчесывались, мылись, вытирались, зевали, одевались и раздевались. Удивленные поначалу тем, что Дега ничего не пишет, а просто наблюдает, со временем они уставали удивляться и переставали художника замечать. Этого-то ему и было нужно. На Восьмой выставке импрессионистов, в 1886 году, когда в последний раз удалось собрать в одном зале художников, затеявших когда-то всю эту революцию, Эдгар Дега предложил семь пастелей. У них было длинное и нарочито прозаичное название, почти канцелярское или каталогизирующее (так искусствоведы, систематизирующие наследие художника, называют пачку каких-нибудь незначительных набросков и подготовительных рисунков) – «Серия обнаженных женщин — купающихся, моющихся, вытирающихся, причесывающих волосы или сидящих за туалетом в то время, как их причесывают». Эдгар Дега, пожалуй, первый художник, который примирил обнаженную натуру и современность после нескольких столетий салоновской целомудренной традиции, предписывающей облачать обнаженное женское тело в парящие драпировки или окружать символическими атрибутами древних богинь. Вместо оправдательных греческих тог, парящих амуров, облаков, пены морской и прочего божественного антуража, которым еще лет двадцать до этого художники прикрывали наготу своих героинь, Дега вручает им мочалки и расчески. Это не вызывающая и бесстыдная нагота «Олимпии» Эдуара Мане – это самая естественная, повседневная и скучная обстановка, в которой женщина может быть раздета. Моющиеся и причесывающиеся женщины Дега не смотрят зрителю в глаза. Да что там не смотрят – даже лиц их чаще всего не видно. Они неуклюже поднимают ногу, вылезая из ванной, бесцеремонно наклоняются и разворачиваются к нам спиной и задом, собирают в пучок мокрые волосы, чтобы тщательно расчесать, они вытирают ноги и спину. «До сих пор, обнаженная модель всегда изображалась в позах, предполагающих присутствие зрителей», - объяснял художник и добавлял, что в его задачи входило создать ощущение подсматривания в замочную скважину. К середине 1880-х между импрессионистами-основателями движения осталось больше различий, чем проявилось точек соприкосновения. Выставка, на которой были представлены моющиеся женщины Дега – последняя совместная. Художники-бунтари повзрослели – и, каждый по-своему отказываясь от важности мимолетных впечатлений, ищут непреходящие образы, фокусируют взгляд на чем-то важном и разрешают классическому искусству на себя влиять. Искусствоведы хвалят Дега в его поисках – говорят, он, единственный ярый почитатель Энгра в импрессионистском лагере, смог в банной серии пастелей совершить еще один акт примирения. Купающиеся женщины Дега наконец-то примирили Энгра и Делакруа, примирили линию и цвет. ЭдгарДега Импрессионизм _history

Ватикан вечный город. Город тайн. Viasat History. Документальный фильм Ватикан и его тайные сокровища https://www.youtube.com/watch?v=Mxd8Rb9gwYo

Ответ. «Алхимик, открывающий фосфор» (The Alchemist Discovering Phosphorus) — картина английского художника Джозефа Райта, написанная в 1771 году и переработанная в 1795 году. Полное название картины — «Алхимик в поисках философского камня, обнаруживает фосфор и молится за успешное завершение его действий, согласно обычаю древних химических астрологов». Было высказано предположение, что «Алхимик» описывает открытие фосфора алхимиком из Гамбурга Хеннигом Брандом в 1669 году. Эта история была широко известна и часто упоминалась в научно-популярных книгах o химии, опубликованных при жизни художника. С момента первого показа (1771) картина вызвала много противоречивых интерпретаций. Её тайна, очевидно, тревожила зрителей XVIII века, и, хотя Райт был признанным художником, картина не была продана. Джозеф, взяв картину в своё итальянское путешествие в 1773—1775 годах, привёз её обратно в Англию и переписал в 1795 году. Она была продана только через 4 года после смерти художника на аукционе «Кристис».

"Цветок из болота, человеческая голова и грусть" 1885 г. Одилон Редон Поп-культура ХХ-XXI веков испытала на зрителях такой разнообразный арсенал пугающих образов, что, казалось бы, странно сейчас бояться улыбающихся пауков или парящих в небесах бестелесных крылатых голов, нарисованных художником в XIX веке. Но дело в том, что у Одилона Редона и не было в планах кого-то пугать. Невиданные образы, порожденные воображением, были для Редона прежде всего способом познания мира и пребывания в мире. И мир этот не ограничивался только настоящим временем и только видимым пространством. Редон заходил глубоко – туда, где все начиналось и было возможным. Где мир рождался из хаоса, был подвижен и примерял причудливые формы, нащупывал бесконечные варианты жизнеспособных существ и явлений. Редон мало смысла видел в изображении реальности. Но был одержим дотошным, почти научным изучением мелких, незначительных ее составляющих. Он рисовал былинки и листья, камни и куски облупившейся штукатурки на старой стене – и создавал пространный каталог паттернов, которые использует природа в своем ремесле. Учеба в архитектурной школе, долгая дружба с известным и увлеченным ботаником Арманом Клаво, собственные одинокие походы по чащам и лесам обеспечили Редона пониманием «визуальной логики» - он все лучше понимал, как должен быть сложен воображаемый образ, чтобы он воспринимался реальным. Его монстры выглядят так, как будто их придумала сама природа. И эта реальность, логичность, даже повседневность Редоновских монстров пугает больше, чем восстание зомби, плюющих зеленой слизью, или призраки маленьких девочек из очередного хоррора, выжимающего из зрителя адреналин. «Моя оригинальность заключается в том, что я наделяю человеческой жизнью неправдоподобные существа, заставляя их жить согласно законам правдоподобия и ставя - настолько, насколько это возможно, - логику видимого на службу невидимому», - говорил Редон. Литография «Болотный цветок» относится к папке «Посвящение Гойе», которую Редон выпустил в 1885 году тиражом в 50 штук (позже во второй редакции выйдут еще 25). В папку входит только 6 листов – и их трудно объединить общим символическим смыслом или философской сентенцией. Кроме того, что один гениальный визионер вдохновлялся причудливыми фантазиями другого. Голова мудрой богини, которая почудилась в утреннем полусне – в ее волосах то ли украшения, то ли осколки древних скал, то ли сросшиеся раковины доисторических океанических моллюсков. Или вот существа-эмбрионы простейшей формы, но с пугающе печальными, усталыми глазами, должно быть, тысячи лет ждут рождения. Безумец посреди вымершего, высохшего ландшафта. Но «Болотный цветок» в этом цикле – самая пугающая литография, в которой незримое со всей визуальной логикой становится зримым. Бесконечное болото уходит до горизонта – то ли мир до рождения суши, то ли мир, где твердая земля не задумана творцом. Цветок с человеческим лицом, в котором без особых усилий можно представить причудливую анатомию, не то растительную, не то человеческую: жилы-стебли, кровь-сок, резкие морщины, предвещающие скорое увядание, внутреннее сияние, которое оказывается единственно возможным действием. И зреющие в прозрачных коконах бутоны-зародыши, которых ждет все та же созерцательная неподвижность и бесконечно долгое взросление в мире, где не задумана суша. В мире, где нечего больше видеть, кроме болота. В мире, где ты непременно созреешь и озаришь светом эту непроглядную толщу мутной воды. ОдилонРедон АллегорическаяСцена Символизм _history

Ой, ребят, так жарко что жить невозможно. Поэтому вот картинка, от которой веет прохладой и свежестью - охота на оленей курфюрста Фридриха Мудрого в компании императора Максимилиана в пышных саксонских лесах. У речки! Фридрих III был прекрасно образован, любил читать древних мудрецов, уважал и защищал Лютера, основал Виттенбергский университет и при его дворе работал Лукас Кранах старший, вот эту картину и написавший в 1529 году. Картина, вероятно, была заказана другим курфюрстом, Йоном Верным (он тоже есть на картинке) после смерти и Максимилиана и Фридриха в память о прекрасных былых днях. В большой красивой шляпе на белом коне в самом центре скорее всего скачет сам Фридрих. Вообще, некоторые считают что картину надо читать как последовательность событий - вот в правом верхнем углу замок, а под ним начало охоты - все выехали нарядные и готовятся, а ниже уже сама погоня - несутся лошади, слуги, собаки, одна даже погибла в схватке с оленем, а еще ниже затаились добивающие дичь из арбалетов охотники. Тем временем на лодочке катаются ожидающие мужей дамы и кое-кто, предположительно какой-то монах-протестант, даже ведет себя непристойно и обнимается с шикарно одетой девицей. Кранах управляет тем, как мы смотрим на картину при помощи оленей - они задают тут всю динамику, двигаясь почти по часовой стрелке. Все так празднично, живо, вдалеке виднеется величественный город и заснеженные вершины. Только погибшая собачка напоминает нам о том, что мир не так уж идеален, а в каждом празднике есть место печали. Написана картина на липовой панели масляными красками и благодаря такому выбору материалов Кранах смог прописать мельчайшие детали. Только вот не смогла найти его подпись - фирменного змея-дракончика, а он тут где-то притаился, вроде бы, внизу. Может,у вас получится?

Долина покоя 1858-1859 Джон Эверетт Милле Галерея Тейт, Лондон «Могилы. Сумерки. Ограда. Жуткие очертания деревьев. Монахини. Католики. Сегрегация по половому признаку. Религиозность. Хозяйка и служанка, властные взаимоотношения, возможно, более глубокая эмоциональная кабала. Женский труд. Кого-то хоронят или эксгумируют. Два венка. Глубоко-тёмная земля. Трупы, тайны, заговор, страх. Это картина, которая вырывает все ограничения» На полотне сцена на кладбище почти в сумерках. За кладбищенской стеной видна невысокая часовня с колоколом. На переднем плане две католические монахини. Одна из них сидя на надгробной плите в скрещенных пальцах держит розарий и с тоскливым взглядом обращена к наблюдателю картины. Вторая монахиня лопатой роет могилу, рядом с ней лежит кирка. Предплечья и тело работающей напрягаются под тяжестью земли.

"Музыка I" 1895 г. Густав Климт Новая пинакотека, Мюнхен. В 1892 году в жизни Климта произошли подряд два трагических события, оказавших влияние и на его творчество, и на жизнь в целом. Сначала ушел из жизни его отец, а вскоре после этого скончался брат художника Эрнст. После кончины отца на плечи Климта полностью легли заботы о благополучии семьи, а смерть брата нанесла художнику сокрушительный удар. Эрнст был для Густава не только родственником, но и коллегой, и одним из самых близких друзей. Они вместе с детства учились живописи, вместе работали над заказами и добились огромной популярности в Вене. После смерти отца и брата Климт надолго впал в депрессию. В эти годы главной его поддержкой стала Эмилия Флёге. И в это же время постепенно начинает трансформироваться и меняться его творчество. Отправной точкой можно считать полотно «Музыка», написанное в 1895 году и ставшее в некоторой степени предтечей самых знаменитых работ художника, которые он создаст в годы «Золотого периода». Идея изобразить на картине саму Музыку была довольно амбициозной, но Климт был уже достаточно знаменитым в Вене художником, чтобы позволить себе это. К тому же, в будущем он не раз докажет, что мнение критиков его абсолютно не волнует. Климт был страстным поклонником старины и древних искусств. Это увлечение позволило ему создать особенно яркие, поражающие воображение и выполненные с почти фотографической точностью работы, украсившие стены Художественно-исторического музея в Вене. Но если в оформлении музея упор был сделан на Древний Египет, то в картине «Музыка» безраздельно властвует Эллада. Главная героиня полотна, совсем юная девушка, почти ребенок, держит в руках лиру – инструмент, воспетый в древнегреческом изобразительном искусстве. В правой части художник изображает сфинкса, который, кроме прочего, считается символом свободы творчества и личности в целом. Эту картину от ранних работ Климта отличает отказ от традиционной перспективы и классических сюжетов в пользу символизма, ярко выраженная декоративность и характерная для ар-нуво «уплощенность», двухмерность изображения. Но художник не спешит отказываться от привычного изображения людей, что придает полотну сходство со слегка размытой старой фотографией. ГуставКлимт АллегорическаяСцена _history

Аппиева дорога при закате солнца 1845 Александр Иванов Третьяковская галерея, Москва На картине вид в сторону Рима вдоль Аппиевой дороги (самая значимая из античных общественных римских дорог. Через неё было налажено сообщение Рима с Грецией, Египтом и Малой Азией.) — одной из самых древних мощёных римских дорог, строительство которой началось в 312 году до н. э. Дорога проходит между развалинами древних гробниц, а вдали видны силуэты римских зданий, среди которых выделяется купол собора Святого Петра. В этом полотне «можно видеть пейзаж, не уступающий по значению исторической картине», и никто из творивших в Италии пейзажистов «не сумел увековечить образ вечного города [Рима] так величественно и просто, как это удалось великому русскому мастеру. «Аппиева дорога» стала «квинтэссенцией художественной концепции Иванова, воплощением важнейшего свойства его художественного сознания, образом его творческого пути».

"Семейный портрет" Якоб Йорданс, 1650-1652 > Санкт-Петербург, Эрмитаж В центре картины изображена женщина в богатом платье, прислонившаяся к сидящему мужчине, который её приобнял. Женщина справа демонстрирует явное сходство с центральной фигурой и скорее всего обе женщины являются сёстрами. В трактовке современных искусствоведов сюжет картины является аллегорическим изображением сцены помолвки или бракосочетания. В частности, на это указывают фигура Купидона со стрелой, направленной на грудь женщины, и цветы гвоздики слева на фоне — эти цветы с древних времён символизируют обручение. Венки из цветов традиционно являются знаком чистоты и целомудрия, попугай намекает на верность в браке.

"Автопортрет с палитрой" 1906 г. Пабло Пикассо Художественный музей Филадельфии. Пикассо создал этот автопортрет в 25 лет. На подготовительных рисунках он поместил кисть в правую руку, но решил не включать её в окончательный вариант. Отсутствие этого предмета заметно; возможно художник посылает зрителю сообщение: творчество – это не просто навык, а внутреннее видение. Голова яйцевидной формы, широко раскрытые глаза и удлинённые уши – эти элементы Пикассо позаимствовал у древних скульптур. В этой картине его лицо похоже на загадочную, словно маска, лицо резной головы. Такие фигурки находили на археологических раскопках неподалёку от Малаги, где родился художник, и потому автопортрет связан с его особым чувством к родным местам. Эта картина относится к «розовому периоду» в творчестве Пикассо, который продолжался с 1904-го по 1906 год. В этот промежуток времени он использовал в своих картинах весёлые оранжевые и розовые оттенки – в отличие от прохладных, мрачных тонов предыдущего «голубого периода». Годы «голубого периода» были тяжёлыми для Пикассо – он жил в крайней нищете, постоянно голодал и испытывал отчуждение. Всё это молодой художник выражал в окрашенных синим образах измождённых, истощённых, несчастных душ, которые едва выживали на обочине общества. В августе 1904 года 24-летний Пикассо встретил Фернанду Оливье, романтическая связь с которой благоприятно повлияла на его творчество. Восторг от телесности и чувственной радости начал вытеснять некогда мучительное отчаяние. Возможно, это и было одной из причин изменения стиля живописи Пикассо. В его картинах начали часто появляться арлекины, цирковые артисты и клоуны, которые будут населять полотна на разных этапах до конца долгой карьеры живописца. И если «голубой период» Пабло Пикассо сегодня пользуется более широкой популярностью у публики, «розовый» имеет гораздо большее художественно-историческое значение. В этот отрезок времени он начал разрабатывать стилистические методы, которые сделали его самым значительным художником XX века. Впрочем, современники Пикассо не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним. Депрессия художника улеглась, но не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни. Но если работы «голубого периода», кажется, выражают скорбь художника, то герои картин «розового периода» не скорбят, хотя по-прежнему демонстрируют покорность судьбе. Произведения Пикассо в «розовый период» начинают вести собственную жизнь в художественном духе своего времени – наибольшее значение обретает сама картина, а не её тема и содержание. Пикассо продолжал экспериментировать, делая своих героев анонимными, скорее представляя художественную матрицу человека, нежели самого человека. И хотя это шаг в направлении абстрактного искусства, это не самая важная особенность «розового периода» Пикассо. Прорывом этого короткого отрезка времени стала плавная линия, которую Пикассо начал осваивать в 1904 году – и она очень хорошо выражена в «Автопортрете с палитрой». Эта беглость и утончённость линии – уникальный вклад Пикассо в экспрессионизм. «Розовый период» отмечает конец развития, во время которого Пикассо обрёл себя как фигуративный художник. За годы, проведённые к тому моменту в Париже, он впитал французскую культуру, сменив серьёзность своего «голубого периода» парижской элегантностью. После завершения «розового периода» Пикассо продолжал время от времени создавать фигуративные работы, но это перестало быть его основным стилем. ПаблоПикассо Портрет Экспрессионизм _history

Четвёртый сборник экскурсий 1 Государственный Эрмитаж.Документальный фильм-экскурсия на 3,5 часа 2 Пешеходная экскурсия по Венеции без комментариев. 3 «Ночь на Днепре» ⁄ История одного шедевра 4 Константиновский дворец. Из цикла фильмов "Красуйся, град Петров!" 5 Рубенс - экскурсия по дому-музею художника в Антверпене. 6 Ян ван Эйк ваша персональная экскурсия по выставке в Генте 7 Экскурсия по музею Урании – Московский планетарий 8 МАМАЕВ КУРГАН 9 Экскурсия по Мамаеву кургану 10 Государственный Дарвиновский музей в Москве 11 Музей Ретро автомобилей в Запорожье “Фаэтон“ 12 Путешествие по Воронежу 13 Экскурсия Парфёнова по выставке "Щукин. Биография коллекции" 14 Внутри Лувра. Экскурсия без комментариев. 15 Пять шедевров Музея Прадо 16 Фрида Кало. Краткая история жизни 17 Парадные, дворы и лифты на улице, где вырос Путин.Экскурсия по Петербургу 18 Экскурсия по выставке «Авангард. Список №1» 19 Летняя прогулка по КиевуМузыкальный фильм экскурсия. 20 Эрмитаж на связи.“Сады“ Клода Моне 21 Париж. Экскурсия по историческому центру. Жизнь во Франции 22 ЭКСКУРСИЯ ПО ВАНАДЗОРУ С ГИДОМ 23 Большая экскурсия по студии Wylsacom с сюрпризами... 24 Дворец Хоф ван Буслейден жемчужина Северного 25 Возрождения в Мехелене. 26 Кураторская экскурсия по выставке «Пикассо & Хохлова» 27 Экскурсия по выставке «Михаил Ларионов» 28 ВЛАДИМИР - город с тысячелетней историей 29 Экскурсия по выставке «Архип Куинджи» 30 История одной картины. Левитан «Ненюфары» 31 Экскурсия по дому купца Игумнова 32. 11 МУЗЕЕВ, КОТОРЫЕ ВЫ ЗАХОТИТЕ ПОСЕТИТЬ 33 РУССКАЯ СКАЗКА. От Васнецова до сих пор / Экскурсия по выставке 34 Дмитрий Гутов. Рембрандт и фламандцы 35 Жемчужины коллекции. Мастера Лейденской школы тонкой живописи 36 Египетский музей в Каире. Лекция Виктора Солкина Санкт-Петербург. ТОП-5 мест для прогулок! Легенды и факты о Питере! 37 Москва. ТОП-5 неочевидных мест для прогулок. Вместо Красной площади. 38 Золотое кольцо. Часть 1 39 Золотое кольцо. Часть 2 40 В мире древних животных 41 Экскурсия по лаборатории популяризации математики 42 Экскурсия по Музею науки и техники 43 Прогулка - экскурсия по Эрмитажу 44 ВИДЕОЭКСКУРСИЯ “РОМАНОВЫ В ЦАРСКОМ СЕЛЕ” 45 Санкт-Петербург. Экскурсия в Гатчинский дворец 46 Прогулка по Клину - музей и фабрика ёлочных игрушек Третий Сборник экскурсий Второй сборник экскурсий Первый сборник экскурсий

Тайны и загадки известных музеев мира вокруг музеев ходит очень много легенд, которые могут быть любопытнее самых загадочных живописных полотен. Увы, но выделить несколько фактов и секретов в одном музее трудно, они просто кишат рассказами и слухами. Но надо с чего начинать — https://www.youtube.com/watch?v=DTeHbIHH9nk https://www.youtube.com/watch?v=DTeHbIHH9nk

​Как постичь «Секретный язык любви» Вот интересно, как ярче можно выразить свои чувства через драгоценные предметы? Что может сиять ярче золотых изделий с бриллиантами? Какие тайные смыслы, послания и романтические истории могут заключать в себе ювелирные творения? Что говорит нам — их «Секретный язык любви»? Вы удивитесь, но именно танец, а точнее, балет — развязывает этот язык. Представьте, что вдохновением для эскизов брошей-танцовщиц послужили фотографии именитых балерин — изящная поза балетного па, взмах тонких рук, томный изгиб шеи. Непременно в пуантах и в ажурной пачке из бриллиантов или цветных драгоценных камней – ювелиры создавали иллюзию, что их наряды взлетают ввысь, вторя движениям танца. Красота, изысканность, утонченность и постоянное стремление к совершенству и есть тот «Секретный язык любви», который объединяет украшения французского Дома Высокого ювелирного искусства Van Cleef & Arpels и искусство танца Большого театра. Свою приверженность искусству балета, стремление к совершенству и непревзойдённый талант они представят в новом беспрецедентном культурном и образовательном проекте En Coulisses. На выставке гости познакомятся с уникальными творениями Высокого ювелирного искусства, среди которых изящные броши-балерины. Кроме этого, мастера покажут, как рождаются ювелирные произведения, требующие многих часов кропотливой работы. Гости выставки познакомятся с навыками ювелиров, закрепщиков камней, дизайнеров и полировщиков. Но это не всё. Посетите цикл образовательных лекций и открытых дискуссий об искусстве танца. Участие в этих разговорах о культуре, балете, музыке и ювелирном мастерстве примут эксперты из российских музеев и театров. Эксперты ювелирной школы L’ECOLE проведут три лекции: «Секреты сентиментальных украшений», «Танцующие украшения» и «Тайный язык цветов». И наконец, по инициативе Дома Van Cleef & Arpels будет представлена балетно-оперная постановка «Зефир и Флора, или Метаморфозы», которая станет частью выставки En Coulisses. Спектакль создан при участии ведущих артистов и художников Большого театра, а также оперных солистов. Приходите, если хотите получить изысканное удовольствие. Не пожалеете! Вход свободный, по предварительной регистрации: vancleefarpels.timepad.ru/event/1759643/%20. Выставка пройдет с 8 по 17 октября 2021. Время работы: с 11:00 до 22:00 Петровский Пассаж, ул. Петровка, 10, Москва, Россия https://telegra.ph/file/56c8df6c576a1175a9ca6.jpg

Музейные тайны: Национальный музей антропологии в Мехико https://youtu.be/exuSnEhGA3A

​Как постичь «Секретный язык любви» Вот интересно, как ярче можно выразить свои чувства через драгоценные предметы? Что может сиять ярче золотых изделий с бриллиантами? Какие тайные смыслы, послания и романтические истории могут заключать в себе ювелирные творения? Что говорит нам — их «Секретный язык любви»? Вы удивитесь, но именно танец, а точнее, балет — развязывает этот язык. Представьте, что вдохновением для эскизов брошей-танцовщиц послужили фотографии именитых балерин — изящная поза балетного па, взмах тонких рук, томный изгиб шеи. Непременно в пуантах и в ажурной пачке из бриллиантов или цветных драгоценных камней – ювелиры создавали иллюзию, что их наряды взлетают ввысь, вторя движениям танца. Красота, изысканность, утонченность и постоянное стремление к совершенству и есть тот «Секретный язык любви», который объединяет украшения французского Дома Высокого ювелирного искусства Van Cleef & Arpels и искусство танца Большого театра. Свою приверженность искусству балета, стремление к совершенству и непревзойдённый талант они представят в новом беспрецедентном культурном и образовательном проекте En Coulisses. На выставке гости познакомятся с уникальными творениями Высокого ювелирного искусства, среди которых изящные броши-балерины. Кроме этого, мастера покажут, как рождаются ювелирные произведения, требующие многих часов кропотливой работы. Гости выставки познакомятся с навыками ювелиров, закрепщиков камней, дизайнеров и полировщиков. Но это не всё. Посетите цикл образовательных лекций и открытых дискуссий об искусстве танца. Участие в этих разговорах о культуре, балете, музыке и ювелирном мастерстве примут эксперты из российских музеев и театров. Эксперты ювелирной школы L’ECOLE проведут три лекции: «Секреты сентиментальных украшений», «Танцующие украшения» и «Тайный язык цветов». И наконец, по инициативе Дома Van Cleef & Arpels будет представлена балетно-оперная постановка «Зефир и Флора, или Метаморфозы», которая станет частью выставки En Coulisses. Спектакль создан при участии ведущих артистов и художников Большого театра, а также оперных солистов. Приходите, если хотите получить изысканное удовольствие. Не пожалеете! Вход свободный, по предварительной регистрации: vancleefarpels.timepad.ru/event/1759643/%20. Выставка пройдет с 8 по 17 октября 2021. Время работы: с 11:00 до 22:00 Петровский Пассаж, ул. Петровка, 10, Москва, Россия https://telegra.ph/file/56c8df6c576a1175a9ca6.jpg

Эрмитаж Онлайн. Украшения - это серьезно. Греческое золото в Эрмитаже. https://youtu.be/c-eeFhXG4uY?t=23 Все основные виды украшений пришли к нам из глубокой древности. Некоторые сохранились в практически неизменном виде, другие претерпели значительные изменения, третьим суждено было остаться в античном мире навсегда. Изящные формы греческих украшений требовали виртуозного исполнения и безупречного художественного вкуса от ювелира, и на экскурсии будут раскрыты некоторые тайны античных златокузнецов. Носить драгоценности – это искусство. Одни обладают этим даром от природы, другие мечтают научиться. Что и как носили гречанки античной эпохи, чей облик до сих пор считается идеалом красоты, узнаем на экскурсии по залам Отдела Античного мира Эрмитажа. Секретами античных красавиц с нами поделится Ольга Горская, научный сотрудник Отдела Античного мира. https://youtu.be/c-eeFhXG4uY?t=23

Тайны Юсуповского дворца. Убийство Григория Распутина. https://youtu.be/F4n0s7MIgBc Экскурсию замечательно ведёт Валентина Владленовна Набок, заведующая отделом Юсоповского дворца. Как интересно и завораживающе рассказывает эта интеллигентная спокойная дама. https://youtu.be/F4n0s7MIgBc

Венера Виллендорфская Автор неизвестен Известняк. Высота 11 см Музей естествознания, Вена Небольшая статуэтка обнаруженна в одном из древних захоронений граветтской культуры близ местечка Виллендорф в Вахау в Австрии 7 августа 1908 года. Возраст статуэтки насчитывает 29 500 лет. Почти ничего не известно ни о месте, ни о методе изготовления, ни о культурном назначении данной статуэтки. Фигура женщины выполнена в реалистическом стиле. Её грудь, живот и бёдра имеют большие округлые формы. Чётко выраженные линии подчёркивают пупок, половые органы и руки, сложенные на груди. На голове видны хорошо вырезанные волосы или головной убор; черты лица при этом полностью отсутствуют. Некоторые специалисты отождествляют её с Матерью-Землёй — хтонической богиней плодородия, почитавшейся в доиндоевропейской Европе. На 2005 год стоимость статуэтки оценивалась в 60 млн долларов.

Борей, похищающий Орифию 1615 Питер Пауль Рубенс Академия искусств, Вена Сюжет о Борее, похитившем дочь царя Афин Орифию к которому часто обращались художники. Борей – сын бога звездного неба и богини утренней зари, северный ветер, у древних греков – Зима. Попросив руки у Орифии, афинской царевны, и получив отказ, он унес ее против желания к себе во Фракию. Эта история из Овидия в шестой книге «Метаморфозы» (с. 702-710). В центре композиции Рубенс изобразил огромного бога ветра, несущего по воздуху прекрасную нимфу. Кроме Борея и Орифии тут четыре амура, играющих в снежки. Рубенс трактует пространство в соответствии с традициями раннего барокко: массивные тяжелые фигуры заполняют всю плоскость картины, а там, где их не хватает, на помощь приходят амуры. Визуальная легкость полета, что требуется для сюжета. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

"Сад художника в Ветёе" 1881 г. Клод Моне Музей Нортона Саймона, Пасадина. Клод Моне прожил в Ветее 4 года. Он арендовал шестикомнатный дом с фруктовым садом и выходом к Сене всего за 50 франков – и жить в нем должны были 13 человек. У каждого на то были свои причины. Попробуем в них разобраться. Сам Моне и его жена Камилла, к тому времени уже неизлечимо больная, она проживет в Ветее всего год и умрет здесь же. Они искали, где подешевле – и конечно Париж в область их поисков попадал в последние годы все реже. Чем дальше от города – тем проще выжить. С Клодом и Камиллой – двое их сыновей. Еще кухарка, которая тоже долго в этом доме не проживет – платить ей бывало совсем нечем, да и готовить не всегда удавалось. Обитатели этого дома часто сидят без куска хлеба. А кто же остальные жильцы? К семейству Моне в Ветее скоро присоединяется еще одна семья – Эрнест Ошеде с женой Алисой и 6 детьми. И у них свои причины. Ошеде, один из самых первых и верных поклонников живописи импрессионистов, разорился. У него были страшные миллионные долги, заложенное поместье, изрядно раздерганное наследство жены, прогоревшая торговая фирма, коллекция никому пока не нужных картин и шестеро детей. Моне предложил бывшему покровителю жить вместе, хозяйничать, растить кур и кроликов, делить расходы пополам. Его жена Алиса, конечно, соглашается - надо же чем-то кормить детей. Но у нее есть еще одна причина – несколько лет назад у Алисы завязался нешуточный тайный роман с художником, который жил в их поместье месяцами и писал панно и картины по заказу ее мужа. Этим художником был Клод Моне. В 1881 году, когда Моне пишет эту картину, в арендованном доме в Ветее оставалось уже меньше жильцов: умерла Камилла, сбежал Эрнест, ушла кухарка. Алиса стала полноправной хозяйкой, а Моне называют папой уже все восемь детей. Моне перестал участвовать в выставках импрессионистов, а в Салон его картины принимают через раз и размещают где-нибудь у выхода над дверью. Это время, когда Моне в одном из писем пишет: «Так что я совершенно уничтожен, подавлен, о живописи и думать не могу без содрогания, потому что понимаю: мне теперь до конца дней своих суждено прозябать в нищете, не имея никакой надежды на успех…» Бывает, что по несколько месяцев у Моне нет красок, он не может работать, в прачечной Алисе отказываются вернуть выстиранное постельное белье из-за долгов – и приходится спать без белья. Дрова для камина Алиса собирает сама. Крохотную парижскую студию Моне, где хранятся его работы, оплачивает Гюстав Кайботт. Среди редких покупателей картин – те же верные поклонники, что и в предыдущий десяток лет. Они делают, что могут. Этим летом вид на лестницу, ведущую к дому, на цветник с подсолнухами и гладиолусами Моне написал в 4 вариантах. Этот и еще один хранятся сегодня в музеях Америки, еще два – в частных коллекциях. Совсем не удивительно, что в этот беспросветный период Моне пишет одни из самых солнечных и умиротворенных пейзажей. Не удивительно, что изображенные места кажутся раем, а жизнь в доме, к которому ведет утопающая в цветах лестница, должна быть безмятежной и расслабленной. Потому что от отчаянья, голода и бессилия художника всю жизнь спасали одни и те же вещи: солнце, река, цветы и работа. КлодМоне Импрессионизм _history

Элементы с Джеймсом Брэдбёрном. "Караваджо. Ужин в Эммаусе" https://youtu.be/FYSagUAukZA Директор Пинакотеки Брера в Милане Джеймс Брэдбёрн – предлагает новые тайны картины Караваджо "Ужин в Эммаусе", обнаруженные не так давно. А также о судьбе и творчестве знаменитого Микеланджело Меризи по прозвищу Караваджо. https://youtu.be/FYSagUAukZA

Планируете культурные выходные? Рассказываем, где их можно провести ⠀ В арт-галерее «VEKARTA» стартовала выставка «Босх и Брейгель: загадки мистической эпохи». Вы погрузитесь в тайный мир самых загадочных мастеров эпохи Возрождения. Все картины экспозиции – это не просто копии оригинальных полотен, а художественные воспроизведения в мельчайших деталях. Например, вы сможете ознакомиться с триптихом «Сад Земных Наслаждений» Босха или «Вавилонской башней» Брейгеля. ⠀ В этом году «Музей Музыки» отмечает 110 лет и делает это масштабно! 26 марта посетителей ждет около 20 мероприятий: экскурсии, мастер-классы, квесты, лекции и концерты с известными деятелями из музыкальной сферы. ⠀ На ВДНХ проходит увлекательная выставка «Сокровища гробницы Тутанхамона». Организаторы предлагают отправиться в путешествие по Древнему Египту: величайшие сокровища, царские драгоценности, золотые саркофаги и художественные репродукции навсегда утерянных вещей. ⠀ Какие у вас планы?

Английское семейство, обращённое в христианство, защищает проповедника этой религии от преследования друидов 1850 Уильям Холман Хант Музей Эшмола, Оксфорд, Англия Картина Ханта изображает семью древних бриттов, живущих в грубо построенной хижине на берегу реки. В своём жилище они прячут христианского миссионера, скрывающегося от толпы языческих британских кельтов. Слева вверху полотна можно увидеть друида, указывающего на другого миссионера, бегущего от толпы. В щелях задней от зрителя части хижины видны каменные круги — символы язычества. Контраст кельтской и христианской символик достигается путём изображения креста на стене хижины. Присутствие друида на картине, по видимому, отсылает ко временам римского завоевания Британии в середине I-го века. Это очень ранний период для миссионерства, хотя ризы, в которые они облачены, появились гораздо позже. Сам Хант считал картину одним из своих лучших произведений. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

​​️В Музее Москвы идет выставка «Москва: проектирование будущего» о развитии архитектуры столицы с 16 века. ️23 марта в новом пространстве Еврейского музея и центра толерантности откроется выставочный проект «Каббала. Тайны мироздания», посвященный одному из самых загадочных явлений иудаизма и мировой культуры — учению каббалы. ️В День защитника Отечества Музей Победы проведет праздничную программу на открытой площадке военной техники. Посетителей ждут бесплатные мастер-классы, тир, кинопоказ, полевая кухня и другие мероприятия. Программа здесь. ️В Париже дебютирует новая выставка Paris Print Fair. Она пройдет во время Недели рисунка (Drawing Week) с 19 по 22 мая 2022 года и проследит эволюцию искусства гравюры с 15 века до наших дней. Планируется, что Paris Print Fair станет популярной площадкой, полностью посвященной печатной графике. Параллельно она будет проходить в онлайн-формате. ️С 20 февраля по 1 марта в столице проходит фестиваль азербайджанской культуры «Дни Азербайджана в Москве», приуроченный к 30-летию установления дипломатических отношений между Азербайджаном и Россией. В рамках фестиваля с 20 по 27 февраля в Новой Третьяковке представлена расширенная экспозиция народного художника Таира Теймуровича Салахова. В павильоне «Азербайджан» на ВДНХ открылась выставка «Азербайджанский ковер — новый взгляд», (вход свободный), экспонаты которой продемонстрируют концептуальное переосмысление традиционных ковров. Фото: Таир Теймурович Салахов. Айдан. 1967. ГТГ https://telegra.ph/file/7d0bb60f5824a699e50d3.jpg

"Русалки" 1871 г. Иван Николаевич Крамской Государственная Третьяковская галерея. Русалочьи посиделки под лунным светом. В обширном списке произведений И.Н.Крамского особое место занимает его картина под названием «Русалки». Народная молва окрестила это полотно мистическим, поскольку с ним связаны таинственные случаи, и некоторые из них — с печальным финалом. Но обо всем по порядку. Являясь почитателем литературного таланта Н.В.Гоголя, Крамской мечтал создать полотно по мотивам его произведений. Художник был, без преувеличения, очарован описаниями украинских ночей и тех мифических существ, которые появлялись под светом луны, пока обычные люди были погружены в сон. Помимо этого, живописец страстно мечтал запечатлеть на полотне удивительное сочетание ночной мглы и струящегося лунного света, озаряющего отдельные предметы. Картина Крамского «Русалки» свидетельствует, что с этой задачей художник отлично справился. Сюжетом для картины Крамского «Русалки» послужил отрывок из гоголевской «Майской ночи», где автор описывает сон Левка. Художник не ставил перед собой цель точно передать все детали сна, он лишь стремился поделиться со зрителем тем чудесным видением, которое посетило его во время работы над эскизами будущего шедевра. Картина Крамского «Русалки» наполнена светлой грустью. На переднем плане мы видим группу молодых девушек, облаченных в белые одеяния. Они собрались на берегу старого пруда, чтобы посидеть под лунным светом, спеть свои любимые песни и рассказать друг другу сокровенные тайны. Тонкие фигурки утопленниц застыли в живописных позах, их лица печально-строги. Кое-кто, запрокинув лицо вверх, всматривается в диск полной луны, другие же склонили головы, будто оплакивая свою горькую судьбу. Они словно сияют под светом полной луны, которая освещает лишь небольшие участки — заросли осоки, невысокий холм и старую усадьбу на нем. На современников Крамского его «Русалки» произвели неизгладимое впечатление: картина пользовалась необычайным успехом у публики, а критики единодушно хвалили мастера за точную передачу лунного света и новизну сюжета. Впрочем, сам живописец был недоволен собой и время от времени порывался доработать картину даже после того, как она оказалась в коллекции Третьякова. Само же полотно, казалось, жило своей жизнью. На 1-й выставке, организованной Товариществом передвижников, его поместили рядом с полотном «Грачи прилетели» кисти Саврасова. Утром обнаружилось, что пейзаж Саврасова ночью необъяснимым образом упал со стены; работники выставки в шутку говорили, что это дело русалок, которым пришлось не по душе соседство с птицами. Однако после того как картину Крамского «Русалки» купил П.Третьяков, всем стало не до шуток: челядь утверждала, будто в тех комнатах, куда вешали холст, воздух становился прохладным и наполненным сыростью, а по ночам оттуда слышалось тихое пение. Сам хозяин говорил, что после длительного созерцания картины он чувствует упадок сил. Также ходили слухи, будто картина сводит с ума молоденьких барышень, да так, что одна из них утопилась в реке. Вся мистика прекратилась после того, как по совету старой няни полотно повесили в угол, подальше от света — чтобы он не тревожил утопленниц на холсте. Сегодня картина является частью экспозиции Третьяковской галереи в Москве. ИванКрамской МифологическаяCцена Реализм _history

Нетипичные идеи для майских праздников ⠀ Устройте фотосессию! Подберите интересные образы и локации в своём городе и отправляйтесь за новыми эмоциями. Например, вы можете воссоздать образ с картины Клода Моне «Дама с зонтиком». Попробуйте новое активное занятие! Как насчёт джиппинга или каякинга? Под присмотром инструктора все обязательно пройдет хорошо ⠀ Запишитесь на экскурсию по своему городу! Выберите гида, который расскажет интересные факты и неожиданные тайны, проведет по загадочным улицам и позволит заново влюбиться в место, где вы живете. ⠀ Посвятите время искусству. Майские праздники — это возможность остаться наедине с самим собой и полностью погрузиться в мысли, чтобы избавиться от ненужных и освободить место для светлых идей. Лучше всего такой практике способствуют занятия живописью. Кстати, по «Карте Друга» ARTLIFE вы можете не только обучиться новым техникам рисования, но также познакомиться с историей искусств и послушать лекции от мировых спикеров. А какие у вас планы?

Инкунабула — это антикварная книга, созданная в период от изобретения книгопечатания до 01 января 1501 года. Термин произошёл от латинского слова incunabula, которое в переводе означает «начало», «колыбель». Инкунабулы — очень редкие и столь же дорогие издания. В частных собраниях они встречаются нечасто — большинство этих древних книг хранится в библиотеках и музеях разных стран мира. Инкунабулы издавались до 01 января 1501 года. Разумеется, книги печатали и после этой даты, но её в качестве своеобразного момента отсечения выбрал библиофил Бернард фон Маллинкродт (Bernhard von Mallinckrodt). Да, эта дата выглядит искусственной, но она прижилась — и книги, изданные после 31 декабря 1500 года, инкунабулами уже не считались. «Чёрный часослов» — часослов, получивший своё название от цвета страниц. Одна из немногих сохранившихся рукописных книг с чёрными страницами. Создан около 1475 года в Брюгге художником из окружения Виллема Вреланта. Вероятно, выполнен по заказу одного из придворных герцога Бургундии.

​Просто гениальная выставка-интервенция «Настройки-2.2»прошла вчера в ГЭС-2. Такое прекрасное, что «блин, почему не я это придумала». Нужно было придти в 8 вечера и «взять буклет в книжном магазине или библиотеке». Больше никакой инфы. Обожаю масонские заговоры, тайны Мадридского двора и казаки-разбойники. Единственное, что уточнила, надо ли брать набор «ОВД-инфо рекомендует». Сказали: «ну не настолько». Хорошо, что встретила знакомых, сразу стало ясно, что этот квест — не для одиночек. Не с ходу, но нашли обещанный буклет на стойке в книжном. Развернули, почитали, обменялись мнениями в разрезе «я ни хера не поняла — я тоже» и побрели искать спрятанные произведения согласно описаниям. Я поразилась выдержке (наверняка угорающей по камерам) охраны ГЭС-2: три девахи ползают под перилами, светят фонариками в вентиляционные решетки, обсуждают выбрит ли газон, водят руками по афишам, рассматривают берёзы, фотографируют углы парковки. И ведь не сдали ни в дурку, ни в наркологию, ни в полицию (а то я, к примеру, со своего девятого этажа во дворе часто наблюдаю подобное сходное поведение юных кладмэнов). Поиск нон-спектакулярных микро-произведений, пожалуй, самое интересное арт-событие на моей памяти за долгое время. Ребята молодцы. В принципе, выставка работает, пока ее не заметят сотрудники ГЭС-2 и не подметет уборщица. Сделала (ну, как смогла) картинки из серии «ожидание/реальность» некоторых объектов. Они будут ниже. Буклет немного помят — мы в него плакали и нервно комкали. https://telegra.ph/file/9db1429b3c8f828fec658.jpg

Березки Броше А. 2016 Керамика В мировой культуре мы можем встретить множество оживших деревьев: лесные духи в древних мифах, сказки о Пиноккио и Чипполино или современные хорроры (например, «Полено» Яна Шванкмайера). Создавая свою первую керамическую работу, Аполлинария Брошь воссоздала в виде объекта воспоминание из поездки по Транссибу — оголенные срезы на погибающих березах, напоминающие человеческие глаза. Эти «Березки» производят психоаналитический эффект «жуткого», где неживая природа оказывается одушевленной и, более того, наблюдающей за действиями заблудившихся путников.

А вы любите театр? Если да, добро пожаловать в авторский блог Владимира Герасимова — Бинокль Станиславского! - самые долгожданные спектакли сезона - афиша закрытых показов - тайны и загадки закулисья от первых лиц без желтой прессы Хотите использовать Телеграм с практической пользой и узнавать театральные новости быстрее всех? Тогда подписывайся и наблюдай…

На этот сюжет Делакруа вдохновил лорд Байрон, а еще, добавляют шепотом биографы, маркиз де Сад, чьи книги активно печатались во Франции в начале XIX века. Правда, нелегально. С Байроном как раз все законно: один из друзей художника работал над иллюстрациями к французскому изданию Байрона и дал почитать Делакруа пьесу об ассирийском царе Сарданапале. История царя, повелевшего сжечь все свои богатства перед приходом врага, настолько поразила юного Эжена, что он проделал поистине научную работу по поиску подробностей. В Лувре он копировал профили с монет Древнего Востока, изучал в библиотеке гравюры в книгах великих путешественников и монгольские миниатюры, читал труды древнегреческих историков. Какая-то утварь и пестрые шелка подсмотрена в антикварных лавках и напоминают скорее Индию, какие-то элементы архитектуры пришли из увиденных в Англии картин о гибели древних городов. А вот от маркиза де Сада контрабандой на полотно прокралось упоительная смесь сладострастия и смерти, обостренные ощущения и самые прекрасные в живописи XIX века женские спины. Биографы говорят, что Делакруа не любил вспоминать об этой картине в зрелом возрасте. Как будто он вскрыл свои самые сокровенные страсти и фантазии, чтобы потом навсегда спрятать их от чужих глаз. В канонической истории Сарданапала, ни у Байрона, ни у древних историков, ничего не говорилось об убийстве жен, слуг и лошадей. Царь-сибарит (это он изобрел пуховую перину) просто попросил уничтожить все, что доставляло ему удовольствие при жизни. Это Делакруа в своем воображении нарисовал юных красавиц, резню и спокойного тирана, удовлетворенно принимающего гибель любимых и собственную гибель. На первых набросках в роли Сарданапала Делакруа изображал себя. А еще предвосхищал импрессионистичную манеру в живописи. В рабочих заметках между прочим есть запись: «Желательно, чтобы мазки лежали раздельно, они сольются на расстоянии, сообщив цвету большую чистоту и интенсивность». Именно живописную эмоциональность и свежесть «Сарданапала» даже самому Делакруа удастся превзойти не скоро. Чтобы понять, каким фейерверком должна была выглядеть эта картина 29-летнего художника, можно взглянуть на гвоздь сезона в Салоне того года – «Апофеоз Гомера» Энгра. Абсолютно глянцевое и статичное изображение, которое как будто распадается на части и не дает глазу зацепиться за что-то важное. Делакруа в «Сарданапале» совершил переворот: изображение невероятно динамичное (сравните хотя бы с «Гомером»), а композиция выстроена по закрученной спирали. Сочетание ярких, насыщенных красок, которых Делакруа уже научился не бояться, создает настолько страстную и страшную картину, что Департамент изящных искусств и критики забили тревогу. В газетах можно было увидеть, например, такую рецензию: «Господин Делакруа заказал два фургона с тем, чтобы вывезти разрушенную мебель из дворца господина Сарданапала, двое похоронных дрог для мертвых и два омнибуса для тех, кто остался в живых». Делакруа после этой картины впал в немилость и был лишен государственных заказов. Благо, правительство во Франции в XIX веке менялось чаще, чем художественные принципы. Немилость продлилась всего три года – до Июльской революции. ЭженДелакруа Романтизм _history

​​Сегодня Всемирный день Тайцзи и Цигун ВДНХ приглашает любителей древних восточных практик вместе провести этот день Инструкторы Московского регионального отделения Всероссийской Федерации Цигун проведут для всех желающих бесплатные мастер-классы Мастер-классы будут проходить 28 апреля с 14:00 до 19:00 на площадке рядом со строением №574. При неблагоприятных погодных условиях – в строении №574 на 2-м этаже (лаунж-зона) Фото: пресс-служба ВДНХ https://telegra.ph/file/32e5d127dc178ce776567.jpg

Легендарные исторические моменты в Телеграм Хотите узнать больше о легендарных событиях прошлого? Наш канал позволяет узнать много интересного о нашем мире и его истории. Вы точно будете без ума от Historical Moments У нас вы можете увидеть: Захватывающие кадры с самых интересных войн прошлого, которые повергнут вас в шок. Засекреченные документы Сталина и его помощников. Безумные факты и тайны человечества, то как жили люди в прошлом. Это и многое другое вы можете увидеть в Historical Moments

Золотые артефакты, ассоциируемые с формой самолетов и принадлежащие культуре Кимбайа, вызывают споры среди ученых и энтузиастов. Привлекательность и сложность этих артефактов состоит в их сходстве с современными объектами, такими как самолеты. Однако ученые склонны рассматривать их как зооморфные фигуры, представляющие различные животные. Стиль изображений вызывает изумление, и его тщательное изучение может раскрыть множество аспектов культуры и мировоззрения древних жителей Кимбайи. Касательно истории этого народа, его восстания и исчезновения, они являются частью сложного исторического контекста, связанного с испанским завоеванием. Судьба народа Кимбайи и их культуры отражает трагичные последствия колониальных вторжений и культурного уничтожения. Оставшиеся произведения искусства становятся важным свидетельством величия и утраченной цивилизации. Относительно знаменитого сосуда Попорото, его изысканная красота и мастерство литья подчеркивают великолепие древних ремесленников. Изучение подобных артефактов помогает не только понять технологический уровень древних цивилизаций, но и проникнуть в их мировоззрение и символику. Таким образом, артефакты и история народа Кимбайа предоставляют уникальную перспективу для исследования и понимания древних культур и событий. | Культурные каналы

Манфред Вильд: Волшебник ювелирных яиц Имя Манфреда Вильда – синоним роскоши и мастерства в мире ювелирного искусства. Этот выдающийся художник создал более 150 уникальных пасхальных яиц, каждое из которых – шедевр, достойный королевских коллекций. Вильд с юмором говорит: "Я создаю чудесные пустяки, которые никому не нужны, но все их хотят." Его творения – шкатулки, флаконы, фигурки и, конечно, яйца – украшают музеи и частные коллекции по всему миру. Пасхальные яйца Вильда – это миниатюрные миры, полные изысканных деталей и драгоценных камней. Золото, платина, бриллианты, сапфиры сплетаются в уникальные композиции, раскрывающие тайны и сюрпризы. Каждое яйцо – произведение искусства, передающееся из поколения в поколение, символ роскоши и утонченного вкуса. | Культурные каналы

Тайны старых картин и исчезнувший император Знаете, я все же считаю, что очень важно знать контекст, чтобы искусство понимать. Ну то есть зная историю, совсем иначе смотришь на произведения Вот, например, искусство 18 века, которое я показываю последние дни, вам может показаться некрасивым, слишком ненастоящим… но ведь в этом же его прелесть! Но ладно, порассуждала, теперь про искусство расскажу ️ Перед вами портрет Анны Леопольдовны в оранжевом платье, который был написан художников Иваном Вишняковым. Так как время тогда было смутное (правители сменялись на троне быстро, недаром 18 век называют эпохой дворцовых переворотов), то и точной даты у это картины нету. Она была создана между 1740 и 1746, а вот когда точно - непонятно Но это не самое интересное! А самое интересное вот что Анна Леопольдовна была вообще-то русской правительницей Точнее, регентшей при своем малолетнем сыне, Иване 6 Антоновиче. Мальчик правил совсем недолго - всего один год. Хотя как правил….ему на тот момент было меньше года. Потом на престоле его сменила Елизавета Петровна. Так вот этот мальчик-император тоже есть на портрете точнее, был, до воцарения Елизаветы, потом его просто записали новым слоем масла. Анна Леопольдовна обнимала его левой рукой. Откуда знаем? Делали рентгенограмму этой картины, так это и выяснили. Такие вот интересные исторические дела! Скажите, после этих фактов портрет уже не кажется таким скучным и некрасивым? PROинтересныефакты PRO18век

"Нарратив глины" Татевик Гаспарян в музее Сергея Параджанова Выставка Tatevik Gasparyan "Нарратив глины" в музее Сергея Параджанова в Ереване представляет собой глубокий диалог современного искусства с почитаемым богатым культурным наследием. Будучи увлеченной поклонницей Сергея Параджанова, режиссера, чьи авангардные работы когда-то были запрещены в СССР, Tatevik вкладывает личное восхищение в искусство, создавая мост между эстетикой прорыва и уникальности своего кумира и своими керамическими инновациями. Музей, посвященный художественному гению Параджанова, часто принимает современных художников, отражая его многогранное наследие. На протяжении 2024 года в музее будет представлена ротационная выставка современных художников, среди которых работа Tatevik выделяется особенно. Ее инсталляция – это дань уважения не только художественному видению Параджанова, но и глубоко укоренившимся традициям армянского мастерства. Расположенная ненавязчиво на периферии главного зала, инсталляция Tatevik может изначально показаться маргинальной, но она наполнена символическим значением. Это преднамеренное размещение работ на краю выставочного пространства отражает ее взгляд на роль современной керамики в более широком контексте армянской культуры, культуры, которая глубоко сформировала ее как художника и скульптора. Это расположение - не проявление скромности, а уважительный жест в сторону предков и прошлых поколений, чьи художественные усилия проложили путь для сегодняшних творческих выражений. Это отражает общепринятую культурную практику в регионе: глубокое уважение к предшественникам и художественным основам, заложенным ими. Инсталляция "Нарратив глины" Tatevik Gasparyan представляет собой поразительную коллекцию керамических сосудов, каждый из которых демонстрирует изобретательное сочетание традиционных армянских керамических техник с элементами современного дизайна. Сосуды из качественной армянской глины, известной своим уникальным минеральным составом и пластичностью, созданы как с помощью проверенных временем классических методов, так и с использованием инновационных современных интерпретаций, разработанных Tatevik. Каждый предмет уникален по форме: от текучих органических форм до строгих минималистичных дизайнов. Работы Гаспарян (Gasparyan) отражают глубокое взаимодействие с потенциалом материала. Цветовая палитра выходит за рамки традиционной терракоты и включает монохромные черные, белые и нюансированные серые тона, каждый из которых выбран для подчеркивания не только традиционных тезхник глазурования, но и формы и текстуры сосуда. Этот выбор означает не только отход от традиционной армянской керамики, но и продвижение границ ремесла в сторону более современной формы искусства. Tatevik использует комбинацию передовых техник обжига, включая электрические и газовые печи, которые обеспечивают более контролируемую среду, чем традиционные дровяные печи. Эти методы способствуют созданию точных отделок и поддерживают сложные формы, видимые в инсталляции. Атмосферность инсталяции расширяет видение: гладкие, матовые или полуглянцевые поверхности, которые характерны для работы Гаспарян (Gasparyan), способствуют развитию современной эстетике, определяющей коллекцию художницы. Философски Tatevik рассматривает глину как нарративное средство — живой архив, который хранит и передает характер непрерывно развивающейся истории армянской культуры. Дизайн каждого сосуда, хотя и современный, несет в себе отголоски богатого наследия Армении: от пересеченных контуров ее ландшафтов до архитектурных линий, найденных в ее древних и советских зданиях. Это сочетание старого и нового является центральным в ее работе, обеспечивая диалог между древним и современным. Ее инсталляция превосходит традиционную керамику, действуя как проводник для историй об илентичности, стойкости и инновациях. Через эти керамические изделия Tatevik формулирует современный нарратив креативности Армении, создавая предметы, которые не просто декоративны, но наполнены значительным культурным резонансом. Каждый сосуд – произведение искусства и символ динамичного и неугасимого духа армянского народа. В музее Сергея Параджанова, известном за его новаторство и художественную смелость, выставка "Нарратив глины" Tatevik находит подходящее место. Ее инсталляция делает больше, чем просто заполняет пространство - она ведет диалог с самой сутью наследия Параджанова — с его способностью создавать глубокое самобытное искусство в условиях ограничений, с его любовью к армянской культуре и его пионерским духом. Выставка Tatevik Gasparyan является обязательной к посещению для всех, кто интересуется пересечением истории кино, искусства и культуры, предлагая уникальное понимание того, как современные художники, такие как она, ориентируются и чтут свое богатое наследие. Ее работа в музее не только отдает дань великому Параджанову, но и неугасимому духу самой Армении, прекрасно зафиксированному в скромном, но глубоком материале глины. #Gasparyan #Keramika #Artist #TatevikGasparyan #Armenia #Erevan

В январе 2020 года зал исторического Палаццо Дзаттере в Венеции был трансформирован под инсталляцию известной художницы Tatevik Gasparyan "Гул архаики", захватившую воображение аудитории. Год спустя это глубокое исследование армянских керамических традиций, пропитанное современным художественным выражением, принесло Gasparyan престижную премию Superioritas. Объявленная в январе 2021 года, эта награда признана одной из самых значительных в современном искусстве и оценивается выдающимися исследователями и специалистами, которые выделяют лучших художников за их превосходство и уникальность. Премия Superioritas является частью непрерывного искусствоведческого процесса, подчеркивающего не только достижения лауреатов, но и предоставляющего пространство в самых уникальных выставочных галереях и музеях мира. Каждое мероприятие сопровождается встречами, выступлениями и беседами известных теоретиков искусства. "Гул архаики" превзошел типичную арт-инсталляцию тем, что предлагало глубокое сенсорное путешествие, которое погружала посетителей в эпоху древности: наследие армянской керамики - ремесла, пронизанного тысячелетней историей. Армянская керамика эволюционировала от утилитарных предметов неолитического периода до изысканной средневековой керамики, свидетельствующей о богатом культурном обмене народов Армении через Шелковый путь. Работы Gasparyan сохраняют традиции работы с глиной, превращая повседневные керамические сосуды в эфемерные артефакты, которые, казалось, бросают вызов гравитации, создавая ощущение подвешенности как будто вне времени. Звуковая среда инсталляции - тонкий, но всепроникающий гул - окутывала зрителей, усиливая атмосферу и связывая тактильный опыт с историческим почитанием армянской керамики. Этот звуковой элемент был вдохновлен историческим использованием керамики в Армении не только в практических целях, но и в качестве церемониальных объектов, наделенных культурным и духовным значением – эхом, проходящим через века, как сосуды коллективной памяти. Интеграция Tatevik Gasparyan традиционных армянских керамических техник в её современную практику добавляет значительности и мастерства её работе. Армянская керамика исторически включает уникальные техники обжига, такие как: использование дровяных печей, создающих характерные пепельные глазури, и известные своим естественным диапазоном землистых цветов и текстур. Gasparyan использует эти традиционные методы для достижения богатых, деревенских поверхностей, говорящих о древних истоках её искусства. Кроме того, армянские гончары известны своим умением в резьбе по твердой глине - технике, позволяющей создавать детализированные декоративные мотивы. Gasparyan возрождает эту технику, вырезая современные геометрические и абстрактные узоры, которые противопоставляются историческим мотивам, типичным для армянской керамики. Эта современная адаптация не только чтит традиционное ремесло, но и переосмысливает его, озвучивая метафору стойкости и эволюции армянской культуры. В своем использовании литья по шликеру и экспериментов с глазурью Gasparyan расширяет границы традиционных армянских керамических форм. Литье по шликеру позволяет создавать более сложные формы, которых было бы трудно достичь с традиционными техниками ручной лепки. Литье Гаспарян - исследование сюрреалистических и инвертированных форм, видимых в "Гуле архаики". Инновационное использование глазурей, включающих металлические оксиды, отражает современную эстетику, одновременно отсылая к природным минеральным ресурсам, исторически используемым в армянской керамике. В своём показе Gasparyan мастерски соединила традиционные армянские керамические техники с современными эстетиками, чтобы прокомментировать современные проблемы, при этом, основывая свою работу на историческом нарративе. Сосуды, отражающие традиционные армянские формы, были украшены абстрактными узорами и преднамеренными деформациями. Эти современные изменения не только демонстрировали технические навыки Gasparyan, но и её острую способность переплетать исторические и современные диалоги внутри культуры. Это взаимодействие между старым и новым подчеркнуло продолжающуюся эволюцию армянского керамического искусства и отразило адаптивность и мужественность армянского народа и его культуры через века процветания и невзгод. Расположенная в Палаццо Дзаттере в Венеции, инсталляция резонировала с исторической ролью города, как культурного плавильного котла, показывая наглядно историческое значение армянской керамики, которая долгое время находилась под влиянием и сама влияла на широкий спектр восточных и западных форм искусства. Венеция, ключевой пункт в исторических торговых маршрутах, предоставила подходящий отклик богатой истории культурного обмена Армении, делая её идеальным фоном для исследования Gasparyan культурных и временных границ. Размышляя о "Гуле архаики" через год после его дебюта, инсталляция продолжает вызывать глубокие размышления и способствовать диалогу о вечной силе искусства, способного преодолевать культурные и временные границы. Работы Tatevik Gasparyan служат мощным напоминанием о том, как современное искусство может глубоко соединяться с аудиторией, через историю и культуру, через глубокие и трогательные способы. В предвкушении новых проектов художницы интерес к ее уже оформленным работам растёт, и арт-сообщество с нетерпением ждет, какими инновационными средствами Гаспарян продолжит исследовать и выражать богатое полотно творчества человека. Благодаря визионерскому подходу Gasparyan не только заново осмысляет прошлое; она переопределяет его, делая всё, чтобы древнее искусство армянской керамики продолжало создавать резонанс и развиваться в современном мире. #Gasparyan #Keramika #Artist #TatevikGasparyan