Томас Кэмпбел (1751-1851). Портрет мужчины. Thomas Campbell...

"Майский сад" Мария Оки Девинг, 1895 > Вашингтон, Смитсоновский музей Мария Оки Дьюинг – американская художница, жена художника Томаса Дьюинга, изобрела жанр натюрморта на открытом воздухе, часто выполняла фоны на картинах мужа. Девинг писала цветы в естественной среде, создавая у зрителя ощущение реального присутствия в зарослях домашнего парка. "Майский сад" – одно из самых знаменитых полотен художницы. Композиция проникнута поэтическими чувствами и лиризмом. В этих простых на первый взгляд розах и гвоздиках, погруженных в зеленую листву, Девинг открыла поразительное богатство тончайших красочных оттенков. Цветы расположены непринужденно и свободно. Бутоны намечены легкими мазками кисти, что придает изображению возвышенность и свежесть. Девинг словно создавала "портреты" растений. Она наделяла цветы одухотворенностью и считала, что их красота более абстрактная и глубокая, чем человеческая.

Реализм. Рене Магритт. Картина «Перспектива мадам Рекамье», 1951 Самые известные художники-реалисты Среди живописцев, создававших свои произведения в реалистичной манере есть много достойных мастеров. И все же, среди самых известных художников-реалистов особо выделяются: Густав Курбе — основоположник современной реалистичной живописи, многие картины которого вызывали негативную реакцию не только критиков, но и значительной части французского общества. Илья Репин — один из величайших русских художников всех времен, непревзойденный отечественный мастер портретного, бытового и исторического жанров. Эдвард Хоппер (Edward Hopper) — крупнейший представитель американского реализма, автор множества картин с изображением сцен из жизни обычных жителей США. Томас Уильям Робертс (Thomas William Roberts) — австралийский живописец, один из основателей Гейдельберской школы, воспеватель быта сельских жителей родной страны.

​​Рисунок Ван Гога, изображающий девушку, установил аукционный рекорд Рисунок, сделанный в последние годы жизни Винсента Ван Гога, установил рекорд для работ художника на бумаге. На аукционе Christie’s он был продан за 10,4 миллиона долларов, хотя предварительная оценка составляла 7−10 миллионов. Портрет под названием «Мусме» был сделан по мотивам картины «Молодая японка», на которую голландского постимпрессиониста вдохновил популярный тогда роман Пьера Лоти «Мадам Хризантема». Редкое изображение анонимной молодой натурщицы входило в семейную коллекцию лондонского дилера Томаса Гибсона. Это последняя из двенадцати работ, которые Ван Гог подарил австралийскому художнику Джону Расселу, до сих пор остающаяся в частных руках. Другие произведения из этой группы, включая девять пейзажей и два портрета, хранятся в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, Художественном музее Филадельфии, Художественном музее Сент-Луиса, Национальной галерее искусств в Вашингтоне и в Музее Гетти в Лос-Анджелесе. Ван Гог сделал этот рисунок вскоре после того, как закончил картину с изображением этой же натурщицы. Полотно ныне входит в коллекцию Национальной галереи искусств в Вашингтоне. Художник черпал вдохновение из романа Пьера Лоти «Мадам Хризантема», изданного в 1887 году. Это автобиографическая история морского офицера, который во время пребывания в Японии взял себе жену из местных. Ван Гога вдохновил образ мусме — так Лоти называл молодую незамужнюю японку. «Мусме — это японская девушка, в данном случае провансальская, в возрасте от 12 до 14 лет», — писал Винсент своему брату Тео из Арля, где тогда жил. Рисунок не копирует и не повторяет напрямую оригинальную картину. Здесь Ван Гог изобразил свою музу погрудно, что позволило ему передать непостижимое выражение и юношескую красоту её загадочного лица. Он увеличил губы и глаза девушки, словно очарованный их спокойствием и торжественностью, придающими ей неповторимый вид. Тёмные ресницы, например, прорисованы тончайшими нежно-чёрными линиями, а контрастные экспериментальные цвета портрета маслом заменены множеством различных линий и точек. Это разнообразие штрихов дало художнику столь же убедительную палитру, что и пигмент. Отправляя рисунки Бернару и Гогену, Ван Гог хотел лишь визуализировать то, над чем работал. Однако презент Джону Расселу имел совсем иную цель. Винсент надеялся, что его дар из двенадцати работ подтолкнёт австралийца к покупке одной из картин Гогена — и тот получит средства на поездку в Арль, где Ван Гог так жаждал организовать коммуну художников. Рассел анонимно продал «Мусме» на аукционе в Париже в 1920 году. Восемь лет спустя портрет приобрёл немецкий банкир Курт Хиршланд в подарок своей жене Генриетте. Будучи евреями, они в 1936 году были вынуждены бежать из родного Эссена в Амстердам. Однако незадолго до вторжения нацистов на Нидерланды двинулись дальше — в Канаду. Художественную коллекцию пара оставила на хранение родственникам, но когда те оказались в опасности, то передали собрание соседу. В конце концов, в 1943 году «Мусме» оказалась в музее Стеделейк. Семья Хиршланд получила рисунок обратно в 1956 году, а в 1983-м их наследники продали его Томасу Гибсону. Впоследствии работа выставлялась в Королевской академии художеств в Лондоне, галерее Тейт и Метрополитен-музее в Нью-Йорке. До продажи «Мусме» самым дорогим рисунком Ван Гога был пейзаж, проданный почти два десятилетия назад. Рекорд принадлежал акварели «Сбор урожая в Провансе» (1888), купленной на Sotheby’s в 2003 году за 10,3 миллиона долларов. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7a0da8acefaffd1ba53e9.jpg

Томас Вордлиж (1700-1766). «Портрет джентльмена в шубе». 1760 Thomas Wordlich (1700-1766). "Portrait of a gentleman in a fur coat". 1760

"Маленькая девочка в синем кресле" 1878 г. Мэри Кассат Национальная галерея искусства, Вашингтон. Один из первых и лучших детских портретов Кассат, который, к тому же, зафиксировал переход художницы от реалистичной манеры живописи к импрессионизму. Эту картину вместе с десятью другими работами Кассат представила на четвертой, дебютной для нее выставке импрессионистов в апреле 1879 года. В создании «Маленькой девочки в синем кресле» непосредственным образом участвовал Эдгар Дега. Художники познакомились в 1877 году. Дега не только предложил американской коллеге выставляться с импрессионистами, но стал ее другом и наставником. Для картины позировала дочь одного из друзей Дега. Брюссельский грифон, изображенный в одном из кресел, — подарок художнице, который преподнес опять-таки Дега. Декоративная порода собак полюбилась Кассат во время путешествия в Антверпен в 1873 году. Обзаведясь первым щенком, она не расставалась с собаками этой породы до конца жизни. Позже Кассат неоднократно писала портреты женщин и детей, держащих на руках ее грифонов. В письме известному парижскому арт-дилеру Амбруазу Воллару Кассат призналась, что Дега помогал ей работать над фоном «Маленькой девочки в синем кресле». Многолетние исследования, проводившиеся в Национальной галерее искусства (Вашингтон), где хранится картина, подтвердили, что на ней есть следы кисти Дега. Кассат хотела представить картину в американском павильоне Всемирной выставки в Париже (1878 год), которая стала знаковым событием того времени. К примеру, соотечественник художницы Томас Эдисон презентовал там свои новые изобретения — мегафон и фонограф. Художница направила жюри «Маленькую девочку в синем кресле» и еще одну работу, название которой до сих пор неизвестно. «Неопознанную» картину включили в экспозицию, а вот детский портрет в импрессионистском стиле отклонили. Узнав об этом, Кассат была в ярости. Картина долгое время находилась в частных руках, пока в 1983 году тогдашние владельцы, чета Меллонов, не подарили ее вашингтонскому музею. Что же не понравилось жюри американского павильона, но восхитило зрителей выставки импрессионистов и до сих пор пленит любителей живописи? Сюжет картины предельно прост. Маленькая девочка, которая только что, судя по всему, бегала по комнате, расположилась в ярко-синем кресле. Взгляд у ребенка слегка недовольный. Девочке скучно, она, раскинув ноги в стороны, практически сползает с кресла, как часто делают непоседливые дети. Юбка задрана, колени оголены — приверженцев академической живописи, скорее всего, смущала именно «телесность» картины. Во второй половине XIX века детей все еще изображали как ангелочков — в чинных позах, в рюшках и со спокойным ясным взглядом. Импрессионизм, который декларировал «искренность в искусстве», отвергал такой подход. Кассат была одной из тех, кто стал изображать детей принципиально по-новому, в их «естественной среде». При помощи ограниченной палитры красок, широких мазков и ассиметричной композиции Кассат придала картине внутреннюю динамику. Свет, входящий в комнату через расположенные сзади двери, оживляет текстуру и рисунок неодушевленных предметов. Этот визуальный эффект усиливают энергичные мазки, с помощью которых выполнены бессистемно расставленные синие кресла и коричневато-серый пол. В противовес мебели девочка и собака изображены в состоянии покоя. Зрителям понятно, что художница «выхватила» момент между играми. Наклонная плоскость изображения и «обрезка» кресел выдают в картине влияние Дега и японской графики. Теоретики искусства называют «Маленькую девочку в синем кресле» одной из самых дерзких для своего времени иллюстраций детства. Картина Кассат передает то чувство несправедливости и беспомощности, которое ощущает подвижный ребенок, скованный социальными ограничениями взрослого мира. МэриКассат Импрессионизм _history

​​Медведя Леонардо да Винчи продают за £12 млн Ожидается, что рисунок «Голова медведя», который выставят на Christie's в июле, побьет рекорд на рисунки Леонардо. Рисунок медвежьей головы работы Леонардо да Винчи размером 7×7 см будет выставлен на торги Christie's 8 июля. Эстимейт рисунка — £8–12 млн. Ожидается, что «Голова медведя» побьет рекорд на рисунки Леонардо, который был установлен на Christie's в 2001 году, когда его «Конь и всадник» (ок. 1480) размером 12×7 см были проданы за £8,1 млн. «Голова медведя» выполнена около 1480 года и остается одним из восьми известных рисунков да Винчи, остающихся в частных руках (не считая британской Королевской коллекции и собрания герцогов Девонширских). Рисунок в XVIII веке находился в собрании художника Томаса Лоуренса, от которого перешел к дилеру и кредитору художника Сэмюэлу Вудберну. Последний продал его в 1860 году на Christie's всего за £2,5. Бен Холл, глава отдела старых мастеров Christie's в Нью-Йорке, говорит, что рисунком владели «некоторые из самых выдающихся коллекционеров в области старых мастеров на протяжении многих веков, в числе которых и нынешний владелец, которому он принадлежал с 2008 года». С момента своей первой выставки в 1937 году рисунок был показан в музеях по всему миру, включая выставку Леонардо да Винчи в Лондонской национальной галерее в 2011–2012 годах. Знаком он и российской публике — в Государственном Эрмитаже и ГМИИ им. А.С.Пушкина его можно было увидеть на выставке из собрания Томаса Каплана и Дафны Реканати-Каплан «Эпоха Рембрандта и Вермеера. Шедевры Лейденской коллекции» в 2018 году. Рисунок представлен на публичной выставке Christie's в Рокфеллер-центре в Нью-Йорке с 8 мая, затем он будет показан на выставке Christie's в Гонконге с 20 по 25 мая. После этого он отправится в Лондон, где будет выставлен на обозрение с 1 по 6 июня. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/18a97548754b667fba176.jpg

Альбрехт Дюрер "Автопортрет" (1500) На самом известном из автопортретов Дюрер изобразил себя в образе Спасителя, так что сразу и не сообразишь – это Христос глядит на нас в упор или писаный красавец-художник? Томас Ховинг, бывший директор музея Метрополитен, в своей книге называет этот автопортрет «самым надменным, раздражающим и великолепным портретом из когда-либо созданных». Было ли это особой дерзостью со стороны художника - написать себя в образе Спасителя? И да, и нет. Дюрер был ревностным христианином и знал, что уподобиться Христу для верующего — не только жизненное задание, но и долг. Апостол Павел учил, что уподобиться Спасителю нужно в жизни, — Дюрер же рискнул уподобиться на портрете. При увеличении видно, как отражения окон в зрачках Дюрера образуют кресты. А его монограмму AD рядом с обозначением года 1500 можно читать не как «Альбрехт Дюрер», а как anno domini – т.е. от Рождества Христова.

Собор семян. Павильон Великобритании на Shanghai Expo в 2010 году стал отдельным произведением современного искусства. Его отметили Премией Любеткина. Награда присуждается ежегодно лучшей постройке архитектора — члена Королевского института британских архитекторов за границей, чаще всего — за пределами Евросоюза. Автор инсталляции —Томас Хезервик. Архитекторы из Heatherwick Studio создали уникальное хранилище, собрав обширную коллекцию мировых ботанических ресурсов. Он, по мнению архкритиков, явился идеальным воплощением «экспо-архитектуры»: запоминающаяся и привлекательная форма сочеталась в нем с простым, но интересным содержанием. Во внутреннем конце каждой из его 60 тысяч щетинок располагалось семя растения из собрания ботанического сада Кью. «Собор» работал в режиме постоянного преобразования солнечного света: днем стержни пропускали внутрь помещения свет. Ночью включались искусственные источники освещения, которые работали за счет аккумулированной днем энергии.

Медитативная живопись. Томас Эндрю Дарнелл родился 2 февраля 1958 года в Сан-Антонио, штат Техас. Американский художник, известный своими масляными картинами. Специализировался в области биологии и изобразительного искусства в Техасском университете (Остин) и получил степень магистра с отличием. "Моя работа вдохновлена необходимостью найти порядок и смысл в этом прекрасном беспорядке, который мы называем жизнью. Я выбираю образы, вызывающие во мне ощущение равновесия и гармонии. А затем перехожу от технически ориентированного представления к произведению более медитативной, абстрактной живописи, так как многообразие поддерживает свежесть. Что остается неизменным во всей моей работе, так это свет. Он представляет собой энергию, дух и силу, которую мы не видим, но ощущаем через эмоции, звуки, мысли, силу тяжести, вибрации. Я начинаю со смазанных изображений и с каждым проходом подчеркиваю детали и контраст в изображении, стирая краски и возвращаясь к уточнению деталей, пока не достигаю правильного баланса".

"Концерт в яйце" (1516) - картина, ранее считавшаяся копией с утраченного оригинала Иеронима Босха. Ныне признана работой последователя, основанной на одном из рисунков Босха. Одна деталь картины говорит о том, что это поздняя копия либо дорисовка картины. Если обратить внимание на развёрнутую книгу, то можно увидеть, что это ноты и текст песни композитора Томаса Крекийона. Композиция была написана в 1549 году, но издана только в 1561 — спустя 45 лет после смерти Иеронима Босха. Босх изобразил нереально большое яйцо, из которого прорастают два дерева. На дереве слева корзина с фруктами и птицы, а на безжизненном дереве справа висит змея - все это отсылка к садам Эдема.

​​️5 июля — день открытых дверей в Еврейском музее и центре толерантности. Основная экспозиция музея и выставка «Маленькое искусство» будут доступны для всех посетителей бесплатно. Необходима регистрация. ️Музей Павла и Сергея Третьяковых в Голутвинском переулке в Москве планируют открыть осенью 2021 года. Рядом с ним появится Музей московских коллекционеров. ️08 июля в «Царицыно» пройдет Триеннале текстильного искусства и современного гобелена. ️Картина «Мальчик в голубом» кисти классика британской живописи Томаса Гейнсборо временно вернется из Америки в Национальную галерею Лондона спустя 100 лет. ️Открытие нового проекта Музея Виктории и Альберта в Лондоне запланировано на 2025 год. По словам представителей музея Восточный музей Виктории и Альберта должен стать «одним из самых значимых проектов 21 века». Фото: A render of the V&A East Museum O’Donnell + Tuomey, Ninety90, 2018 https://telegra.ph/file/4965e11ecfc35ca092243.jpg

"Место для купания" 1885 г. Томас Икинс Музей американского искусства Амона Картера, Форт-Уэрт. За почти полтора века своего существования картина «Место для купания» стала, пожалуй, самой обсуждаемой (а некогда – и самой осуждаемой) работой Томаса Икинса. Ее неоднократно называли «ярким образцом гомоэротизма в американском искусстве». Если же принимать в расчет убеждения художника о работе с обнаженными моделями, подобный выбор сюжета не кажется ни удивительным, ни вызывающим. Эту картину можно назвать венцом художественной карьеры Икинса, вложившего в работу все свое мастерство в изображении человеческого тела и воплотившего в ней свои взгляды относительно «приличной и неприличной» наготы. Написанию картины предшествовала кропотливая подготовительная работа. Икинс, который, как известно, изобразил на полотне компанию своих студентов, сделал множество фотографий купающихся молодых людей, набросков маслом и восковых форм. На данный момент обнаружены лишь пять снимков из всех, сделанных художником, но, учитывая его основательный подход к работе и любовь к фотографии, можно предположить, что изначально их было намного больше. На этих снимках студенты Икинса запечатлены в более естественных позах, чем на картине, но в готовом полотне художник пожертвовал этой реалистичностью ради идеальной пирамидальной композиции. Часть критиков считают эту особенность недочетом полотна, как и неестественность освещения: некоторые детали картины излишне затемнены, в то время как тела купальщиков слишком сильно освещены, чтобы сосредоточить на них взгляд зрителя. В конце XIX века в США мужчины, купающиеся нагишом, не были редкостью, даже в общественных местах. Однако в американской живописи до Икинса подобных сюжетов не было. Купающимися было принято изображать женщин, чтобы подчеркнуть связь женственности с природой. Икинс же в очередной раз пошел против пуританских правил морали, запечатлев момент из собственной повседневности, которую считали недостойной внимания высокого искусства, - момент дружеского единения мужского братства. Картину «Место для купания» заказал Икинсу филадельфийский бизнесмен Эдвард Хорнор Коутс для Пенсильванской академии изящных искусств. Однако, когда художник представил ему готовую работу, заказчик по неизвестной причине от нее отказался, очень витиевато, но все же дав понять, что полотну не место в коллекции Академии. Возможно, причиной тому стало то, что изображенные на картине мужчины были студентами Икинса (а руководство учебного заведения считало неприличными такие неформальные отношения между преподавателем и его подопечными), к тому же художник по традиции поместил на холст и самого себя – в правом нижнем углу. Как бы там ни было, при жизни художника полотно выставлялось только дважды, и оба раза критики обошли его своим вниманием. Однако спустя год после смерти Икинса именно «Место для купания» стало главной причиной роста интереса общественности к его творчеству и, в конце концов, признания его одним из величайших американских художников XIХ века. ТомасИкинс Реализм _history

Томас В. Шаллер (1962) «Up in the Air» 2021 бумага, акварель. 38х56 см томас_в_шаллер

​​Акусмониум: фестиваль электронной музыки в Питере. С 30 июля по 1 августа на Новой сцене Александринского театра пройдет третий фестиваль многоканальной электронной музыки «Акусмониум». Приедут мэтры акусматики Диего Лоса (Diego Losa, FR) и Катарина Клемент (Katharina Klement, AT). Молодое поколение представят Армандо Балис (Armando Balice, FR), Ангелика Кастелло (Angelica Castello, AT) и Матиас Маковски (Matthias Alexander Makowsky, AT). По традиции Даниэль Теруджи и Томас Горбах исполнят знаковые произведения акусматики и проведут семинары и воркшопы по исполнительским техникам игры на Акусмониуме. Впервые в основной программе прозвучат произведения московских композиторов Александра Белоусова, Дмитрия Курляндского и Олега Макарова. ️Подробности и билеты по стартовым ценам на сайте фестиваля https://telegra.ph/file/be843721a32e9735b0c7e.mp4

Менины 1656 Диего Веласкес Прадо, Мадрид Полотно изображает сцену написания Веласкесом совместного портрета испанского короля Филиппа IV с его супругой и племянницей Марианной Австрийской в присутствии их дочери инфанты Маргариты Терезы со свитой. Сложная и загадочная композиция картины поднимает вопросы об иллюзии и реальности, а также о неопределённости связи между зрителем и персонажами. «Менины» общепризнанно считаются одной из самых важных и наиболее тщательно изученных картин в истории западного искусства. По словам итальянского мастера барокко Луки Джордано она представляет собой «теологию живописи», а президент Королевской академии художеств сэр Томас Лоуренс назвал её «подлинной философией искусства»[2]. По одной из современных оценок, это «высшее достижение Веласкеса — самоосознанная и тщательно выверенная демонстрация пределов живописи; возможно, самое глубокое высказывание о её возможностях из когда-либо сделанных»

Томас Лоуренс "Красный мальчик" (1825) Семилетний мальчик на картине - Чарльз Уильям Лэмбтон, представитель влиятельной британской семьи. Его дед, Чарльз Грей, позже станет премьер-министром Великобритании, а отец - депутатом парламента. Отец заплатил художнику 600 гиней за написание этого портрета, что было огромной суммой денег, эквивалентной сегодня около $ 60 000. В начале этого года Национальная галерея приобрела работу за более чем $ 10 млн. Изначально художник "нарядил" мальчика в желтый цвет, однако герой сливался с коричневым фоном камня на заднем плане. В итоге победил багряно-красный оттенок, придавший лоск юному джентльмену. К сожалению, судьба мальчика сложилась трагически: он скончался от туберкулеза в возрасте 13 лет. "Красный мальчик" стала первой картиной, которую поместили на британские почтовые марки в 1967 году.

"Макс Шмитт в лодке-одиночке" 1871 г. Томас Икинс Метрополитен-музей, Нью-Йорк. В июле 1870 года Томас Икинс возвращается в родную Филадельфию после четырех лет обучения в Школе изящных искусств в Париже. С этого времени художник начинает часто писать спортсменов, в частности – гребцов. Интерес Икинса к спортивной тематике был неслучайным – любовь к упражнениям на свежем воздухе (и к рисованию) привил ему отец, обеспечив Томасу весьма насыщенное детство. Картина «Макс Шмитт в лодке-одиночке» изображает момент из регаты, проходившей на реке Скулкилл в октябре 1870 года, за которой Икинс наблюдал с двойным интересом. Во-первых, каждое подобное соревнование было знаковым событием для жителей Филадельфии, а во вторых, в регате участвовал его близкий друг. Томас и Макс дружили еще со школы, и объединила их любовь к спорту. В то время, пока Икинс учился в Париже, Шмитт продолжал шлифовать свое мастерство и участвовал в регатах, одерживая победу за победой. У него была собственная одноместная лодка, которой он дал имя «Джози» в честь сестры (на картине Икинса название лодки можно увидеть под правой рукой спортсмена). В своей работе художник запечатлел друга с почти фотографической точностью (сохранившийся снимок Шмитта это подтверждает), изобразив его не в момент гонки, а во время отдыха после победы. Кроме того, Икинс поместил на картину и самого себя: его мы видим в лодке на заднем плане (надпись на борту гласит «Eakins 1871»). Позже художник неоднократно будет вписывать в свои работы такие скрытые автопортреты. Картина «Макс Шмитт в лодке-одиночке» стала первой из почти тридцати работ (рисунков, акварелей и картин), посвященных гребле, которые Икинс создал за следующие четыре года. При жизни художника она выставлялась лишь однажды и всего на четыре дня, оставив критиков в легком недоумении. Благодаря Икинсу гребля впервые стала сюжетом серьезного живописного полотна. Один из критиков даже назвал картину вызовом традициям. В конце концов, художник подарил полотно Шмитту, а в 1934 году, когда Икинс посмертно стал популярным художником, работу приобрел музей Метрополитен. ТомасИкинс ЖанроваяCцена Реализм

"Тристрам и Фокс" 1780-е Томас Гейнсборо Тейт Британия, Лондон.

Немецкий художник Томас Деманд работает на стыке скульптуры, архитектуры и фотографии. Он берет готовые изображения из прессы или технические съемки и реконструирует их из картона и бумаги, создавая макеты в натуральную величину, после чего фотографирует и разрушает. Воссозданные объекты настолько разные, что их точно стоит увидеть — номер Эдварда Сноудена в отеле аэропорта Шереметьево, лайнер Diamond Princess, где случился всплеск заражения коронавирусом, самый обычный газон и шесть синих глобусов (хотя, на самом деле, пять). Выставка Деманда «Зеркало без памяти» сейчас проходит в Музее современного искусства «Гараж». Там, кстати, можно будет увидеть еще выставку «Служба времени», объединившую высказывания художников о протяженности времени. Самое время заглянуть в Музей, если откладывали поход — увидеть работы без новогодней спешки и очередей. Подробности и билеты

Дорогие фотографии. (2 часть) Томас Штрут — «Пантеон, Рим» (1990). Стоимость: $1 810 000. Немецкий фотограф любит снимать посетителей крупных музеев, запечатлевая их реакцию и особую галерейную атмосферу. Один из таких снимков был сделан в знаменитом римском Пантеоне, а в 2007 году продан на аукционе Christie’s.

​​Музей «Гараж» объявил о планах на следующий год. Вот каким будет женский выставочный год в Музее. В первой половине года в «Гараже» пройдет ретроспектива авангардной нонконформистки Лидии Мастерковой, а одновременно новый масштабный проект представит немецкая художница Анне Имхоф, обладательницы «Золотого льва» 57-й Венецианской биеннале. Позднее откроют первые в России персональные выставки известной узбекской режиссерки и художницы Саодат Исмаиловой и Хелен Мартен. Для показа в Москве Мартен готовит многосоставные работы — пространственные ассамбляжи, вписанные в интерьеры бывшего кафе «Времена года». Кстати, сейчас в «Гараже» продолжаются выставки Томаса Деманда «Зеркало без памяти» и «Служба времени», объединившую высказывания художников о протяженности времени. Подробности и билеты   https://telegra.ph/file/a95e22af83cc014e649c1.jpg

Впереди нас ждут зимние будни. Вы можете себя порадовать интересными выставками. Специально для вас мы собрали подборку Арт-событий зимы’22. 1. «Михаиль Врубель» Эта выставка — одно из важнейших событий в мире искусства. Будет представлено более 300 произведений из 14 российских и зарубежных музеев. Дата: До 8 марта 2022 Место: Новая Третьяковка, Москва 2. «Авангард. На телеге в 21 век» Проект обращается к событиям бурного послереволюционного времени, когда советская власть активно сотрудничала с художниками-авангардистами. Будут показаны более 100 произведений ярких представителей русского авангарда. Дата: Февраль 2022 Место: Музей русского импрессионизма, Москва 3. Томас Деманд «Зеркало без памяти» Это первая выставка в России одного из самых значимых фотографов десятилетия. Заимствуя изображения разных событий из прессы и других источников, Деманд воспроизводит эти сцены в реальном масштабе из картона и бумаги, делая скульптуры, после чего фотографирует и разрушает. Дата: До 30 января Место: Музей современного искусства «Гараж», Москва. 4. «Альбрехт Дюрер. К 550-летию со дня рождения» Выставка приурочена к дню рождения крупнейшего мастера эпохи Возрождения. На выставке будет представлено 258 экспонатов, среди которых серии «Апокалипсис», «Страсти Христовы», «Триумфальная арка». Дата: До 28 марта Место: Эрмитаж, Санкт-Петербург 5. Бэнкси. Анонимный провокатор Арт-Экспо представляет уникальную выставку андерграундного художника из Великобритании Бэнкси (Banksy). Не только его произведения вызывают интерес, но и личность — это тайна, которую он до сих пор не открыл публике. Вас ждёт погружение в «уличную культуру» Великобритании. Будут представлены более 90 экспонатов художника, а также мультимедийный контент. Вы буквально побываете в мастерской граффиста. Дата: До 30 января Место: Лофт-проект «Этажи», Санкт-Петербург https://www.tretyakovgallery.ru/exhibitions/o/mikhail-vrubel/

Высокое и низкое искусство – что это? https://youtu.be/uCPnU7zlTT0 Кто решает, какое искусство считать «высоким», а какое «низким»? Почему пейзажи Клода Лоррена – это искусство для интеллектуалов, а живопись Томаса Кинкейда и Ханса Зацки – это китч? Что не так с портретами Шилова и какой маркетинговый ход придумал в 18 веке художник Джошуа Рейнольдс? Включайте новый выпуск и узнаете, что делать, если вам нравятся мюзиклы с Веркой Сердючкой и картины Вильяма Бугро. https://youtu.be/uCPnU7zlTT0

Есть ещё несколько интересных фактов о картине «Урок анатомии доктора Тульпа»: • один из старейшин гильдии держит в руках листок со списком имён собравшихся; • первоначально у самого дальнего персонажа (во главе пирамиды) была шляпа, но на финальной версии картины от неё осталась только тень; • Николас Тульп – хирург и мэр Амстердама – родился под именем Клас Питерсон, но со временем стал называться Николасом (более уважаемая версия имени Клас) Тульпом, «тюльпаном». Фамилию амбициозный молодой человек взял во время «тюльпанной лихорадки», а после её краха публично осудил спекулянтов; • Рембрандт подписал картину своим полным именем, а не инициалами RHL (Рембрандт Харменс из Лейдена), как прежние. Это знаменует начало зрелой карьеры художника; • сцена два столетия провисела в Палате мер и весов Амстердама, пока директор Рейксмузеума Корнелис Апостол в 1817 году не предпринял усилия по её переносу в своё учреждение. Однако, несмотря на то, что музею пришлось продать несколько произведений, чтобы выкупить шедевр Рембрандта, король Виллем I Нидерландский велел передать полотно основанной им галерее Маурицхёйс в Гааге. Смелый, новаторский и глубоко психологический «Урок анатомии доктора Тульпа» стал началом пути Рембрандта к славе и богатству, а также оказал влияние на грядущие поколения художников. Без этой картины молодой американец Томас Икинс вряд ли написал бы свою «Клинику Гросса» в 1876 году – почти два с половиной столетия спустя. Рембрандт Барокко _history https://t.me/pic_history/5182

Борцы 1899 Томас Икинс Музей искусств, Лос-Анджелес, Калифорния, США Художник считается одним из величайших художников Соединённых Штатов Америки, посвятившим свою карьеру реалистичному изображению человеческой натуры в масле и акварели, скульптуре и фотографии. С детства полюбив спорт, Икинс как амбициозный и оригинальный молодой художник, избрал темами своих картин лежащий вокруг него мир, что позволило ему продемонстрировать свои выдающиеся художественные навыки. Икинс писал картины, в которых выражал свое восхищение спортсменами и активным отдыхом, не забывая также об образах женщин и детей, привлекательных своей яркостью и задумчивостью. На картине изображён борцовский поединок между двумя почти обнажёнными мужчинами, один из которых, просунув руки через подмышки второго, удерживает его при помощи приёма «двойной Нельсон». За ними стоят трое мужчин: спортсмен на гребном тренажере, рефери и другой борец. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

"Миранда" 1895 г. Томас Фрэнсис Дикси