Умер Жюль Бастьен-Лепаж в возрасте всего 36 лет в своей мастерской от рака...

Сумерки. Стога (этюд) 1899 Картон, масло. 17 x 23 см Нижегородский художественный музей В поздний период творчества Левитан обращается к спокойным, умиротворенным сюжетам. Любимым временем суток для художника становятся сумерки и поздний вечер. Темы полей и стогов в пейзаже не новы, к ним обращались и другие художники. Серия изображений стогов Моне вдохновила Левитана на колористические искания в конце 1890-х годов. Я публиковал ранее саму картину из Третьяковки «Сумерки. Стога», где художник обратился к излюбленному Моне мотиву, но решил её в ином ключе. Сегодня этюд к картине, из Нижнего Новгорода. Искусствовед Фаина Мальцева отмечала: "В сочетании лирического и эпического начала заключены неповторимое обаяние и трогательная нежность пейзажа «Сумерки. Стога». Сила воздействия этого произведения кажется неисчерпаемой именно потому, что оно способно вызвать широкий круг жизненных ассоциаций и вместе с тем донести до зрителя лирические чувства, пережитые пейзажистом перед лицом натуры."

Меня периодически накрывает огромной радостью от того, насколько неисчерпаема и огромна тема, которой я, маленький дилетант, так страстно увлеклась много лет назад. И сколько удивительных тропинок открывается от истории искусства во все стороны. В общем, я собрала порядка полутора сотен картин, фотографий и коллажей для нашего следующего видео о сюрреализме и уже готовлю сценарий следующего, про Передвижников, узнавая новые имена и читая удивительные истории. Вот, например, хочу вам про Эмилию Яковлевну Шанкс немного рассказать. Эмилия Шанкс - одна из двух первых женщин, принятых в товарищество Передвижников (второй была Антонина Леонардовна Ржевская). Это было уже второе поколение передвижников, и вокруг их принятия велись споры. Но не из-за того, что они женщины, а из-за того, что уже совсем взрослые мастера первой волны, например, Григорий Григорьевич Мясоедов, были решительно против новых западных веяний в искусстве товарищества. Ну, и правда по духу картины Шанкс напоминают то ли палитрой, то ли настроением французскую импрессионистку Берту Моризо, родившуюся на 16 лет раньше Эмилии Шанкс. И даже если не Моризо лично, то все равно в ее работах отчетливо видно влияние импрессионизма, а иногда даже и Уистлера. Эмилия Шанкс была художницей британско-русской, потому что родители ее были английскими предпринимателями, перебравшимися в Москву. Тут они держали один из самых модных и дорогих магазинов ювелирных украшений города прямо на Кузнецком мосту. В доме Шанксов в чести было изучение искусств и всех детей, которых было аж восемь человек, учили живописи и музыке на дому. В результате двое из них - Эмилия и ее младшая сестра Мария, стали профессиональными художницами. Кстати, Мария прославилась как иллюстратор, специализировавшийся на картинках к романам Льва Толстого, а потом оказалось, что и старшая сестра Эмилии Луиза тоже фанатка Толстого и она вместе с мужем сделала лучшие (ну, для своего времени, сейчас не знаю как там оно) переводы романов Льва Николаевича на английский. Сестры дружили со старшей дочерью Толстого Татьяной и частенько гостили друг у друга. Так вот, к Эмилии вернемся. В 25 лет она стала вольнослушательницей в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и попала там в мастерскую Поленова с которым после дружила всю почти жизнь. Там она брала классы и у Маковского и у Прянишникова. В 1890 году художница получила большую серебряную медаль за картину “Письмо няни”, после заимела еще и настоящее официальное звание художницы, а еще через год ее позвали к себе Передвижни по чуть-чуть с ними выставляться. Три года подряд она то одну, то другую картину отправляла на передвижные выставки и каждый раз их не только примечали то меценаты, то вообще лично императрица Александра Федоровна, но еще и неизменно покупали за много денег, поэтому в 1894 году ее кандидатура попала в списки голосования на постоянное участие в товариществе. Голосов за нее в итоге было подано аж 15, больше, чем за Валентина Серова, любимца самого Репина. Примерно в то же время Эмилия увлеклась фотографией. Как и в живописи, ее больше всего интересовал быт, люди и, конечно дети - вы вообще сейчас увидите, что у нее нет ни одной картины без детей. Накануне Первой мировой войны почти вся семья Шанксов вернулась на родину, в Лондон. Вроде бы, Эмилия и Мария очень хотели вернуться позже в Россию, но, конечно же, и их доходный бизнес и все имущество как-то потерялось в ходе переполоха революции, поэтому и ехать оказалось некуда. Английская академия художеств приняла Эмилию с распростертыми объятиями. Ну, там она и осталась, иногда выставлялась и умерла в 78 лет в 1936 году. Я вот страшно удивляюсь своей дремучести, но это имя и ее картины, честно говоря, я впервые увидала буквально дней десять назад. Почему же она потерялась, когда мы знаем буквально каждого передвижника по имени и в лицо? Из-за английскости, из-за пола, из-за детей на картинах? Вот не знаю, но думала неделю, прежде чем о ней написать и прям рада делиться.

В 1640-х годах в голландском пейзаже наметилась тенденция к углублению эмоционального содержания живописных полотен. В связи с этим повысилась роль света и цвета в картине. В творчестве Арта ван де Нера эти новые черты можно проследить наиболее отчётливо. Перед вами одно самых известных полотен в наследии мастера - «Пейзаж с мельницей». В Эрмитаже хранится 11 работ ван дер Нера, и более половины из них - это вариации с лунным освещением. Подобную разновидность жанра в голландскую живопись художник ввёл впервые. Но и в пейзажах с солнечным светом художник отдавал предпочтение вечеру или утру, когда окрашенная световоздушная среда позволяла ему создавать эффектные закаты и восходы. Мирное противоборство отблесков светила, которое только что скрылось позади мельницы за горизонтом, с сумерками, что окутали речную долину с заболоченными берегами, не даёт ощущения драматической битвы. «Пейзаж с мельницей» - это мирный отход ко сну утомившихся за день человека и природы. Свет присутствует везде, даже в самых глубоких тенях. Ноктюрны, которые писал ван дер Нер, не были слишком популярны у современников. Таинственные чары ночи и волшебное обаяние сумерек по достоинству были оценены значительно позже, в эпоху романтизма.

Исаак Левитан Лесное озеро (1890-е) Исаак Ильич Левитан родился в 1860 году в местечке Кирбаты и, прожив совсем недолгую жизнь, умер на сороковом году с наступлением 20-го века. Иногда кажется, что история или некая иная могущественная рука вырвала из жизни тех, кто не смог бы перенести испытаний грядущими русскими революциями, оставив их творчество, далёкое от политики и от мира дольнего чистым и незапятнанным. И Левитан один из таких людей. Несмотря на формальную принадлежность к течению передвижников, его картины начисто лишены почти обязательного обличения язв современного передвижникам общества; мрачных и прекрасных в своей безжалостности к зрителю сюжетов.

Исаак Левитан - Тихая обитель (1890) Впрочем, если даже говорить только о пейзажах, трудно обойти вниманием удивительную разнообразность техник и материалов, которыми работал мастер: акварели, уголь, пастель, масло… На полотнах встречается строго реалистическая манера, близкая к Шишкину («Лесистый берег. Сумерки»), («У омута») и куиндживская игра со светом («Последние лучи солнца. Осиновый лес»), («Вечерние тени»), романтический лёгкий пафос Лагорио («Крымский пейзаж») и околоимпрессионистские эксперименты («Туман над водой»), («Осенний пейзаж с церковью»). Это ненавязчивое разнообразие не даёт зрителю заскучать, словно тот смотрит выставку не одного, а десяти мастеров и, конечно же, говорит об огромной одарённости, жажде творческого поиска.

Красавица и чудовище 1908 Анри Руссо Старая и Новая Национальные Галереи, Берлин Анри Руссо родился в семье жестянщика. После службы в армии устроился работать на французскую таможню. Живописью стал заниматься уже в зрелом возрасте, не имея образования. Он утверждал, что у него нет лучшего учителя, кроме природы, хотя и не отрицал, что получил кое-какие советы от Огюста Клемана и Жана-Леона Жерома. Прослыл художник чудаком, поскольку мало кто мог понять новизну и оригинальность его творчества. Умер от гангрены в парижской больнице после того, как поранил себе ногу. Был похоронен в общей могиле на кладбище Баньё. После смерти все его последователи стали называться примитивистами, а стиль — примитивизм.

Я как-то рассказывала про самого популярного обнаженного мужчину в истории европейского искусства - святого Себастьяна. Примерно в эпоху Возрождения этот святой стал символом гомоэротизма, обрел черты нежнешего из юнош, пассивного и беззащитного. Но канон подобных изображений был заложен намного раньше, в древней Греции, конечно же. До христианства было далеко, а без красивого юноши, символизирующего межмужскую любовь непонятно как обходиться, поэтому греки себе придумали Ганимеда. Был у царя Троса сын от нимфы Каллирои. Тут данные разнятся и он то сын Дардана, то Эрихтония, то еще кого, но главное, что он был смертным, а еще прекрасным настолько, что сами боги на него заглядывались. Согласно некоторым источникам, Ганимеда сначала похитила богиня зари, Эос, а потом у нее его стащил Зевс. По другим же, Зевс сразу придумал превратиться в гигантского орла и понес юношу к себе на Олимп что твоего хоббита. Там восхитительный красавец Ганимед был назначен виночерпием на божественных вечеринках. Отец его, Трос, сначала огорчился исчезновениям сына, но Зевс ему подарил очень красивую оливковую веточку из золота и пару очень хороших лошадок. А так же объяснил, что сыну отныне даровано бессмертие и даже поместил его на небо в качестве созвездия. Оттуда он на нас и глядит в виде Водолея. Трактуют этот миф по разному. Например, как историю о том, как некий прекрасный юноша умер перед свадьбой - отсюда версия с Эос, то есть, невестой, лишившейся возлюбленного. Или как историю с метафорической смертью мальчика для превращения в мужчину и царя. Или о том, как одни правители брали в плен детей других, для того чтоб наладить отношения. Но самым популярным оказалось, конечно, прочтение мифа как подтверждения того, что сам отец небес Зевс одобрял однополую любовь и был замешан. Сюжет стал одним из самых популярных в Греции, потом перекатился в Рим, позже ужасно осуждался христианами и только с наступлением Ренессанса вновь вернулся в искусство. Правда, неоплатоники эпохи Возрождения попытались миф переосмыслить и сообщали, что это все про восхождение души к Богу, а не то что вы подумали. Поэтому можно и нужно вновь писать как можно больше Ганимедов.

"Волга в окрестностях Юрьевца" 1870 г. Алексей Кондратьевич Саврасов Частная коллекция, Франция. «Волга в окрестностях Юрьевца» была выставлена анонимно в 1871 году на ежегодном конкурсе Московского общества ценителей искусства. Картина произвела фурор. «Волге» Саврасова досталось первое место в разделе ландшафтных изображений. Вот как она описывалась современниками: «Картина эта довольно обширных размеров (более сажени в ширину). Колорит, если так можно выразиться, дождливый. Бесконечная зыбь матушки-кормилицы Волги; облачное небо; Юрьевец на взгорье; куча бурлаков, тянущих на бечеве баржу; невеселая, но характерная картина...» В следующий раз публика об этой картине услышала в декабре 2014 года на парижском аукционе Audap & Mirabaud. Эстимейт был определен в 70–90 тысяч евро. Организаторы аукциона, похоже, не потрудились разобраться, что же перед ними, поставив столь скромную цену. А вот коллекционеры стоимость шедевра вполне осознавали, в итоге картина ушла за 939 тысяч евро (более 1 миллиона долларов) - во французскую частную коллекцию. В июне 2015 года на русских торгах аукциона Sotheby's в Лондоне картина была выставлена с эстимейтом 2 миллиона 150 тысяч – 2 миллиона 800 тысяч долларов. Она считалась одним из самых дорогих и лакомых лотов русских торгов, но покупателя не нашла. Не то чтобы «Волга в окрестностях Юрьевца» вообще исчезала. О ней знали, фотографии ее встречались в монографиях художника, ее даже школьники в сочинениях иногда описывали. Но где она находится и цела ли – не было известно. Надпись на обороте свидетельствует о том, что картина входила в коллекцию профессора Киевского университета, доктора Владимира Меринга. Точно нельзя проследить путь, по которому она попала за границу. По состоянию на 2015 год эта картина стала самым значимым полотном Саврасова, когда-либо выставленным на аукционе Sotheby's. И в целом она входит в число лучших произведений Саврасова. Бурлаки на фоне монументального волжского пейзажа, вернее, бурлаки как часть этого пейзажа открывают цикл работ Саврасова, посвященных Волге. В начале 1870 года художник вместе с женой Софией и их две дочери переехали в Ярославль. Здесь, неподалеку от Юрьевца (маленький городок восточнее Ярославля), Саврасов работал над этой картиной. Здесь же он написал самые известные свои полотна, в том числе легендарную картину «Грачи прилетели». Это было счастливое время в его жизни – любимая семья, возможность писать, вдохновение, природа. И вместе с тем это было тяжелое время – здесь после сложных родов Софии умер третий ребенок Саврасовых. На этом сплаве из трагических переживаний и счастливого быта создавались лучшие полотна художника. В 1860-70-е годы ряд крупных российских художников пытались привлечь внимание к теме бурлаков, в ней видели символ жестокой социальной несправедливости. Конечно, нельзя не вспомнить знаменитых «Бурлаков на Волге» Ильи Репина. Саврасов и Репин писали своих бурлаков параллельно и независимо друг от друга. На обоих безусловно повлияла написанная в 1866 году работа Василия Верещагина. Обе картины были представлены 1871 году, Репин показал своих «Бурлаков» в Санкт-Петербурге, Саврасов «Волгу» – в Москве. Известно, что Репин картину дорабатывал, и публика знает вариант, к которому он пришел в 1873 году. Саврасов тоже работал над картиной после первой выставки. По некоторым сведениями, он вносил правки до 1871 года. АлексейСаврасов Реализм _history

Истина 1870 Жюль-Жозеф Лефевр Музей Орсе, Париж Салонный художник, получивший широкую известность в своё время. Его аллегорическая "Истина" стала его первым большим успехом. Его картины в стиле "ню" стали настолько известны, что единственным соперником считался Бугро (Волна. Бугро). Но отличие Лефевра было в том, что он использовал больше разных моделей в своих работах. Подавляющее большинство его работ — это картины с изображением женщин и женских образов.

В Феврале умер итальянский скульптор Артуро Ди Модика, автор Атакующего быка, который был установлен без согласования с городскими властями Нью-Йорка. Статуя весом 3,2 т, высотой в 3,5 м и почти 5 м в длину изображает мощного, разъярённого, приготовившегося к атаке быка, символизирующего агрессивный финансовый оптимизм и процветание. Говорят, тысяча туристов приходит посмотреть на скульптуру каждый день. Атакующий бык это одним из самых популярных символов Нью-Йорка и Уолл-Стрит. По словам покойного эта статуя должна была стать первой в серии из пяти быков, установленных в разных городах мира. В 2010 году Ди Модик установил похожего быка в Шанхае, который получил название Шанхайский бык. Ди Модика потратил 360 000 долларов, чтобы отлить и установить скульптуру. Это был акт уличного искусства: 15 декабря 1989 года Ди Модика на грузовике привез быка в Нижний Манхэттен и установил у подножия огромной ёлки перед Нью-Йоркской фондовой биржей как рождественский подарок жителям Нью-Йорка.

"Бульвар Монмартр. Весеннее утро" 1897 г. Камиль Писсарро Частная коллекция. В 1890-х к Камилю Писсарро приходит долгожданное признание, его картины продаются за десятки тысяч франков. Стареющий и теряющий зрение художник наконец-то может позволить себе путешествовать, наслаждаться безбедной жизнью и снимать гостиничный номер прямо в Париже когда ему будет угодно. Писсарро пишет бульвар Монмартр днем, вечером, ночью, утром, в дождь, зимой, весной, летом – из гостиничного номера с тремя окнами. Потом те же эксперименты проводит с другими бульварами и городскими пейзажами: Авеню де ла Опера, бульвар Итальен, Лувр, улица Сент-Оноре и улица Сен-Лазар. Одних изображений Лувра при разной погоде в течение 1900 – 1901 года у Писсарро целых 18. Шумные, светлые городские площади и бульвары у него живут и дышат, ежесекундно меняясь, как лицо человека. Но именно «Бульвар Монмартр. Весеннее утро» на аукционе Sotheby's в 2014 году был продан за рекордную для Писсарро сумму – 32 млн. долларов. ХХ век нелегко дался этой картине и она обросла историей, которая дорогого стоит. До Второй мировой войны картина была частью огромной частной коллекции импрессионистов, которую собрал немецкий еврей, промышленник Макс Зильберберг. В конце 30-х дом коллекционера захватили солдаты СС, а его собрание картин, в том числе и «Бульвар Монмартр. Весеннее утро», ушло с молотка. Зильберберг вместе с женой погибли в концентрационном лагере, а полотно после некоторых путешествий оказалось в музее Израиля в Иерусалиме. Несколько лет оно оставалось в собственности музея, пока в 2000 году не состоялось справедливое возвращение полотна наследникам Зильберберга. Новый владелец не менее справедливо, в знак признательности музею за образцовое сохранение картины, позволил оставить ее в экспозиции до самой своей смерти. В 2013 году владелец «Бульвара Монмартр» умер – и на торги Sotheby's попало одно из самых важных полотен импрессионизма. КамильПиссарро Импрессионизм _history

«Генерал Бернардо де Гальвес» В конце прихожей в отеле Galvez в городке Галвестон, штат Техас, висит портрет Бернардо де Гальвеса, испанского полководца, который помогал американским войскам во время Гражданской войны. Также, в его честь, назван сам город. Несмотря на то, что Гальвес умер в 1786 году, слухи о его призраке появились еще при жизни. Гости и служащие отеля утверждали, что глаза на портрете следовали за ними, когда те шли по коридору. Одним из самых странных аспектов являлось то, что Гальвес, не позволял фотографировать свой портрет без «разрешения». Люди утверждали, что любая фотография, сделанная без разрешения, получается размытой, или на ней получаются необъяснимые шары и полосы.

«Писающий мальчик или Маннекен-Пис» Жером Дюкенуа Старший Одна из наиболее известных достопримечательностей Брюсселя представляет собой миниатюрную бронзовую статую-фонтан в виде нагого мальчика, писающего в бассейн. Когда точно возник Маннекен–Пис, как называют его брюссельцы, неизвестно. Зато по этому поводу сложено немало легенд. Самая сказочная из них рассказывает о шалуне, который не постыдился облегчиться прямо на крыльце дома, принадлежащего фее. Хозяйка была очень рассержена и превратила малыша в статую. Сама скульптура за годы своего существования приобрели много традиций. Например, в праздничные дни ей заменяют струю воды вином или пивом. А одной из основных традиций является регулярная смена одежд Жюльена. Именно так зовут известного шалуна. Он уже поменял несметное количество нарядов. Смена его гардероба - целое событие, а одежды для него тщательно подбираются. Обычно они подарены известными или авторитетными личностями.

Сивилла 1525-50 Баккьякка Музей истории искусств, Вена Франческо Убертини, известен также как Баккьякка (род 1 марта 1494, Борго-Сан-Лоренцо. Умер 5 октября 1557, Флоренция) — итальянский художник эпохи Возрождения. Картины можно посмотреть в галерее Google Arts & Culture На картине изображена Сиви́лла — в античной культуре пророчицы и прорицательницы предрекавшие будущее. Наиболее известным изображением сивилл является цикл фресок работы Микеланджело в Сикстинской капелле. Интересные факты: — В англоязычном мире распространено женское имя Сибилла (Sybil), а слово «сивилла» пишется как sibyl. — В честь Сивиллы назван астероид (168) Сибилла, открытый в 1876 году. — Дж. Роулинг назвала одну из героинь серии романов о Гарри Поттере этим именем.

​​Название музея Орсе изменят в знак уважения к его основателю Министерство культуры Франции анонсировало переименование всемирно известного парижского музея. Формальное утверждение соответствующего правительственного декрета состоится в ближайшее время. Таким образом будет отмечена роль бывшего президента Франции Валери Жискар д’Эстена в создании институции. Запомните новое название: «Музей д’Орсе — Валери Жискар д’Эстен» (Musee d’Orsay-Valery Giscard d’Estaing). Присоединённый к нему в 2010 году в качестве филиала Музей Оранжери сменит название аналогичным образом. Напомним, Музей Орсе (или музей д’Орсе) — это «перепрофилированный» вокзал с таким же названием. Здание 1900-го года планировали снести, но во времена президентства Жоржа Помпиду возникла идея о переустройстве его в музей. Проект реализовывали во время правления преемника Помпиду — Валери Жискара д’Эстена, который был активным сторонником создания культурного учреждения. Музей Орсе открылся в 1986 году — президентом тогда уже стал Франсуа Миттеран. А нынешнее переименование одобрено президентом Франции Эмманюэлем Макроном — инициатива возникла в 2020 году после того, как Жискар д’Эстен умер в возрасте 94 лет (тест на COVID-19 был позитивным). Сокровища музея Орсе — крупнейшая в мире коллекция полотен французских импрессионистов. А главный акцент музея Оранжери — Овальный зал с серией из 8-ми масштабных полотен, «Кувшинок» Клода Моне. Собственно, в свое время здание оранжереи было специально перестроено для представления этого проекта. Очевидно, команде двух культурных институций предстоит огромная работа по переизданию каталогов и сувенирной продукции. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/f493c61d31f95a9b19e6c.jpg

Похищение Прозерпины Мраморная скульптура Джованни Бернини, создавалась в 1621—1622 годах, когда скульптору было 23 года. Находится в галерее Боргезе (Рим). Высота статуи 295 см. «Я победил мрамор и сделал его пластичным, как воск…», — писал Джованни Бернини. Была у богини Деметры юная прекрасная дочь, Прозерпина. Отцом Прозерпины был громовержец Зевс. Однажды Прозерпина вместе со своими подругами резвилась в цветущей долине. Не знала она, какая судьба ей уготована отцом её Зевсом. Он отдал её в жены мрачному своему брату Плутону, властителю царства теней и умерших, и с ним должна была жить Прозерпина во мраке подземного царства. Плутон видел, как резвилась Прозерпина, и решил её тут же похитить. Он упросил богиню Гею вырастить цветок необыкновенной красоты. Прозерпина увидала цветок и протянула к нему руку. Но только сорвала она цветок, как разверзлась земля, и появился мрачный Плутон на золотой колеснице. Он схватил юную Прозерпину и скрылся в недрах земли. Только вскрикнуть успела Прозерпина. Никто не видел, как похитил Плутон девушку, лишь бог солнца — Гелиос. Услыхала крик Прозерпины Деметра. Стала всюду искать она свою дочь, но нигде не нашла. На десятый день пришла она к богу Гелиосу и стала молить его, чтобы он сказал, кто похитил Прозерпину. Гелиос обо всем рассказал скорбящей матери. Разгневалась Деметра, что Зевс отдал Прозерпину в жены Плутону без её ведома. Она покинула Олимп и приняла вид простой смертной. Но Деметра была богиней плодородия, и без неё всякий рост на земле прекратился. Листья на деревьях завяли и облетели, травы поблекли, цветы засохли. Не было плодов в садах, и не зрели в виноградниках тяжелые сочные гроздья. Замерла жизнь на земле. Гибель грозила всему людскому роду. Ничего не оставалось Зевсу, как повелеть Плутону отпустить Прозерпину на землю к матери. Плутон согласился отпустить Прозерпину, но предварительно дал ей проглотить зерна граната, символ брака. С тех пор Прозерпина две трети года живет с матерью, а одну треть проводит со своим мужем, Плутоном.

Карл Калер Любовники моей жены 1893 Огромное полотно, принадлежащее кисти австрийского художника Карла Калера (1855–1906), было создано в 1891-1893 годах по заказу американской миллионерши Кейт Бёрдселл Джонсон. В ее особняке в Калифорнии обитало более 300 котов, но лишь 42 из них были удостоены чести остаться в истории. Предположительно, название было дано её супругом, Робертом Джонсоном - хотя он и умер в Париже в 1889 году. Прежде никогда не писавший кошек, Калер провёл почти три года в имении Джонсон за изучением их поз, повадок и рисованием эскизов. В центре композиции изображён кот Султан, купленный миллионершей за 3 тысячи долларов во время поездки в Париж. Картина является самым большим полотном с изображением этих животных - её размер 180x260 см, общий вес - 103 кг. Журнал Cat Magazine назвал её «величайшей в мире картиной с изображением кошек». Картина была закончена в марте 1893 года, её заказчица скончалась от воспаления лёгких в том же году, 2 декабря 1893 года. После смерти Джонсон, её имущество было выставлено на аукцион, и картину в начале 1894 года приобрёл Эрнест Хакетт для своего арт-салона в Сан-Франциско. Этот Palace of Art Salon уничтожило землетрясение 1906 года. Картина осталась цела, тогда как её автор, художник Карл Калер, погиб во время землетрясения. На протяжении XX века полотно неоднократно меняло своих владельцев. В 1940-х годах оно принадлежало супругам Джулиан, владельцам галереи Julian Art Galleries. Они выставляли картину по всей стране вместе с передвижной выставкой кошек. Полотно пользовалось популярностью: в этот период было продано около 9 тысяч его репродукций. В ноябре 2015 года картина была продана на аукционе за 826 тысяч долларов частному покупателю из Лос-Анджелеса, причём из-за большого веса полотна пришлось соорудить специальную стену для его демонстрации. художник всемкотиков живопись галерея арт искусство лебедиЛеонардо

Адриан Брауэр Горький напиток 1630-1640 Художественный институт Штеделя. Франкфурт-на-Майне Подросток, корчащий рожицы 1632/1635 Национальная галерея искусств (Вашингтон) Южнонидерландский (фламандский) художник (1605/1606 — 1638). Брауэр писал жанровые сцены из крестьянской жизни, крестьянские танцы, игроков в карты, курильщиков, бражников и драки, которые отличаются живостью и гениальностью замысла. Однако при жизни художника его полотна не были в цене, поэтому он испытывал нужду, так что его домашнее имущество было взыскано в пользу его кредиторов. Большинство полотен Брауэра хранится в мюнхенской Пинакотеке, в Санкт-Петербурге, Мадриде, Дрездене и Вене (галерея Лихтенштейн). Браувер умер в 32 года в Антверпене и был похоронен в общей могиле. Позднее, при содействии членов гильдии был перезахоронен.

Сигизмунда с сердцем Гвискардо 1645 Франческо Фурини Музей и художественная галерея, Бирмингем, Англия Томная и окутанная голубоватой дымкой живопись Фурини не вписывается в рамки тосканского реализма того времени; ей присущ рафинированный, полный эротики идеализм. Что хорошо иллюстрирует это полотно. Картина показывает сцену из первой сказки четвертого дня «Декамерона», средневекового сборника рассказов (новелл) итальянского писателя и поэта Джованни Боккаччо. Гвискардо был слугой и пажем при дворе отца Сигизмунды, принца Танкреда Салерно. Когда отец Сигизмунды обнаружил, что Гвискардо и Сигизмунда тайно поженились, он гневно приказал своим людям убить низкорослого Гвискардо и доставил сердце Гискардо Сигизмунде в золотой чаше. Несмотря на то, что она пообещала умереть, не пролив слезы, она плачет, когда понимает, что ее отец убил ее мужа. Она добавляет яд в чашу с сердцем Гвискардо и кончает жизнь самоубийством, выпив его.

Двое детей дразнят кота ок 1589 Аннибале Карраччи Метрополитен, Нью-Йорк Итальянский художник эпохи барокко. Карраччи это один из тех итальянских художников, которые "возрождали" великие традиции Рафаэля и Микеланджело. При всём этом, Карраччи был удивительно эклектичный. Он смешивал разные стили и художественные приёмы, что отмечается искусствоведами как отличительная черта художника того времени. В 1609 году Аннибале умер и был похоронен, согласно его желанию, недалеко от Рафаэля в Пантеоне в Риме.

"Автопортрет в виде аллегории живописи" 1630-е Артемизия Джентилески Королевское художественное собрание в Виндзорском замке. Среди всех автопортретов Артемизии Джентилески шедевром является именно этот – сравнительно поздний, британский. Контрастная светотень и характерный колорит напоминают об усвоенных ею в юности уроках Караваджо, а очень необычный ракурс объясняется просто: когда бы перед загрунтованным холстом, над которым работает Артемизия, стояло зеркало, то, слегка повернув голову, она бы увидела себя именно в таком положении. Если датировка картины верна, то здесь Артемизии должно быть около сорока пяти. Она мать четверых детей – двух умерших мальчиков и двух оставшихся в живых девочек, одна из которых незаконнорождённая, а вехи прожитой жизни Артемизии похожи на этапы авантюрного романа. В 12 лет она начала учиться живописи. В 17 была изнасилована своим учителем перспективы Агостино Тасси. В 18 пережила громкий судебный процесс в Риме, обиду на отца, на любовника и на всех мужчин скопом. В 19 скоропалительно вышла замуж за почти случайного человека и уехала во Флоренцию. Там, несмотря на скандальную славу, добилась успеха, покровительства семьи Медичи, дружбы с Галилеем и даже (первой среди женщин!) членства в Флорентийской академии изящных искусств. Однако вынуждена была довольствоваться частными заказами: общественных и хорошо оплачиваемых женщине не полагалось. Бросив всё, рискнула перебраться в Неаполь. Там боролась с дикими нравами художников-конкурентов и даже получила разрешение на оружие. Добилась долгожданного заказа на фресковую живопись в городке Пиццуоли. Продолжала терпеть недопонимание и финансовые трудности. Решилась на отъезд в Британию – страну с отвратительным климатом и отсутствующей художественной традицией. Артемизия – имя, данное ей при рождении, – в переводе с итальянского означает «полынь». Несмотря на феноменальную энергию и завидную силу духа, Артемизия испытала на своём веку немало горечи. «Автопортрет в виде аллегории живописи» – её манифест, утверждение права называться крупным художником. По тем временам это был чрезвычайно смелый замысел – изобразить в виде аллегории живописи себя, с перепачканными краской запястьями и кулоном в форме мертвой головы. Но Артемизия считала, что такое право она заслужила. Этот чудесный автопортрет написан ориентировочно в 1638-1639 годах, когда итальянка Артемизия перебралась в Англию, куда её настойчиво звал британский монарх Карл V. Он был первым из правителей Туманного Альбиона, по-настоящему увлечённых искусством, и жаждал собрать под сводами Винздорского замка как можно больше знаменитых европейских мастеров – испанцев, итальянцев, голландцев. На этой волне его придворным портретистом стал фламандец Антонис Ван Дейк; даже престарелый Орацио Джентилески, отец Артемизии, получил заказ на роспись потолка Гринвичской резиденции. Сама Артемизия до этого лет 20 не виделась с отцом: она никак не могла его простить. Англия смогла примирить их и вернуть на четверть века назад, когда они вместе – мастер и его помощница – работали над росписями римских церквей. В франко-итальянском фильме «Артемизия» (1997) есть даже кадр, где художница предъявляет отцу именно эту работу, автопортрет, и Орацио восклицает: «Ты стала потрясающей художницей, моя Артемизия!» АртемизияДжентилески Барокко _history

"Хижина в горах" 1874 г. Гюстав Курбе ГМИИ имени А. С. Пушкина. «Иногда он писал пейзажи, которые не сумел бы создать никто другой, пейзажи, на которые мог бы ложиться снег», - сказал о Курбе британский арт-критик Джон Бёрджер. Сезанн называл Курбе каменотёсом и говорил, что «он так же велик, как Микеланджело». Сам же Курбе был лаконичен: «Я пишу, как Господь!» Конечно, этот француз известен не только своими картинами, но и образом жизни. Он был тщеславен и хвастлив. Его невозможно было представить без пива, трубки и облака дыма, из которого он громогласно, с деревенским задором (своим простонародным происхождением Курбе гордился больше, чем иные орденами) теоретизировал об искусстве реализма, требовал спуститься на землю и поискать красоту буквально под ногами. Хвастовство хвастовством, но Курбе и правда достоин сравнения с Микеланджело. Его пейзажи - даже когда на них нет гор, скал или валунов – напоминают скульптуры, кажутся не написанными, а вылепленными или высеченными из камня. Взгляните хоть на картину «Волна» из коллекции Пушкинского музея. Только, в отличие от Микеланджело, Курбе считал, что художник не должен «отсекать лишнее»: его задача - переносить на холст все как есть. Если перед глазами художника не роскошные бархатные драпировки, а выстиранное бельё – значит, быть на холсте ему. «Хижина в горах» считается одним из лучших альпийских пейзажей Курбе. Картина написана в Швейцарии. Дело в том, что энергии Гюстава Курбе хватало не только на арт-революции, он ещё и к Парижской коммуне примкнул. Когда ненадолго свергнутая власть вернулась, Курбе осудили за разрушение Вандомской колонны, бросили в тюрьму, выписали огромный штраф – в итоге ему пришлось бежать в Швейцарию, где он через несколько лет и умер. Ну, а что же Господь? Есть ли основания сравнивать Курбе и с Создателем, который творил мир сам, а не послушно и достоверно воспроизводил уже созданное? Пожалуй, есть. Курбе хоть и ратовал за работу на пленэре и бескомпромиссную честность в переносе природы на холст, сам иногда все же писал пейзажи в мастерской – когда по памяти, а когда и по воображению. Соблазнялся самыми эффектными природными явлениями (вроде морских бурь на фоне огненного заката). Или выкручивал яркость и контрастность в своих реалистичных пейзажах до открыточного уровня – публике был по душе такой колорит, а Курбе не собирался игнорировать её вкусы и спрос. ГюставКурбе Реализм _history

Родилась Элин Клеопатра в 1861 году в финской деревне Ноормаркку. Ее отец занимался сельским хозяйством и детство Элин провела на ферме своей семьи, но в 1866 году случился неурожай и голод, ферма разорилась, ее пришлось продать и отец художницы застрелился, а мать осталась с двумя дочерьми. Элин с детства страстно интересовалась рисованием и поэтому в пятнадцать лет она отправилась в Хельсинки, где жили ее тетя и дядя, чтоб учиться в школе искусств. Одновременно она стала подрабатывать росписью фарфора и ходить на курсы в академию Адольфа фон Беккера, где научилась писать маслом. А, собственно, фон Беккер, который основал первую школу живописи в Финляндии и вообще был другом и учеником Густава Курбе, Элин выделял из своих учеников и даже купил у нее несколько картин, что художницу очень вдохновило. В 1880 году случилась ее первая выставка и в том же году она получила диплом учителя рисования и потом даже преподавала рисунок в разных школах по всей Финляндии. Кстати, представительницы небольшого художественного сестринства все были учителями рисования и благодаря их работе выросло потом еще одно поколение отличных художников. Вообще, в те времена получить степень педагога для художника часто было выгоднее, чем просто называться художником - так можно было меньше беспокоиться за свою финансовую независимость. В 1883 году художница отправилась в Париж чтоб продолжать учебу, поработала там в мастерской Огюста Родена, слушала лекции заслуженных художников, училась и тусовалась, как все нормальные художницы в Париже в те годы. Потом Даниэльсон-Гамбоджи ездила на пленэры в Бретань, вернулась в родную деревню Ноормаркку, открыла там студию и занялась преподаванием, каждое лето отправлялась в гости в колонию художников Эннингебю, которую устроил на Аландских островах пейзажист Виктор Вестерхольм. В 1895 году году Элин получила стипендию на обучение во Флоренции и путешествие по Италии, в результате которого она в тридцать шесть лет познакомилась со своим мужем, Рафаэлло Гамбоджи. Он тоже был художником, был моложе Элин на тринадцать лет и сначала у них была продуктивная совместная работа и они открывали вместе свои выставки по всей Европе и явно неплохо влияли друг на друга. А потом супружеская жизнь как-то не заладилась и муж решил уйти к подруге Элин, а затем надолго попал в психиатрическую лечебницу. Во время Первой мировой войны Элин осталась в Италии и потеряла возможность ездить на родину. В 1919 году она заболела пневмонией и умерла в итальянской коммуне Антиньяно. Ее на какое-то время позабыли в Финляндии, но сейчас она считается одной из главных представительниц того самого золотого века финского искусства.

Чаепитие 1903 Андрей Рябушкин Наиболее глубокое полотно Рябушкина на тему крестьянской жизни. Это совсем небольшая картина, но производит впечатление поистине неотразимое. "Они пьют чай. За столом, покрытым белой скатертью. Сосредоточено и молчаливо они пьют чай в прикуску, с блюдечка. Они пьют чай на фоне сумеречной стены тесной и сутулой избы и усталых неподвижных лиц за своей спиной. В их позах — что-то серьёзное, почти торжественное, словно они совершают за этим столом древний священный обряд. Именно таким "незаконченным" рисунком художник достиг силы настроения, которая убеждает нас, что его надо или принять целиком, или полностью отвергнуть. Эта целостность творчества обнаруживает качество таланта." Сергей Маковский

"Натюрморт с букетом" 1871 г. Пьер Огюст Ренуар Музей изящных искусств, Хьюстон. «Если бы я продавал только хорошие картины, я бы умер с голоду», - шутил Ренуар. Натюрморты он писал как раз для того, чтоб выжить. Они отлично продавались и создавались очень легко. Ренуар отдыхал, набрасывая свежесорванные цветы, как другие отдыхают, танцуя или попивая вино. Но этот натюрморт особенный. Это натюрморт-посвящение, натюрморт-признание. Эдуару Мане. Реминисценция первая: гравюра. На заднем плане ренуаровского натюрморта – гравюра к картине, о которой сейчас мало кто знает. В XIX веке ее считали произведением Веласкеса и она находилась в Лувре вместе с другими испанскими шедеврами, попавшими в музейные залы в качестве наполеоновских военных трофеев. Мане был в восторге от Испании и Веласкеса, он написал десятки полотен, вдохновленный испанскими мотивами, испанскими костюмами, композицией и мотивами испанских художников. Сейчас полотно приписывают зятю Веласкеса Хуану Батисте Мартинесу дель Масо или просто Мадридской школе. Но ту гравюру, которая оказалась внутри «Натюрморта с букетом и веером», абсолютно точно сделал Эдуар Мане. Реминисценция вторая: цветы. Если бы не было гравюры, все остальные переклички можно было бы считать слегка надуманными, но Ренуар сам узаконил дальнейшие поиски аллюзий. Букет на скандальной картине Эдуара Мане «Олимпия» слишком большой, критики не преминули упрекнуть художника в нарушении пропорций. Зато его невозможно не заметить: это смысловой центр картины, который превращает обыкновенное изображение обнаженной женской натуры в весьма недвусмысленный сюжет: за букетом где-то там, в гостиной, на пороге, за дверью, мужчина, которого вот-вот должна принять Олимпия, обнаженная Олимпия. Этот букет наверняка запомнили все: и критики, брызжущие ядовитыми упреками в неприличности, и молодые импрессионисты, которые назвали Мане своим учителем. Букет для натюрморта Ренуар собирал по своему вкусу, но обернул его точно в такую же, как у «Олимпии», плотную белую бумагу. Реминисценция третья: веер и книги. Япония стала для французов не меньшим откровением и художественным потрясением, чем Испания. Композиционные решения, цветовые находки, рисунок японских гравюр – все это буквально проросло в импрессионизм. Моне, Ван Гог, Сезанн и конечно Ренуар скупали стопки восточных пейзажей в художественных лавках, развешивали их по стенам, впитывали и учились. «Я уверен, что японские пейзажи не лучше других. Только одно: японские художники сумели найти спрятанный клад», - восхищался Ренуар уже много лет спустя. На этом японо-фанатском объяснении можно было бы остановиться, если бы не книги и если бы не заданная уже необходимость искать Мане. В каждой детали. И Мане снова находится. За два года до того, как Ренуар взялся собрать все эти знаковые вещи на одной картине, Мане пишет портрет Эмиля Золя за рабочим столом. Наверняка Ренуар его видел и схватил оттуда на память пару книг и японские мотивы. Во всяком случае так могло быть. ПьерОгюстРенуар Натюрморт Импрессионизм _history

"Мариана" 1851 г. Джон Эверетт Милле Тейт Британия, Лондон. Английский доктор Уильям Эктон в книге «Функции и расстройства репродуктивных органов» заявлял, что женщина по природе своей не может испытывать сексуального влечения. Ее естественные потребности – заботиться о детях и доме, и если бы муж не выказывал желания близости, она и не стремилась бы к ней. Сексуальные отношения для женщины – вынужденная необходимость, которая позволяет сделать мужчину счастливым. Доктора Эктона считали вольнодумцем и либералом, потому что он в принципе заговорил о сексуальности, проституции и вопросах полов. И его мнение в викторианской Англии разделяли многие. Художники-прерафаэлиты начали писать женщин так, что утверждение доктора Эктона уже не казалось таким очевидным. В самых неожиданных состояниях и ситуациях за их усталостью, задумчивостью, испугом, печалью, даже за предсмертным вздохом скрывается страсть и невольная соблазнительность жестов. Пока еще жертвы и мученицы собственных желаний, женщины прерафаэлитов получают разрешение их ощущать. Когда в 1851 году на выставке Академии художеств Джон Эверетт Милле представил картину «Мариана», к ней крепилась табличка с четверостишием из одноименного стихотворения Альфреда Теннисона: Как жизнь пуста! — она сказала. — Он не придет и впредь. А я устала, так устала, Уж лучше умереть! Мариана – героиня пьесы Шекспира «Мера за меру», ее отверг жених после того, как девушка лишилась приданого, а вместе с ним и любимого брата. Она поселилась в полном одиночестве в фермерском доме, окруженном рвом. Ее дни похожи один на другой: шуршат мыши и чирикают воробьи, ночь сменяет день, все вокруг поросло мхом и медленно погружается в запустенье. Но предательство жениха и невозможность быть с ним рядом только добавили силы чувствам Марианы: «его несправедливая жестокость, вместо того чтобы угасить страсть, сделала ее, как препятствие в потоке, еще более бурной и необузданной». Милле пишет обманутую девушку здесь, в уединении, в тишине, в ожидании, в мольбе о смерти вместо такой жизни. Она оторвалась от вышивки, чтобы размять спину, но этот простой жест исполнен страсти. Да только слепой не увидел бы в нем ежесекундное, изматывающее, напряженное, нерастраченное желание. Милле, как и его друзья-прерафаэлиты, выбирал литературные сюжеты, чтобы говорить о современности. Эти трое изрядно встряхнули викторианское общество, затянутое, как в жесткий корсет, в свод правил и приличий. В буквальном смысле, кстати, корсеты тоже начали трещать по швам: на картинах прерафаэлитов женщины появляются вовсе без этой детали гардероба и с распущенными волосами – дресс-код, допустимый только в супружеской спальне, но уж точно не в залах Королевской академии. Его Мариана вглядывается в пейзаж за окном – и там запросто могло бы оказаться унылое английское осеннее поле. Пустой, безлюдный, равнодушный мир – бессменная, лишенная примет времени декорация к женскому страданию. Мариана страдает не только от внешней жестокости, но скорее от внутренней потребности быть любимой, от жара, который распаляется тем сильней, чем безнадежней становится ее положение. Прерафаэлиты вернули женщине способность чувствовать, испытывать сексуальные желания, быть главной участницей собственной жизни и главным распорядителем собственного тела. Это не та женщина, о которой писал доктор Эктон. Эта женщина жаждет любви и близости и готова добиваться своего. На одной из таких женщин вскорости Джон Эверетт Милле женится. И кто знает, решилась бы Эффи Рёскин на скандальный развод с первым мужем ради любви к Милле, если бы он не был тем самым художником, который пишет женщин без корсетов и с распущенными волосами. ДжонМилле _history

Рим после эпохи Возрождения был центром притяжения для художников долгие века, местом, где случалось все самое важное, где можно было учиться у великих, и туда стремились мастера со всего мира - даже лучших выпускников Императорской Академии Искусств из России отправляли пожить в Риме за казенный счет. Так происходило примерно до девятнадцатого века, когда оказалось, что все самое интересное стало происходить во Франции. Но до того - Рим и только Рим. Для голландских и фламандских художников семнадцатого века путешествие в Рим и вовсе стало своего рода инициацией. Дело в том, что в 1604 году их земляк, художник и писатель Карел ван Мандер, опубликовал книгу, которая свела всех с ума и которая по сей день входит в перечень важнейших нидерландских книг. Это был трактат об искусстве, Шильдер-Бёк, что в переводе означает “Книга об искусстве” или “Книга об изображениях. Книга эта состоит из шести частей. 1. Основы благородного и свободного искусства живописи (тут вводная часть, где читателю рассказывают про основы. Например, объясняют, что такое пейзаж, композиция и драпировка). 2. Жизни выдающихся древних художников, включая египтян, греков и римлян (вольный пересказ избранных отрывков из “Естественной истории” Плиния). 3. Жизнь современных или современных прославленных итальянских художников (этот том, по сути, был переработанным и дополненным пересказом “Жизнеописания наиболее великих художников” Джорджо Вазари). 4. Жизни выдающихся нидерландских и немецких художников (тут уж ван Мандер работал сам и перечислил, снабдив биографическими зарисовками, несколько десятков важнейших мастеров Нидерладов и окрестностей; это том считается самым важным в его работе, а еще он самый длинный). 5. Комментарий к Метаморфозам Овидия (казалось бы, внезапно, но на самом деле тут автор, вслед за теоретиками итальянского Ренессанса, объяснил читателю, что нет никакого противоречия между греческими мифами и Ветхим Заветом, а, наоборот, это вещи взаимообогащают друг друга - например, как, помните, у Боттичелли было, что Венера равна Мадонне и обратно). 6. Изображение фигур (тут рассказано о символическом значении разных зверей для успешного составления аллегорий и украшения сюжетов). Через два года после первого издания своей книги Карел ван Мандер умер, а второе издание было снабжено его биографией, вроде бы, написанной его сыном. Там рассказывалось про его детские шалости, талант поэта, годы учебы и, главное, описывалось путешествие в Рим, в которое он отправился в компании знатных юношей, но решил не спешить и добирался до Рима аж три года, по дороге занимаясь искусством и посещая мастерские всех встретившихся на пути художников. Именно этот факт привел молодых нидерландских художников в полный восторг. Вдохновленные книгой ван Мандера и его особым стилем путешествия, они хлынули в Рим. То есть, до этого нидерландцев в Риме и так хватало, но тут это паломничество стало более массовым. Доехать до Рима надо было почти без денег, зарабатывая на пути своими художественными талантами, приобретая новые знакомства и стараясь как-то выжить. Добирались годами. Доезжали не все. Некоторые разворачивались по пути, кто-то останавливался насовсем в каком-нибудь небольшом городе, а кто-то и вовсе сгинул. В общем, выходило, что доехавшие до Рима художники его в душе своей заслужили и завоевали. А еще по пути многие набирались опыта работы, насмотренности и приезжали уже серьезными мастерами и, главное, знающими, что своим трудом они теперь чего угодно смогут.

удожник Эугенио Эдуардо Дзампиги (Eugenio Eduardo Zampighi) родился в октябре 1859 года в Модене (Италия). Живописью увлёкся в раннем детстве и в возрасте 13 лет поступил в Академию Дизайна. В начале 1884 года Eugenio Eduardo Zampighi перебрался во Флоренцию, где начала писать жанровые картины о жизни простых итальянцев. Главными героями его картин стали хорошие знакомые и друзья, а потом и просто прохожие на улицах. Художник старался показать красоту повседневной жизни – с некоторой долей иронии, ярко и весело, с большим желанием поделиться радостью. Не удивительно, что очень скоро у творчества Эугенио Эдуардо Дзампиги появилось большое количество поклонников, а в последующем и последователей. Умер художник в 1944 году в городе Моранелло, а его картины сегодня можно увидеть в самых известных музеях мира.

"Безумие Хуаны Кастильской" Лоренцо Валлес, 1867 > Мадрид, Прадо Рожденная третьим ребенком в семье короля Арагона Фердинанда II, Хуана стала королевой и получила в мужья одного из самых завидных женихов того времени – герцога Бургундии Филиппа Красивого. Хуана и Филипп поженились, когда ей было 17. Филипп развлекался с придворными дамами, Хуана ревновала его: устраивала сцены, калечила любовниц. И все со страшными скандалами и нервными срывами. Пошли слухи, что молодая жена не здорова. В 28 лет Филипп скончался. Выпил холодной воды после игры в мяч, простудился и умер. В 26 Хуана стала вдовой, окончательно расстроившись психикой. Она не отходила от его тела, противилась похоронам. По её приказу гроб неоднократно вскрывался. Она хотела удостовериться, что тело не похищено. Мертвого мужа она ревновала не меньше, чем живого, поэтому в похоронной процесии не было женщин. Болезнью дочери воспользовался её отец. Он назначил себя регентом, а законную королеву поместил в монастырь.

"Вывеска лавки Жерсена" 1720 г. Антуан Ватто Шарлоттенбург, Берлин. Знаменитая «Лавка Жерсена» - последняя и, как считают многие, лучшая картина Антуана Ватто. Она настолько богата колористически, что в ней заложены все цветовые возможности будущего рококо. Тем курьёзнее факт, что картина создавалась с вполне утилитарной целью – она действительно должна была служить вывеской, своего рода наружной рекламой для магазина произведений искусства на мосту Нотр-Дам, принадлежащего другу Ватто Жерсену. В 1720-м году Ватто вернулся из заграничной поездки. Англия воздала должное его таланту: здесь Ватто ценили едва ли не больше, чем в родной Франции. Но долго наслаждаться признанием не пришлось. Прохладный и влажный британский климат обострил давнее заболевание – туберкулёз. Полумёртвый художник вынужден был вернуться в Париж. Жить ему оставалось не более года. К этому моменту 35-летний Ватто был не только широко известен, но и весьма богат. Однако, как и раньше, ему и в голову не приходит обзавестись собственным домом. Всю прошедшую жизнь он предпочитал жить под кровом кого-то из друзей. Так было и на этот раз. Торговец предметами искусства Жерсен с радостью дал приют измождённому чахоткой художнику. В благодарность и чтобы «размять пальцы, истосковавшиеся по работе», Ватто предложил написать для его заведения вывеску – нечто вроде рекламного панно полтора на три метра, раскрывающего покупателю, что его ждёт, когда он переступит порог лавки Жерсена. Жерсен, кстати, отказывался – ему было чудовищно неловко, что такой знаменитый мастер будет писать его скромную лавку. Но Ватто было невозможно переспорить, настолько он был упрям. «Вывеска лавки Жерсена» была окончена всего за неделю, хотя работать Ватто мог только утром, послеобеденное время до вечера уходило на восстановление сил. Чахотка доконала его, и видимо, художник это чувствовал: сейчас картину называют «Завещанием Ватто». Мы видим на ней самый обычный день в магазине, торгующем картинами. Кто-то из покупателей приценивается к картинам. Кто-то уже определился – и его покупку упаковывают в коробку, чтобы доставить по назначенному адресу. Тщательно и реалистично написаны обстановка и ткани, мастерски расставлены фигуры. А картины на «Вывеске Жерсена» не условны, а конкретны и узнаваемы. На стенах – только работы любимых художников Ватто: Веласкеса, Рубенса, Йорданса. А в ящик пакуют портрет Людовика XIV, написанный придворным художником Риго. Король-Солнце скрывается со сцены. Король-солнце сыграл в ящик. Для биографии Ватто этот образ очень символичен, ведь ему суждено было стать родоначальником новой эпохи в живописи, наступившей как реакция на искусство уходящего века Людовика XIV, – эпохи рококо. Но самое значительное в «Лавке Жерсена» – её колорит. Здесь нет чистых и ярких цветов. Вместо этого мы видим невероятное богатство сложных оттенков, их тонких переливов. Говорят, всем будущим приверженцам рококо и последователям Ватто уже не нужно было ничего изобретать в области цвета: все его возможности абсолютно исчерпывающе представлены в палитре «Лавке Жерсена». Уже художники-современники это хорошо понимали. После смерти Ватто они извели Жерсена упрёками, что шедевр такой силы не должен «работать вывеской». Картина провисела снаружи совсем недолго, Жерсен был вынужден уступить и убрать картину, чтобы её не испортила непогода. Сейчас «Лавка Жерсена» хранится в замке Шарлоттенбург, в Берлине. АнтуанВатто Рококо _history

Без названия 1954 Сай Твомбли Американский художник и скульптор-абстракционист. Своеобразие манеры Твомбли заключается в хаотичном нанесении на холст надписей, линий и царапин. Он использовал свободную манеру абстрактного экспрессионизма, но без героических претензий и универсальных целей. Сай Твомбли стал третьим в истории современным художником, чье произведение представлено в Лувре на постоянной основе. Художник умер от рака 5 июля 2011 года в возрасте 83-х лет. Премии которые получил художник: 1987 — премия Рубенса. 1996 — Императорская премия Японии. 2001 — Золотой лев Венецианской биеннале. 2010 — орден Почётного легиона.

Гвоздика, лилия, лилия, роза 1886 Джон Сингер Сарджент Тейт Британия, Лондон Идея пришла когда художник путешествовал по Темзе в Беркшире. Во время прогулки он увидел китайские фонарики висящие среди деревьев и лилий. Он писал Роберту Льюису Стивенсону что хотел передать увиденный им эффект сумерок: "...такой райский вид, что заставляет восторгаться." Слева на картине изображена одиннадцатилетняя Долли, а справа - семилетняя Полли. Сарджент работал над этой композицией в традициях импрессионистов, используя естественный свет и на открытом воздухе. Работа над картиной затянулась, и художник писал с сентября до начала ноября. За это время, розы постепенно увядали и их пришлось заменять искусственными цветами. Девочки надевали свитера, а на них платья. Картину выставили в 1887 году на выставке Королевской академии художеств. Британская Королевская Академия купила картину для галереи Тейт почти сразу же после окончания выставки.

Рыбалка 1981 Баския Прославился как граффити-художник в Нью-Йорке, а затем, как неоэкспрессионист. С 1977 года, в 17 лет, Баския и его друг Al Diaz рисовали граффити на стенах зданий в Манхеттене, подписываясь SAMO или SAMO shit. А в декабре 1978 года в Village Voice опубликовала статью о них. Проект закончился эпитафией SAMO IS DEAD. В 1982 году Баския познакомился с Энди Уорхолом и они много работали вместе. С 1983 по 1985 года пара сделала работы, которые наложили виртуозные граффити Баскии на яркие поп-образы Уорхола. Они работали вместе, влияли на творчество друг друга. Их отношения продолжались до смерти Уорхола в 1987 году. С 1984 многие друзья Баския начинают отмечать его всё более странное поведение, вызванное приёмом наркотиков. Баския пристрастился к героину в годы жизни среди уличных художников Нью-Йорка. Баския умер от случайной передозировки наркотиков 12 августа 1988 года в своей студии на Грейт-Джонс-стрит. Ему было 27 лет.

Предположительно, в 1445 году португальский художник Нуну Гонсалвеш написал здоровенный полиптих, который называют Алтарем святого Винсента. Нуну Гонсалвеш - ужасно загадочная личность. Не известно ни когда он родился, ни когда умер, и не слишком понятно где он выучился рисовать, потому что в пятнадцатом веке в Португалии он был такой вот один - ни до него, ни одновременно с ним, на даже долго после в Португалии таких мощных живописцев не было. Ну вот разве что известно, что в 1428 году в Португалию приехал Ян ван Эйк в качестве участника посольства, что прибыло сватать Изабеллу Португальскую за Филиппа Доброго, и затусил в Лиссабоне на целый год. Но успел ли он поучить Гонсалвеша чему-нибудь или хотя бы был ли с ним знаком - об этом можно только гадать. Известно, что Гонсалвеш между 1450 и 1472 годами был придворным художником. Про него почти позабыли, настолько, даже считали вымышленным персонажем. Упоминания его эпичного полиптиха в исторических хрониках остались - в трактатах шестнадцатого века его описывали как картину, созданную для часовни Святого Винсента в Лиссабоне, но считалось, что если такая работа и существовала, то точно давным давно погибла - то ли во время Иберийской унии, когда Габсбурги набежали на Пиренейский полуостров и им не понравилось, что на картине изображены члены королевской семьи, но не той; то ли дело было во время Великого лиссабонского землетрясения, когда вообще погибло все подряд, от королевских дворцов, музеев, библиотек и трети населения Лиссабона до португальских колониальных амбиций. В общем, стала история про какую-то здоровенную и очень классную картину постепенно забывающейся сказкой и так было до тех пор, пока в 1882 году вдруг ее не нашли случайно в хранилище монастыря Сан Висенте де Фора. Вообще, конечно, эта находка поразила всех. Было не совсем понятно чего это нашли, но то что это невероятный шедевр было ясно всем и сразу. Исследователи бросились разбираться и, собственно, пришли к выводу, что вот он, легендарный алтарь Нуну Гонсалвеша. К слову, больше никаких его картин до нас не дошло. Иногда щекастенький портрет Жуаны Португальской еще приписывают кисти Гонсалвеша, но, вроде уже договорились, что его, скорее всего, написал какой-то неизвестный ученик художника. На пяти створках высотой 2,2 метра изображены вообще все. За створками закрепились названия (слева направо) - Монахи, Рыбаки, Инфант, Архиепископ, Рыцари и Реликвия. Инфант и Архиепископ шириной 128 сантиметров, все остальные - по 64 см, написано все это темперой и маслом на дубовых панелях. Имя, под которым нынче картина известна, дал ей в 1910 году португальский исследователь Жозе де Фигейреду, который, собственно, предположил, что тут все поклоняются Святому Винсенту и все понятно. Фигейреду написал о картине огромный подробный труд и был проделанной работой очень доволен. Но через пятнадцать лет в обсуждение ворвался другой исследователь, Жозе Сарайва, и заявил, что Фигейреду не прав и на самом деле главный во всей тусовке на панно - дон Фернанду, святой инфант. Фернанду был шестым сыном короля Жуана I, с детства религиозным и кротким юношей, которого за его такую кротость Папа Римский даже сделала кардиналом. В 35 лет Фернанду и его братья отправились в Северную Африку и попытались захватить Танжер, а в итоге нарвались на превосходящие силы противников и Фернанду попал в плен к злым маврам. Там его обижали, отказывались менять на других заложников, отправили в итоге работать рабом в конюшни, где он заболел и умер. Поэтому его в 1470 году причислили к святым. И вот, Жозе Сарайва настаивал на том, что на полиптихе юноша в черном, который стоит перед святым преклонив колено - это главный персонаж всего повествования, Святой Фернанду, покровитель Лиссабона, и его чествование всеми-всеми, включая и Святого Винсента, который его принимает где-то, вероятно даже в раю.

Искушение 1857 Николай Шильдер Третьяковка 22 мая 1956 года Третьяков купил эту картину за 150 рублей. За 150 рублей тогда можно было купить дом в деревне или семью крепостных. В живописи Третьяков не понимал ничего, зато он очень хорошо умел считать деньги. На картине мрачная и сырая подвальная комната, в которой живет девушка и ее престарелая больная мать, давно уже не встающая с постели. Однажды в подвал пришли богатый мужчина и старуха-сводня, которая предложила девушке сделку: красивый золотой браслет в обмен на любовь. И вот оно – искушение: с одной стороны нищенский заработок вышивальщицы, с другой – браслет, который можно продать и обеспечить семью. И купить маме так необходимые лекарства. Только в 1863 году Павел Михайлович вспомнил о своей идее устройства «художественного музеума». «Искушение» он внес под «нумером 1» в лично составленный им первый каталог своей коллекции. Вторым номером стала картина Василия Худякова «Стычка с финляндскими контрабандистами»

"Неизвестная" 1883 г. Иван Николаевич Крамской Государственная Третьяковская галерея. «Кто она?», – спрашивали его. «Неизвестная», – лаконично отвечал Крамской. Давайте разбираться. Куртизанка? Содержанка высокопоставленного человека? А может, возлюбленная самого императора? Или все же литературная героиня? Дочь художника? Признаемся сразу, точного ответа мы не знаем. После Крамского осталось немало дневников и писем. Ни единого упоминания о работе над этой картиной в них не встречается. На 11-ю выставку передвижников не рекомендовали приводить юношей и молодых девушек. Дело в том, что среди народнических, обличительных картин, словно гостья из другого мира, затесалась «Неизвестная» Крамского. Изящно и подчеркнуто богато одетая красивая женщина, в чьем взгляде таится высокомерие и еще что-то трудно вербализируемое. «Кокотка в коляске!» – обошелся без поиска глубоких смыслов художественный критик Владимир Стасов. Общественное мнение такую версию в основном поддержало, потому что именно из-за этой картины был установлен эдакий возрастной ценз 16+. Неприлично-с! В ней видели Анну Каренину, Настасью Филипповну и даже «Незнакомку» Блока, хотя стихотворение было написано гораздо позже. А что же прообразы из реальной жизни? Самая распространенная версия озвучена Стасовым. Кокотка, куртизанка, содержанка. В пользу этого – подчеркнуто роскошный наряд. Высший свет уже вводил в моду «изысканную простоту»: аристократы разорялись, поэтому особым шиком стало не гнаться за модой слишком стремительно. В то же время купеческие дочери и куртизанки часто могли себе позволить «всё лучшее сразу». А поскольку вход в высшее общество для них был закрыт, они особенно старательно наряжались для прогулок. Но Дмитрий Андреев, специалист по костюмам эпохи Александра II, утверждает, что дама на окончательной версии картины одета не только богато, но и с безупречным вкусом. Нувориши и их женщины так не одевались… Немало и мелодраматических версий, пытающихся пролить свет на имя дамы в модной шляпке «франциск». История про невиданной красоты крестьянку Матрену Саввишну, на которой женился дворянин Бестужев, после бросил ее, и она умерла, вообще заслуживает того, чтобы стать сюжетом сериала на пару сотен серий. Минус традиционный – отсутствие каких бы то ни было доказательств того, что на картине изображена Матрена. Мы не знаем имя, но есть кое-то, что мы можем утверждать. Крамской рассказал нам историю об одиночестве, о противостоянии одиночки и толпы, о презрении, которое возвращает социуму презираемая им. Эти темы мы встречаем и в других работах художника. ИванКрамской Портрет Реализм _history

Целомудрие. Статуя «Целомудрие» выполнена Антонио Коррадини в 1752 году и представляет собой надгробный памятник Чечилии Гаэтани дель Аквила д’Арагона (1690 -1710), матери князя Раймондо, умершей вскоре после родов. Коррадини, неоднократно изображавший до этого людей, закутанных вуаль или тканью, достиг здесь вершины своего творчества. Ткань, как будто став влажной от масляных испарений светильника, элегантно и естественно облегает женское тело. Взгляд в сторону, невыразимая лёгкость позы, увядшее древо под ногами, разбитая мраморная плита с эпитафией — всё это, наряду с тканью, подчёркивает, что жизнь изображённой женщины должна была оборваться слишком рано. Основной идеей памятника стала, вечная боль оттого, что он никогда не знал женщины, подарившей ему жизнь ценою собственной.

"Клоунесса Ша-Ю-Као" 1896 г. Анри де Тулуз-Лотрек Метрополитен-музей, Нью-Йорк. В 1896 году Тулуз-Лотрек задумал альбом литографий, который оказался одним из самых провальных прижизненных проектов художника, который Амбруазу Воллару приходилось разделять на отдельные листы, чтоб хоть как-то продать, и за экземпляр которого современные коллекционеры отдали бы полцарства. Тираж был достаточно большим – 100 пронумерованных экземпляров с личной подписью Лотрека на каждом листе. Но для любителей фривольных картинок альбом «Они» оказался недостаточно пикантным, а для любителей искусства – недостаточно красивым. Здесь не было портретов звездных певиц и танцовщиц, которые могли бы привлечь хотя бы их поклонников. Среди изображений безымянных тружениц публичных домов оказалась только одна звезда, клоунесса Нового цирка и танцовщица кабаре Оллера – мадемуазель Ша-Ю-Као. Ша-Ю-Као восхищала Лотрека и была одной из любимых моделей. Он рисовал ее долго и много, чаще всего именно в сценическом клоунском наряде. Уверенная, свободная и искренняя, Ша-Ю-Као выбрала профессию клоуна, в которой даже во времена победившего феминизма встретишь немного представительниц женского пола, а в XIX веке это был тем более исключительно смелый выбор для дамы. Ни от кого не скрывала клоунесса и своих лесбийских наклонностей, чем привлекала Лотрека еще больше. «Женщина, влюбленная в другую – самое безумное существо», - говорил художник и с восторгом писал это безумие. Проститутки, лесбиянки, танцовщицы, исполняющие фривольные танцы и выставляющие напоказ сразу все части тела, певицы и клоунессы – все эти женщины полусвета, выброшенные за пределы приличного мира, участвовали вместе с Тулуз-Лотреком в рождении совершенно нового типа привлекательности и красоты в искусстве. В чулках, колпачках, перчатках, корсетах, смешных воротниках, в гриме и без, в смешных и неестественных позах они себе редко по-женски нравились на картинах Лотрека, но всецело доверялись его чутью и таланту. Он умудрялся в их часто гротескных портретах передавать такую внутреннюю силу и особость, которая была лестнее внешней красивости. Ша-Ю-Као на этом портрете уставшая и отрешенная, позволяет себе просто быть уставшей, не заботясь о красивой позе и выгодном повороте головы. Эта литография открывала альбом «Они», который изначально должен был называться «Проститутки» и который Лотрек переименовал, утверждая, что женщины одинаково прекрасны, в аристократических салонах или в домах терпимости, на сцене или за кулисами. ТулузЛотрек Постимпрессионизм _history

Хризантемы 1905 Игорь Грабарь Грабарь воспринял искания французских мастеров, активно используя приемы дивизионизма - раздельного наложения красок на холст. «Хризантемы» - самый эффектный натюрморт художника. Универсальная фигура в русской художественной культуре: художник, историк искусства, преподаватель, реставратор, музейный и общественный деятель. С 1913 по 1925 — директор Третьяковской галереи, создал в музее новую экспозицию, научно обоснованную и с тщательно продуманной концепцией, ставшую своего рода образцом для последующих музейных реэкспозиций. Он написал портрет девочки по имени Светлана, который вдруг стал невероятно популярен. Принимал непосредственное участие в реставрации иконы Андрея Рублёва «Троица». В начале 1943 года выдвинул идею компенсации потерь советских музеев за счет конфискации произведений из музеев Германии и её союзников. Умер 16 мая 1960 года в Москве. Похоронен на Новодевичьем кладбище.

В ночь, 1973 Франсиско Толедо Бумага, акварель. 59 × 77 см Коллекция Блейстена, Мексика Мексиканский сапотекский (Сапотеки — индейский народ в Мексике. Расселены в штате Оахака) художник, скульптор и графический дизайнер. За свою карьеру, которая длилась семь десятилетий, Толедо создал около тысячи произведений искусства. В качестве активиста и художника Толедо продвигал художественную культуру и культурное наследие своего родного штата Оахака. Его причисляли к Поколению Разрыва, художественное течение, зародившееся в 1950-х годах в Мексике — противники мексиканской школы монументальной живописи, известной как мексиканский мурализм. Франсиско Толедо работал с различными формами изобразительного искусства, включая керамику, скульптуру, ткачество, графику и живопись. Выставки его работ проходили в ста странах мира. Франсиско Толедо — важнейший современный художник Мексики. Умер 5 сентября 2019 года

"Сумерки" 1899 г. Исаак Ильич Левитан Государственная Третьяковская галерея.

"Король Испании Карл IV и его семья" 1800 г. Франсиско Гойя Национальный музей Прадо, Мадрид. Испанский король Карл IV, его супруга Мария Луиза Пармская, их разновозрастные и многочисленные «чада и домочадцы»… Перед нами знаменитый семейный портрет испанских монархов кисти придворного живописца Франсиско Гойи. Портрет, самую едкую и ёмкую характеристику которому дал французский поэт-романтик Теофиль Готье. Он сказал, что на этой картине видит не короля и королеву, а «булочника с женой, получивших крупный выигрыш в лотерею». «Семья короля Карла IV» – ода или насмешка? «Семья короля Карла IV» – парадный портрет, и в то же время в нём легко считывается ирония Гойи. С одной стороны, испанские правители, нынешние и будущие, показаны в блеске королевской славы. Гойя тщательно воспроизводит их одежду, обильно украшенную придворным ювелиром драгоценными камнями. Женские украшения, ордена короля (среди них – недавно учреждённый орден Марии Луизы и Золотого руна, а также Крест Непорочного зачатия) – всё это Гойя выписывает, кажется, с каким-то особым удовольствием. С не меньшим вкусом и знанием дела передана фактура тканей: тяжёлой золотой парчи, мягкого и вкрадчиво-матового бархата, лёгких кружев. Однако роскошь нарядов только оттеняет физические несовершенства героев. По воспоминаниям, король был феноменально рыхл, а королева-распутница – и вовсе безобразна. И Гойя не стремится дать их в идеализированном виде. Он изображает не богоподобных венценосцев, а заурядных смертных из плоти и крови. В демократической критике принято будет писать о семье Карла IV чуть ли не с отвращением: духовное убожество, мещанская заурядность, семья лавочников, вульгарность, невежество, вырождение и прочая, и прочая. В работе Гойи видели чуть ли не карикатуру. Вряд ли это и в самом деле так. Скорее, мы имеем дело с критической крайностью. А Гойя оставался художником, он создал остро-характерные портреты, раскрывающие в нём знатока человеческой природы. И, кстати, монархами портрет был воспринят благосклонно. Но вот что еще интересно: на этом портрете изображены люди, близкие по крови – король с королевой, три их дочери, три сына, внук, зять, сестра королевы и брат короля. Как это было принято среди европейских правящих династий, многие из них связаны двойной родственной связью: муж Марии-Луизы – одновременно её же кузен; брат короля Антонио Паскуаль был женат на королевской дочке, своей племяннице Марии Амалии (её на картине нет – она умерла за два года до её создания, в 1798-м; и может быть, это её Гойя изобразил отвернувшейся к стене?). Но несмотря на кровную близость, люди эти выглядят удивительно отчуждёнными, разрозненными, замкнутыми в себе, словно их собрала для позирования художнику простая случайность. А еще на картине есть тот, кто внимательно наблюдает за всеми ними. Автопортрет Гойи в картине «Семья короля Карла IV» Франсиско Гойя говорил: «Я признаю трёх учителей - Рембрандта, Веласкеса и природу». В этом парадном портрете короля Карла IV с его близкими есть прямая отсылка к веласкесовым «Менинам» – знаменитой картине-иллюзии, где в окружении королевских особ (инфанты Маргариты и отражающихся в зеркале короля и королевы, её родителей) кумир Гойи Веласкес изобразил себя самого за работой. Гойя здесь без стеснения подражает Веласкесу. Точно так же в групповое изображение семьи Карла IV Франсиско Гойя вписывает автопортрет: в затемнённом левом углу, позади королевских особ, за мольбертом, можно разглядеть по-рембрандтовски задумчивое лицо художника. ФрансискоГойя Портрет Романтизм _history

​​️Уличная выставка «Новые руины. Стекло» под кураторством художника Максима Имы открылась в «Манеже» в Санкт-Петербурге. ️Лоран Ле Бон назначен президентом Центра Помпиду в Париже. С 2014 года он занимал пост президента Национального музея Пикассо. ️6-я Уральская индустриальная биеннале современного искусства состоится осенью 2021-го года. Екатеринбург и города региона снова станут территорией развёртывания активного современного художественного процесса. Тема биеннале вторит цитате из Екклесиаста — «Время обнимать и уклоняться от объятий». В рамках публичной программы биеннале готовится серия событий с участием швейцарских художников. Программа реализуется при поддержке Швейцарского совета по культуре Про Гельвеция. ️️Полотно Рембрандта, которое считалось утраченным «considered lost and never shown until now», обнаружено на частной вилле в Риме после падения со стены. Владельцы картины отправили его на реставрацию, где мастера и произвели открытие. Называется работа «Поклонение волхвов» или «Посещение Иисуса Христа у кроватки тремя мудрецами». «Это самый прекрасный момент в моей работе: внезапное осознание того, что ты стоишь перед работой великого мастера, который открывает себя тебе, выходит из сумерок и выбирает тебя для возвращения из тьмы», — говорит реставратор Антонелла Ди Франческо. Дело в том, что Рембрандт создал множество картин и гравюр, что приводит специалистов к спору об авторстве. Семья, которой принадлежит холст, решила не продавать его, а предоставлять для выставок. Фото: Рембрандт, «Поклонение Волхвов», 1632-33. https://telegra.ph/file/ce1cee5aa8fe901ce6ce0.jpg

"Осеннее утро в Эраньи" 1897 г. Камиль Писсарро ГМИИ имени А. С. Пушкина. Камиль Писсарро был евреем и убежденным анархистом - читал революционные философские трактаты и учил детей внутренней свободе. Он отстаивал эмансипацию и социальное равенство. Его жизненные и политические взгляды однажды приняли отчетливые формы - и стали нерушимой внутренней основой до конца жизни. Он считал абсолютным злом капитализм, «ужасы нелепой цивилизации», банковские спекуляции и коммерцию. Уверенного, цельного, нерушимого Писсарро не меняли ни слава, ни деньги. Он купил дом в деревушке Эраньи - и растил там яблоневые деревья и овощи на грядках. Цветов совсем немного - только на небольшой клумбе под окном дома. Один критик заметил, что «кисть Писсарро похожа на лопату, которая с болезненным усилием ворочает землю». Такая уничижительная крестьянская метафора, направленная против Писсарро, делает честь критику - он смог найти образ, близкий художнику больше всего. Дикий, загорелый уроженец Антильский островов, Писсарро, обосновавшись во Франции, становится не столичным обитателем богемного Монмартра, а крестьянином, которого земля кормит. И буквально - не давая умереть от голода и вырастить детей, и на уровне образов и мотивов - ежедневно щедро одаривая летними рассветными солнечными пятнами, хрустящим инеем, ровными бороздами после вспашки, осенними листьями, прозрачными зимними сухими травами. Он буквально пишет то, что под ногами. При этом Писсарро не прост и не наивен, его называли учителем Поль Гоген и Поль Сезанн, те художники, которые определили все современное искусство. Самоучка Писсарро, не получивший академического образования, охотно учит молодых художников, в которых часто только он один и верит. Он делится идеями и опытом, формулирует в разговорах и письмах идеи импрессионизма так, что он действительно начинает превращаться в идейное художественное движение с понятными целями. «Изображайте сущность вещей, пытайтесь выразить ее любыми средствами, не думая о технике», - записал слова Писсарро один из его учеников Луи Ле Байль. Сезанн, уехавший жить отшельником и постигать суть прованских сосен, гор и крестьян, лучше всех усвоил эти уроки. А Писсарро оставался в Эраньи до конца жизни, не поменяв привычек и жизненного уклада даже в те времена, когда его картины раскупались в частные коллекции прямо на персональных выставках. Писсарро врос в деревенскую землю Эраньи и не сомневался в надежности и неисчерпаемой силе своего места обитания. Писатель Октав Мирбо сказал однажды о тихом гении художника: «Глаз художника, как и ум мыслителя, обнаруживает более важные аспекты вещей, их целостность и единство. Даже когда он рисует фигуры в сценах деревенской жизни, человека он всегда видит в общей земной гармонии, как человеческое растение. Чтобы описать драму земли и тронуть наши сердца, месье Писсарро не нуждается в неистовых жестах, сложных арабесках и зловещих ветвях на фоне ясного неба». КамильПиссарро Пейзаж Импрессионизм _history

Питер Пауль Рубенс Самсон и Далила 1609 Питер Пауль Рубенс (1577-1640) - фламандский художник, ярчайший представитель эпохи барокко. Особенности творчества Рубенса - это широкий жанровый диапазон, он писал картины на мифологические, религиозные, исторические сюжеты, кроме этого, был крайне изобретателен в композиционных решениях своих картин, мастерски изображая драматичные позы и жесты; вошел в историю также как автор собственного идеала красоты - пышных «рубенсовских форм». Библейский богатырь Самсон заснул, упав на колени красавицы Далилы. Его могучее тело оказалось бессильным перед чарами прекрасной обольстительницы. Рубенс перенес место действия в бордель, отступая от прямого религиозного сюжета, представляя своих персонажей как простых исторических личностей и вкладывая в происходящее двойственный смысл. Мудрость Священного писания гласит о вреде неумеренности и о неминуемом наказании за несоблюдение человеком этого закона. Упавшему под действием вина и женских ласк грозному воину Самсону остригают волосы – источник его невероятной силы. Ему грозит постыдный плен, ослепление и рабский труд на своих коварных врагов. Воины с оружием уже входят в дверь, приглашенный цирюльник и старуха-сводница со свечой завершают печальную сцену. Ярко-красная одежда Далилы, как хлынувшая кровь, приковывает взгляд зрителя, безмолвно вещая о бушующих на полотне страстях. Плен и позор… но не конец истории. Легендарный Самсон, будучи слепым, разрушит дом своих врагов, похоронив под обломками себя и ненавистных ему филистимлян. художник Рубенс живопись галерея историяшедевра искусство лебедиЛеонардо

"Купальщики на отдыхе" 1877 г. Поль Сезанн Фонд Барнса, Филадельфия. У Сезанна есть картины, которые стали культовыми для нескольких поколений художников. Непризнанный, отвергаемый, намеренно игнорируемый критиками, Сезанн считался непостижимым гением среди своих: художников-импрессионистов, нескольких коллекционеров и нескольких писателей. «Купальщики на отдыхе» - одна из тех картин, которые именно для этой небольшой группы почитателей имели огромную ценность, обладали сверхъестественными свойствами. Она появилась впервые на Третьей выставке импрессионистов в 1877 году – Сезанн тогда представил для экспозиции щедрую подборку: 14 картин и 3 акварели. После того, как выставка закроется, работы Сезанна в Париже увидеть не удастся очень долго – целых 12 лет. А пока художник привычно собирает возмущенные отзывы журналистов, критиков и зрителей. На его защиту встают лишь несколько человек – именно в «Купальщиках» эти несколько защитников видят древнюю мощь, микеланджеловскую монументальность фигур, непостижимую гармонию объемов, цвета, свойственные старинной керамике. Восторженные коллеги Сезанна удивляются, как другие не видят внутренней силы работы, как позволяют придирками к анатомическим неточностям уничтожить самый смысл полотна. Почитатели в своем мнении единодушны, они видят одно и то же: молчаливую гармонию, преобразующее божественное присутствие, вместо несовершенств – осознанные совершенствования, которыми Сезанн исправляет видимое. Третья выставка импрессионистов закрылась – и Сезанн уходит со сцены, закрывается в мастерской, работает как одержимый, но прежде всего ищет тишины и покоя, чтобы отключить хор спорщиков и найти теоретическое обовнование своих взглядов, своего способа видения. И тут же у самого Сезанна и у его картины «Купальщики на отдыхе» появляется новый поклонник – неожиданный и спасительный. Жан Ренуар в книге об отце и его друзьях рассказывает историю о первом владельце «Купальщиков». Сезанн вышел из поезда на вокзале Сен-Лазар и нес картину подмышкой – ее увидел молодой человек, тут же высказавший восхищение насыщенными цветами, которые художник использовал для изображения трав и деревьев. Сезанн, не раздумывая, подарил картину молодому человеку. Скоро они снова встретятся – и будут близкими друзьями. Счастливым обладателем «Купальщиков» стал композитор, поэт и музыкант Эрнест Кабанер. Нищий, изможденный, эксцентричный – Кабанер был другом Рембо и Верлена, играл в кабаках на фортепиано и «Купальщиков» водрузил над своей кроватью. Сезанн ценил мысли и взгляды Кабанера, а несколько лет спустя взял на себя заботу о смертельно больном друге. Он уговорил коллег-художников пожертвовать по несколько картин, от себя добавил две – и на вырученные деньги обеспечил своему первому стихийному поклоннику небольшую пенсию. После смерти Кабанера «Купальщиков» купил Гюстав Кайботт. И вместе с другими картинами его знаменитой коллекции, которую Кайботт завещал государству после смерти, сезанновское полотно наконец предстало перед двумя важными судьями: директором Школы изящных искусств и директором Люксембургского дворца. Эти двое принимали от умершего Кайботта его несвоевременный и провокативный дар. Как бы ни раскачивали импрессионисты за прошедшие 20 лет упрямо следующую по проторенной дороге крепкую повозку академического искусства, она лишь немного сдвинулась с основного курса. Для «Купальщиков» Сезанна в стенах парижских музеев пока места не нашлось – коллекцию Кайботта приняли в дар не полностью и, конечно, без этой картины. В итоге ее продали за границу – сейчас картина в Америке. Но истории искусства и самому Сезанну не столь важно было местонахождение «Купальщиков»: художник повторит центральную фигуру в нескольких отдельных полотнах, Эдгар Дега купит одну из этих версий для своей коллекции, одной из первых покупок юного Пабло Пикассо будет раскрашенная акварелью авторская литография по мотивам «Купальщиков». Остановить это движение уже не представлялось возможным – Сезанн протоптал для современного искусства новую тропинку и пошел по ней пешком. ПольСезанн Постимпрессионизм _history

"Актриса Маргарита" Нико Пиросмани, 1909 При жизни художнику едва хватало на хлеб и краски. Он умер от голода в подвале одного из грузинских домов. Лишь после смерти стал мировой знаменитостью. Маргарита де Севр – французская певица и танцовщица. Увидев ее на афише, Пиросмани был покорен. В этот же вечер он написал картину «Актриса Маргарита», где изобразил девушку в своей манере примитивизма, выполненную на черной клеенке. Пиросмани отправлял к актрисе огромные повозки с цветами. Для этого он продал последнее – долю в молочной лавке. Позже об этом напишет Паустовский в рассказе «Простая клеенка» и споёт Пугачева в хите «Миллион роз». Эта мелодия любви закончилась, так и не развившись. Маргарита уехала с богатым любовником, даже не попрощавшись с Нико. Но история имела удивительное продолжение. В 1968 году «Актриса Маргарита» выставлялась в Лувре. Перед портретом долго стояла пожилая женщина – та самая Маргарита.

"Жанна д’Арк" 1879 г. Жюль Бастьен-Лепаж Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Земляк Орлеанской девы, Бастьен-Лепаж изобразил Жанну д’Арк не национальной героиней, а простой крестьянской девушкой в родительском саду. Перед нами момент, когда святые сообщают Жанне о роли, которую ей суждено сыграть для своей страны. То есть художник сознательно пренебрег соблазнительной возможностью показать Жанну во главе войска. Здесь ее судьба только вершится, это переломный момент. Простота образа усиливает производимый эффект – босая, в домотканой одежде, в саду, в котором провела столько беззаботный дней, она узнаёт о предписанной ей роли. Весь эффект в этой естественности, перед нами пастушка, которой только предстоит стать Орлеанской девой. Ее образ пронизан напряженностью, она вслушивается в голоса. О предначертанной роли освободительницы Франции девушку извещают архангел и святые, Жанна не видит их, а мы – видим: едва намеченные светящиеся фигуры парят за ее спиной, на фоне родительского дома. Сама Жанна изображена очень натуралистично, осязаемо. Завораживает ее взгляд – кажется, она напряженно всматривается в открывшееся будущее, совсем иное, чем ей виделось еще 10 минут назад. Идеолог передвижников Владимир Стасов в оценке «Жанны д’Арк» Бастьен-Лепажа весьма суров. По его мнению, она показана «безумной психопаткой». Справедливости ради, разве мог образ Жанны не содержать некой доли экзальтации? В этом случае она бы сказала себе «привиделось» и продолжила заниматься делами по хозяйству. А вот Елена Поленова свои впечатления от Всемирной выставки 1889 года, на которой показывалась «Жанна д’Арк», выразила так: «В искусстве один Bastien-Lepage, его Jeanne d'Arc и многие другие чудные вещи». Впервые публика увидела картину на Парижском салоне 1880 года, и ее приобрел американец Эрвин Дэвис, позже он передал картину в музей Метрополитен. Реакцией французской публики на работу учителя была глубоко возмущена Мария Башкирцева, самая верная последовательница Бастьена, находившаяся рядом с ним до самой смерти (она планировала – до его смерти, но умерла раньше). Мария упрекала критиков в том, что они не признают изображение Жанны д’Арк «произведением возвышенного искусства, потому что он представил её нам крестьянкой, а не с белыми ручками и не в вооружении». Под очевидным, признаваемым самим автором влиянием «Жанны Д’Арк» Михаил Нестеров написал «Видение отроку Варфоломею». БастьенЛепаж _history

"Вечная память" Ганс Гофман, 1962 > Нью-Йорк, Метрополитен-музей Гофман – американский художник немецкого происхождения, представитель абстрактного экспрессионизма. В картине «Вечная память» Гофман вспоминает о пяти американских художниках, которые умерли в расцвете сил: Артур Карлес, ранний американский кубист, и четыре художника-абстракциониста: Аршил Горки, Франц Клайн, Джексон Поллок и Брэдли Уокер Томлин. Работы Гофмана, написанные ближе к концу его жизни, являются данью предшествующим десятилетиям абстрактного искусства и включают в себя широкий спектр техник, которые вызывают дух умерших: пятна, капли, затяжные мазки и геометрические формы с плавными краями.

"Портрет Гертруды Лёв" 1902 г. Густав Климт Частная коллекция. 19-летняя дочка владельца фешенебельного санатория Вены, пленительный портрет, утраченная при нацистах коллекция, внебрачный сын Густава Климта и его модели, наконец, продажа за $39,2 млн «лучшей за последние 20 лет работы Климта» на торгах Sotheby’s летом 2015 года и особые условия раздела суммы — все это не просто картина. Это — сюжет. Работа гения венской сецессии создана в 1902 году. Вот отзывы критиков о работах того периода (включая и портрет Гернтруды Лёв), выставленных на коллективной выставке творцов Сецессиона в 1903 — 1904 годах: «…волшебное очарование сияющих обликов — отличительная черта живописной манеры Климта», и «самая тонкая лирика, которую только способна создать палитра художника». В то время на переломе веков художник тяготел к почти монохромной гамме, создавая нежные, воздушные образы героинь. А пленительная Гертруда тогда идеально соответствовала его живописным представлениям. Наша героиня была дважды замужем: первый брак поначалу был безоблачным, и апартаменты четы оформлял сам Коломан Мозер. Однако супруги расстались после ранней смерти их единственной дочери. Во втором браке с венгерским промышленником у пары было трое детей, но в 1923 году муж умер от скоротечной пневмонии: он не надел пальто, возвращаясь из ночного клуба. Гертруда, дочь своего отца, продолжала управлять санаторием, а ее портрет кисти Климта занимал почетное место в прихожей квартиры. Картина с сияюще-воздушной Гертрудой Лёв была признана современниками Климта и вошла в редкое лимитированное издание 50 литографий лучших его работ (удачная затея арт-дилера Метке (H. O. Miethke)). А теперь — вовсе не радужное продолжение истории. Под давлением нацистов еврейское семейство Лев в 1939 году покидает страну и бежит в США. Часть коллекции остается в Австрии, в том числе и бесценный портрет. Дочь Гертруды — Мария, — возвращается туда после войны, надеясь разыскать сокровище. Однако друг семьи, которому поручили приглядывать за оставшимися ценностями, продал картину (вероятнее всего, за бесценок), что называется, под дулом пистолета. Мария Лев в Вену больше не приезжала. Она скончалась в 1964 году в Калифорнии. Портрет кисти Климта после войны оказался у вероятного внебрачного сына художника — Густава Учицки (Gustav Ucicky: его мать, 19-летняя Мария из Праги, работала служанкой в доме Климта). Густав Учицки во время войны создавал в Вене пропагандистские фильмы для нацистов. Вроде бы именно им в 1942 году и была куплена работа. Вдова кинематографиста — Урсула, основавшая Фонд Климта в 2013 году, — в 2014 году «достигла соглашения» насчет портрета с внучкой Гертруды Лев. Средства от продажи картины в 2015 году с аукциона было решено поделить. «Этот портрет показывает храбрую и решительную природу моей бабушки. На этом визуальном воплощении живет сила ее характера и красоты» — сказала внучка прекрасной и вечно юной Гертруды, которую нарисовал австрийский гений — Густав Климт. ГуставКлимт Портрет _history