Вера Орлова (1904 - 1993) «По родным просторам» 1959 холст, масло. 118х112 см...

«Тюльпаны на веранде»

Мёртвый ребёнок 1944 Кандиду Портинари Крупнейший бразильский художник XX века. Он представлял фигуративное искусство в период, когда абстрактная живопись полностью доминировала. Разработал собственную манеру, наиболее близкую мексиканским художникам Давиду Сикейросу и Диего Ривере. Подавляющее большинство произведений Портинари выполнены на тематику, так или иначе связанную с Бразилией или Латинской Америкой. После начала войны его стиль изменяется под сильным влиянием «Герники» Пикассо. Цвет занимает минимальное место в послевоенном творчестве художника, многие картины выдержаны в серых тонах. Художник настолько почитаем в Бразилии, что его именем названы автомобильная дорога, улицы во многих городах страны. В Сан-Паулу есть Авенида (проспект) Кандиду Портинари. "... такие люди, как ... Ривера, Портинари, подобны вершинам Анд..." — писал Пабло Неруда

​​️В «Гараже» в Москве начинают работу сразу три новые выставки. ️«Выбирая дистанцию: спекуляции, фейки, прогнозы в эпоху коронацена» ️«Невидимый звук»  Давида Кларбаута ️«Настоящее время, несовершенный вид»   ️Фестиваль набережных «ВолгаФест» открыл прием заявок на участие в паблик-арт-программе для художников, дизайнеров и архитекторов. Тема 2021 года — «Преграды».   ️Парк Горького запускает проект по защите птиц «Крылатые соседи». 03 апреля посетителям парка предложат раскрасить гигантские скворечники вместе с уличным художником Сергеем Овсейкиным, прогуляться с бердвотчером  Марией Монаховой и послушать лекции в честь Международного дня птиц.   ️Лувр выложил в открытый доступ все произведения из своей коллекции: 480 000 работ можно посмотреть совершенно бесплатно.   ️В Исторический музей из Италии привезли гравюры Альбрехта Дюрера   В экспозиции «Альбрехт Дюрер. Шедевры гравюры из собрания Пинакотеки Тозио Мартиненго в Брешии» представлены 146 гравюр мастера, в том числе такие хиты, как «Меланхолия I», «Адам и Ева» и все листы из серии «Апокалипсис».   В конце XV века родной город Дюрера Нюрнберг был одним из центров книгопечатания в Европе, так что его гравюры выходили огромными тиражами. Успех композиций Дюрера привел к появлению подделок: резчики по всей Европе безо всякого стеснения копировали гравюры. На выставке можно увидеть и работы итальянского гравера Маркантонио Раймонди, с кем Дюрер судился из-за того, что тот подделывал его гравюры. Суд Дюрер выиграл.     Альбрехт Дюрер. «Адам и Ева». 1504. Фото: Государственный Исторический музей https://telegra.ph/file/f56ca78ef1da33bdc05d6.jpg

«Снятие пятой печати» 1608—1614гг. Эль Греко Кроме часто изображаемых библейских сюжетов, Эль Греко писал и достаточно редкие сцены. Одна из таких «Снятие пятой печати». Эль Греко обратился к теме Апокалипсиса. Картину заказал госпиталь Тавера в Толедо. Выбор столь страшного сюжета был вполне объясним для живописца - Эль Греко увядал, и мысли о смерти стали посещать его всё чаще. Сюжет следующий: души усопших, которые сгинули за веру, за слово Божье, обращаются к небесам, и Господь шлёт им белые одежды. Как знак отмщения за их пролитую безвинно кровь. На переднем плане зритель видит утрированно вытянутую фигуру Святого Иоанна. Он возвел руки к небесам и пребывает в каком-то религиозном экстазе-трансе. Задний план заполнили мученики, вставшие из могил. Эль Греко настолько реалистично изобразил происходящее, что, кажется, можно услышать стенания мечущихся душ. Группа из трёх мужчин, фоном для которых служит зелёная драпировка, получают с небес одеяния.

"Старый рынок в Руане" 1898 г. Камиль Писсарро Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Писсарро приезжал в этот город уже три раза, прекрасно знал его и изучил, казалось, все мотивы и привлекательные места. Но ехать с мольбертом в Руан после Моне – завидная смелость и профессиональная дерзость. Камиль Писсарро понимает, что каждый, кто в Париже увидит его руанские полотна, вспомнит о знаменитой серии Моне, которая несколько лет назад с успехом распродавалась прямо с выставки в галерее Поля Дюран-Рюэля. А значит, нужно подойти к Руанскому собору совсем с другой стороны, но и не делать при этом вид, как будто собора не существует вовсе. Тогда Камиль Писсарро прячет грандиозную, древнюю, настойчиво привлекательную для приезжего художника достопримечательность за простые городские постройки. Не такие величественные и сакральные, не такие важные. Так, будто он ходит мимо этого собора всю жизнь, будто он вырос и состарился в Руане. С этой точки обзора Писсарро написал в Руане три картины. Только эта является частью музейной экспозиции, две другие – в частных коллекциях. Художник писал сыну из Руана, что нашел прекрасное место, с которого можно написать не только улицу, но и рынок. Писсарро ждет пятницы, пока на городском рынке начнется рабочий день. Это «оконный период» Писсарро, когда он почти не выходит на пленэр из-за прогрессирующей болезни глаз. В последние несколько лет жизни он просто смотрит в окно и наслаждается возможностью иногда менять эти окна и вид за ними – у Писсарро наконец-то появились деньги для путешествия. В этой цельной картине со сжатым пространством две совершенно разные по техническому исполнению области. Одна – собор, нечеткий, текущий и призрачный в толще воздуха. Классический импрессионизм, реверанс в сторону юношеских находок. Вторая область – это мир рынка, шумный и яркий, устойчивый и наполнившийся в солнечном свете тяжестью и объемом. Несколько пятен чистого цвета на козырьке и на крышах прямо по улице Эписери уводят Писсарро далеко от мерцающих стен собора. Некоторые критики видят на этом руанском рынке геометрическую гармонию, которая предвещает скорое и настойчивое изменение живописной философии, которая предвещает кубизм. Писсарро вернулся в Париж – и Поль Дюран-Рюэль тут же купил у него за полторы тысячи франков картину с видом руанского рынка. КамильПиссарро Импрессионизм _history

"Автопортрет, посвященный Льву Троцкому" 1937 г. Фрида Кало Национальный музей женщины в искусстве, Вашингтон. О многочисленных любовниках (и любовницах) Фриды Кало ходили легенды еще при ее жизни, а со временем они обросли слухами и домыслами. Однако записывать художницу в сердцеедки и соблазнительницы, пожалуй, не стоит. Конечно, она не была образцом супружеской верности, но главным мужчиной в ее жизни всегда оставался Диего Ривера, который и сам никогда не скрывал своих бесчисленных романов. Любовная связь между Фридой Кало и Львом Троцким была гораздо менее серьезной, продолжительной и страстной, чем принято считать. Безусловно, опальный русский был пленен экзотической красотой сильной и темпераментной женщины с железобетонным характером, а Фриде, в свою очередь, льстило внимание такой выдающейся личности. Но их роман продлился от силы пару месяцев, после чего «старичок», как пренебрежительно стала называть Троцкого Фрида, быстро ей наскучил. Она прекратила эти отношения, на прощание оставив бывшему любовнику автопортрет, который был скорее очередной шалостью, чем признанием в глубоких чувствах. Как и на большинстве автопортретов, Фрида изобразила себя в традиционной мексиканской одежде и с вплетенными в волосы цветами. В руке она держит листок с надписью: «Я посвящаю эту картину Льву Троцкому, со всей моей любовью, 7 ноября 1937 года. Фрида Кало, Сан-Анхель, Мехико». Соблазнительная и самоуверенная, Фрида, кажется, вот-вот скроется за обрамляющими ее фигуру шторами, похожими на театральный занавес, который готов закрыться после окончания представления. Фрида подарила этот портрет Троцкому в его день рождения. Но, когда в 1939 году он переехал на другую квартиру, ставшую его последним пристанищем, картина, по настоянию супруги Троцкого Натальи Седовой, была оставлена в доме Фриды и Диего. Впервые портрет был представлен публике в 1938 году под названием «Между шторами» на первой персональной выставке Кало в Нью-Йорке. В 1940 году картину приобрела давняя подруга Фриды, американская писательница и политический деятель Клэр Бут Люс. Позже она подарила портрет Вашингтонскому Национальному музею женщин в искусстве, где его можно увидеть в постоянной экспозиции. ФридаКало Примитивизм _history

"Композиция с крылатой нимфой, дующей на факел, среди тростника" Александр де Риквер, 1887 > Барселона, Национальный музей искусства Каталонии Александр де Риквер-и-Инглада – каталонский граф, художник, график, иллюстратор, один из лидеров каталонского модернизма. На формирование художественного стиля Риквера повлияли модернистские плакаты, творчество прерафаэлитов и японская гравюра. "Композиция с крылатой нимфой" отличается графичностью и декоративностью. Эта работа напоминает плакат. Изображение плоскостное и лаконичное, цветовые плоскости лишены тональных переходов, вокруг создана орнаментальная рама. Произведение написано темперой. Риквер наносил ее на холст тончайшим слоем, что еще больше роднит картину с рисунком или гравюрой. Риквер - разносторонний художник и интеллектуал, он работал так же в сфере декоративно-прикладного искусства, создавал ювелирные украшения и эскизы элементов мебели и керамики, был писателем и поэтом.

​​️Компания «Северсталь» объявила объявила о старте благотворительной грантовой программы «Музеи Русского Севера»-2021 год) о старте благотворительной грантовой программы «Музеи Русского Севера»-2021 год. Приём заявок с 01 мая! Программа осуществляется в 12 регионах! ️3 мая — День открытых дверей в Еврейском музее! ️Завершена 60-ти реконструкция берлинской Новой национальной галереи. Ожидается, что галерея откроется для публики в августе. ️В ГУМ-Red-Line открылась выставка «Головач Сопромат», на которой представлены работы современного медиахудожника Сержа Головача. ️Специалист по поисковой оптимизации Гарет Эванс собрал данные по 199 странам и вычислил самых популярных художников. Лидером с большим отрывом (42%) оказался Леонардо да Винчи, возглавляющий поисковые запросы в 84 странах, включая большую часть государств Восточной Европы, Южной Азии, а также Южной и Восточной Африки. Великобритания осталась верна Бэнкси. Он же занял первое место в России и Японии. На этой карте можно увидеть, какими художниками интересовались пользователи Google в мире в 2020 г. Фото: Ken Bromley Art Supplies данные по 199 странам и вычислил самых популярных художников. https://telegra.ph/file/9c6ca607a531d707169da.jpg

"Великий архитектор" Уильям Блейк, 1827 > Манчестер, Уитворт Картина относится к жанру сюрреализма. Блейк являлся сторонником теории креационизма и в данной работе выражает спектр своих религиозных чувств. Сначала это полотно художника, как и многие другие, было забыто. А сейчас же её анализируют и пытаются разгадать. Главным героем является Бог, который изображен в момент творения. Он не устанавливает порядок, а ограничивает свободу и пределы воображения. Религия, вера, законы и порядок – всегда присутствовали в творчестве Блейка, они являлись предметом его размышлений. В буквальном переводе картина называется «Ветхий днями» – так обозначали имя бога в различных мировых религиях. Больше всего черт в этой картине от ветхозаветного Яхве. Ветхий днями означает бессмертный. В мире христиан это имя часто ассоциируется с Богом-отцом, но иногда этим именем обозначали Бога-сына.

"Старик-крестьянин" 1878 г. Иван Николаевич Крамской Государственное музейное объединение "Художественная культура Русского Севера", Архангельск.

Константин Маковский "Портрет графини Марии Егоровны Орловой-Давыдовой" (1880-е) Третьяковская галерея Даже современные журналы, пропагандирующие бодипозитив, ретушируют знаменитостей, чьи фото ставят на обложки. Что оставалось делать художнику Константину Маковскому, когда он взялся писать портрет графини Марии Егоровны Орловой-Давыдовой. На что, кроме проклятий, он мог бы рассчитывать, если бы решил следовать правде жизни и ни на шаг не отступать от фотографии, которой пользовался при создании портрета? В конце концов, зачем заказчице правда жизни? Да, польстил. И эта услуга была оплачена. Бесплатно же Марию Егоровну в письме Алексею Суворину увековечил Антон Чехов: "Перед отъездом гр. Орлова-Давыдова я виделся с его женой. Громадные бриллианты в ушах, турнюр и неуменье держать себя. Миллионерша. С такими особами испытываешь глупое семинарское чувство, когда хочется сгрубить зря".

Онлайн-выставка "Открытый музей". Главные шедевры Русского музея Русский музей – это первый в стране государственный музей национального изобразительного искусства. Сегодня в его коллекции хранится более 400 000 экспонатов. В этом выпуске о шедеврах собрания второй половины XIX века – картинах Ильи Репина, Карла Брюллова, Ивана Шишкина, Василия Сурикова – рассказывает искусствовед, заведующая экскурсионно-лекционным отделом Государственного Русского музея Валентина Горлова. https://www.youtube.com/watch?v=nvufVa0JXXQ

"Благовещение" 1909 г. Александр Александрович Мурашко Национальный художественный музей Украины, Киев. В 1901 году, когда Александр Мурашко впервые приехал в Париж, чтобы учиться настоящей европейской живописи, творчество импрессионистов здесь уже перестало считаться чем-то из ряда вон выходящим. Но для молодого художника, которому в юности прочили карьеру иконописца, игры света и тени на их полотнах стали настоящим откровением. Даже модерн, наступавший импрессионизму на пятки, не смог перебить это впечатление. Понемногу оттачивая свое мастерство в путешествиях по Европе, а затем и после возвращения домой, Мурашко часто уделяет немалое внимание световым эффектам в своих работах. Одной из таких работ стала довольно знаковая картина в творчестве художника – «Благовещение». Примечательно то, что это единственное полотно на религиозную тематику, написанное Мурашко. Чаще всего он писал своих современников, даже в тех сюжетах, которые подсказывало ему воображение. Здесь же героев картины сложно отнести к какой-либо эпохе. Девушка, стоящая на коленях на плетеном коврике и, по всей видимости, занятая вышивкой, может быть родом из любого времени. С другой стороны, резная деревянная веранда и цветы в горшках скорее говорят о том, что эти детали Мурашко писал с натуры. Позже художник рассказывал, как ему пришел в голову этот сюжет. Дело в том, что в их дом часто наведывались самые разные гости, и однажды он увидел девушку, бесшумно отодвинувшую занавеску и вошедшую в гостиную. В воображении художника девушка превратилась в архангела Гавриила, пришедшего к Марии с благой вестью – почти бесплотную фигуру с закрытыми глазами, просвечиваемую солнцем. Эта тихая и какая-то очень домашняя сцена вместе с тем удивительным образом передает всю торжественность момента. АлександрМурашко _history

"Искушение Святого Иеронима" 1541 г. Джорджо Вазари Палаццо Питти, Флоренция. Собрание Галереи Палатина, занимающей верхний этаж во флорентийском Палаццо Питти, начиналась с коллекции живописи олигархического семейства Медичи. Неудивительно, что одно из самых почетных мест отведено в галерее их придворному художнику и автору знаменитых «Жизнеописаний» Джорджо Вазари. Хранящееся там же «Искушение святого Иеронима» - одна из самых известных его картин. Иероним принадлежит к числу наиболее почитаемых католических святых. Как правило, в искусстве Возрождения и барокко его изображают с двумя обязательными атрибутами – пером и свитком, поскольку Иероним был переводчиком Священного Писания и создал одобренный церковью перевод Библии на латынь – Вульгату. Но Вазари выбирает для изображения менее распространённый сюжет с Иеронимом – момент борьбы аскета и пустынника с плотским искушением. Пышнотелые кудрявые купидоны позволяют догадаться, что женщина, присутствующая на картине, – это Венера, богиня любви и одна из излюбленных героинь творчества Вазари. Вообще, Венера и Иероним – персонажи не то чтобы из разных исторических эпох (во времена поздней античности верования в языческих божеств хронологически уживались с верой в Христа и почитанием христианских святых). Точнее будет сказать, Венера и Иероним – не из разных эпох, а из принципиально разных дискурсов, христианского и языческого. Вазари это, однако, не останавливает. Ему, похоже, импонирует подобная эклектика, ведь она позволяет «впрячь в одну телегу» и сугубо религиозное содержание (диктуемое заказчиком), и чтимую Вазари греко-римскую античность с её культом телесности. Об «Искушении святого Иеронима» Вазари оставил в «Жизнеописаниях» подробный комментарий, избавляющий нас от лишних поисковых усилий. Он объясняет, что праведник изображён в тот редкий момент, когда его преследуют искушения плоти – именно их и олицетворяет Венера, наделённая рыжими кудрявыми волосами и пышными плечами – почти обязательными чертами возрожденческой идеальной красавицы. Избавляется от греха Иероним, погружаясь в созерцание тела Христа на кресте. Интересно, что Его Вазари изображает не в виде распятия, гипсового или деревянного, а как живое человеческое тело, только в уменьшенном масштабе. По замыслу, это должно засвидетельствовать не книжную, а живую веру книжника Иеронима. Вера эта сильна настолько, что даже обращает в позорное бегство Венеру. Та держит в объятиях амура, а за руку ведёт, как пояснил Вазари, «фигуру Резвости». Стрелы амуров ломаются и не достигают цели. Голубкам Венеры нечего делать в жизни святого Иеронима. По части «многих интересных изобретений» и расстановки персонажей Вазари был большой затейник. Удачен ли замысел «Искушения святого Иеронима»? Мягко говоря – неоднозначен. Сам Вазари питал к картине смешанные чувства. О ней и о выполненной одновременно копии одной из работ Микеланджело он писал: «Хотя в то время все эти картины мне очень нравились и были написаны мною на совесть, всё же я так и не знаю, насколько они нравятся мне сейчас, в настоящем моём возрасте. Однако, поскольку искусство само по себе вещь трудная, нельзя требовать от художника того, что он сделать не может». И с этим, пожалуй, не поспоришь. ДжорджоВазари РелигиознаяСцена _history

Вера Орлова (1904 - 1993) «Завод "Шарикоподшипник"» 1937 холст, масло. 193х210 см Государственный музейно-выставочный центр "РОСИЗО", Москва вера_орлова

​​️Выставка, посвященная отцу отечественной панорамной живописи Францу Рубо, открылась около здания, построенного для написанной им панорамы Первой обороны Севастополя. ️Обновленный Музей моды — MoMu откроется в Антверпене в сентябре. Классный молодёжный город: ️На вокзале в Иваново открывается арт-резиденция Art Station Ivanovo. Специально для выставки, которая будет проходить в пространстве конструктивистского здания железнодорожного вокзала, на текстильном предприятии города Иваново «Красная Талка» были изготовлены десятки 7-метровых полотен. Каждое из них расписали художники уличной волны: Миша Most, Анатолий Akue, Илья Slak (Aesthetics group), Petro (Aesthetics group), MAX 13 и Павел Ртуе. ️Творческая лаборатория "Человек мира" открылась в субботу в Суздальском районе Владимирской области. В течение суток команда из ста актеров, режиссеров, художников, музыкантов и волонтеров представит публике 10 спектаклей, посвященных свадьбам. ️Успейте посмотреть на работу Дюрера, идею которой до сих пор не могут разгадать искусствоведы: В Историческом Государственном музее до 22 августа проходит Выставка графических работ Альбрехта Дюрера из коллекции Пинакотеки Тозио Мартиненго в Брешии — одной из самых известных художественных галерей Европы! Из Италии привезли более 120 гравюр мастера, среди которых представлены самые известные — гравюра "Меланхолия I", "Адам и Ева", "Блудный сын", "Аполлон и Диана". Произведения А. Дюрера сопровождаются работами его современников, которые копировали с изумительной точностью великого гравера, что говорит об огромном признании мастерства художника. Альбрехт Дюрер. Меланхолия (Меланхолия I). Германия, Нюрнберг. 1514 г. Бумага без водяных знаков; гравюра резцом. Пинакотека Тозио Мартиненго https://telegra.ph/file/f70de48b61ef8681decb9.jpg

Дуб В 1974 году художник Майкл Крейг-Мартин создал инсталляцию «Дуб». Работа представляет собой стакан воды на стеклянной подставке и текст, написанный на листе бумаги и помещенный в рамку, в котором художник доказывает, что этот стакан воды — это дуб (текст в комментариях). Это вера художника в свою способность говорить, и желание зрителя верить тому, что у него есть, что сказать. Забавный случай произошёл с этой работой: австралийские власти запретили въезд этого «дуба» в страну. Художник был вынужден сообщить, что в действительности — это стакан воды. (За поиск этой работы спасибо нашему подписчику!) Искусство или нет?

В центре сцены стоит пятилетняя инфанта Маргарита (1). Её сопровождают фрейлины из самых именитых семей — донья Исабель де Веласко (2), приготовившаяся к реверансу, и донья Мария Агустина Сармьенто де Сотомайор (3), подающая инфанте красный кувшин на золотом подносе, преклонив колено. Справа от инфанты два карлика, служившие придворными шутами: страдающая ахондроплазией Марибарбола (Мария Барбола (4)) из Германии и Николас Пертусато (5) из Италии, тормошащий ногой сонного мастифа. Позади них стоит компаньонка инфанты донья Марсела де Уйоа (6) в траурном одеянии, беседующая с её личным охранником (7). На заднем плане в дверях виден дон Хосе Ньето Веласкес (8), гофмейстер королевы в 1650-е годы и хранитель королевских гобеленов. Сам Веласкес (9) изображён слева от сцены у мольберта с огромным холстом. Король Филипп IV (10) с королевой Марианной (11) в отражении зеркала .

"Танцующая пара" 1663 г. Ян Стен Национальная галерея искусства, Вашингтон. «Танцующая пара» – жанровая сцена, которую Ян Стен написал в 1663 году. Это изображение живой деревенской вечеринки в настоящее время входит в коллекцию Национальной галереи искусств в Вашингтоне, округ Колумбия. На картине художник создал суетливую атмосферу kermis или деревенской ярмарки, включив в повествование множество символических отсылок, популярных как у голландских живописцев, так и у фламандца Питера Брейгеля Старшего. Ян Стен чаще всего ассоциируется с изображениями безудержного веселья в тавернах, на деревенских праздниках и в беспутных семействах. Однако его творчество охватывает гораздо более широкий спектр настроений и сюжетов – от интимного образа скромной семьи, возносящей благодарственную молитву перед едой, до картин на исторические и религиозные темы. Но большинство из них объединяет тёплая и сострадательная реакция на жизнь обычных людей. В работе «Танцующая пара» представлены все пять чувств человека, перечисленные древнегреческим философом Аристотелем: зрение, слух, обоняние, осязание и вкус. В центре композиции находится пара, танцующая на веранде, увитой виноградом. Вокруг расположились люди, которые наслаждаются едой и выпивкой, музыканты со скрипкой и флейтой, а также играющие дети, в том числе – мальчик, пускающий мыльные пузыри. Из-за ограды за весельем наблюдают несколько человек, причём группа на среднем плане справа – с явным осуждением. Музыка здесь воплощает слух, танец – зрение, прикосновения танцоров – осязание, еда – вкус, а её запах и аромат табака – обоняние. Ян Стен часто изображал себя среди персонажей своих картин. Тут он включил автопортрет в левую часть композиции, представив себя в виде мужчины, который кончиками пальцев касается подбородка сидящей рядом дамы. На полотне есть множество намёков, которые расширяют повествование. Пара танцоров, похоже, происходит из разных классов: наряд женщины богаче, чем костюм её партнёра. Это подтверждает распространённое мнение о том, что в Голландии XVII века социальные различия не играли значительной роли. Виноградные лозы символизируют собой удачу и богатство с одной стороны, а с другой могут олицетворять женскую плодовитость, если украшают свадебный пир. Вполне возможно, что Стен изобразил именно такой праздник, хотя танцующие и выглядят маловероятной парой. Однако Стен был моралистом и часто включал в свои картины символы скоротечности человеческой жизни, мимолётности времени и любви. В этой, казалось бы, легкомысленной сцене такой смысл несут разбитый горшок, срезанные цветы и мыльные пузыри. Некоторые учёные полагают, что птицы в клетке означают девственность, а яичная скорлупа на полу – её потерю. Художник даёт понять, что земные удовольствия недолговечны, и нужно обращаться к нетленным ценностям, которые воплощает церковная колокольня на заднем плане. Большинство произведений Яна Стена (считается, что за свою карьеру он создал порядка восьмисот картин, из которых до наших дней дошли 350) характеризуются тонкими отсылками к литературе и театру, в том числе – к итальянской площадной комедии дель арте (комедии масок). Стереотип о том, что художник много пил и часто изображал на своих картинах собственное хаотичное семейство, базируется на том факте, что помимо живописи он занимался пивоварением и держал трактир. В нидерландском языке даже есть выражение «дом Стена», означающее шумное и безалаберное хозяйство. Однако нет ни одного достоверного подтверждения этой легенде. Судя по количеству, качеству и глубине работ, Ян Стен был предан живописи, а финансовые трудности его семьи объясняются количеством домочадцев (у художника было восемь детей от двух браков) и экономическими катастрофами, постигшими Голландию на закате Золотого века. ЯнСтен Барокко _history

"Улица в Авила" Диего Ривера, 1908. > Мехико, Национальный музей Пейзаж занимает в раннем творчестве Риверы особое место. Он родился и провел детские годы в наполненном солнечным светом городке Гуанахуато, живописном месте, дающем возможность почувствовать красоту очертаний горных склонов и любоваться яркими сочетаниями цвета небесного свода и черепичных крыш. В Мехико среди его преподавателей был выдающийся пейзажист Хосе Мария Веласко, под руководством которого студент Академии писал натурные этюды в парке Чапультепек. Хорошо знал Ривера и пейзажные работы Мурильо (Доктора Атля). Позже, живя в 1907-1908 в Мадриде во время стипендиальной поездки, Ривера по совету наставника, Э.Чичарро, путешествовал по провинциям Испании и создал серию зарисовок. Холст из собрания музея представляет вид улицы испанского городка Авила с типичными домиками и фрагментом возведенной в Средние века крепостной стены. Композицию отличают теплый колорит с преобладанием земляных красок, использование контрастных цветовых пятен.

"Лидия Эммет" 1892 г. Уильям Меррит Чейз Бруклинский музей, Бруклин. Для своего времени это один из самых дерзких женских портретов. До сих пор так писали только мужчин: уверенный поворот, выставленная вперед нога, энергичное и свободное положение руки. Ван Дейк, Веласкес, Рубенс, все написанные ими короли и принцы, со шпагами и плащами, званиями и титулами. За 20 лет до Чейза подобную дерзость позволял себе только Эдуар Мане, смягчая ее все же веером, сценическим костюмом с испанскими корнями и более нежным поворотом тела. В остальных же случаях дамам на портретах положено было левой рукой придерживать платье, теребить платок, укачивать младенца, сжимать зонтик или веер. Нежным полукругом изгибать ее в крайнем случае. Но художницу Лидию Эммет необходимо было написать именно так. В 1892 году Лидия Эммет (ей 26 лет!) принимала участие в росписи свежеотстроенного Женского здания на готовящейся Всемирной колумбовой выставке в Чикаго. Выставка состоится через год и станет самой масштабной и посещаемой за всю историю. Лидия, бывшая ученица Уильяма Чейза, уже вернулась к тому времени из Парижа, где училась, из Живерни, где жила некоторое время в колонии американских импрессионистов, поклонников-последователей Клода Моне. Теперь Лидия Эммет – помощница Чейза и преподаватель начального курса в его летней школе в Лонг-Айленде. Она получила первый заказ на иллюстрации к детской книге, когда ей было 16 лет, стала академиком в 45 лет, разработала эскиз медали Американского географического общества, рисовала иллюстрации для журнала Harper’s Bazaar, создавала витражи для Луиса Тиффани, написала портрет первой леди Лу Гувер, который сейчас находится в Белом доме. Одним словом, веер, платок и зонтик – абсолютно посторонние для нее вещи. По портрету Лидии Эммет можно составлять подробный список живописцев, которыми восхищался Чейз, от которых с удовольствием перенимал технические находки, по которым цитировал кружева и платье, позу модели и композицию картины. И все это вместе оставалось бы ловким реверансом в сторону Веласкеса, Ван Дейка, Уистлера, если бы не эта гендерная дерзость. И еще одно: эта длинная розовая лента, пересекающая вертикально всю фигуру Лидии, написана одним тягучим, виртуозным, вызывающе точным мазком. УильямЧейз Портрет _history

Исаак Левитан "Сумерки. Стога" (1899) Это одна из последних работ Левитана. Написана в доме Чеховых, в Ялте. «В кабинете топился камин. Антон Павлович разгуливал, заложив руки за спину, и сокрушался о том, что ему, прирождённому северянину, приходится жить вдали от снега, берез и глухих лесов. Левитан попросил Марию Павловну принести картон, пристроил его в длинном углублении камина. Разговоры смолкли. Левитан писал. Когда он отошел от картона, все увидели луну, поднимающуюся за стогами. Словно сильным запахом свежего сена повеяло в комнате. Родной пейзаж. Теперь он всегда будет перед глазами Чехова, когда он поднимет их от листочков, исписанных убористым почерком. Он будет напоминать о далёкой природе севера и о несравненном художнике. Картина понравилась Чехову. Он писал о ней: "У нас Левитан. На моём камине он изобразил лунную ночь во время сенокоса. Луг, копны, вдали лес, надо всем царит луна".

"Северное сияние" Фредерик Эдвин Чёрч, 1865 > Вашингтон, Смитсоновский музей американского искусства При написании картины Чёрч использовал рисунок «Пик Чёрча, Арктика», сделанный Айзеком Израэлем Хейсом во время его полярной экспедиции 1860—1861 годов. Согласно подробному описанию, приведённому Хейсом в его книге «Открытое полярное море», а также в более поздней книге Чарльза Томлинсона, пик Чёрча находится на восточном побережье острова Элсмир, со стороны пролива Кеннеди, разделяющего северные канадские острова и Гренландию. Сам Чёрч был свидетелем северного сияния, которое можно было видеть с острова Маунт-Дезерт (штат Мэн) 23 декабря 1864 года. Он запечатлел его на картине «Северное сияние. Остров Маунт-Дезерт. Из Бар-Харбора, Мэн». Многие американцы, наблюдавшие это северное сияние, восприняли его как предзнаменование победы Севера в продолжавшейся гражданской войне — именно в качестве этого символа и была воспринята картина «Северное сияние», оконченная в 1865 году.

Фрида. Кало — фамилия отца, Кальдерон — фамилия матери, Ривера — фамилия мужа. Фри́да Ка́ло де Риве́ра или Магдале́на Ка́рмен Фри́да Ка́ло Кальдеро́н (1907 — 1954) — мексиканская художница, наиболее известная автопортретами. Мексиканская культура и искусство народов доколумбовой Америки оказали заметное влияние на её творчество. Художественный стиль Фриды Кало иногда характеризуют как наивное искусство или фолк-арт. Основоположник сюрреализма Андре Бретон причислял её к сюрреалистам.

Картины на страницах старых книг. Луи Жовер (Loui Jover) — австралийский художник. Большая часть работ написана чернилами и гуашью на страницах стареньких книг. Луи Жовер пишет ежедневно, живопись — его основное занятие. Это одновременно и хобби, и работа, и источник счастья. Каждой картине дается особое, уникальное название. Например: 1 фото - «Вдохновение»; 2 фото - «Жизнь в туннеле». Работы Жовера выставлены в галерее Саатчи — самом шокирующем и посещаемом музее Лондона.

​​️Выставка «Шедевры русского искусства из американских коллекций», организованная нью-йоркской галереей ABA, пройдет в Москве с 9 ноября по 12 декабря. В Российской академии художеств представят около 70 произведений русского искусства руки Филиппа Малявина, Константина Коровина, Николая Рериха, Михаила Ларионова, Александра Яковлева и других мастеров. ️Саунд-художник Билл Фонтана записал голос Нотр-Дама. Мировая премьера аудиоработы под названием «Отголоски Нотр-Дама» пройдёт в Париже в июле следующего года. ️Фонд «Свет» поддержит грантами инклюзивные программы в музеях. ️День народного единства в «Царицыне» в этом году пройдет онлайн. Можно будет послушать лекции об истории национальных маскарадов, увидеть фильм о музейной коллекции, послушать концерт классической музыки и даже посетить семейное онлайн-чаепитие вместе с музеями Русского Севера, которое состоится 4 ноября. ️Неизвестные рисунки Франца Кафки впервые представлены публике Сам писатель требовал сжечь их после его смерти. Сегодня они находятся в открытом доступе на сайте Национальной библиотеки Израиля. Фото: рисунок чернилами Франца Кафка с надписью на старинном немецком шрифте Kurrent, Национальная библиотека Израиля https://telegra.ph/file/35ce676c0a05810cf06f5.jpg

"Первый фрак" 1892 г. Владимир Егорович Маковский Государственное музейное объединение "Художественная культура Русского Севера".

Рекорд в мире латиноамериканского искусства Культовый автопортрет Фриды Кало «Диего и я» был продан на аукционе Sotheby’s за рекордные 34,9 миллиона долларов. Созданная в 1949 году, картина изображает художницу в меланхолическом состоянии, которая размышляет о своем возлюбленном и коллеге Диего Ривера и его неверности. Стоит отметить, что ранее Ривера был абсолютным рекордсменом по продажам на рынке латиноамериканского искусства, но теперь им стала Фрида Кало. Представители Sotheby’s в Нью-Йорке назвали такие результаты торгов «окончательной местью». арт_новости

"Веранда" 1922 г. Константин Алексеевич Коровин Частная коллекция.

​​️В Архангельской области национальные парки «Кенозерский» и «Онежское Поморье» открыли прием заявок на волонтерские проекты в 2022 году.   Кенозерский национальный парк расположен в Архангельской области. На его территории зарегистрировано 50 видов млекопитающих и 263 вида птиц, многие из которых занесены в Красную книгу России. В парке сохранились не только природные комплексы Русского Севера, но и памятники архитектуры, археологии, монументальной живописи и иконописи. В 2004 году особо охраняемая территория включена во Всемирную сеть Биосферных Резерватов ЮНЕСКО.   ️В Москве появился Музей криптографии.   ️Венецианский институт науки, литературы и искусства утверждает, что Венецию к 2100 году разрушит повышение уровня моря.   ️C 15 января в Библиотеке №180 имени Н.Ф. Федорова на Профсоюзной в Москве пройдет выставка одного из ведущих российских иконописцев Александра Чашкина «От Рождества до Воскресения».   ️Музей русского импрессионизма представил книгу «Юрий Пименов. Непридуманные истории» — сборник документальной прозы, посвященной художнику. ️Государственный Русский музей в Санкт-Петербург откроет выставку «Михаил Врубель. К 165-летию со дня рождения». После Третьяковской галереи коллекция отправится в Русский музей, где мы увидим более 100 работ из богатого наследия великого живописца. Михаил Александрович Врубель, Жемчужина, 1904, Московский Румянцевский музей Фото: Третьяковская галерея https://telegra.ph/file/714bb42d38fc13089f433.jpg

"Градива" 1931 г. Сальвадор Дали Частная коллекция. Композиция «Градива», написанная в 1931 году, объединяет уникальное художественное видение Дали с технической виртуозностью, характерной для его ранних сюрреалистических произведений. Эта полуобнажённая женщина, выписанная в мельчайших подробностях, воплощает мифологическую Градиву – персонаж одноимённого романа Вильгельма Йенсена, изданного в 1902 году. Герой книги, молодой археолог, одержим женской фигурой с древнеримского барельефа до такой степени, что влюбляется в неё и воображает в реальности. Этот сюжет впоследствии использовал Зигмунд Фрейд в анализе идеализации красоты и представлений о спроецированной и настоящей любви. Дали же ассоциировал Градиву со своей женой Галой. Они познакомились в 1929 году в Кадакесе, куда Гала и её прежний муж Поль Элюар приехали в гости к художнику. Вскоре она стала центром личной и художественной жизни Дали. Эту работу купила непосредственно у художника аргентинская графиня де Куэвас де Вера вместе с полотном «Дом для эротомана» (1932). Урождённая Мария де лас Мерседес Адела Атуча и Лавайол вышла замуж за графа де Куэваса де Веру, однако все называли её прозвищем Тота. Она родилась в высокообразованной дворянской семье и провела всю жизнь между Буэнос-Айресом и Европой, особенно Францией, где дружила с Дали, Пабло Пикассо, Альберто Джакометти, Максом Эрнстом, Ле Корбюзье, Маном Рэем, писателем Жаном Кокто, кинорежиссёром Луисом Бунюэлем и многими другими знаменитостями, творившими в Париже в 1920-х и 1930-х годах. Резиденцию её родителей в Аргентине проектировал знаменитый французский архитектор Рене Сержан, построивший отели Savoy и Claridge's в Лондоне. Тот факт, что родители Тоты поручили ему возведение своего семейного дома, говорит об их интересе к авангарду и модернизму. До 2018 года картины хранились в семье потомков Тоты де Куэвас де Веры, пока не была продана на аукционе Sotheby's за 2,7 млн фунтов стерлингов (3,7 млн долларов США). СальвадорДали Сюрреализм _history https://t.me/pic_history/5542

Николай Фешин. Балерина Вера Фокина (1927) И фотография художника за работой над портретом

Вера Орлова (1904 - 1993) «Повеяло весной. Москва и москвичи» 1970 холст, масло. 92х87 см Волгоградский музей изобразительных искусств им.И.И.Машкова вера_орлова

Вера Шевцова, которая в 18 лет вышла замуж за Илью Репина, была, по его же критериям, идеальной спутницей для художника: жила его интересами, увлекалась живописью, терпеливо позировала для портретов, занималась домашним хозяйством и воспитанием детей – именно с такой женщиной он мечтал оставаться до конца своих дней. Илья Ефимович каждый вечер собирал гостей – писателей, ученых, художников, а его жена, обремененная домашними хлопотами, не любила этих собраний, не умела вести светских бесед, избегала шума и суеты. Биограф Репина С. Пророкова пишет: «Никто точно не скажет, когда в доме поселился раздор, но виноваты в нём были одинаково оба. Репин был человеком горячим и вспыльчивым, увлекающимся всем: искусством, людьми, природой, книгами. Он никогда не был примерным супругом и своими частыми увлечениями доставлял немало горя жене». Популярность Репина росла с каждым годом, и он не отказывал себе во флирте и романах со своими поклонницами. Жена об этом знала, хотя и старалась молчать. Как вспоминала позже дочь художника, атмосфера в их доме бывала настолько накалена, что «за обедом иногда тарелки летали». Через 15 лет их брак распался. Все четверо детей после развода приняли сторону матери и долгое время конфликтовали с отцом.

"Венеция. Северный вид на мост Риальто со стороны Фондамента-дель-Карбон" 1760-е Франческо Гварди Частная коллекция. «Венеция. Северный вид на мост Риальто со стороны Фондамента-дель-Карбон» составляет знаменитую пару с другой ведутой – «Венеция. Мост Риальто с палаццо деи Камерлинги». Эти монументальные пейзажи поразительно передают атмосферу Венеции того времени. Они имеют большое значение как для творчества Франческо Гварди, так и для всего искусства XVIII века. Обе картины написаны в середине 1760-х годов, и одна представляет взгляд с севера, вторая – с юга. Эти полотна можно назвать самыми яркими произведениями зрелого периода одного из последних представителей классической венецианской школы живописи. Художник подписал свои творения, – и это указывает на то значение, которое он придавал им. Любопытна и судьба этих двух пейзажей. Впервые они были куплены, скорее всего, у художника, в 1768 году молодым англичанином по имени Шалонер Аркдикон. Он совершал Гранд-тур – путешествие по Европе, обязательное для отпрысков аристократических и состоятельных британских семей. Спустя 123 года полотна приобрёл за 3 тыс. 850 фунтов стерлингов (в закрытой сделке через дом Christie’s) Эдвард Сесил Гиннесс, 1-й граф Айвори – исполнительный директор, а затем глава пивоваренной компании «Гиннесс» и страстный коллекционер. Шедевры передавались по наследству в его семье вплоть до 2011 года, когда были разделены. «Венеция. Северный вид на мост Риальто со стороны Фондамента-дель-Карбон» ушёл с молотка на аукционе Sotheby’s за 26,7 млн фунтов стерлингов (42,7 млн долларов). Временный запрет на продажу, установленный правительством Британии с тем, чтобы местные коллекционеры могли приобрести картину и оставить в стране, не помог – и она была выставлена на открытые торги. Ровно шесть лет спустя «Мост Риальто с палаццо деи Камерлинги» стал лидером вечерней распродажи произведений старых мастеров на Christie’s. Покупатель выложил 26,2 млн фунтов стерлингов (33,9 млн долларов), что стало максимальной суммой за картины любого из старых мастеров на аукционах в 2017 году. После того, как аукционист объявил победителя, в Большом зале Christie’s на Кинг-стрит в Лондоне раздались аплодисменты. ФранческоГварди _history https://t.me/pic_history2/267

Ответ. Кири́лл Вике́нтьевич Ле́мох (имя при рождении — Карлъ Викентьевичъ Лемохъ; 1841 —1910) — русский жанровый живописец, академик и действительный член Императорской Академии художеств, участник «бунта четырнадцати», один из учредителей Санкт-Петербургской артели художников и Товарищества передвижных художественных выставок. Фото: «Варька», (1893) — Государственное музейное объединение «Художественная культура Русского Севера».

Марк Оливер — профессиональный художник и отмеченный наградами иллюстратор из Великобритании. В детстве он был очарован отцовской коллекцией электрических и инженерных компонентов. Это увлечение значительно повлияло на стиль его иллюстраций и произведений искусства. И по прошествии 20 лет роботы, промышленная архитектура и механика остаются постоянными темами в творчестве Марка Оливера.

​​️Под эгидой столичного Мультимедиа Арт Музея стартовала региональная программа биеннале «Искусство будущего». Первая выставка проекта уже работает в музее Норильска. ️Директор гонконгского музея современного искусства «М+» Суханья Раффел станет президентом Международного комитета музеев и коллекций современного искусства (CIMAM). Она будет руководить организацией в течение двух лет. ️Russian Film Festival впервые пройдет в Таиланде. ️«Портрет Елизаветы II» Энди Уорхола установил аукционный рекорд для тиражных работ художника. Продан за за $855,6 тыс. ️Опубликован ежегодный список ста самых влиятельных людей в мире искусства — ArtReview Power 100. Первое место занял арт-коллектив ruangrupa. Впервые лидерство в списке досталось не представителю Глобального Севера или какой-либо бесспорной фигуре, а индонезийскому арт-коллективу ruangrupa — кураторам documenta. Второе место заняла куратор 59-й Венецианской биеннале Чечилия Алемани. NFT, находившиеся на первом месте в списке 2021 года, после краха криптовалюты не вошли в новый состав «самых влиятельных». Полный список здесь. https://telegra.ph/file/e7216c52760840355fb75.jpg

Социалистический реализм — творческий метод в литературе, кинематографе, архитектуре, театре и живописи начала XX века. Александр Николаевич Волков (1886–1957) был выдающимся художником, который стоял у истоков одного из уникальных направлений в искусстве живописи Страны Советов - "соцреализма". Это направление объединяло элементы традиционного реализма с символическими и метафорическими образами, создавая глубокие и многослойные произведения, в которых реальность переплеталась с идеальными представлениями о счастливом обществе, строящем светлое будущее под руководством Коммунистической партии. К концу 1920-х годов вполне окрепшая Советская власть всерьез решила навести порядок в искусстве. Ей нужен был мощный инструмент идеологического воздействия на массы в условиях строительства коммунизма, которым и стал соцреализм. Главными принципами произведений социалистического реализма были провозглашены народность, идейность и конкретность. Социалистический реализм и его черты легко распознавались по типичным сюжетам: воодушевленные лица рабочих и крестьян, радостные пионеры и комсомольцы, энтузиазм субботников и спортивные успехи советских спортсменов, проявление героизма в борьбе против угнетателей. Среди самых известных художников-соцреалистов особо выделяются: Александр Дейнека, Вера Мухина, Исаак Бродский, Александр Герасимов. Волков родился в Фергане, на территории современного Узбекистана, и его творчество было тесно связано с культурой, традициями, обычаями коренного народа. Его работы характеризуются яркими красками и выразительными формами, а также глубоким внутренним символизмом. В своих произведениях он часто обращался к темам повседневной жизни, природы и культуры Средней Азии, показывая их через призму своей художественной философии. Волков стремился отразить в своих картинах внутреннюю сущность изображаемых объектов, их "созревание" до полной художественной выразительности. Волков стал одним из первых художников, активно развивавших социалистический реализм. Он стремился отображать новые советские реалии, показывая изменения в жизни людей и их борьбу за светлое будущее. Художник был внимателен к деталям и стремился передать дух времени. Его работы стали важной частью культурного наследия СССР и продолжают изучаться и цениться за их художественное мастерство и историческую значимость. Основными знаковыми картинами данного являются: «Девушки с хлопком», «Красный обоз», «Колхозник», «Выход бригады в поле», «Испания», «Сбор хлопка», «В культмаге». Волков оказал влияние на последующие поколения художников, которые продолжили развивать традиции социалистического реализма.

"Портрет княгини Ольги Орловой" 1911 г. Валентин Александрович Серов Государственный Русский музей, Санкт-Петербург. Княгиня Ольга Константиновна Орлова – легендарная петербургская модница и профессиональная светская львица – умела носить шляпки. Заподозрить в ней другие таланты было непросто: по свидетельствам очевидцев, княгиня не отличалась умом, душевностью или красотой. Очевидно, не было в числе ее добродетелей и пунктуальности. Уговорив Серова писать ее портрет, она продолжала порхать с бала на бал, и тот (чтобы закончить работу, за которую взялся без особой охоты) был вынужден преследовать ее повсюду - от Петербурга до атлантического побережья. Разумеется, Серов не сводил посредством портрета счеты – он не был мелочным человеком. Однако нота раздражения, зревшего в нем во время работы, слышна вполне отчетливо: это яркий пример того, как ловко умел Серов вплести в парадный портрет элементы карикатуры. _history

«Она не могла стоять, ходить, сидеть без особых ужимок, подчеркивавших, что она не просто какая-нибудь рядовая аристократка, а первейшая при дворе дама», - описывал Орлову Игорь Грабарь. Серов ничуть не погрешил против правды, изобразив такую «ужимку» вместо характера или каких-либо признаков личности. Неестественная поза княгини выдает нетерпение – она при параде и готова покорять свет. Брови высокомерно вскинуты, на лице – едва сдерживаемое раздражение: что-то или кто-то смеет отвлекать хозяйку жизни от ее неотложных дел. Холеный пальчик указывает на саму себя – еще одно свидетельство непомерно воспалившегося эго. Серов выразил свое отношение к модели настолько недвусмысленно, что искусствоведы бросились искать в портрете намеки и метафоры – в том числе те, о которых художник вряд ли подозревал. К примеру, некоторые из них всерьез полагают, что Серов намеренно исказил тень от вазы, чтобы она повторяла очертания Орловой в ее абсурдной шляпе. Таким образом он будто бы подчеркивает, что его героиня – так же пуста. Поклонники княгини (а таких было немало) остались очень недовольны портретом. Особенно они пеняли Серову на то, что именно он настоял, чтобы Орлова позировала в шляпе. Серов невозмутимо отвечал, что без шляпы – это была бы уже не Орлова. Сама Ольга Константиновна претензий не озвучивала. Но картину эту любила едва ли – должно быть, сарказм Серова был понятен и ей. Вскоре после смерти художника она отдала портрет в музей Александра III – с условием, что он не будет выставляться в одном зале с портретом Иды Рубинштейн. Похоже, княгиня Орлова не могла стерпеть конкуренции не только на шумном балу, но и в благословенной тиши Русского музея. _history ВалентинСеров Портрет

Александр Николаевич Волков (1886–1957) был выдающимся художником, который стоял у истоков одного из уникальных направлений в искусстве живописи «Страны Советов» - "соцреализма". Это направление объединяло элементы традиционного реализма с символическими и метафорическими образами, создавая глубокие и многослойные произведения, в которых реальность переплеталась с идеальными представлениями о счастливом обществе, строящем светлое будущее под руководством Коммунистической партии. К концу 1920-х годов вполне окрепшая Советская власть всерьез решила навести порядок в искусстве. Ей нужен был мощный инструмент идеологического воздействия на массы в условиях строительства коммунизма, которым и стал соцреализм. Главными принципами произведений социалистического реализма были провозглашены народность, идейность и конкретность. Социалистический реализм и его черты легко распознавались по типичным сюжетам: воодушевленные лица рабочих и крестьян, радостные пионеры и комсомольцы, энтузиазм субботников и спортивные успехи советских спортсменов, проявление героизма в борьбе против угнетателей. Среди самых известных художников-соцреалистов особо выделяются: Александр Дейнека, Вера Мухина, Исаак Бродский, Александр Герасимов. Будущий художник- Александр Николаевич Волков родился в Фергане, на территории современного Узбекистана, и его последующее творчество было тесно связано с культурой, традициями, обычаями коренного народа. Его работы характеризуются яркими красками и выразительными формами, а также глубоким внутренним символизмом. В своих произведениях он часто обращался к темам повседневной жизни, природы и культуры Средней Азии, показывая их через призму своей художественной философии. Волков стремился отразить в своих картинах внутреннюю сущность изображаемых объектов, их "созревание" до полной художественной выразительности. Волков стал одним из первых художников, активно развивавших социалистический реализм. Он стремился отображать новые советские реалии, показывая изменения в жизни людей и их борьбу за светлое будущее. Художник был внимателен к деталям и стремился передать дух времени. Волков создавал много сюжетные композиции, в которых главными героями выступали коллективные образы советских людей. Он показывал их в моменте трудовой деятельности, участия в общественной, коллективной жизни, проявления героизма и отваги. Волков изображал людей сильными, целеустремленными и вдохновенными. Герои его полотен часто обладают монументальностью и эпическим размахом, что подчеркивает их значимость и важность для «нового» общества. Его работы стали важной частью культурного наследия СССР и продолжают изучаться и цениться за их художественное мастерство и историческую значимость. Основными знаковыми картинами Александра Николаевича являются: «Девушки с хлопком», «Красный обоз», «Колхозник», «Выход бригады в поле», «Испания», «Сбор хлопка», «В культмаге». Волков оказал влияние на последующие поколения художников, которые продолжили развивать традиции социалистического реализма.

Валентин Сидоров (1928-2021) «Пора безоблачного неба» 1968-1969 холст, масло. 150х175 см Музейное объединение "Художественная культура Русского Севера", Архангельск валентин_сидоров Галерея39