"Влюблённый мужчина у сводни" ок.1540 г. Лукас Кранах Старший Художественное...

Художник Александр Николаевич Волков — выдающийся живописец, чьи произведения пронизаны глубоким смыслом и красотой. Его работы поражают своим исполнением, включающем в себя разнообразные стили и техники, особенно впечатляет его умение передавать атмосферу и настроение, а самое главное заложить глубокий смысл в каждую картину. Благодаря виртуозному владению кистью и цветом, Волков создает образы, которые вызывают у ценителей изобразительного искусства различные эмоции. Некоторые картины могут вызывать радость и улыбку, другие - грусть и печаль, а третьи – способны дать такой мощный импульс и заряд силы, который способен пробудить в человеке такие положительные качества как отвага, героизм, доблесть, благородство, патриотизм и любовь к родной земле. К таким картинам относиться полотно «Испания», написанная в 1937г. Она отражает дух времени, когда народные массы восстали против угнетения и требовали изменений. Этот момент исторического перелома нашел свое яркое отражение в живописи, делая картину значимой не только с художественной, но и с исторической точки зрения. Гражданская война в Испании 1936-1939 г-в стала ключевым событием в истории Испании, когда страна была разделена на два лагеря: республиканцев и националистов. Женщины играли значительную роль в этом конфликте, не только как участницы гражданских, политических движений, но и как бойцы на передовой. Главной героиней картины Волкова стала простая испанская женщина, вставшая на ровне с мужчинами в один боевой строй. Она была одной из тысяч женщин, которые поднялись на защиту своей страны от фашистской опасности. Героиня отважно шагает вперед, крепко сжимая своими руками красное знамя, преисполненная решимости любой ценой воплотить в жизнь священные ценности. В ее глазах — отражение будущего, где каждый человек будет свободен и равен. Ее бой — это бой за будущее, где правят не тираны и деспоты, а голос народа, голос свободы. Это женщина-воин, готовая идти до конца ради своих идеалов и убеждений. Каждый шаг, каждый момент этой борьбы наполнен опасностью и риском. Но для нее нет ничего более важного, чем борьба за свободу и достоинство. Она готова принести в жертву все — свою жизнь, свои мечты, свои надежды — лишь бы добиться победы. И пока она идет в бой с красным флагом в руках, ее душа наполнена надеждой. Надеждой на то, что однажды красный флаг станет символом не только борьбы, но и победы — победы свободы и справедливости для всех. Образ женщины на картине — это образ революции, символизирующий силу единства и веры в светлое будущее.

"Парижское кафе" 1875 г. Илья Ефимович Репин Частная коллекция. Как мог Репин написать какое-то там парижское кафе, когда на него после «Бурлаков» возлагали надежды как на певца народных чаяний и обличителя угнетателей?! Прогрессивная российская общественность негодовала. Крамской возмущался: «Я думал, что у вас сидит совершенно окрепшее убеждение относительно главных положений искусства, его средств и специально народная струна». Корней Чуковский в своих великолепно написанных воспоминаниях о Репине, изданных, однако, следует учитывать, в Советском Союзе, утверждал, что «Репин везде видел бурлаков». Не совсем верное замечание, прямо скажем. Видел Репин и французскую вольницу. Он стал пенсионером Императорской Академии художеств, получив за дипломную картину «Воскрешение дочери Иаира» Большую золотую медаль Академии и право на 6-летнюю стажировку в Италии и Франции. С восторгом говорил Репин о том, что французская живопись отбросила академические и публицистические рамки. «Царит наконец настоящее французское, увлекает оно весь свет блеском, вкусом, легкостью, грацией…», – в стороне от этого «настоящего французского» не остался и Репин. Картина оказалась скандальной не только для русских. Французская публика тоже была сконфужена. Обратимся к сюжету: празднично-легкомысленная атмосфера вечернего шумного кафе, блеск и обаяние парижских развлечений, волнующая атмосфера светской жизни. Кажется, празднично-расслабленный гул достигает наших ушей. Кто-то читает, кто-то разговаривает, официант разносит напитки. В центре внимания – женщина на переднем плане, с зонтом в руках. В чем же загвоздка? А в том, что дама пришла в кафе одна! Интересно, что на одном из предварительных эскизов она была изображена стоящей, явно кого-то ожидающей. Конечно, это совсем иное настроение, в окончательном варианте Репин от него отказался. Героиня его картины отнюдь не стоит, скромно опершись о стул и ожидая, пока явится ее сопровождение. Неотразимая в своей самоуверенности, горделивая, с вызовом как во взгляде, так и во всей позе, красавица с соболиными бровями представляет собой центр картины, всё крутится вокруг нее. Что означает ее двусмысленное положение? Почему она одна? Эмансипе? Кокотка в поисках клиента? С каким негодованием на нее взирает пышно одетая дама справа! А вот усатый мужчина подле нее с большим интересом смотрит в ту же сторону. А два франта вообще поспешно покидают заведение, оскорбленные до глубины души таким развратом – женщина (!) одна (!) явилась в кафе! Один из них отвернулся и, похоже, зевает – ему такое видеть не впервой, второй же, «как денди лондонский одет», не может отвести глаз от бесстыдства эдакого и пятится чуть ли не спиной вперед. Как тут не вспомнить явление народу дерзкой «Олимпии» Мане двенадцатью годами раньше? Тот же бесстыдный взгляд и эротизм, который не в изгибах женских прелестей, а в непередаваемой дерзости и свободе изображенной. Если Олимпию называли лежащей Венерой современности, то женщину Репина иные критики окрестили урбанистической Венерой. Позировала для нее актриса Анна Жидюк. Картину Репин выставил на Парижского Салоне весной 1875 года. Вероятно, под влиянием общественного мнения, дружно скандировавшего «Скандал, скандал!» (хоть русские и французы видели разные поводы для своего негодования), Репин уже готовую картину «подправил», сделав ее скромнее. Дерзкий взгляд девушки он погасил, заставив ее опустить глаза – и она уже казалось жертвой, а не нарушительницей заведенных приличий. ИльяРепин Реализм _history

​Elise Ansel — "переводит" картины старых мастеров на современный живописный язык. Образы из прошлого используются для определения цвета и динамики. Спонтанность абстракции затмевает рациональное мышление, свойственное процессу создания картин. Полотна старых мастеров, в основном, созданы мужчинами для мужчин. Элизабет Ансель преобразует повествование в чувственную форму визуальной коммуникации. https://telegra.ph/file/e7f0b511b74b2d2751305.jpg

Уильям Хогарт "После" (1731) В этой посткоитальной картине мужчина задумчиво подтягивает портки, а женщина цепляется за него. Ее чепчик и юбки растрепаны. Уставшая от лая собака заснула на упавшем таки зеркале.

"Завтрак" 1924 г. Наталья Сергеевна Гончарова Государственная Третьяковская галерея. Большинство исследователей сходятся в том, что «Завтрак» – не типичная для Натальи Гончаровой картина. Как правило, художница не особо жаловала бытовой жанр. Но, видимо, попробовать свои силы в нем решила. Одно дело – не любить, другое – не уметь. Гончарова написала «Завтрак» и убедилась, что умеет. Перед нами сцена, наполненная глубоким психологизмом. Тщательно выстроенная внутренняя драматургия позволила сделать мгновенный слепок истории жизни нескольких людей. Учитывая, что начинала свой путь Наталья Гончарова с импрессионистических картин, многочисленные завтраки импрессионистов ее явно не обошли стороной. А пикантность ситуации не дает забыть о скандально известном «Завтраке» Мане, изображавшем обнаженную женщину в компании двух одетых мужчин. У Гончаровой все одеты, но всё тайное – оно столь явное… Перед нами стол в саду, семейная пара и их гости. Видимо, недавно закончили завтракать. Служанка несет большое блюдо с фруктами. Такова видимость. А что за ней? Безусловным центром картины является усатый мужчина за столом, всё происходит вокруг него. Хозяин дома? Скорее всего. С какой плотоядно-сладострастной, масляной ухмылкой он смотрит на даму в розовом. Они с «розовой» словно в одной плоскости, а «голубая» - вероятно, жена - отстранена, она на обочине. У нее усталый вид, ей, похоже, давно приелись шашни супруга, в ее лице ни малейшего намека на ревность – полное равнодушие и отстраненность с легкой нотой скепсиса. Небрежно отставив руку с сигаретой, она наклонилась в сторону «розовой», скорее всего, говорит что-то типа «какие нынче погоды стоят», скорее всего, подразумевает «как это, право, скучно, и сколько вас таких было-перебыло»… Но «розовая» сейчас не способна ее услышать, она вся устремлена к «усатому», наклон тела, слегка вытянутая в его сторону шея, взгляд, даже кончики туфель. Кстати, о туфлях – ноги здесь исполняют свой показательный танец. Мужская нога, возможно, мгновение назад касалась нынче скрещенных, но неумолимо направленных к нему ног «розовой». А дама в голубом, скрестив ноги под собственным стулом, осталась в стороне. Сладострастие, грех, пресыщенность витают над столом. Руки мужчины сжимают сорванные цветы – он, вероятно, специалист в этом деле, в срывании цветов. Пейзаж соответствует: непосредственно за «черным человеком» – иссохшие деревья, в то время как по сторонам – зеленая буйная листва. Обратим внимание на правый угол. Вопиюще глупого вида юнец – кто он? Младший брат «розовой»? Сын? Племянник? Послушный и не сводящий с нее взгляда. Или же, напротив, воспитанник хозяев, влюбленный в любовницу «усатого»? Девушка в белом – искренняя, печальная и, кажется, понимающая больше, чем надо для спокойных снов на заре туманной юности. Она повернута к молодому фанту, носок ее туфельки тоже смотрит в его сторону, но ни во взгляде, ни в позе не читается любовное томление. Скорее осознание, что ей его не избежать. Возможно, о ее браке с этим глупцом уже договорено? Про собаку, забравшуюся на стул подле «усатого» и повернутую оскаленной пастью к даме в розовом, Марина Цветаева сказала: «собака есть, но не пёс, а бес». Собака нас отсылает к «Завтраку» Сезанна. У Сезанна яблоко – символ греха и обольщения – в руках у женщины. Здесь же женщина – служанка – вносит целое блюдо с фруктами, словно окончательно обозначая происходящее. Она одета в строгое черно-белое одеяние. Явление служанки вносит в картину ритуальный элемент, создает ауру жертвоприношения. НатальяГончарова _history

Ветвь омелы 1790 Фрэнсис Уитли Сюжет картины, на первый взгляд, может показаться странным и непонятным, но это только если не знаешь обычая, который связан с ветвью омелы. Присмотритесь, под потолком подвешена веточка. Подвешенный к потолку пучок омелы (вечнозелёное кустарниковое растение) – традиционное рождественское украшение в Англии до распространения рождественской ёлки во второй половине XIX столетия. Считалось,что если мужчина и женщина оказывались под омелой, они могли поцеловаться. Происхождение обычая неизвестно, но есть предположение, что в нем отразились архаические свадебные обряды – согласно древнеримским историкам, омела использовалась в ритуалах друидов в дни зимнего солнцестояния. Они считали вечнозелёную омелу священным растением. В качестве рождественского украшения омела упоминается впервые в середине XVII века. Персону, случайно оказавшуюся под висящей веткой омелы, позволялось поцеловать любому. Отсюда происходит название «ветка поцелуев».

Гюстав Кайботт "Мужчина, вытирающий ноги" (1884)

«Мужчина и колыбель» Иван Якимов Долгое время картина Ивана Якимова «Мужчина и колыбель» вызывала недоумение искусствоведов. И дело было даже не в том, что подобного рода бытовые зарисовки абсолютно не характерны для живописи XVIII века — у лошадки-качалки в правом нижнем углу картины слишком неестественно натянута веревка, которая логически должна была бы лежать на полу. Да и рановато было ребенку из колыбели в такие игрушки играть. Также камин и наполовину не поместился на холст, что выглядело очень странно. «Просветила» ситуацию — в прямом смысле — рентгенограмма. Она показала, что холст был разрезан справа и сверху. Правая, к сожалению, была утеряна, но увидеть работу целиком все-таки можно, благодаря еще одному уникальному экспонату Третьяковской галереи. Полный вариант работы Якимова обнаружился в альбоме «Собрание отличных произведений российских художников и любопытных отечественных древностей».

Сидящий обнаженный мужчина (автопортрет) 1910 Эгон Шиле Музей Леопольда, Вена Невозможно уйти от традиционной живописи дальше, чем Шиле с его автопортретами. Его работы и сегодня, спустя столетие, шокируют и потрясают. В 1910 году ему было всего лишь 20 лет, но к этому времени он выставлял работы уже в течение двух лет. В «Автопортрете в виде сидящего обнаженного» художник раздет, его тело - странное, нездорово бледное на белом фоне. Как будто он существует в пустоте, неспособный соединиться ни с чем вне себя. Удивительный симбиоз нового взгляда сквозь калейдоскоп Микеланджело и Родена — youtube.com/watch

Венецианские любовники 1525 Парис Бордоне Пинакотека Брера. Милан Полотно пронизано чувственностью и какой-то скрытой грустью. Интересно какой период отношений изобразил художник. Мы не видим улыбок на их лицах, но чувствуем особенное чувственное единение. Это можно увидеть в жесте мужчины, который положил руку на плечо женщины, а она ответила ему нежным наклоном головы. Обратите внимание на их переплетённые руки. Они вместе держат золотую цепочку, что это: обещание брака или просто признание в любви? Но самое интересное, кто же этот мужчина, который смотрит прямо на нас из-за спины девушки? Какую роль он играет? Есть много предположений. Возможно это друг, соперник, родственник, любовник?Зачем художник изобразил его на полотне? А какие у вас предположения?

"Уличная сцена в Берлине" 1914 г. Эрнст Людвиг Кирхнер Новая галерея, Нью-Йорк. В 2006 году «Уличная сцена в Берлине» Эрнста Кирхнера - одна из самых важных картин немецкого экспрессионизма, как утверждали аукционисты, - была продана в частную коллекцию. Запутанная история, которая вызвала волну негодования среди искусствоведов, политиков, журналистов и любителей живописи – крайне редко произведения такой ценности уходят в частные руки из общественного музея. Brücke museum (музей, посвященный деятельности художественного объединения «Мост») вынужден был отдать картину Аните Хальпинс, которая заявила, что она прямая наследница коллекционера-еврея Альфреда Гесса, первого владельца картины. Ее дед вынужден был продать картину за бесценок во время преследования евреев национал-социалистической партией. В соответствии с Вашингтонской декларацией 1998 года власть Берлина согласилась снять картину с музейной стены и передать семье первого владельца. На аукцион Christie's картина попала в том же году и была продана по рекордной для Кирхнера цене – 38 миллионов долларов. Новым владельцем «Уличной сцены» стала Neue Gallery, частная нью-йоркская галерея. Споры вокруг этого решения не утихают уже много лет: обыкновенный коммерческий ход со стороны наследницы, комплекс вины со стороны немецкой власти, ненадежность сведений о первом владельце и тех причинах, которые побудили его к продаже (а может и не было никакого преследования? может, Альфред Гесс просто продал картину и получил за нее хорошие деньги?). В любом случае, возмущаются галеристы и искусствоведы, нельзя просто взять и отдать настолько значительный музейный экспонат, доступный миллионам людей, во владение одному человеку. Эрнст Людвиг Кирхнер написал 11 картин с берлинскими ночными уличными сценами в последний предвоенный год, 1913. Он переехал из провинциального и тихого Дрездена в Берлин, самый быстро растущий и самый освещенный город в начале ХХ века. Здесь резко меняется художественная манера Кирхнера, писавшего до сих пор обнаженную натуру среди дикой природы во время летних вылазок на Морицбургские озера. Город Кирхнера – это мегаполис, в котором одиноко и неуютно, который одинаково возбуждает и пугает обилием возможностей, агрессивным светом ночных клубов, ресторанов, театров, кабаре, кинотеатров. Героини этой живописной серии – берлинские проститутки, ярко одетые и вызывающе заметные. Позднее искусствоведы скажут о том, что продажная любовь для Кирхнера – это символ: коммерческой основы всех внутригородских отношений, процветавшей коррупции, битвы между личной свободой и цензурой в искусстве и одновременно продажности искусства. Все эти смыслы художник вряд ли формулировал как программу и художественную задачу – Кирхнер пишет не социальный пасквиль, а собственные ощущения и состояние ума, собственное отчаянье и одиночество. Не смотря на то, что между мужчинами-клиентами и городскими проститутками должен происходить сейчас бессловесный договор, не смотря на то, что пространство картины перегружено и плотно заполнено фигурами людей, все взгляды направлены в разные стороны и все движения разрознены. Здесь каждый сам по себе. Проводя вечера на центральных улицах и площадях, Кирхнер делает множество зарисовок – ему теперь хватает нескольких линий, чтобы обозначить движение, характеры, выражения лиц. Он пишет позже о том, что попытка передать движение привела его к отказу от одноточечной перспективы, именно несколько точек зрения способны создать ощущение хаотичного, разрозненного движения. Обрезанные фигуры на первом плане картины создают ощущение случайного снимка, сделанного в гуще быстро движущейся толпы. Вытянутые, угловатые лица – влияние одновременно двух равноудаленных от окружающей действительности традиций: экзотические африканские маски и древняя готическая иконография. ЭрнстКирхнер Экспрессионизм _history

"Натюрморт с букетом" 1871 г. Пьер Огюст Ренуар Музей изящных искусств, Хьюстон. «Если бы я продавал только хорошие картины, я бы умер с голоду», - шутил Ренуар. Натюрморты он писал как раз для того, чтоб выжить. Они отлично продавались и создавались очень легко. Ренуар отдыхал, набрасывая свежесорванные цветы, как другие отдыхают, танцуя или попивая вино. Но этот натюрморт особенный. Это натюрморт-посвящение, натюрморт-признание. Эдуару Мане. Реминисценция первая: гравюра. На заднем плане ренуаровского натюрморта – гравюра к картине, о которой сейчас мало кто знает. В XIX веке ее считали произведением Веласкеса и она находилась в Лувре вместе с другими испанскими шедеврами, попавшими в музейные залы в качестве наполеоновских военных трофеев. Мане был в восторге от Испании и Веласкеса, он написал десятки полотен, вдохновленный испанскими мотивами, испанскими костюмами, композицией и мотивами испанских художников. Сейчас полотно приписывают зятю Веласкеса Хуану Батисте Мартинесу дель Масо или просто Мадридской школе. Но ту гравюру, которая оказалась внутри «Натюрморта с букетом и веером», абсолютно точно сделал Эдуар Мане. Реминисценция вторая: цветы. Если бы не было гравюры, все остальные переклички можно было бы считать слегка надуманными, но Ренуар сам узаконил дальнейшие поиски аллюзий. Букет на скандальной картине Эдуара Мане «Олимпия» слишком большой, критики не преминули упрекнуть художника в нарушении пропорций. Зато его невозможно не заметить: это смысловой центр картины, который превращает обыкновенное изображение обнаженной женской натуры в весьма недвусмысленный сюжет: за букетом где-то там, в гостиной, на пороге, за дверью, мужчина, которого вот-вот должна принять Олимпия, обнаженная Олимпия. Этот букет наверняка запомнили все: и критики, брызжущие ядовитыми упреками в неприличности, и молодые импрессионисты, которые назвали Мане своим учителем. Букет для натюрморта Ренуар собирал по своему вкусу, но обернул его точно в такую же, как у «Олимпии», плотную белую бумагу. Реминисценция третья: веер и книги. Япония стала для французов не меньшим откровением и художественным потрясением, чем Испания. Композиционные решения, цветовые находки, рисунок японских гравюр – все это буквально проросло в импрессионизм. Моне, Ван Гог, Сезанн и конечно Ренуар скупали стопки восточных пейзажей в художественных лавках, развешивали их по стенам, впитывали и учились. «Я уверен, что японские пейзажи не лучше других. Только одно: японские художники сумели найти спрятанный клад», - восхищался Ренуар уже много лет спустя. На этом японо-фанатском объяснении можно было бы остановиться, если бы не книги и если бы не заданная уже необходимость искать Мане. В каждой детали. И Мане снова находится. За два года до того, как Ренуар взялся собрать все эти знаковые вещи на одной картине, Мане пишет портрет Эмиля Золя за рабочим столом. Наверняка Ренуар его видел и схватил оттуда на память пару книг и японские мотивы. Во всяком случае так могло быть. ПьерОгюстРенуар Натюрморт Импрессионизм _history

«Мужчина и колыбель». Долгое время картина Ивана Якимова «Мужчина и колыбель» вызывала недоумение искусствоведов. Дело в том, что у лошадки-качалки в правом нижнем углу картины слишком неестественно натянута веревка, которая по логике должна лежать на полу. Да и рано ребенку из колыбели в такие игрушки играть. Также камин и наполовину не поместился на холст, что выглядело очень странно. «Просветила» ситуацию — в прямом смысле — рентгенограмма. Она показала, что холст был разрезан справа и сверху. В Третьяковскую галерею левая половина картины поступила после распродажи коллекции Павла Петровича Тугого-Свиньина. Ему принадлежал так называемый «Русский музеум» — коллекция живописи, скульптуры и антиквариата. Правая, к сожалению, была утеряна, но увидеть работу целиком все-таки можно. Полный вариант работы Якимова обнаружился в альбоме «Собрание отличных произведений российских художников и любопытных отечественных древностей», где собраны рисунки с большей части картин, входивших в коллекцию Свиньина.

Искушение 1857 Николай Шильдер Третьяковка 22 мая 1956 года Третьяков купил эту картину за 150 рублей. За 150 рублей тогда можно было купить дом в деревне или семью крепостных. В живописи Третьяков не понимал ничего, зато он очень хорошо умел считать деньги. На картине мрачная и сырая подвальная комната, в которой живет девушка и ее престарелая больная мать, давно уже не встающая с постели. Однажды в подвал пришли богатый мужчина и старуха-сводня, которая предложила девушке сделку: красивый золотой браслет в обмен на любовь. И вот оно – искушение: с одной стороны нищенский заработок вышивальщицы, с другой – браслет, который можно продать и обеспечить семью. И купить маме так необходимые лекарства. Только в 1863 году Павел Михайлович вспомнил о своей идее устройства «художественного музеума». «Искушение» он внес под «нумером 1» в лично составленный им первый каталог своей коллекции. Вторым номером стала картина Василия Худякова «Стычка с финляндскими контрабандистами»

История одной вещи. Жаклин Марваль. «Кокетки» C выставки «Музы Монпарнаса». Виртуальное путешествие по экспозиции воображаемого «Салона женщин-художниц» (общества с этим и похожими названиями постоянно устраивали тогда выставки в Париже). Внимание к деталям, жесту и позе, внимание к орнаменту и декоративности — всё это о художнице, картины которой стали символом нашей выставки. Кого объединил «Салон женщин-художниц»? Как молодые художницы отстаивали свои права наравне с мужчинами? И кого называли «вечные влюбленные Монпарнаса»? Рассказывает Алексей Петухов, старший научный сотрудник отдела искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков и куратор выставки — https://www.youtube.com/watch?v=b4eUvruFK2g https://www.youtube.com/watch?v=b4eUvruFK2g

​Сюжет «Отправление на рынок» Тройон использовал неоднократно. Впервые он к этому сюжету обратился в 1851 году, эта работа находится в США в частном собрании. В собрании музея Хендрика Месдаха в Нидерландах имеется недатированное полотно «Возвращение с рынка» (91 × 74 см, Cм. скрин к посту), на котором женщина верхом на осле оглядывается на стадо овец — возможно, оно является эскизом эрмитажной картины. Уменьшенное повторение эрмитажной картины, но без мужчины на заднем плане, находится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке; эта картина имеет размеры 41 × 32,7 см, датируется 1860 годом и поступила в музейное собрание в 1917 году из коллекции Флетчеров. В музейном каталоге, изданном в 1966 году, в качестве первого владельца эрмитажной картины ошибочно указан некий князь Трубецкой, который якобы приобрёл свою картину в 1862 году. В Чикагском институте искусств имеется близкий по композиции этюд (92 × 73,4 см), датируемый 1858/1859 годами, в нём присутствует дополнительно фигура пешего юноши, а верховой мужчина изображён в цилиндре. Этот этюд в 1867 году был куплен князем Нарышкиным для своего парижского дома, в 1883 году продан с аукциона в галерее Жоржа Пети в парижскую фирму Arnold & Tripp, которая, в свою очередь, перепродала картину американцу Генри Филду. После смерти Филда в 1890 году этюд был унаследован его вдовой и в 1894 году подарен Чикагскому институту искусств. https://telegra.ph/file/7e493dac7fe6d56353d99.jpg

"Я и моя деревня" 1911 г. Марк Захарович Шагал Нью-Йоркский музей современного искусства (МоМА). Шагал писал картину «Я и моя деревня» в Париже. Сюжет ее построен на зеркальном отображении. Справа мы видим профиль самого художника, напротив – профиль коровьей морды. Художник протягивает ей связку веток и цветов, которую трактуют как древо жизни. В верхней части картины эти зеркальные профили, словно мостом, соединены изображением Витебска. Шагал и корова присматриваются, «принюхиваются» друг к другу. Интересный метод «матрешки» позволил художнику изобразить внутри головы животного отдельную сцену с дояркой и коровой. В центре мы видим круг, соединяющий все элементы в единое целое и символизирующий круговорот жизни. Вокруг этого круга и разворачиваются события картины: дома Витебска, в том числе, стоящие на собственных крышах, доярка с коровой, перевернутая женщина и догоняющий ее мужчина с косой. В светлой перевернутой фигуре женщины ощущается сила, ее трактуют как символ плодородия. Она словно убегает от изображенного в темных тонах мужчины с косой. Не отсылка ли это к старухе с косой? Впрочем, эта погоня не создает ощущения угрозы, она выглядит естественной частью круга, естественной частью жизни. Картина в полной мере проявляет свойственное Шагалу умение соединять бытовое и сверхъестественное. В картине «Я и деревня» ощущаются отголоски фовизма – законы перспективы отправлены в утиль за ненадобностью, да и размеры не озабочены соответствием реальности, кубизма – разделение на сектора, декомпозиция, импрессионизма – нестандартное использование цвета. При этом картина максимально насыщена символами: знаки (коса, церковь, дерево жизни), форма (круг, матрешка). Многие исследователи определяют ее жанр как «бытовой символизм». Но правильнее сказать, что перекликаясь с различными направлениями живописи, картина все же выходит за рамки любого из них. Шагалу удалось воплотить свою цель «не быть похожим на кого-то, найти свой путь». МаркШагал _history

"Портрет Генриха VIII" Ганс Гольбейн Младший, 1536-1537 > Мадрид, Музей Тиссен-Борнемисы Благодаря творчеству замечательного художника мы можем представить себе облик одного из самых одиозных королей Англии. Генрих VIII хорошо известен по своим поступкам как человек, навсегда изменивший вероисповедание в Великобритании из-за своего желания создать династию. Для этого ему требовался сын – наследник престола. Эпопея с многочисленными женитьбами и казнями неугодных жен создали ему репутацию жестокого и непостоянного человека. На портрете предстает мужчина средних лет с явно избыточным весом. По его внешнему виду можно понять, что когда-то этот рослый и сильный принц считался первым красавцем королевства, но образ жизни сказался на его облике. К тому же травма, полученная во время рыцарского турнира, каким-то образом негативно повлияла на его психику. Придворные говорили, что их короля словно подменили. Он стал нервным, подозрительным, настоящим тираном.

Пабло Пикассо "Голубь с зелёным горошком" (1911) В ночь на четверг 20 мая 2010 года из парижского Музея современного искусства были похищены 5 картин, В числе которых оказался и «Голубь». Охранники, находившиеся в ту ночь на службе, ничего не видели и поэтому не отреагировали, пока в 6:50 утра не заметили разбитое окно и сломанный замок. На видеокамерах было видно, как мужчина в маске разбивает окно, идёт по коридорам музея и снимает со стен картины. Вскоре преступника арестовали. Он подтвердил, что похитил картины, но в панике бросил их в мусорный контейнер. Полицейские обыскали указанный контейнер, но картин в нём не нашли. За преступление вор был приговорён к восьми годам тюрьмы. Хотя он действовал в одиночку, следователи предположили, что кража была заказана. Они не поверили в версию с мусорным контейнером. Несмотря на то, что французский мир искусства вежливо попросил преступников вернуть шедевры в музей, картины до сих пор не найдены. Общая стоимость украденных полотен составила 123 миллиона долларов.

Скучали? Бэнкси «отметился» в прибрежных городках Британии Толстовка с капюшоном и ящик баллончиков с краской — неизменные атрибуты одного из самых известных в мире художников — неуловимого Бэнкси. Бристольский мастер граффити, чьи работы сейчас продаются за миллионы фунтов стерлингов, подтвердил, что немножко «похулиганил» на приморских курортах восточного побережья Англии. Но часть его произведений уже повреждены или уничтожены. Недавно в ряде провинциальных городков появились свеженькие граффити — например, крыса, попивающая коктейль в шезлонге на пляже, или огромная чайка, нависшая над «коробкой с чипсами» (на самом деле — контейнером со стройматериалами). Сразу же поползли слухи, что это — творение рук Бэнкси. Теперь он это подтвердил. В Instagram был опубликован клип, проясняющий происхождение рисунков. Видео длительностью чуть более трех минут называется A Great British Spraycation («Великое британское распыление»). В нём показано, как художник-аноним разъезжает в потрепанном автофургоне с переносным холодильником, полным баллончиков с краской. Скорее всего, Бэнкси таким образом хотел выразить солидарность со многими британцами, которые из-за пандемических нововведений не могут уехать за границу и проводят летние каникулы на родине. «Отпускное турне» художника прошло по пяти городам в Саффолке и Норфолке. Всего он оставил 10 «следов» своего пребывания. Загорающая в шезлонге крыса появилась на бетонной защитной стене на Северном пляже Лоустофта. В минувшие выходные выяснилось, что кто-то замазал рисунок белой краской — к огромному возмущению городских властей. Они наняли реставраторов в надежде, что те восстановят работу. Испорчено и граффити с «хватайкой» из игрового автомата, нависшей над всяким, кто сядет на скамейку на берегу моря в Горлестоне. Некий местный художник решил добавить к лаконичной работе своего знаменитого коллеги шесть плюшевых мишек и надпись Banksy Collaboration Emo («Бэнкси в сотрудничестве с Эмо»). А дальше пошло-поехало: кто-то зачеркнул ник Эмо и ниже дописал Эго, потом Эго было зачёркнуто и вновь нанесено. Одному из мишек «пустили кровь» из носа. А вот рисунок с детьми, которых выбрасывает из надувной лодки из-за невнимательности пьющего взрослого, удалили по инициативе муниципалитета Грейт-Ярмута. Дело в том, что Бэнкси выбрал для неё место, неподалёку от которого три года назад при подобных обстоятельствах погиб ребёнок. Власти решили найти работе менее травмирующую локацию. В роли «вандалов» выступил и совет Олтон Броуд, пригорода Лоустофта. По его распоряжению убрали кусок металла из композиции «Все мы в одной лодке». Этот фрагмент загораживал водосток, над которым Бэнкси нарисовал трёх мальчиков, играющих в мореплавателей. Железка там могла привести к затоплению участка парка во время дождя. Власти пообещали вернуть всё «как было» когда установится хорошая погода. А ещё Бэнкси «вручил» стаканчик мороженого статуе Фредерика Сэвиджа, который был мэром города Кингс-Линн в XIX веке. Мало того, он снабдил каменного градоначальника пикантным розовым языком. Муниципалитет не оценил такую редакцию старинного памятника. Остальные работы остались в сохранности, в том числе и уже упомянутая чайка. Это: — танцующая пара и мужчина, играющий на аккордеоне, на автобусной остановке в Грейт-Ярмут; — граффити на миниатюрной конюшне с надписью «Стань большим или иди домой», подписанное Бэнкси и с его «фирменной» крысой, в том же Грейт-Ярмут; — ребёнок с ломом и замком из песка рядом с разбитой тротуарной плиткой в Лоустофте; — группа крабов-отшельников, один из которых нацепил раковину и поднял табличку Luxury rentals only («Только дорогая аренда»). Эти работы контрастируют с творчеством Бэнкси последних лет. Он стал делать откровенно политические комментарии — поднял кампанию против плохого отношения к мигрантами, выступал против Брексита и радикального исламизма, а также подверг критике приоритеты международного арт-рынка. новостиИОК _history https://www.youtube.com/watch?v=v450Acut8Q0

"Портрет Винсента ван Гога, рисующего подсолнухи" 1888 г. Поль Гоген Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Полотно «Ван Гог, рисующий подсолнухи» может служить одним из самых ярких напоминаний о том, что двум поистине творческим натурам крайне тяжело уживаться вместе. Тем более, в таком крохотном пространстве, как знаменитый Желтый дом, где Гоген провел вместе с Ван Гогом несколько «незабываемых» недель в конце 1888 года. Это время стало для обоих художников очень продуктивным в творческом плане, но назвать их отношения добрососедскими никак нельзя. Почти всем необходимым их снабжал брат Ван Гога Тео, и Гогену пришлось стать фактически нянькой для Винсента, удивительно беспомощного в бытовых вопросах и мало обращавшего внимание на беспорядок. Гоген, который и так жаловался на то, что Тео купил его, «как проститутку», не мог добиться взаимопонимания ни уговорами, ни скандалами, ни ультиматумами. Кроме того, художники еще и все время соперничали друг с другом – и на творческом, и на любовном фронте. По одной из версий, главный конфликт между ними, закончившийся отрезанным ухом и отъездом Гогена, произошел как раз из-за женщины. При таких сложных отношениях неудивительно, что за все время, прожитое вместе, художники написали только по одному портрету друг друга. Ван Гогу было гораздо интереснее писать кресло друга, чем его самого. Что же касается работы Гогена, то здесь можно усмотреть не столько дань уважения таланту коллеги, сколько саркастическую усмешку в его адрес. Художника раздражала страсть Ван Гога к желтому цвету и его одержимость подсолнухами. Интересно то, что Гоген изобразил Винсента, словно глядя на него сверху вниз. Впрочем, для живописца, позже изобразившего себя с нимбом, такой взгляд на окружающих не кажется удивительным. Мужчина на этой картине мало похож на того Ван Гога, к которому мы привыкли благодаря его автопортретам (и немногочисленным фотографиям). Гоген наделил его крупными и грубоватыми чертами лица, оставив узнаваемой лишь ярко-рыжую бороду. ПольГоген Портрет Импрессионизм _history

Древнеримское золото в Дании Мужчина в Дании нашел клад с помощью обычного металлодетектора Клад был найден в пригороде Копенгагена и состоит из золотых монет Римской империи и медальонов арт_новости

​​Новый Ван Гог В Амстердаме обнаружили неизвестный ранее рисунок художника. Амстердамский музей Ван Гога отнес новое произведение искусства к каталогу мастера. Работа представляет собой рисунок, на котором изображен сгорбившийся от сильного истощения мужчина. Эскиз, датируемый 1882 годом, несомненно, похож на несколько других работ, таких как «На пороге вечности». Не каждый день случаются такие открытия! арт_новости https://telegra.ph/file/a4781a25c038f773805fd.jpg

Путешествие на Марс Louis Vuitton продолжает серию книг о путешествиях, на этот раз речь идет о далеком пункте назначения: Марсе. Для создания TRAVEL BOOKS MARS бренд объединил французского писателя Сильвена Тессона и бельгийского иллюстратора комиксов Франсуа Шуитена, чтобы создать вымышленную историю о 22 веке, где экспоненциальный рост населения и глобальное потепление превратили бывшие обитаемые земли в пустыни. В книге мужчина и женщина — возможно, Адам и Ева новой эры — отправляются на Марс, чтобы посмотреть, сможет ли планета быть пригодной для жизни. арт_новости

"Танец в городе" 1883 г. Пьер Огюст Ренуар Музей д’Орсе, Париж. Импрессионизм, зародившийся во Франции в конце XIX века, пришел на смену академизму, который господствовал в изобразительном искусстве на протяжении двух столетий. Французские живописцы искали новые средства для передачи не столько объектов, сколько эмоций, которые эти объекты вызывают. Одним из ярких представителей этого течения является Пьер Огюст Ренуар. Его творчество было настолько ярким и впечатляющим, что современники художника, поначалу относившиеся к импрессионизму с некоторой иронией и пренебрежением, полностью изменили свое мнение. Состоятельные парижане охотно приобретали его полотна, находя в них особое очарование, и не скупились на заказы. Одним из заказчиков живописца был Поль Дюран-Рюэль — известный коллекционер и меценат импрессионистов. Благодаря ему появился «Танец в городе» — картина кисти Пьера Огюста Ренуара, которая вызывает восхищение у истинных ценителей искусства живописи. Дюран-Рюэль, неплохо разбиравшийся в искусстве, сумел разглядеть потенциал в зарождавшемся течении импрессионизма. Он всячески поддерживал художников-новаторов, помогая им с организацией выставок и предлагая интересные и выгодные заказы. В 1883 году меценат заказал Ренуару три картины на один сюжет — парный танец. Художник увлеченно принялся за работу: все три полотна были написаны в течение года. Сохранился набросок, датированный 1880 годом, на котором изображена танцующая пара — это свидетельствует о том, что такая идея появилась у живописца задолго до предложения Дюран-Рюэля. Некоторые искусствоведы называют это полотно «зимней» картиной, а холсты с танцами в Буживале и деревне — соответственно «весенней» и «летней». И действительно: если приглядеться к фону, можно увидеть некоторые признаки, указывающие на определенное время года. Обстановка, изображенная на картине Огюста Ренуара «Танец в городе», говорит нам о том, что действие происходит в зале, украшенном декоративными растениями, либо в оранжерее. Картина Огюста Ренуара «Танец в городе», как и два других полотна из этой серии — «Танец в деревне» и «Танец в Буживале», — имеет вертикальный формат. На всех холстах изображена пара, танцующая медленный танец. Внешнее сходство персонажей этих трех картин позволяет предположить, что замысел художника заключался в том, чтобы показать танцоров в различной обстановке и продемонстрировать зрителю, как вместе с окружающей обстановкой и костюмами главных героев меняется и их настроение. Перед нами — элегантная пара, танцующая бальный танец. На женщине, повернутой спиной к зрителю, надето роскошное белое платье с длинным шлейфом. Спина и плечи дамы открыты, на руках — длинные перчатки из белого атласа. Голова танцующей замерла в полуобороте: нам виден ее миловидный профиль с тонким носом, полными губами и мечтательно прикрытыми глазами. Волосы женщины собраны в причудливую прическу, украшенную белым цветком. Мужчина, склонившийся к партнерше. практически скрыт за фигурой дамы — можно лишь различить фалды фрака, кончик начищенных до сияния ботинок и белые перчатки. Фоном для танцующей пары Ренуар избрал светлую мраморную стену, которая заканчивается круглой колонной и переходит в темно-зеленую стену из растений. Известно, что натурщицей Пьера Огюста Ренуара была Сюзанна Валандон — именно с нее написана картина «Танец в городе». Кто позировал для мужского персонажа нам остается лишь гадать, так как его лица не видно. Предполагают, что это мог быть друг живописца Поль Лот. В 1978 году картина Огюста Ренуара «Танец в городе» стала частью коллекции Лувра. С 1986 года это произведение находится в музее д'Орсе (г. Париж,Франция). ПьерОгюстРенуар Импрессионизм _history

"Мужчина за чтением у лампы" 1814 г. Георг Фридрих Керстинг Винтертурский художественный музей.

"Танец в Буживале" 1883 г. Пьер Огюст Ренуар Бостонский музей изящных искусств. 1883 год был удачным для Пьера Огюста Ренуара: он получил довольно крупный заказ от известного коллекционера и покровителя импрессионистов Поля Дюран-Рюэля, благодаря которому появилась картина «Танец в Буживале». Заказчик пожелал стать обладателем трех полотен, объединенных общей тематикой: парным танцем. Ренуар с увлечением принялся за работу. Несколькими годами ранее он написал картину, изображающую множество танцующих на открытом пространстве пар. В этот раз художник решил уменьшить количество танцоров до двух человек: на всех трех холстах мы видим одну и ту же пару, однако обстановка, окружающая танцующих, разная. На одном полотне пара танцует в городе, на втором — в предместье, а на третьем — в деревне. Картина Огюста Ренуара «Танец в Буживале» переносит зрителя в предместье Парижа, весьма популярное в то время среди парижан и гостей города. Сюда приходили, чтобы посидеть с друзьями в уютном кафе, подышать свежим воздухом под сенью деревьев, завести новые знакомства. Буживаль с его невероятно красивыми пейзажами притягивал к себе многих живописцев, в том числе импрессионистов. На полотне изображена танцующая пара: молодая девушка и мужчина средних лет. Наряд девушки подчеркивает ее красоту: модное приталенное платье нежно-розового оттенка удивительно гармонирует с белоснежной кожей и легким румянцем на щеках. Многочисленные оборки юбки, ниспадающие пышным водопадом, взметнулись в движении — из-под них едва виднеется изящная туфелька. На голове танцующей прелестницы надета стильная красная шляпка, которую украшает букет цветов с темно-фиолетовыми бутонами. Партнер девушки одет в контрастный темный костюм и щегольские ботинки, сочетающиеся по цвету с соломенной шляпой. Головной убор закрывает от зрителей лицо танцора: видны лишь борода и усы. Если относительно женщины, позировавшей Ренуару, у искусствоведов нет никаких сомнений — ею была Сюзана Валандон, — то скрытое лицо мужчины породило две версии. По одной из них на картине Огюста Ренуара «Танец в Буживале» изображен И.-А.Фурнез, по другой — друг художника П.Лот. По положению головы мужчины можно предположить, что тот о чем-то шепчет своей партнерше. Девушка слегка отвернулась от кавалера, ее взор направлен в сторону и вниз, и кажется, будто она смущена, но ее рука, обнимающая мужчину за шею, говорит об обратном. Вполне вероятно, что она смотрит на бутоньерку, которая откололась во время быстрого поворота и упала на землю, а партнер утешает ее, обещая купить другую. Картина Огюста Ренуара «Танец в Буживале» отличается от двух других полотен особой легкостью, воздушностью. Танцующая пара изображена на фоне людей, сидящих за столиками открытого летнего кафе, но взгляд зрителя почти не задерживается на них. Лица второстепенных персонажей нечетки, а ярко-зеленая листва на ветках деревьев смазана — этот прием позволил художнику реалистично передать ощущение движения танцующей пары. Вся сцена залита ярким солнечным светом, что создает атмосферу праздника. У этого полотна есть уменьшенная авторская копия, которую Ренуар создал специально для Сюзанны Валандон. Она практически полностью повторяет оригинал, но, рисуя этот вариант, художник тщательно выписал лицо юной танцовщицы — так, что не остается никаких сомнений: на картине изображена Сюзанна. Сегодня этой копией владеет некий частный коллекционер из США. Оригинальный «Танец в Буживале» из коллекции Поля Дюран-Рюэля, заказчика Пьера Огюста Ренуара, попал в бостонский Музей изящных искусств: картина была куплена Музеем в 1937 году за 150 тыс. долларов. Два других полотна из этой серии сейчас находятся в Париже в музее Орсе. ПьерРенуар Импрессионизм _history

В машине 1963 Рой Лихтенштейн Национальные галереи Шотландии Первоисточником для картины послужил рисунок комикса. Картина описывается напряжение романтического диалога между мужчиной и женщиной. Лихтенштейн использовал горизонтальные параллельные линии, чтобы передать движение. «В машине» была в числе несколько картин «вымышленной драмы», созданных Лихтенштейном в начале 1960-х годов, где изображались женщины в любовных отношениях с властными мужчинами, вынуждающими их быть несчастными. Эта серия послужила прелюдией к картинам 1964 года о наивных «девушках по соседству» в различных тонких эмоциональных состояниях. В этой работе создаётся атмосфера настроение покорности, выраженное очевидным продолжительным молчанием женщины, смотрящей каменным взглядом через лобовое стекло автомобиля. В картине, в отличие от первоисточника, отсутствует текстовый баллон с мыслью девушки: «Я поклялась себе, что не пропущу назначенного мне свидания, что не поеду с ним кататься на машине, но не успела опомниться.…»

"Вампир" 1895 г. Эдвард Мунк Музей Мунка, Осло. Первоначальное название картины «Любовь и боль» - гораздо тоньше отражает ее настроение. «Вампир» звучит как приговор, без вариантов. Автор этого более позднего названия – друг художника Станислав Пшибышевский. На самом же деле полотно живет гораздо более сложной жизнью. Невозможно однозначно сказать о сюжетной составляющей картины, да это и нелогично по отношению к Мунку. Не важно, в каких там отношениях находятся изображенные мужчина и женщина, важно прожить вместе с ними весь спектр противоположных, противоречивых и сложных переживаний: отчаянье, страх, наслаждение, жалость, нежность, поглощение, насыщение и так далее, до бесконечности. «Вампир», как и большинство картин Мунка, является частью огромного «Фриза жизни» и отвечает в этой симфонии за очень сокровенную грань человеческого бытия. Мунк всегда был уверен, что женщина истощает мужчину, лишает его внутренних сил и свободы. Ни один бурный роман не смог убедить его в обратном. При этом именно любовные переживания занимают центральное место во «Фризе жизни». Вариантов картины художник оставил достаточно для того, чтобы она успела побывать и в частных коллекциях, и на известных аукционах, и в государственных музеях, и в руках похитителей. В 1988 году картину украли из Музея Мунка, причем один из похитителей тоже попал под нешуточное воздействие норвежского гения. Спустя полгода «Вампира» нашли, похитителя Пала Энгера упекли в тюрьму, но он не успокоился и спустя 8 лет снова пришел за Мунком, только теперь уже за «Криком» в Национальную галерею. ЭдвардМунк Экспрессионизм _history

​​Рисунок, купленный по случаю за $30, может оказаться оригиналом Дюрера Четыре года назад некий человек из американского штата Массачусетс посетил обычную распродажу домашнего имущества. Его внимание привлёк небольшой рисунок — изображение женщины и ребёнка. Под ними красовался один из самых узнаваемых вензелей истории искусства — «A.D.». Шутки ради мужчина купил рисунок за 30 долларов. «По крайней мере, это было прекрасно выполненное старинное произведение искусства, что оправдывало его покупку», — пояснил он. Но всё оказалось не так просто. Теперь выясняется, что работа, скорее всего, стоит намного больше — может быть, до 50 миллионов долларов. По крайней мере, именно такую цену, возможно, получит лондонская галерея Agnews, которая её выставила. Кураторы учреждения полагают, что «A.D.» — реальная подпись немецкого мастера эпохи Возрождения Альбрехта Дюрера. У владельцев галереи есть все основания так думать. Кристоф Мецгер, главный хранитель музея Альбертина в Вене и ведущий эксперт по Дюреру, проанализировал работу и объявил её подлинником. Он даже включил рисунок в свой каталог-резоне произведений художника; книга вскоре появится на свет. Согласна с ним и Джулия Бартрум, бывший куратор отдела немецких эстампов и рисунков из Британского музея. Она организовала вокруг работы выставку, которую теперь можно увидеть в Agnews. Оба эксперта предполагают, что рисунок был создан примерно в 1503 году. Вероятно, это предварительный этюд для известной акварели Дюрера «Богородица с Иисусом среди животных», которая появилась на свет спустя примерно три года. Сейчас она находится в коллекции Альбертины. Нынешний владелец рисунка, желающий сохранить анонимность, прошёл долгий путь до признания своего сокровища — и дня, когда он сможет получить деньги за него. После покупки произведения в 2017 году мужчина показал его нескольким экспертам, чтобы подтвердить подлинность, но в каждом случае получал неутешительный вердикт. Серьёзно рассматривать работу начали только после того как владельца случайно познакомили с Клиффордом Шорером, коллекционером из Бостона. Будучи акционером Agnews, он отправил рисунок в эту галерею. Та, в свою очередь, передала его Мецгеру и другим специалистам. Эксперт-реставратор, например, подтвердил возраст бумаги и обнаружил водяной знак Дюрера «Трезубец и кольцо». Параллельно выяснялся и провенанс рисунка. Архитектор, который жил неподалёку от Бостона и скончался в 2012 году, унаследовал его как семейную реликвию. Вероятно, работу купил его дед в Париже в 1919 году. Галерея не установила конкретную цену за произведение, которое назвали «Мадонна с младенцем и цветком на травяной скамье». Но Шорер подозревает, что оно может стоить до 50 миллионов долларов. По словам представителя Agnews, галерея заключила с владельцем рисунка «стандартное соглашение» и получит компенсацию за три-четыре года исследований, которые понадобились для его аутентификации. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/f8f9ce9440a6b7d0d5a7a.jpg

Уинслоу Хомер "Туман надвигается" (1885) Рыбак на картине изображен в очень напряженный момент. Услышав с базового корабля сигнал-предупреждение о надвигающемся тумане, мужчина оценивает расстояние до судна, которое ему предстоит преодолеть в утяжеленном уловом ялике. Опасность остаться в полной изоляции в густом тумане, потеря ориентиров, невозможность вернуться домой и, наконец, гибель в морской пучине – страхи, знакомые каждому рыболову, оказавшемуся в такой ситуации. Лицо мужчины прорисовано скупо, но напряжение и беспокойство хорошо просматривается в его позе и повороте головы.

Удачная покупка Мужчина купил на распродаже рисунок за 30 долларов США, который, на самом деле стоит около 50 миллионов долларов США. Несколько экспертов подтвердили, что это произведение искусства немецкого художника эпохи Возрождения Альбрехта Дюрера. Представьте себе, что вы покупаете рисунок за 30 долларов, а через 4 года узнаете его настоящую стоимость. Покупатель — невероятный счастливчик. По данным The Art Newspaper, рисунок предположительно был выполнен в 1503 году. арт_новости

​​️В Дни Эрмитажа музей пустит посетителей бесплатно и покажет шоу об Александре Невском. 7 декабря, в День святой Екатерины, который Эрмитаж считает своим праздником в честь основательницы музея императрицы Екатерины II, вход в музей для всех категорий посетителей будет бесплатным. Государственный Эрмитаж ведет свою историю с 1764 года, когда Екатерина II приобрела коллекцию произведений живописи у берлинского купца И.-Э. Гоцковского. Ежегодно 7 декабря Государственный Эрмитаж торжественно празднует День святой Екатерины, в честь которой названа при крещении основательница музея.   Великий герой и князь Александр Невский не проиграл ни одной битвы, как политик он заключил мир с наиболее сильным врагом — Золотой Ордой. Родина Александра Невского — Переславь Залесский в Ярославской области. Александр причислен к лику Святых.   ️ArtReview опубликовал свой ежегодный список ста самых влиятельных персон в арт-мире Power 100. Первое место в списке занимает невзаимозаменяемый токен, точнее, ERC-721 — стандарт токенов в сети смарт-контрактов Ethereum, т. е. технический термин для обозначения NFT. ️Выставка «Москва: Проектирование будущего» 17 декабря откроется в Музее Москвы. ️Галерея Anna Nova представляет дебютный проект своего нового художника Александры Гарт. ️Бэнкси пожертвует $13 млн на создание центра искусств в здании Редингской тюрьмы. Тюрьма существовала с 1844 по 2013 годы. Сейчас Здание принадлежит Министерству юстиции и было выставлено на продажу в 2019 году. Активисты начали кампанию по спасению его от продажи застройщикам, убеждая Городской Совет превратить его в арт-пространство.   В этой тюрьме полтора года был заключён Оскар Уальд. Время, проведенное Уайльдом в заключении, вдохновило его на создание стихотворения «Баллада Редингской тюрьмы». Еще 1 марта этого года на высокой кирпичной стене, окружающей двор Редингской тюрьмы, появилось граффити Бэнкси, на котором изображен совершающий побег мужчина в полосатой арестантской робе Фото: shot from Banksy https://telegra.ph/file/2f850adde3befda9339d8.jpg

В историю императрица Анна Иоанновна вошла не как благоразумный политик, а как шальная императрица. Она любила окружать себя многочисленными карликами, горбунами. Государыня не блистала красотой, но на фоне уродцев выглядела очень даже выигрышно. Более всего она симпатизировала карлице-калмычке Авдотье Ивановне. Кривоногая, некрасивая шутиха обладала острым умом и от души веселила императрицу. Однажды карлица загрустила. Когда императрица спросила, в чем дело, Авдотья ответила, мол, уже немолода и хочет замуж. Анна Иоанновна загорелась идеей замужества карлицы, да так, что та уже и не рада была. Родовитым женихом стал Михаил Голицын. Как-то, будучи за границей, Голицын женился и принял католичество. Сменой веры он навлек на себя гнев Анны Иоанновны, в следствие чего угодил в опалу: во дворце у него было свое лукошко, где мужчина «высиживал» яйца. На пирах в обязанности князя входило наливать всем квас, за что его и прозвали Квасник. Морально уничтоженный князь, естественно, не мог ничего возразить государыне и стал покорно готовиться к свадьбе с карлицей. Сама же Анна Иоанновна настолько прониклась новой забавой, что приказала выстроить для свадьбы огромный Ледяной дом на Неве. Зима в тот год была очень суровая, температура не поднималась выше минус 30 градусов.  По периметру постройку украшали ледяные фигуры птиц и животных. Наиболее впечатляющим творением стал ледяной слон в натуральную величину. Днем из хобота выпускались струи воды, а ночью – горящей нефти. Для строительства Ледяного дома были привлечены лучшие инженеры того времени. Свадебный кортеж представлял собой сильное зрелище. Молодоженов заперли в клетку, которую поставили на слона. За ними тянулись остальные на верблюдах, оленях, собаках. После венчания последовал пир, а вечером Квасника и Авдотью отправили в их дворец на ледяное брачное ложе. У выхода приставили стражников, чтобы молодые не смогли выбраться. По задумке, новоиспеченные супруги должны были замерзнуть при минус сорока градусах, но они сумели выжить. По легенде, карлица подкупила стражников и пронесла заранее теплые вещи, но все равно на утро они были почти замерзшими. Жестокая забава Анны Иоанновны вызвала сильнейшее возмущение в российском обществе и заграницей. Издевательство над шутами назвали низким, а растрату колоссальных средств на свою прихоть – самодурством. Так случилось, что шутовская свадьба стала последним развлечением Анны Иоанновны. Через полгода ее не стало. Что касается виновников «торжества», то карлица Авдотья родила Кваснику двоих детей. Но через два года после свадьбы женщина скончалась, сказались последствия переохлаждения.

Заколдованный мужчина около 1798 Франсиско Гойя Лондонская национальная галерея Надпись LAM/DESCO («необыкновенная лампа») говорит нам о том, что здесь сцена из пьесы Антонио де Самора «Человек, заколдованный силой». Главный герой, Дон Клаудио, убежден, что он околдован и что его жизнь зависит от того, горит лампа или нет. Пьеса впервые была поставлена ​​в 1698 году и несколько раз переиздавалась, в том числе в 1795 году, незадолго до написания картины Гойей. Гойя представил сцену как театральное представление, на сцене с танцующими ослами в качестве задника (в пьесе они описываются как картины на стене). Козел, который, кажется, держит лампу, - не более чем сценический атрибут, но страх, который он внушает Дону Клаудио, изображен с драматическим реализмом. Это была одна из шести картин с ведьмами и дьяволами, написанных Гойей в 1798 году.

Сонет 1907 Ламберт Нац. галерея Австралии, Канберра Тут художник создал волшебную аллегорию, в которой мужчина читает сонет своей спутнице, созерцательно смотрящей на зрителя. Они как будто не замечают, что между ними сидит обнажённая молодая женщина, существующая словно бы в параллельной реальности — в метафизическом мире, созданном поэтом в строках сонета. Ламберт опирался на известные произведения других художников: на «Пасторальный концерт» Джорджоне и «Завтрак на траве» Эдуарда Мане. С другой стороны, это может быть аллегорическое изображение двух сторон женщины — священной и приземлённой — с одетой женщиной, играющей роль священной любви. Её поза и пышный рукав имеют сходство с фигурой священной любви в шедевре Тициана «Любовь небесная и Любовь земная» Тициан. Некоторые критики возражали против сопоставления обнажённой натуры с фигурами в современной одежде на фоне пейзажа. Они считали, что обнажённая натура изображена слишком реалистично, чтобы быть аллегорической.

Мария Башкирцева страдала о том, что у женщины в жизни всего два пути - выйти замуж или умереть. И умерла. А Луиза Бреслау, с которой Башкирцева вместе училась в парижской Академии Жюлиана, решила по-своему - и замуж не пошла и умирать не поспешила, а прожила сорок лет с художницей Мадлен Зиллхардт. Башикрцева на страницах дневника очень много завидует Бреслау. А Бреслау, кстати, очень даже хорошая! Родилась Мария Луиза Катарина Бреслау в 1856 году в Мюнхене, в семье известного врача гинеколога. Это была вообще-то семья польских евреев, но ассимилировавшая в Германии - вроде как, Луиза Бреслау даже потом откажется использовать свое первое имя - Мария - чтоб подчеркнуть свое еврейское происхождение. Когда будущей художнице было два года, ее отец получил должность профессора и сразу главного врача в Цюрихском университете и семья отправилась в Швейцарию. А в 1866 году доктор Бреслау во время патологоанатомического исследования подцепил стафилококковую инфекцию и резко от нее умер - такие вот были времена суровые. Луиза же всю жизнь страдала от астмы, при том в детстве - особенно остро. Чтоб подлечить астму, Луизу отправили в женскую школу при монастыре на Боденском озере и там, бесконечно гуляя или настолько же бесконечно лежа в кровати, от скуки ли, от печали, Луиза начала рисовать и увлеклась этим делом очень сильно, намного больше, чем требовалось от девушки из приличной семьи. По возвращении из монастыря Бреслау берет частные уроки рисования у швейцарского художника, крепкого академиста Эдуарда Пфайфера, потому что в местные академии и кружки ей вход заказан по признаку пола, и приходит к выводу, что надо ехать в Париж. В Париже, как вы помните, в это время происходит все самое интересное - вспыхивают новые художественные течения, художники бегают туда-сюда и машут руками, в академии Жюлиана додумались до того, чтоб брать в рисовальные классы женщин, Роден обучает их же в своих мастерских аж скульптуре. В общем, хочешь рисовать - действуй, и решительная Бреслау меняет Цюрих на Париж. И обожает его до конца своих дней. В академии, даже по воспоминаниям все той же Башкирцевой, Бреслау была самой сильной студенткой, способной соревноваться с мужчинами - и действительно, в 1879 году именно она становится единственной студенткой академии Жюлиана, чьи работы дебютируют на Парижском салоне. Этот дебют принес художнице известность и она стала довольно популярной портретисткой - Бреслау открыла собственный салон, стала завсегдатаем Салона парижского, получала там медали и любовь публики, а потом - заказы от состоятельных парижан и тоже любовь. Столько любви, что в итоге она стала третьей женщиной в истории и первой иностранкой, получившей орден Почетного легиона. Во время учебы Бреслау обрела несколько верных подруг, с которыми общалась всю жизнь. А еще познакомилась там с Мадлен Зиллхардт (ее портрет за утренним туалетом, очень нежный, я добавлю первым в подборку ниже). Мадлен стала главной моделью Луизы, ее музой, другом, доверенным лицом. Часто на картинах Бреслау, которые не портреты, а изображения “подруг” - Зиллхардт как-нибудь красиво лежит или сидит. Во время Первой мировой войны у Бреслау была возможность спрятаться в Швейцарии, но она осталась в Париже и писала портреты солдат и медсестер, а после войны отправилась вести замкнутую и тихую жизнь в своем поместье напару с Мадлен, писала цветочки в своем саду и радовалась (надеюсь) жизни. После смерти Бреслау в 1927 году Мадлен Зиллхардт унаследовала ее поместье и рисунки, которые передала в музей изящных искусств в Дижоне.

Наскальная живопись. Посетители национального парка в муниципалитете Санта-Елена (Santa Elena) обнаружили, что наскальный рисунок, возраст которого около 5000 лет, фактически уничтожен. Неизвестные пытались сколоть древнюю живопись со стены пещеры, однако им это не удалось. В результате действий вандалов наскальный рисунок был разрушен. По словам мэра Хуана Каминеро (Juan Caminero), восстановить его уже невозможно. Пещера с древней наскальной живописью на стене была обнаружена группой детей, в числе которых был Хуан Каминеро. В честь этого события пещера стала называться «Пещерой школьников» (Cueva de los Escolares). На стене пещеры был изображен мужчина с длинными руками. Уничтоженный рисунок являлся одним из 69 наскальных рисунков, найденных в провинциях Хаен, Гранада и Альмерия, которые были включены в список наследия ЮНЕСКО.

​​️23 и 24 апреля в ГЭС-2 пройдут бесплатные лекции, беседы и игры от ассоциации юристов, медиаторов и переговорщиков.   ️В Царском селе создали VR-версию Янтарной комнаты.   ️В конце апреля к 475-летию со дня рождения Сервантеса, Дню испанского языка и Всемирному дню книги, в Библиотеке иностранной литературы пройдёт фестиваль «Дни Сервантеса».   Откроет фестиваль Праздник Розы и Книги, который уходит корнями в 18 век. Так называют день Святого Георгия — покровителя Каталонии.   Праздник отмечают в Каталонии, автономном регионе Испании. По традиции в этот день мужчины дарят любимым женщинам розу, а женщины мужчинам — книгу. Утром каждый читатель получит в подарок книгу и розу.    Программа   ️23 апреля в Петербурге в галерее One’s Mind откроется выставка работ молодых художников «Fragile! Осторожно: хрупкий груз! VOL. 2».   Наша подруга и прекрасная художница Валерия Витвицкая представит скульптурную инсталляцию «Шепсес Анх: живой образ». Ключевым принципом данной работы является миф: маска хищного кошачьего животного и руки девушки, а также  визуальный и смысловой контраст: сочетание черного твердого и матового с розовым, жидким и глянцевым, сочетание сильного и опасного хищника с уязвимым и незащищенным состоянием.   Валерия рассуждает на тему женственности, гармонии женского и мужского начал.   https://telegra.ph/file/51457d13ff857386b2ffb.jpg

Штрихи к портрету: понять скандальную Сюзанну Валадон Когда мы говорим о Сюзанне Валадон, кого имеем в виду? Прекрасную, всегда разную натурщицу, запечатленную на шедеврах импрессионистов? Художницу, которая и сама оставила след в живописи? Мать знаменитого художника? Яркую, самобытную женщину? А может, скандальную даму Монмартра, участницу «проклятой тройки»? Вспомним всех. Вспомним Сюзанну Валадон. Сюзанна Валадон не родилась Сюзанной Мог ли кто-то предположить, что Мари-Клементин Валадон, незаконнорожденная дочь прачки, прославится отнюдь не достижениями на поприще стирки и прочего клининга, а станет всемирно известна как модель, запечатленная на картинах Ренуара, Тулуз-Лотрека, Пюи де Шаванна (сегодня мы любуемся ею в самых знаменитых музеях)? Но не только. Знаем мы Сюзанну Валадон и как самобытную художницу. Позируя этим мужчинам, Мари-Клементин училась у них. Художники писали ее, она же словно впитывала их умения. Сеансы позирования были для нее и сеансами обучения, о чем до поры до времени никто не подозревал. Известна она и как мать художника Мориса Утрилло, чья слава в итоге превзошла ее собственную. Но почему же Сюзанна? Ревнивый Тулуз-Лотрек (кстати, именно он первый увидел ее рисунки) так нарек ставшую на тот момент знаменитой любимую (во всех смыслах) натурщицу, прозрачно намекая на библейскую историю Сусанны и старцев. В роли старцев Лотрек представил именитых живописцев, которым Мари позировала. Правда, в отличие от Сусанны библейской, Сюзанна Валадон, смущающая «старцов Монмартра», чаще всего им не отказывала. Фамилию какого именитого художника должен был носить ее сын Морис Утрилло, не знала даже она. Мальчику было 8 лет, когда его усыновил один из возлюбленных Сюзанны, архитектор, художник и арт-критик Мигель Утрилло. По этому поводу ему приписывают шутку, мол, подписать творение одного из великих мастеров — большая честь для него. Сюзанна Валадон: «все сложно» С Сюзанной Валадон точности и определенности не будет, это становится очевидно уже при попытке начать стандартную биографию. Имя-фамилия, дата рождения, вот это всё. Насчет имени разобрались выше, но с датой тоже не всё просто. Мари-Клементин Валадон родилась в 6 утра 23 сентября 1865 года в доме мадам Гимбо в Бессине, так значится в книге регистрации актов о рождении. Однако сама художница настаивала на другой дате — 23 июля 1867 года. Мать Мари служила в доме Гимбо прачкой. Ее беременность вызвала множество пересудов: такая тихая, строгая и ответственная работница, и вдруг такой казус, ах. А что с папенькой, кстати? Неизвестно. В рассказах Сюзанны он появлялся то человеком знаменитого имени и голубых кровей, то всего лишь «простым» банкиром, а временами и каторжником. Впрочем, иногда она заявляла, что мать нашла ее у ступеней Лиможского собора. Практически всю свою жизнь Сюзанна Валадон создавала миф о себе, словно дразня биографов и потомков противоречивыми сведениями и шокируя непредсказуемыми выходками. Чего стоило утверждение, что свои неудачные картины она скармливает козе, обитающей в ее мастерской. А посещение мероприятий с пучком морковки в качестве букета? В последние годы жизни уже создавшая себе имя Сюзанна Валадон забросила живопись. Четко увидеть и определить момент, когда ты сказала всё, что могла сказать, и остановиться, — это, пожалуй, даже эффектнее, чем коза в мастерской. «У меня были великие учителя, от которых я взяла лучшее в отношении профессионализма и мастерства. Я нашла себя, стала той, кем в действительности являюсь. Мне было что сказать, и я сказала все. Так чего же хорошего в том, чтобы во что бы то ни стало продолжать, впадать в самоповторы, как старый маразматик? Нет уж, спасибо, не мой стиль».

​​Еще не феминизм, но... Нет, она не призывала к борьбе за права женщин, особо не рассуждала о роли женщин и мужчин, о равенстве. Она жила так, будто всё уже есть, и умудрилась стать равной среди лучших. Именно Сюзанна Валадон оказалась первой женщиной, принятой в общество независимых художников (1920 г.). А пробиться на художественном олимпе и прочно завоевать свое место в то время женщине было значительно сложнее, чем сегодня. И потому что положение женщин в обществе оставляло желать лучшего, и потому что творила она в годы, когда гениальные мужчины чуть ли не ежедневно создавали новые направления, шокировали, впечатляли, навсегда меняли облик мировой живописи. Ее совершенно не волновало, можно ли было в то время женщине писать обнаженную натуру (спойлер: нельзя), ню составляют существенную часть ее наследия. Не факт, что слово «объективация» было тогда в ходу, факт, что ее картины не упрекнешь в том, что женщины на них изображены ради услады мужских глаз. Даже нарисованные ею дети не вызывают умиления, а ее обнаженные женщины не эротичны, да и красивыми их назвать далеко не всегда можно. Отношение Валадон к моделям порой подвергалось критике. Так, поэт Жан Вертекс по поводу ее «обнаженки» писал: «Она ненавидит женщин и мстит за любой имеющийся у них шарм, проклиная их своей кистью». Сказано, пожалуй, слишком категорично, но за «сделать красиво» точно не стоило идти к Валадон. Она признавалась, что не умеет льстить, не рекомендовала обращаться к ее услугам женщинам, предупреждая, что не изобразит их обаятельными или приукрашенными, а потому наверняка разочарует. К себе она была не менее строга, самолюбования в ее автопортретах не отыскать. Сама Сюзанна, безусловно, была притягательна для мужчин. А была ли она счастлива? Про главного ее мужчину — в следующей части (полотно текста уже не вместилось в одно сообщение, простите). А итог своим любовным делам сама художница уже в весьма почтенном возрасте подвела так: «Мужчины любили меня, это правда. Но я хочу быть любимой мужчинами, которые никогда меня не видели, хочу чтобы они мечтали обо мне и воображали меня перед квадратом холста, на котором с помощью красок я оставила частицу своей души». Кажется, больше ее волновали мужчины, которые смотрят, смотрели и будут смотреть на ее картины, нежели вожделевшие и обожавшие саму ее. СюзаннаВаладон _history https://telegra.ph/file/de00f498cab910f759b91.jpg

После того как полотно «Качели» Жана Оноре Фрагонара из Собрания Уоллеса расчистили, удалив слой потемневшего лака, его героиня с широко распахнутыми глазами выглядит еще более игриво и чувственно. Юрико Джэкалл, возглавляющая кураторский отдел музея и специализирующаяся на французском искусстве, называет «Качели» (около 1768) «самой выдающейся картиной в стиле рококо». Сочетание загадочности и эротизма в этом полотне давно пленяет публику. Реставратор Мартин Уайлд удалил пожелтевший лак и выцветшую ретушь. После расчистки скрытые прежде детали стали гораздо отчетливей, что позволяет увидеть картину в новом свете. Двое мужчин почти полностью скрыты кустами: в левой части композиции юноша вот-вот увидит, что кроется под шелковым платьем девушки, а справа пожилой мужчина раскачивает качели в едва уловимом намеке на занятие любовью. Благодаря реставрации на полотне Фрагонара прояснились многие детали. Корсаж девушки богато отделан кружевом, а грудь теперь очерчена более отчетливо. Девушка сидит на элегантных качелях, сделанных из позолоченного дерева и обитых дорогой красной тканью, — совсем не то, что ожидаешь встретить в дикой роще. Выражение ее лица приобрело поразительную живость, а в целом, как отмечает Джэкалл, она теперь выглядит «более чувственно». Хотя качели продолжали набирать высоту, одна из туфелек слетела с ее ноги. Создается впечатление, что это вовсе не случайность и что она сама скинула ее по направлению к своему юному поклоннику. Он в восхищении и онемении не сводит широко распахнутых глаз с приближающейся в полете девушки. Хотя левой рукой он галантно снимает свою шляпу, в движении правой угадывается страх. Но кто же этот мужчина справа? Расчистка показала, что он одет не в черные одежды епископа, а в синий костюм светского человека. Джэкалл предполагает, что сцена может изображать любовный треугольник с пожилым мужем и молодым любовником, что отражено в композиции картины. Либо мужчины могут быть отцом и сыном, охваченными страстью к одной женщине.

Браво 1517 Тициан Музей истории искусств, Вена Тут изображён таинственный вооружённый мужчина, стоящий спиной и символизирует скрытую жестокость. Известно, что в основу сюжета (из «Метаморфоз» Овидия) лег миф о том, как Пенфей, царь Фив, боровшийся с культом Вакха, приказал взять его под стражу. Месть Вакха была ужасной: Пенфей был разорван на куски своей матерью и сестрами. Выражение гнева и обещание сурового наказания ясно прослеживаются на лице божества, а сюжеты, посвящённые безрассудству тех смертных, что вызывают гнев небожителей с Олимпа, стали темой, к которой Тициан возвращался неоднократно. Гнев Пенфея по отношению к Вакху выражен в руке, сжимающей кинжал. Художник применил необычное построение картины, но несмотря на изображение персонажей со спины, ему хорошо удалось передать конфликтную ситуацию между ними. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

В Москве пропала частная коллекция картин Малевича и Кандинского. О пропаже картин русского авангарда заявил москвич израильского происхождения Эдик Натанов. В мае Эдик решил проститься с частной коллекцией и продать часть картин. Его друг, Иван Сотов, вызвался купить полотна известных художников за $200 000. Натанов передал ему картины под расписку и должен был получить деньги за них после возвращения из Израиля. Когда коллекционер приехал в Москву, друг исчез из виду вместе с картинами и деньгами. Чтобы вернуть полотна, коллекционер обратился в полицию. Всего в коллекции Натанова более 50 работ мастеров авангарда, в том числе картины Лисицкого, Экстер, Клюна, Штеренберга. Картины мужчина получил в наследство от деда и отца.

Фрина 1850 Гюстав Буланже Музей Ван Гога, Амстердам Фрина Феспийка была куртизанкой, которую на протяжении тысячелетий помнят за драматический суд, который она выиграла, обнажившись перед судьями. Фрина стала символом свободы в борьбе с сексизмом. Еще она была совершенной красавицей. Афиней писал, что шаловливым большим глазам и сладострастной фигуре Фрины не мог сопротивляться ни один мужчина. По словам Афинея, Фрину судили за преступление, караемое смертной казнью. Он писал, что Гиперид, её адвокат, сорвал платье Фрины посреди зала суда, чтобы показать судьям ее прекрасное тело. Он сказал, что только боги могли вылепить такое совершенное тело; значит, ее убийство или заключение в тюрьму будет рассматриваться как богохульство и неуважение к богам. Необыкновенная красота Фрины обернулась для нее славной победой. Фрина вышла из суда с триумфом, и ее история стала источником вдохновения для многих произведений искусства. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Борцы 1899 Томас Икинс Музей искусств, Лос-Анджелес, Калифорния, США Художник считается одним из величайших художников Соединённых Штатов Америки, посвятившим свою карьеру реалистичному изображению человеческой натуры в масле и акварели, скульптуре и фотографии. С детства полюбив спорт, Икинс как амбициозный и оригинальный молодой художник, избрал темами своих картин лежащий вокруг него мир, что позволило ему продемонстрировать свои выдающиеся художественные навыки. Икинс писал картины, в которых выражал свое восхищение спортсменами и активным отдыхом, не забывая также об образах женщин и детей, привлекательных своей яркостью и задумчивостью. На картине изображён борцовский поединок между двумя почти обнажёнными мужчинами, один из которых, просунув руки через подмышки второго, удерживает его при помощи приёма «двойной Нельсон». За ними стоят трое мужчин: спортсмен на гребном тренажере, рефери и другой борец. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

"Мужчина в красном берете" Но мы, конечно, узнали Гогена. Как думаете, это автопортрет или так постарался Ван Гог? В высоком качестве

Мы прошли по Земле Датский художник Уффо Изолотто создал инсталляцию «Мы прошли по Земле» (We Walked the Earth). Художник превращает пространство в фермерский дом, заполненный кучами инструментов, взморника и конского навоза. При ближайшем рассмотрении все эти знакомые элементы на самом деле искажены: в одной из комнат висит мутировавшая ветчина, а по другим комнатам разбросаны незнакомые виды сельскохозяйственных культур, сочащиеся синей жидкостью. В центре этой инсталляции происходит драма жизни и смерти: в одной комнате мужчина-кентавр покончил с собой, и его можно найти повешенным на цепи. В соседней комнате женщина-кентавр лежит на полу, рожая кентавра-детеныша, который, кажется, имеет другой гибрид, чем его родители. Его человеческие руки преображаются в нечто неузнаваемое, одновременно обещающее будущее и предвещающее тяжелые времена. Комментарий художника: «Настоящее время, в котором мы живем, становится все более сложным и непредсказуемым, поскольку мы сталкиваемся с множеством сложных реалий, будь то экологические, политические или экзистенциальные. В воздухе много надежды и отчаяния, и я хочу воплотить это в реальность с помощью этой инсталляции». Работа представлена на 59-ой Венецианской биеннале современного искусства. Искусство или нет?

Надгробие афинского всадника Неизвестный автор 70-е годы IV в. до н.э. Высота 113 см Мрамор ГМИИ им. А.С. Пушкина Надгробие афинского всадника утратило венчавший его фронтон, на эпистиле которого могло быть обозначено имя умершего. Тема прощания-встречи в храме умерших с живыми распространилась на аттических стелах с последних десятилетий V в. до н. э. и продолжала бытовать до конца существования жанра (до 317 до н. э.). Представлена трехфигурная группа: пеший всадник в сопровождении лошади и другой мужчина — его близкий родственник (брат, дядя, отец). Всадник, в коротком хитоне и наброшенном сверху плаще, несет копье на плече (кончик его не показан), сдвинув на шею дорожную шляпу — петас. Всадник выступает на фоне живого как тень — в образе таких теней-эйдолонов греки представляли себе умерших. Особую роль в композиции играет лошадь. Для греков обладание лошадьми было знаком высокого социального статуса, и всадник — это вторая по значимости сословная категория афинского социума.