Вот интересно, Вы задумывались почему за картины Ван Гога отдают десятки...

Венера и Тангейзер Отто Книлле 1873 Музей Берггрюна, Берлин А история вот о чём. Согласно германскому народному преданию, направлявшийся на состязание певцов поэт Тангейзер встретил на своем пути богиню Венеру, которая завлекла его к себе в грот. Тангейзер провел с богиней любви в забавах и развлечениях семь лет. Пресытившись наслаждениями, поэт вспомнил о душе и, убоявшись ада, расстался с возлюбленной и совершив паломничество в Рим, где просил у папы отпущения грехов. Папа с негодованием отверг эту просьбу и подчеркнул, что скорее его папский посох даст свежие побеги, чем Бог простит такого великого грешника. Опечаленный Тангейзер с горя вернулся к божественной Венере. Тем временем жезл расцвел, и папа послал объявить об этом Тангейзеру, но к тому времени поэт уже вернулся в грот Венеры. Таким образом, отвергнутый папой грешник за свое раскаяние получил прощение от Бога, а папа запятнал свое имя излишней суровостью.

​​️Documenta 15 пройдет в Касселе в 2022 году.   Выставка современного искусства Documenta проходит в Касселе каждые 5 лет. Интересно, что на первой выставке в 1955 году были представлены Пикассо и Кандинский. В то время это было довольно неординарное современное искусство. Именно Documenta была учреждена, чтобы смыть с авангарда нацистскую метку «дегенеративное искусство».   ️Доходный дом купца Камзолкина на проспекте Мира в Москве получил статус объекта культурного наследия регионального значения.   ️Австрия вернула России ценности, похищенные нацистами. Античные амфоры и надгробия вернулись на Кубань, откуда они были вывезены во время Великой Отечественной войны. ️Американский режиссер Оеке Хоогендейк сняла фильм «Мой Рембрандт», через который мы можем заглянуть в мир владельцев картин старых мастеров. ️Самые ожидаемые выставки 2021 года в мире по версии The Art Newspaper.   Очень надеюсь, что у нас получится увидеть того самого спрятанного Купидона на выставке работ Яна Вермеера в Картинной галерее старых мастеров в Дрездене, которого обнаружили благодаря рентгенографии.   Галерея обязательно подготовит виртуальный тур и экскурсии!   «Девушка, читающая письмо у открытого окна» Яна Вермеера с расчищенным во время реставрации изображением на заднем плане. Около 1657. Фото: Wolfgang Kreische https://telegra.ph/file/d680de5d3093455786531.jpg

​​️В Эрмитаже продолжает работу выставка «Две Пальмиры: реальная и виртуальная».   Экспозиция развивает острую тему: реально существующий город, разрушенный несколько раз, и его виртуальные воплощения, направленные на сохранение облика города.   Я уже рассказывала вам, что готовится полная цифровая модель Венеции. Недавно я общалась с подводными археологами и была просто шокирована, открыв целый мир цивилизаций, который сегодня находится под водой.   ️Во Франции объявили номинантов премии «Сезар». ️Фотовыставка о животных из приютов открылась на Цветном бульваре в Москве. Питомцев можно приютить! ️ГМИИ им. Пушкина рассказали о предстоящей выставке «Билл Виола. Путешествие души». Это будет первая в России ретроспектива классика видеоарта.   Билл Виола один из моих любимых современных художников. Сила стихий, религиозные и античные сюжеты, время и пространство — это все о Билле Виола. «Все художники эпохи Возрождения были одержимы изображением движения — развевающиеся одежды, морской шторм… — но Джотто был первым, кто использовал абсолютный эмоциональный реализм», — говорит художник. Ведь именно Джотто считают родоначальником эпохи Возрождения. Он начал писать небо голубым цветом — первый шаг к реализму. До этого небо изображалось золотым по канонам готики, как знак небесного Божественного света. Только послушайте: На фото я выбрала для вас инсталляцию «Вознесение Изольды». Виола изобразил Изольду восходящую из глубины к лучу света. Это прямая аллегория настолько глубокой и сильной любви Тристана и Изольды, что она не помешается в материальных телах героев и выходит за пределы земной жизни. Вода для Виолы — признак сильных эмоциональных чувств. Мгновенно вспоминаю «Песнь песней Соломона» — «ибо крепка, как смерть любовь... большие воды не могут потушить любви, и реки не зальют ее». Фото: Stella Art Foundation https://telegra.ph/file/9e547b09b945ef133fe82.jpg

Рисуем малышку панду с детками Вот несколько приемов, чтобы наш персонаж был чрезвычайно милым: 1. Мордочка занимает половину всего роста 2. Линия глаз не по центру «лица», а чуть ниже 3. Не оставляем руки пустыми, добавляем шарики. практика

Картины на холсте с изображением животных давно и прочно вошли в дизайн жилых и рабочих помещений. Они станут отличным решением для украшения любого интерьера. Переходите в наш каталог https://futuart.ru/catalog/vse-tovary/kategorii-zhivotnye и выбирайте понравившиеся Вам картины. Всего от 450 руб.

Как вам аудиоформат разборов? Многим из вас удобней слушать, а не читать длинные посты. Если вы из таких, то загляните в наш второй канал «Искусство слышать». Каждый день мы публикуем по одной картине, интересного материала уже очень много. Ждём вас в гости https://t.me/audiokartiny

"Итальянка, или Женщина с жёлтым рукавом" 1870 г. Камиль Коро Лондонская Национальная галерея. С 50-х годов ХХ века картина Камиля Коро «Итальянка, или женщина с жёлтым рукавом» не выставлялась публично. Запертая в частных коллекциях, она пропала из виду. О ней начали забывать. Да и сам Коро существовал в общественном сознании как пейзажист по преимуществу. Однако в начале 2013 года в художественном мире произошла в некотором роде сенсация: стало известно о завещании скончавшегося в 2011 году Люсьена Фрейда – одного из наиболее дорогих художников своей эпохи и внука родоначальника психоанализа Зигмунда Фрейда. В завещании Люсьен Фрейд упоминал о благодарности английскому народу за гостеприимство, оказанное его еврейско-немецкой семье: когда-то она вынуждены была бежать от нацистов и нашла в Англии новую отчизну. Вещественным выражением этой благодарности стали несколько бронзовых скульптур Эдгара Дега и еще картина, которую сам Фрейд приобрёл в 2001 году на аукционе и с тех пор она украшала верхний этаж его дома в Лондоне. Люсьен Фрейд хотел, чтобы после его смерти она стала национальным достоянием Британии. Этой картиной была «Женщина с жёлтым рукавом» Коро. Французский художник XIX века Жан-Батист Камиль Коро (1796 – 1875) известен, прежде всего, как один из прямых предшественников импрессионизма, писавший лирические пейзажи. Его портреты – в основном поздние работы, и некоторые из них не менее значительны, чем его пейзажная живопись, хотя и менее известны. Интересно, что Коро, за редкими исключениями, почти не писал мужчин. Большинство его портретов – женские. Можно даже говорить об особом женском типе Коро – немного холодном, меланхолическом и совершенно чуждом всякого заигрывания со зрителем. Все «девушки Коро» погружены в себя, задумчивы и отстранённо-мечтательны. Таковы героини его знаменитых картин «Прерванное чтение» и «Ателье», таковы портреты племянниц художника Мари-Луизы Лауры Сеннегон, в замужестве госпожи Филибер Бодо, и Луизы Клер Сеннегон, будущей госпожи Шармуа, таков и последний шедевр 78-летнего Коро «Дама в голубом». Так что «тёмный, прямой и взыскательный взгляд» (воспользуемся строчками Марины Цветаевой) и плотно сжатые губы «Итальянки с жёлтым рукавом» не являются в творчестве Коро чем-то исключительным. Скорее, эти черты отражают его психологические предпочтения и, возможно, его собственный характер – закрытый, целеустремлённый и цельный. Трижды в своей жизни Коро путешествовал по Италии – в 1820-х, 1834-м и 1843-м. Именно там его талант окреп и освободился от сковывающих условностей французской Академии; в Италии Коро, можно сказать, нашёл себя. Он воздавал должное не только прелести итальянской природы, но красоте римских женщин. Сохранилось письмо художника к другу его молодости Абелю Осмону, фрагмент из которого уместно процитировать: «По-моему, римлянки – самые красивые женщины в мире… Их глаза, плечи, руки и бёдра превосходны. В этом они лучше, чем наши… Но, с другой стороны, им далеко до грации и любезности француженок… Как художник, я предпочитаю итальянку; но в вопросах, касающихся чувственности отношений между мужчиной и женщиной, - я однозначно выбираю француженку». КамильКоро Портрет Романтизм _history

"Парижское кафе" 1875 г. Илья Ефимович Репин Частная коллекция. Как мог Репин написать какое-то там парижское кафе, когда на него после «Бурлаков» возлагали надежды как на певца народных чаяний и обличителя угнетателей?! Прогрессивная российская общественность негодовала. Крамской возмущался: «Я думал, что у вас сидит совершенно окрепшее убеждение относительно главных положений искусства, его средств и специально народная струна». Корней Чуковский в своих великолепно написанных воспоминаниях о Репине, изданных, однако, следует учитывать, в Советском Союзе, утверждал, что «Репин везде видел бурлаков». Не совсем верное замечание, прямо скажем. Видел Репин и французскую вольницу. Он стал пенсионером Императорской Академии художеств, получив за дипломную картину «Воскрешение дочери Иаира» Большую золотую медаль Академии и право на 6-летнюю стажировку в Италии и Франции. С восторгом говорил Репин о том, что французская живопись отбросила академические и публицистические рамки. «Царит наконец настоящее французское, увлекает оно весь свет блеском, вкусом, легкостью, грацией…», – в стороне от этого «настоящего французского» не остался и Репин. Картина оказалась скандальной не только для русских. Французская публика тоже была сконфужена. Обратимся к сюжету: празднично-легкомысленная атмосфера вечернего шумного кафе, блеск и обаяние парижских развлечений, волнующая атмосфера светской жизни. Кажется, празднично-расслабленный гул достигает наших ушей. Кто-то читает, кто-то разговаривает, официант разносит напитки. В центре внимания – женщина на переднем плане, с зонтом в руках. В чем же загвоздка? А в том, что дама пришла в кафе одна! Интересно, что на одном из предварительных эскизов она была изображена стоящей, явно кого-то ожидающей. Конечно, это совсем иное настроение, в окончательном варианте Репин от него отказался. Героиня его картины отнюдь не стоит, скромно опершись о стул и ожидая, пока явится ее сопровождение. Неотразимая в своей самоуверенности, горделивая, с вызовом как во взгляде, так и во всей позе, красавица с соболиными бровями представляет собой центр картины, всё крутится вокруг нее. Что означает ее двусмысленное положение? Почему она одна? Эмансипе? Кокотка в поисках клиента? С каким негодованием на нее взирает пышно одетая дама справа! А вот усатый мужчина подле нее с большим интересом смотрит в ту же сторону. А два франта вообще поспешно покидают заведение, оскорбленные до глубины души таким развратом – женщина (!) одна (!) явилась в кафе! Один из них отвернулся и, похоже, зевает – ему такое видеть не впервой, второй же, «как денди лондонский одет», не может отвести глаз от бесстыдства эдакого и пятится чуть ли не спиной вперед. Как тут не вспомнить явление народу дерзкой «Олимпии» Мане двенадцатью годами раньше? Тот же бесстыдный взгляд и эротизм, который не в изгибах женских прелестей, а в непередаваемой дерзости и свободе изображенной. Если Олимпию называли лежащей Венерой современности, то женщину Репина иные критики окрестили урбанистической Венерой. Позировала для нее актриса Анна Жидюк. Картину Репин выставил на Парижского Салоне весной 1875 года. Вероятно, под влиянием общественного мнения, дружно скандировавшего «Скандал, скандал!» (хоть русские и французы видели разные поводы для своего негодования), Репин уже готовую картину «подправил», сделав ее скромнее. Дерзкий взгляд девушки он погасил, заставив ее опустить глаза – и она уже казалось жертвой, а не нарушительницей заведенных приличий. ИльяРепин Реализм _history

Вот тут первые две картины - Пьеро делла Франческа, потом нидерландец Йос ван Клеве, Барнаба да Модена, Амико Аспертини и Джорджо Скьявоне Примеров, в общем, тьма, а я и не знала - почему-то не обращала внимания.

Кого вконец заела лень, Кто спит в постели целый день, Часов двенадцать кряду, Тому вручает магистрат Почетную награду. Где-то далеко-далеко существует дивный край, страна Кокань. Чтоб туда попасть надо то ли найти сахарную гору и слизать ее, то ли проесть себе тоннель в пшеничной каше, но путешествие стоящее, ведь в этой волшебной стране вас ждет райское существование. Там в колодцах и реках благородные вина всех сортов, а на волнах качаются золотые и серебряные кубки чтоб эти вина зачерпывать, пироги и булки растут на деревьях, утки летают сразу жаренные и пытаются метко приземлиться прямо в открытый рот всем желающим, жареные поросята сразу с вилочкой в боку пасутся на лугах и сами предлагают собой отобедать. Дома сложены из множества вкуснейших рыб, дороги мостят сырами, а заборы состоят из колбас. Колбасы же колосятся на полях, а вокруг полей шкворчат на вертелах гуси и столы накрытые чем-то вроде скатертей-самобранок ежесекундно готовы предоставить блюда на любой вкус каждому желающему. Там всегда лето, но если вдруг зима и случается, то метели из муки и сахара. А еще три дня в неделю наблюдаются осадки из горячих кровяных колбас. Вот это уже звучит угрожающе, но все довольны. О, сколь много чудес в той стране! Ведь и одежда у всех там новая и чистая, никто не мерзнет и не одет в лохмотья, всем раздают лучшие суконщики прекрасные костюмчики, да туфельки. И любовь там процветает свободная - каждый может выбрать понравившуюся даму и каждая дама может свободно выбрать себе кавалера и никто их не осудит, потому что в стране Кокани осуждать не принято, там все счастливы. Это особенно прикольно, потому что первая рукопись про Кокань относится в 1250 году, а, вроде как, всего за лет 30 до этого католическая церковь официально постановила, что у женщины стоит спрашивать согласие на брак. Есть и некое противоречие - кто больше спит, тот больше всех зарабатывает, но совершенно не ясно зачем, ведь вокруг все бесплатное, а на полях тут и там валяются кошели полные разнообразных золотых монет. Наверное, так просто смешнее. Еще там необыкновенный календарь - в году четыре Пасхи, четыре дня святого Иоанна, четыре праздника сбора винограда, и вообще каждый день — либо праздничный, либо воскресный; есть четыре Дня Всех Святых, четыре Рождества, четыре Сретения, четыре праздника Карнавала, а вот Великий пост соблюдают лишь раз в двадцать лет, и то, по желанию. А самое чудесное, что есть в Кокани - это источник вечной молодости. Течет за городом река, Не широка, не глубока. Столетний дед с одышкой Ныряет в воду стариком, А вынырнет парнишкой. Когда поеду в ту страну, Я захвачу с собой жену. Пусть в речку окунется И вновь невестой молодой Немедля обернется.

Страну Кокань придумали где-то в Европе, предположительно, во Франции (по крайней мере, немногие рукописи бесконечной басни из почти двух сотен куплетов пришли именно оттуда), а потом уже идея этой волшебной страны добралась до Италии, Испании, Германии и Нидерландов. Не знаю точно, не из этой ли страны в наши края текла та самая молочная река с кисельными берегами. Забавно вот что - во французском варианте волшебную страну населяют благороднейшие и приятнейшие люди, в то время как в немецкой волшебной стране все сплошь жулики, тупицы и ротозеи, а хороших, то есть, трудолюбивых людей оттуда выгоняют. Протестантская мораль, знаете ли - ничего хорошего не может быть в месте, где все лентяи. Немецкий вариант Кокани, кстати, называется Шлараффенландом, а в переводе песни на русский язык Львом Гинсбуром она становится Шлараффией. Оттуда и кусочки стихов, а целиком вот тут эта песенка: https://facetia.ru/node/4756 Тут, конечно, поражает то, сколько внимания уделено еде. А это важно, потому что средневековому жителю голод грозил совершенно неиллюзорно и буквально постоянно. Не голод человека первого мира, когда захотелось пончик и не голод студенческий, когда выпил кипятка на ночь, а утром стрельнул макарон у соседа по общаге, а голод до смерти. Случилась засуха или пожар и конец тебе и всему твоему поселению. И на помощь никто не явится. Древние греки и римляне тоже про голод слыхали, но они умели накапливать ресурсы и у них была невероятная система дорог и передачи новостей. Средневековая Европа же эти блага немного прощелкала. То же самое касается и одежды, ведь одежда в средневековье выполняла, помимо прямого назначения - защиты и утепления, еще одну важнейшую функцию - по одежде можно было мгновенно понять кто перед тобой, крестьянин, купец, монах, рыцарь. А тут у всех такая одежда, какую пожелаешь! Так что, вот так выглядят средневековые мечты о бесклассовом обществе, обществе всеобщего благоденствия, где сама природа у человека на посылках, а труд полностью упразднен. Адам и Ева в раю не работали, а вот когда их выгнали, то труд стал их наказанием. Собственно, все это рассказываю, в основном стащив из небольшой статьи из сборника “Герои и Чудеса средних веков” историка-медиевиста Жака Ле Гоффа как предисловие к картине Питера Брейгеля Старшего “Страна Лентяев”. …Все это нынешней зимой Мне рассказал один немой, А подтвердил публично Слепой, который этот край Недавно видел лично.

Меня периодически накрывает огромной радостью от того, насколько неисчерпаема и огромна тема, которой я, маленький дилетант, так страстно увлеклась много лет назад. И сколько удивительных тропинок открывается от истории искусства во все стороны. В общем, я собрала порядка полутора сотен картин, фотографий и коллажей для нашего следующего видео о сюрреализме и уже готовлю сценарий следующего, про Передвижников, узнавая новые имена и читая удивительные истории. Вот, например, хочу вам про Эмилию Яковлевну Шанкс немного рассказать. Эмилия Шанкс - одна из двух первых женщин, принятых в товарищество Передвижников (второй была Антонина Леонардовна Ржевская). Это было уже второе поколение передвижников, и вокруг их принятия велись споры. Но не из-за того, что они женщины, а из-за того, что уже совсем взрослые мастера первой волны, например, Григорий Григорьевич Мясоедов, были решительно против новых западных веяний в искусстве товарищества. Ну, и правда по духу картины Шанкс напоминают то ли палитрой, то ли настроением французскую импрессионистку Берту Моризо, родившуюся на 16 лет раньше Эмилии Шанкс. И даже если не Моризо лично, то все равно в ее работах отчетливо видно влияние импрессионизма, а иногда даже и Уистлера. Эмилия Шанкс была художницей британско-русской, потому что родители ее были английскими предпринимателями, перебравшимися в Москву. Тут они держали один из самых модных и дорогих магазинов ювелирных украшений города прямо на Кузнецком мосту. В доме Шанксов в чести было изучение искусств и всех детей, которых было аж восемь человек, учили живописи и музыке на дому. В результате двое из них - Эмилия и ее младшая сестра Мария, стали профессиональными художницами. Кстати, Мария прославилась как иллюстратор, специализировавшийся на картинках к романам Льва Толстого, а потом оказалось, что и старшая сестра Эмилии Луиза тоже фанатка Толстого и она вместе с мужем сделала лучшие (ну, для своего времени, сейчас не знаю как там оно) переводы романов Льва Николаевича на английский. Сестры дружили со старшей дочерью Толстого Татьяной и частенько гостили друг у друга. Так вот, к Эмилии вернемся. В 25 лет она стала вольнослушательницей в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и попала там в мастерскую Поленова с которым после дружила всю почти жизнь. Там она брала классы и у Маковского и у Прянишникова. В 1890 году художница получила большую серебряную медаль за картину “Письмо няни”, после заимела еще и настоящее официальное звание художницы, а еще через год ее позвали к себе Передвижни по чуть-чуть с ними выставляться. Три года подряд она то одну, то другую картину отправляла на передвижные выставки и каждый раз их не только примечали то меценаты, то вообще лично императрица Александра Федоровна, но еще и неизменно покупали за много денег, поэтому в 1894 году ее кандидатура попала в списки голосования на постоянное участие в товариществе. Голосов за нее в итоге было подано аж 15, больше, чем за Валентина Серова, любимца самого Репина. Примерно в то же время Эмилия увлеклась фотографией. Как и в живописи, ее больше всего интересовал быт, люди и, конечно дети - вы вообще сейчас увидите, что у нее нет ни одной картины без детей. Накануне Первой мировой войны почти вся семья Шанксов вернулась на родину, в Лондон. Вроде бы, Эмилия и Мария очень хотели вернуться позже в Россию, но, конечно же, и их доходный бизнес и все имущество как-то потерялось в ходе переполоха революции, поэтому и ехать оказалось некуда. Английская академия художеств приняла Эмилию с распростертыми объятиями. Ну, там она и осталась, иногда выставлялась и умерла в 78 лет в 1936 году. Я вот страшно удивляюсь своей дремучести, но это имя и ее картины, честно говоря, я впервые увидала буквально дней десять назад. Почему же она потерялась, когда мы знаем буквально каждого передвижника по имени и в лицо? Из-за английскости, из-за пола, из-за детей на картинах? Вот не знаю, но думала неделю, прежде чем о ней написать и прям рада делиться.

️ Джованни да Удине учился сначала у Джованни Мартино (итал. Pellegrino da San Daniele) в Удине, затем переехал в Венецию, где стал учеником Джорджоне. В 1514 году переехал в Рим, где поступил в мастерскую Рафаэля и считался одним из наиболее талантливых его учеников. Джорджо Вазари отмечал его стремление к гротеску и большую любовь к изображению природы — как растений и животных, так и неодушевлённых предметов. После смерти Рафаэля работал на кардинала Джулио Медичи (будущего папу Климента VII) по украшению Вилла Мадама, завершив работу к 1525 году; находился в конфликте с Джулио Романо. С 1521 по 1522 год работал во Флоренции, затем вернулся в Рим, в 1527 году покинул его, вернувшись в Удине, где стал архитектором и участвовал в восстановлении местного замка (итал. Castello di Udine), разрушенного сильным землетрясением 1511 года. В 1532 году ненадолго ездил во Флоренцию. В 1547 году создал лестницу с внешнего двора в этом замке. В 1560 году вернулся в Рим и остаток жизни провёл в бедности. Был похоронен в Пантеоне, рядом с Рафаэлем. Помогал Рафаэлю в расписывании лож ватиканского дворца и в других подобных работах. Им написаны и отчасти придуманы орнаменты в верхних ложах. В нижних ложах ему принадлежит плафонная живопись, реставрированная в 1867 году Мантовани. На вилле Фарнезина им исполнены фестоны, обрамляющие рафаэлевскую «Историю Психеи». Для папы Климента VII в сотрудничестве с Перино дель-Вага украсил живописью Торре-ди-Борджиа. Из прочих его произведений известны роспись вестибюля в вилле-Мадама, лепные украшения нижних сеней этого здания, декоративная живопись в палаццо Массими-алле-Колонне в Риме, работы в усыпальнице Медичи (в церкви Сан-Лоренцо) и рисунки, по которым изготовлены расписные стёкла в Лаврентьевской библиотеке во Флоренции.

«Заросший пруд» – один из самых знаменитых пейзажей Василия Поленова. Вместе с «Московским двориком» и «Бабушкиным садом» они составляют своего рода трилогию, элегическое повествование о доживающих свой век дворянских усадьбах. Всё так узнаваемо, что, кажется, даже нечего к написанному Поленовым и добавить – любые слова будут излишни. Вот старый пруд с заиленным дном. Он давно не чистился и «цветёт»: вода у берегов затянута ряской, а ближе к центру водоёма – покрыта кувшинками. Заросли камышей наступают, отвоёвывая территорию у купальщиков. Заброшенный парк с серебристым тополем у мостков и наклонившимися к воде дубами – одичал и разросся. Красноречивая деталь: доски ветхих мостков побелели от долгого использования и частого хождения. Должно быть, когда-то мостки вели к купальне, где было шумно и весело, а сейчас уже никуда не ведут: небольшой песчаный пляж окончательно зарос травой. Одних только школьных сочинений, не говоря об искусствоведческих эссе, сколько написано о мечтательной грусти и молчаливом вел

Джозеф Райт "Два мальчика с мочевым пузырем" (1770) На картине изображены двое мальчиков, надувающих свиной мочевой пузырь при свете свечи. В те времена мочевые пузыри животных служили игрушками. Дети надували их и использовали как воздушные шарики, или наполняли сушеным горошком и трясли как погремушки.

«Мадонна» 1894г. Эдвард Мунк Некогда скандальная картина изображает Мадонну в необычном ракурсе. Из канонических деталей здесь лишь нимб непривычно красного цвета. Неприкрытая нагота, экстаз на лице и распущенные волосы - произвели некогда на публику весьма неоднозначное впечатление. Максимальное очеловечивание образа Девы Марии, попытка показать ее земное, человеческое величие - вот главная задача, которая стояла перед автором. Известно, что мастер несколько раз менял название этой работы. Среди версий были - «Зачатие», «Любящая женщина». Автор остановился на «Мадонне», чтобы подчеркнуть свое отношение к изображаемой женщине. Фигура героини пластична и округла, живот подчеркнут особенно, руки схематичны, они словно исчезают за полупрозрачным фоном. Всякий может заметить неоспоримое сходство «мадонны» с античными скульптурными образцами, послужившими источниками для работы.

Часы от Chopard – 25 миллионов долларов Компания Chopard, известная своими элитными часами, совместила свою экспертность в часовых механизмах с другой своей специализацией – ювелирными изделиями для создания этого интересного ювелирного украшения. В общей сложности эти часы могут похвастаться 874 бриллиантами различного размера, самый крупный из которых весит 15 карат. Ещё больше поражает механизм, позволяющий трём самым крупным бриллиантам отодвигаться в сторону, открывая циферблат часов.

«Костел святого Жака в Дьеппе» 1901г. Камиль Писсарро Одна из последних работ Камиля Писсаро, всего два года остается до смерти мастера. В 1901 году Писсаро проживает в Дьеппе (Франция) в отеле, окна которого выходят на старинный величественный костел, посвященный святому Жаку. Художник очень страдает, привыкший писать на пленэре, он вынужден созерцать мир из окна своего гостиничного номера. Поэтому неудивительно, что Писсаро почти сразу задумал написать полотно с костелом-главным героем, тем более что работы подобной тематики у него уже были. Писсарро на картине акцентирует внимание на контрасте массивной величественности костела и легкой прозрачности неба. Художника волнует возможность запечатлеть, как геометрическая конструкция с четкой архитектурой пересекает пространство и как соединяется с ним. Именно поэтому костел на картине лишен максимального приближения и охватывается глазом мастера в общем плане. Взгляд издалека — вот, что важнее.

"Обезьяны в кухне" Давид Тенирс Младший, 1640 > Санкт-Петербург, Эрмитаж Тематический диапазон творчества фламандского художника был чрезвычайно широк. В частности, Тенирс прославился как талантливый анималист. На картине представлена компания обезьян, которые, бесцеремонно пьют вино, лакомятся фруктами, играют в карты, жарят жаркое на вертеле. Некоторые из них украсили себя бархатными беретами. Идея Тенирса показать животных, имитирующих поведение людей, восходит к басням античной эпохи и зоологическим трактатам Средневековья. Пародийно-комическая по форме, картина была задумана как юмористическое назидание: тот, кто предается чувственным удовольствиям, слепо следуя природным инстинктам, опускается до уровня обезьяны. Свеча на камине – эмблема бренности, напоминающая о быстротечности радостей земного бытия. Ступа с пестом – символ глупости, с которой отождествлялись грехи. Тенирс мастерски передает свет и фактуру разнообразных предметов: деревянной мебели, глиняной посуды, стеклянных бокалов.

"Белая летучая мышь" Лючия Хеффернан Лючия Хеффернан – современная художница из Тайваня, которая в настоящее время живет в США. Она создает картины с животными в юмористической манере. Основа творчества Хеффернан – увлечённость исследованием жизни животных. Лючия старается дать животным голос и личность. Художники-анималисты иногда любят немного пошутить. Такова серия работ о мышатах, которая вызывает море позитива и умиления у зрителей. Представляя в своем творческом воображении, что могут вытворять эти грызуны в той или иной ситуации, Лючия Хеффернан придает им человеческие черты поведения. Среди персонажей художницы есть кошки, кролики, поросята и другие животные. Мир живой природы загадочный и увлекательный. И мы имеем уникальную возможность познавать его и посредством анималистической живописи. Однако, участь художников-анималистов почти всегда незавидна. Они практически никогда не оказываются среди прославленных мастеров живописи, а их картины не ценятся высоко на аукционных торгах.

"Дуэль после маскарада" Жан-Леон Жером, 1857 > Санкт-Петербург, Эрмитаж Это полотно как нельзя лучше передает дух трагических последствий поединков 19 века. Кардинальный способ решения спора с помощью смертельного боя появился очень-очень давно и им еще активно пользовались представители третьего сословия Франции 19 века. Поверхностный взгляд на картину сразу демонстрирует нам композиционное деление на две части. Правая – сторона победителя, левая – сторона побежденного. Художник выводит на первый план именно побежденную сторону, чтобы зритель мог оценить всю трагичность последствий дуэли. Молодой человек в маскарадном костюме повержен ударом шпаги соперника и теперь лежит на руках товарищей, которые тщетно пытаются спасти умирающего друга. Все что им остается – зажать кровоточащую рану и оставаться рядом в смертный час. Видно, что и победителю не удается покинуть поле боя невредимым – оставив шпагу на снегу, он идет, хромая, и опираясь на руку товарища.

"Мистер и миссис Кларк и Перси" Дэвид Хокни, 1971 > Лондон, Тейт На картине изображены друзья художника – Осси Кларк и Селия Биртуэлл, у которых он был свидетелем на свадьбе. У них жили два кота – Перси и Бланш, но на коленях Осси сидит именно Бланш. Художник посчитал, что для названия больше подойдёт имя Перси. При написании Хокни опирался на «Портрет четы Арнольфини» Яна ван Эйка. Но если у Эйка главный муж, то Хокни главной изобразил жену. Она стоит в полный рост, возвышаясь над мужем и как бы давя на него. Ещё одним символом у «Арнольфини» Эйк сделал собаку, символ верности и преданности. Хокни же усадил на свою картину изящную белую кошку, которая издавна символизирует лукавство и измену. И это не случайно – Осси изменял своей жене и даже не скрывал этого. Сама Селия была верна мужу, о чём говорят белые лилии возле неё. Жизнь Осси скатилась под откос, что привело к смерти в 1996 году. А вот его жена – до сих пор преуспевающий дизайнер.

"Волосы" Анри Кросс, 1892 > Париж, д'Орсе Скрытое лицо за толстой завесой волос – единственный объект картины. Моделью для этой работы стала будущая жена художника Ирма, которая также появилась в его первом пуантилистическом произведении «Мадам Эктор Франс». В отличие от более раннего портрета, Кросс не отражает ни капли личности модели, ее социального статуса или роста. Плотное обрамление туловища женщины почти на половине картины подчеркивает важность каскадной стены из волос и придает ей монументальность. Композиция минимальна не только в простом приглушенном контрасте переднего плана и фона, но и в палитре, которую он сократил до мягких коричневых, охрово-лиловых и лиловых, придав ей почти отфильтрованное атмосферное качество. И вот что ещё интересно про художника. Его настоящее имя – Анри Эдмон Делакруа. И чтобы не путали с Эженом Делакруа он выбрал псевдоним Кросс.

Где-то я однажды вычитала красивую фразу про Сандро Боттичелли - мол, у него не могло быть последователей, только подражатели. Ну вот Франческо Боттичини был художником, родившимся тоже во Флоренции всего на год позже Боттичелли. Отец его делал рисунки для игральных карт и, вероятно, был его первым учителем, а дальше Боттичини попал в мастерскую Нери ди Бичи, сбежал оттуда через год, устав раскрашивать ящики, и дальше уже учился вместе с Сандро Боттичелли в мастерской Андреа Верроккьо. В этой мастерской Боттичини настолько лихо перенял стиль учителя, что ранние его работы Верроккьо и приписывались, а потом он дополнил свою манеру боттичелиевскими нежностями, поэтому более поздние картины уже приписывали Сандро и его мастерской. И правда, сейчас увидите, что похоже. Хотя его красавицы совсем немного другие, а палитра чуть-чуть, да потемнее. Боттичини в свое время был художником уважаемым и довольно популярным. О его жизни известно довольно мало и он даже был проигнорирован Джорджио Вазари и не вошел в его знаменитый гигантский сборник “Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев” то из-за своей вторичности, то ли из-за того, что работал он, в основном, в маленьких провинциальных городах, приезжая туда чтоб выполнить роспись стен, потолка или написать алтарные образы.

Вот немножко Франческо Боттичини мне особенно последняя из поклоняющихся Мадонн нравится, совсем остроносенькая.

А вот посмотрите на его трактовку изображения Товии, сына Товита, и ангела (я вот тут довольно подробно пересказывала эту ветхозаветную историю). Товия изображен совсем юношей и даже во втором варианте - буквально ребенком. Ангел ведет мальчика за собой, как старший товарищ. Оба героя смотрят друг на друга - архангел Рафаил сверху вниз, нежно, по родительски, а мальчик - завороженно. Картин, на которых Товия и Рафаил (или три архангела сразу - Рафаил, Михаил и Гавриил) возвращаются домой чтоб излечить Товита от слепоты, Боттичини написал штук семь. Вероятно, этот сюжет ему так нравился потому что он, будучи совсем юным, вступил в братство Архангела Рафаила. В общем, художник хоть и, если можно так сказать, вторичный, а все равно прекрасный.

Но, вот к чему я тут веду. Вот эту прекрасную картину, портрет молодого человека с медальоном, довольно долго приписывали именно Боттичини. Щас будет много букв про эту картину.

Вот Корреджо, Эсташ Лесюэр, пара Рубенсов, легендарный рисунок Микеланджело и еще картина Баттиста Франко Венециано, стащившего этот рисунок и поместившего орла, слившегося в объятиях с Ганимедом, над полем битвы при Монтемурло. Просто потому что мог. Ну, или, будучи фанатом Микеланджело, поместив над войнами Ганимеда, художник намекает, что у Козимо Медичи, разбившего неприятельскую армию, есть прекрасный божественный заступник, который уже как-то уговаривал Зевса помочь троянцам в битве с ахейцами.

А вот вам внезапный Ганимед от Рембрандта. Описавшийся от ужаса большезадый младенец совсем не рад вниманию со стороны орла. Тут некоторые видели аллегорию младенческой смертности или ругали Рембрандта за незнание мифологии. Но, кажется мне, художник просто прикололся - рисунок Микеланджело, что был в подборке выше, как раз приобрел невероятную популярность и страстно копировался, а сюжет ворвался в ренессансную живопись и буйно там зацвел. Так что может быть вот этот Ганимед - пародия на Микеланджело лично и на всех его подражателей.

"Волга в окрестностях Юрьевца" 1870 г. Алексей Кондратьевич Саврасов Частная коллекция, Франция. «Волга в окрестностях Юрьевца» была выставлена анонимно в 1871 году на ежегодном конкурсе Московского общества ценителей искусства. Картина произвела фурор. «Волге» Саврасова досталось первое место в разделе ландшафтных изображений. Вот как она описывалась современниками: «Картина эта довольно обширных размеров (более сажени в ширину). Колорит, если так можно выразиться, дождливый. Бесконечная зыбь матушки-кормилицы Волги; облачное небо; Юрьевец на взгорье; куча бурлаков, тянущих на бечеве баржу; невеселая, но характерная картина...» В следующий раз публика об этой картине услышала в декабре 2014 года на парижском аукционе Audap & Mirabaud. Эстимейт был определен в 70–90 тысяч евро. Организаторы аукциона, похоже, не потрудились разобраться, что же перед ними, поставив столь скромную цену. А вот коллекционеры стоимость шедевра вполне осознавали, в итоге картина ушла за 939 тысяч евро (более 1 миллиона долларов) - во французскую частную коллекцию. В июне 2015 года на русских торгах аукциона Sotheby's в Лондоне картина была выставлена с эстимейтом 2 миллиона 150 тысяч – 2 миллиона 800 тысяч долларов. Она считалась одним из самых дорогих и лакомых лотов русских торгов, но покупателя не нашла. Не то чтобы «Волга в окрестностях Юрьевца» вообще исчезала. О ней знали, фотографии ее встречались в монографиях художника, ее даже школьники в сочинениях иногда описывали. Но где она находится и цела ли – не было известно. Надпись на обороте свидетельствует о том, что картина входила в коллекцию профессора Киевского университета, доктора Владимира Меринга. Точно нельзя проследить путь, по которому она попала за границу. По состоянию на 2015 год эта картина стала самым значимым полотном Саврасова, когда-либо выставленным на аукционе Sotheby's. И в целом она входит в число лучших произведений Саврасова. Бурлаки на фоне монументального волжского пейзажа, вернее, бурлаки как часть этого пейзажа открывают цикл работ Саврасова, посвященных Волге. В начале 1870 года художник вместе с женой Софией и их две дочери переехали в Ярославль. Здесь, неподалеку от Юрьевца (маленький городок восточнее Ярославля), Саврасов работал над этой картиной. Здесь же он написал самые известные свои полотна, в том числе легендарную картину «Грачи прилетели». Это было счастливое время в его жизни – любимая семья, возможность писать, вдохновение, природа. И вместе с тем это было тяжелое время – здесь после сложных родов Софии умер третий ребенок Саврасовых. На этом сплаве из трагических переживаний и счастливого быта создавались лучшие полотна художника. В 1860-70-е годы ряд крупных российских художников пытались привлечь внимание к теме бурлаков, в ней видели символ жестокой социальной несправедливости. Конечно, нельзя не вспомнить знаменитых «Бурлаков на Волге» Ильи Репина. Саврасов и Репин писали своих бурлаков параллельно и независимо друг от друга. На обоих безусловно повлияла написанная в 1866 году работа Василия Верещагина. Обе картины были представлены 1871 году, Репин показал своих «Бурлаков» в Санкт-Петербурге, Саврасов «Волгу» – в Москве. Известно, что Репин картину дорабатывал, и публика знает вариант, к которому он пришел в 1873 году. Саврасов тоже работал над картиной после первой выставки. По некоторым сведениями, он вносил правки до 1871 года. АлексейСаврасов Реализм _history

Флакон Скульптурный А вот как выглядит "Флакон" — креативный кластер на хрустально-стекольном заводе https://nickfw.livejournal.com/378723.html

«Сотворение животных» 1550г. Якопо Тинторетто Живопись Якопо Тинторетто - уникальное явление благодаря театрально-сценическим эффектам, необычным композиционным решениям, включающим неожиданные ракурсы, и свободной манере письма. Картина «Сотворение животных» относится к ранним работам художника. Живописец изобразил классический ветхозаветный библейский сюжет — момент создания богом животного мира. Композиционное решение Тинторетто заимствует у тициановского полотна «Вакх и Ариадна». Здесь почти тот же пейзаж на фоне, но в отличие от работы Тициана небесный свод, по которому движется летящая фигура Создателя, окутанная золотым свечением, еще погружен в полумрак. Из-под Его рук стремительно вырываются птицы, на земле «толпятся» только что рожденные божественной волей мелкие звери, а за Ним следуют крупные животные, среди них даже единорог. Тинторетто уделил особое внимание рыбам, прорисовывая их так, что можно определить к какому виду они относятся.

"Прометей" 1630 г. Хосе де Рибера Частная коллекция. Летом 2009 года Барбара Пьясецка-Джонсон (1937-2013), бывшая польская горничная, ставшая после удачного замужества наследницей гигантской фармацевтической империи Johnson & Johnson, выставила на торги лондонского отделения аукциона Sotheby's свою коллекцию мебели и предметов искусства эпохи барокко. Общая сумма продаж составила тогда 9,9 млн фунтов (около 16 млн. долларов), а самым дорогим лотом из всей торговавшейся коллекции стала картина «Прометей» Хосе де Риберы: она была продана за 3,8 млн фунтов. Высокая цена – всегда результат синергии многих факторов. Причём далеко не всегда можно сказать, какой из них имел решающее значение. Возможно, дело в том, что «Прометей» – одна из характернейших картин Риберы с его «фирменным» острым драматизмом и резкой светотенью. А быть может, к легендированию картины имеют непосредственное отношение слухи о нездоровом интересе Риберы к истязаниям и пыткам. Или же свою роль сыграла «караваджиевская» манера исполнения «Прометея», а Караваджо, как известно, всегда отлично продаётся. Рибера использовал в «Прометее» своё излюбленное композиционное решение – разместить тело в напряженнной и сложной позе строго по диагонали картины. В подобных, хотя и не тождественных, положениях предстают в 1620-х годах на картинах Риберы святые Варфоломей, Андрей, Себастьян. Композиция, «отработанная» на христианских святых, в 1630-м году или позже, когда написан «Прометей», оказалась едва ли не более подходящей для античного титана. Тем более, сюжет мифа о Прометее, самоотверженном защитнике человеческого рода от произвола богов, располагает к живописным упражнениям в передаче телесных мук и корчей. Точная передача анатомии прикованного Прометея, предельного напряжения всех мышц, рваной кровавой раны в боку и, главное, передача эмоционального накала огромной силы – вот «визитная карточка» Риберы. Все это делает картину драматически-волнующей и такой желанной для покупателей. Согласно некоторым данным, для этюдов и зарисовок Рибера регулярно посещал неапольские тюрьмы, где наблюдал за истязаемыми заключенными. Это позволяло ему натуралистично изображать человеческое тело, насильственно вывернутое, распластанное в неудобном и мучительном положении. Недаром Риберу иногда называют «художником истязаний». Рибера действительно заимствует у Караваджо живописные техники, известные как «кьяроскуро» и «тенебросо». Некоторые старые авторы настойчиво пытались найти доказательства их личных встреч. Но, ради исторической справедливости, следует уточнить, что Хосе де Рибера и Микеланджело Меризи да Караваджо познакомиться всё-таки не успели: Караваджо бежал из Неаполя в 1607-м, а Рибера, вероятнее всего, перебрался туда и остался там на всю жизнь несколькими годами позже, когда Караваджо уже не было в живых. Среди восьми покупателей, охотящихся за этим лотом на Sotheby's, были представители Прадо, но им так и не удалось пополнить коллекцию главного музея Испании. К огромному сожалению, личность нового владельца «Прометея», согласно аукционным правилам конфиденциальности, остаётся неизвестной. Рибера Барокко МифологическаяСцена _history

Кошка с птенцом во рту 1885 Бруно Лильефорс Национальный музей, Стокгольм Этот художник один из лучших и самых ярких художников-анималистов Швеции конца XIX — начала XX века. Автор реалистических изображений животных и птиц в дикой природе. Его называют великим живописцем дикой природы, в работах мастера биологические принципы объединились с мастерством реалистического импрессионизма, наука стала частью искусства. Всю свою жизнь Лильефорс был азартным охотником, и часто изображал действия хищника и его жертва (например, охоту лисы на зайца, орлана на гагу, ястреба на тетерева и пр.). Его картины лишены сентиментальности. Влияние импрессионистов проявилось в его внимании к воздействию окружающей среды и света. Лильефорс был пионером изображения дикой природы в искусстве, установил стандарты анимализма и пейзажа, которые существенно повлияли на последующее развитие этого вида искусства в XX веке. А 1 марта, кстати, в России отмечают день кошек

"Серый мерин" 2003 г. Люсьен Фрейд Частная коллекция. «Серый мерин» - одна из поздних работ Люсьена Фрейда, которая затесалась между стройными рядами обнаженных человеческих тел, кажется, по какому-то недоразумению. При первом взгляде на это полотно даже сложно поверить, что оно принадлежит кисти того самого Фрейда, который на своих полотнах снимает с моделей оболочку за оболочкой, не оставляя в конце концов даже тела – одну лишь сердцевину. И только когда возникает безотчетное желание прикоснуться к изображению (удивительная особенность, объединяющая большинство работ художника), все сомнения отпадают – это и в самом деле Фрейд. В отличие от людей, по отношению к которым художник в своих работах, суждениях и определениях часто бывал довольно безжалостен, к животным он всю жизнь относился особенно трепетно и нежно. Что, впрочем, неудивительно, ведь в определенный период жизни Фрейда животные были его единственными друзьями. Когда семья Фрейда переехала из Германии в Англию, мальчик на долгое время замкнулся в себе. Люсьен плохо знал английский язык, из-за чего его дразнили сверстники, и тогда он стал искать утешения в общении с природой. С тех пор лошади и собаки окружали художника всю жизнь. Он часто укладывал своих собак рядом со спящими обнаженными натурщиками, создавая на картинах неуловимую ауру безмятежности и полного доверия. Когда Люсьен увлекся живописью, родители будущего художника восприняли это с большим энтузиазмом. Настолько большим, вспоминал потом Фрейд, что он даже стал подумывать о том, чтобы отказаться от карьеры художника и стать жокеем или ветеринаром. И, несмотря на то, что живопись все же взяла верх, лошади навсегда остались едва ли не самой сильной его любовью. В 60-х годах Фрейд каждую свободную минуту проводил на скачках, а позже часто бывал в конюшнях Дворцовой кавалерии, рисуя королевских скакунов. ЛюсьенФрейд Анимализм Натурализм _history

"Поцелуй" 1922 г. Робер Делоне Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. Небольшая пастель Робера Делоне «Поцелуй» не особенно известна. В парижском Центре Помпиду огромная коллекция картин Робера и Сони Делоне, в том числе вот такие небольшие рисунки, множество эскизов, наброски. «Поцелуй» Делоне написал, будучи в расцвете сил. Он уже попробовал себя в постимпрессионизме и кубизме, уже провозгласил создание симультанизма – искусства изображения одновременных (симультанных) контрастов. В 20-е годы он также написал ряд реалистических портретов, а позже снова увлекся абстракциями. Делоне опробовал разные стили, и все они в его интерпретации объединены интересом к цвету. Робер Делоне первым обозначил свет и цвет главной ценностью и смыслом живописи. Как написана эта пастель? Именно так – цветом и светом. Контур «Поцелуя» создан светом. Полоса света становится разделительной и в то же время соединительной чертой между слившимися в поцелуе. Сами же целующиеся представляют собой чистый цвет – и не просто цвет, а вариацию на тему любимого контраста Делоне: синий и красный. Он называл его «удар кулака», считая, что впечатление, которое производит соседство этих двух цветов, по силе своего воздействия несоизмеримо ни с какими иными приемами. Соединяя красный и синий, Делоне добивался ощущения вибрации, накала, звучания, которое производил резонанс этих цветов. Безусловно, в «Поцелуе» речь не идет об «ударе кулака». Мягкие, нежные вариации на тему красного и синего – розовый и голубой – похоже, успешно следуют заданному изначальными цветами направлению. Их взаимодействие оказывается значительно более мягким, чем сопоставление красного и синего, но при этой мягкости удивительно глубоким. Оно захватывает, влечет и взрывается алым центром на «розовом» – слившимися в поцелуе губами. Этот открытый, словно цветок, жаркий центр оттенен острыми, темными ресницами на «голубом» лице (они тоже написаны голубым, но темным). Итого, здесь три участники: розовый, голубой и свет. Пастель «Поцелуй» можно считать положительным ответом на вопрос, который Робер Делоне решал в течение жизни всей своей живописью. Да, цвет действительно может быть главным действующим лицом, методом и приемом. И да, цвет действительно может всё. РоберДелоне Модерн _history

«Новая планета» 1921г. Константин Юон Картина – побочный продукт работы художника над занавесом для Большого театра. Для главного театра страны такое изображение признали неподходящим, и Юон по эскизам нарисовал картину. Это экспрессивное и выразительное полотно, выполненное в стиле характерном больше для искусства плаката. Энергией и движением картину наполняют острые, бьющие в небо лучи тревожного желтого цвета. Вместе с ними из недр космоса поднимается алая планета, вся в красных пятнах, словно в следах запекшейся и свежей крови. Она пугает и удивляет одновременно, символизируя собой радикальные изменения в обществе. Ее появление сметет все старое и отжившее, но вот что она принесет с собой – благо или погибель? По краю земли мечутся маленькие человеческие фигурки вне себя от ужаса, горя и непонимания происходящего. Они хватаются за голову, молятся и в страхе протягивают руки к новому светилу. В их жестах и позах так много силы и выразительности, что и они делают динамичным статичное изображение.

"Бой быков" 1910 г. Петр Петрович Кончаловский Государственная Третьяковская галерея. «Бой быков» написан по мотивам испанских впечатлений. В Испанию Кончаловский ездил в 1910-х годах вместе со своим тестем Василием Суриковым. Именно эта поездка стала ключевой для его становления как художника, в ней Кончаловский обрел свой путь. Парадокс заключается в том, что «освободителями», как он сам их назвал, на этом новом пути стали французы – Сезанн, Матисс. Но первые полноценные самобытные работы художника – это изображения испанской корриды, которые сложно сопоставить с какими-либо работами европейцев. Кончаловский во время путешествия по Испании написал множество эскизов к этой картине. Окончательная версия существенно отличается от них. Причем художник убрал из картины именно то, что его особенно зацепило в реальности: «Меня поразила яркость красок: желтый песок, голубое небо и совершенно изумрудные тени». Действительно, один из предварительных вариантов картины, «Бой быков в Севилье» демонстрирует пронзительно голубое небо, его напряженный контраст с песчаной ареной и заполненными трибунами. От картины исходит ощущение густой, плотной энергии, она пышет зноем, волнует и завораживает. Но всё это безжалостно убрано из окончательного варианта. Кончаловский говорил, что хочет приблизить свой «Бой быков» к ярмарочному стилю, чтобы быки получились подобны лубочным медведям – большие, сильные, дикие. Чтобы они были страшные, но от них – не страшно. «Помните этих троицких игрушечников, которые всю свою жизнь резали из дерева какого-нибудь игрушечного медведя с мужиком? С какой простотой и силой передавали они самое существо зверя и человека, пуская в дело элементарнейшие средства, все сводя к двум-трем характернейшим деталям. Вот так именно, “по-мужицки”, “по-игрушечному” и хотелось мне дать быка во время боя», – пояснял он. Реминисценции народного творчества – вообще один из наиболее любимых неопримитивистами приемов. Именно за счет внесенных в окончательную картину поправок Кончаловский достигает этого стиля ярмарочности, эффекта игрушки. Пространство максимально приблизилось к зрителю и замкнулось. Не видно ни трибун, ни неба. Перед нами словно ярко раскрашенная коробочка с персонажами: багровая арена, алая ткань, черный бык с застывшим белым глазом, белая полоса на ограждении арены, не пересекающиеся с другими элементами цвета одежды тореадоров. Здесь нет движения, это слепок, момент без «до» и «после» – вопреки логике сюжета, который, по идее, говорит о движении. У Кончаловского получилось сделать «Бой быков» таким, как он запланировал. Мы знаем, что бык – страшен, что изображенная сцена – опасна. Более того, бой быков выходит за пределы корриды, становится боем со смертью, приобретая архетипическое величие. Но вот что удивительно – знание о том, что это страшно, не возбуждает страх. По той же причине, по которой мы не боимся игрушечного ярмарочного медведя. ПетрКончаловский Экспрессионизм _history

Упокоившийся 1888 Брайтон Ривьер Художественная галерея Нового Южного Уэльса, Сидней, Австралия Английский живописец рубежа 19-20 веков. В живописи художник практически всему научился у отца и стал заметной фигурой среди современников. Выставлялся в Королевской Академии художеств с картинами с историческими и батальными сюжетами. Позднее художник переключился на анималистские темы и по большей части рисовал животных.

Удивительный мир детства. Картины Нино Чакветадзе Нино Чакветадзе - это автор многочисленных полотен о детстве. Ее творчество глубоко личное. Детство на полотнах Нино Чакветадзе не выглядит привычным образом. Не фон­та­ни­рует яркими крас­ками и не рас­цве­чено сол­неч­ным светом. В нём нет без­об­лач­ного сча­стья, но содер­жится нечто боль­шее, Оно у Нино – как подснежники, зажатые в руке у мальчугана и припрятанные за спиной у дверей чьего-то подъезда. Это не просто подарок – это затаённое чудо. Вот, сейчас выбежит на встречу друг – и будет всем радость. (картина «Подснежники в ладошке»). Детство у неё – это и непростое время роста души, болезненного взросления. А ещё – время предельного одиночества. Ребёнок на картинах Нино часто совсем один. Есть ещё птицы и ангелы. Но нет друга, нет взрослого рядом, способного разделить с ним горести и радости. Может, поэтому дети и ангелы глубоко не безучастны друг к другу. Тем и другим хочется сердечного тепла, и они обретают его в молчаливом общении.

Картина «Портрет Габриэль Кот». 1890 г. Автор Вильям Бугро. Интересно то, что это единственная работа Бугро, которая написана не на заказ. То есть для души, а не за деньги.

А вот вам новость: карандашную надпись “такое мог нарисовать только сумасшедший” на картине “Крик” Эдварда Мунка, оказалось, сделал сам Мунк. Вариантов этой картины у художника было четыре шутки и вот, одну из них, написанную в 1893 году эта фраза, нацарапанная через пару лет после создания, и украшает. Сейчас этот “Крик” находится в Национальном музее Норвегии. Целая команда искусствоведов и реставраторов провела расследование, сравнив почерк из дневников и писем художника, и пришла к однозначному выводу. Тут же и версия появления подъехала: в 1895 году в Осло прошла выставка Мунка, вызвавшая шквал негативных отзывов. Живопись Мунка возмущала, волновала и тревожила, была страшно неоднозначной и сложной для понимания, поэтому его позвали на дебаты в Ассоциацию студентов, чтоб он свои картины лично защитил. И там, в пылу спора, один студент-медик по имени Йохан Шарффенберг, язвительно поинтересовался у художника, не скорбен ли тот головой, раз такую фигню рисует. По мнению исследователей, в тот вечер расстроенный Мунк пришел домой и психанул. Ну не надо потому что спрашивать у художников что они курят и не сумасшедшие ли. Конечно, сумасшедшие, да и курят все подряд (нет).

Вот интересное дело - как наткнешься на какого-нибудь одиозного персонажа, который немного историк, так окажется, что он, почему-то, считает себя специалистом именно по Наполеону. Я как-то задавала вопрос людям причастным - это личность Наполеона приманивает таких оригиналов или происходят с ними трансформации в процессе работы, но ответа, конечно же, не последовало. (Только пожалуйста, если вдруг меня читают специалисты по Наполеону, вы не обижайтесь, это я так шучу). Собственно, я сейчас читаю интервью одного занятого товарища, который надурил кучу искусствоведов, журналистов и вообще целый бельгийский музей изящных искусств. Захватывающее интервью, скажу я вам. Да и история отличная, хоть ей уже и три года. Некий Игорь Топоровский, секретный советник всех президентов прямо с университетских лет, тайный агент всех агентств, теневой дипломат, друг всех генсекретарей по переписке и лично, бельгийский бизнесмен сложных бизнесов и, в целом, широкий специалист по мутным делам (без единого подтверждения, конечно же), оказался собирателем русского авангарда. При том не какого-то то там вашего в каталогах-резоне записанного, а совершенно неизвестного, никем не виданного, но очень важного - в его коллекции оказались и Кандинский и Малевич и амазонки Попова с Гончаровой и Экстер и прочий Родченко. В общем, художники первой линии авангарда. И все - уникальное и секретное. Что уже странно, ведь и правда бывает, что находят какую-то неизвестную картину известного художника и долго ее изучают, проверяют, так и сяк вертят, а потом танцуют и поют обнявшись, а тут прям оптовая поставка. То есть, чтоб вы понимали масштаб, Топоровский говорил, что он планирует представить в будущем публике сотни работ авангардистов. Сотни! Ну, бывает, насобирал и радуется - так что же теперь. А вот что - он, видимо, благодаря своему какому-то совершенно змеиному обаянию и уникальному таланту пудрить мозги умудрился втереться в доверие директору музея изящных искусств Катрин де Зегер и устроить выставку “шедевров” в Генте. Там было всего 24 шедевра из заявленных сотен, но открытие было громким и привлекло внимание по всему миру. По легенде, часть коллекции Топоровскому досталась от родственников жены, а часть он скупил буквально на барахолке за Эрмитажем, где в 90е чуть ли не из ларьков продавали по рублю авангард. Там правда проблема вышла - “родственники” жены официально ответили на запросы, что такой женщины в принципе не знают, а вот распродажи коллекции Эрмитажа, кстати, почему-то, в Одессе - ну тут даже комментарии излишни. Авангард и правда очень долго был не в чести, но если бы его вот так распродавали, то это было бы, как минимум, известно хоть кому-то, тем же музейным работникам, коллекционерам, историкам. Но нет - все в тумане, а сама легенда периодически менялась. Короче, следов собирательской деятельности Топоровского в России никто так не обнаружил. Ну, кроме истории про пару искусствоведов-жуликов, которые продавали поддельный авангард и с которыми Топоровский сотрудничал, а после проходил свидетелем по уголовному делу. Не ясно так же как коллекционер умудрился незаметно перетащить через границу пять сотен заявленных картин. Сам Топоровский эти и еще целую гору несостыковок объясняет просто - у вас, говорит, просто заговор искусствоведов, ведь если все вот это великолепие попадет на рынок, то искусство подешевеет, а злые и хитрые искусствоведы не хотят такого и плетут интриги. И хотел он передать свою коллекцию русским музеям, но вы же знаете, какие там змеи подколодные - испугались, не взяли. Потом еще оказалось, что Топоровский по половине европейских музеев пробежался со своим собранием, но нигде его не воспринимали всерьез.

Чтоб вы понимали уровень исполнения коллекции Топоровского - несколько моих знакомых, вовсе не специалистов в области русского авангарда, не зная подоплеки этой всей выставки, отправились глядеть на те картины. Все же музей-то их выставлял авторитетный, а директор этого музея была на слуху как куратор всяких хороших штук про современное искусство. Так вот, обалдели даже не специалисты. Комментарии и впечатления были в духе “да вы его это, вы чего?” - особенно зрителей привели в восторг развеселые расписные торбы и прялки от Казимира Малевича. Московский галерист Емельян Захаров тогда написал о «невыносимом ощущении испанского стыда, которое охватывает тебя целиком, когда ты находишься в этом зале». Это еще что, Топоровский дома гостям показывал деревянные головы, которых Малевич понавырезал. Обещал потом тоже выставить. Выставка выставлялась, а вопросов становилось все больше с каждым днем. Музей отбивался, отвечая на все запросы о том, что за экспертиза подтвердила авторство что-то типа “у нас все документы в порядке” и вообще обещал открыть потом еще одну, большую-пребольшую выставку коллекции Топоровского. Зрители недоумевали, эксперты похохатывали, журналисты вели расследование, Топоровский раздавал интервью в своей особой манере. Постепенно выяснили, что все-все-все, что плел Топоровский - концентрированная брехня от начала до конца, то есть, буквально, начиная даже от темы его диплома в университете и он не специалист по Наполеону, как всем рассказывал. Что те эксперты, на которых ссылался Топоровский не видели его в глаза, что каталог выставки из Харьковского музея 1992 года, в котором, вроде как, Топоровский скупил еще часть своей коллекции и который предъявлял как доказательство подлинности коллекции, подделка уровня бэ - туда просто вклеили другие работы поверх настоящих и прочее прекрасное. И вот это наконец убедило правительство закрыть выставку и начать расследование. Бельгийские журналисты в интервью с министром культуры сетовали, что Бельгия стала международным посмешищем, специалисты по авангарду возмущались тем, как дискредитируется наследие великих русских художников, музею был нанесен колоссальный репутационный урон, директора из музея выгнали, коллекция Топоровского была арестована, а он сам рассказывал о травле, организованной преступной группой искусствоведов, пока в 2019 году не присел за мошенничество, отмывание денег и торговлю краденым. Ну и сидит по сей день, вроде бы. Прикольно, в общем, хоть кино снимай. Интересно еще и то, что при современном уровне технологий и экспертиз удалось одним пусканием пыли в глаза и забалтыванием Топоровскому удалось пролезть в музей такого уровня. Мне кажется, что я примерно представляю типаж этого человека - сталкивалась полтора раза в жизни с такими. И тут ты или успеешь убежать или попадешь под гипноз и не то что в прялку Малевича поверишь, а вступишь в секту, уйдешь в рабство и что угодно, поэтому я даже сочувствую Катрин де Зегер и верю, что она не специально.

А вот взгляните-ка на работы современного бразильского скульптора Цицерона Д"Авила. Фейсбук

"Венера перед зеркалом" 1651 г. Диего Веласкес Лондонская Национальная галерея. «Венера перед зеркалом» занимает в творчестве Веласкеса совершенно особое место: это единственная его картина с явно эротическим подтекстом. Никогда – ни до, ни после – Веласкес подобного рода работ не писал. Обнажённая натура изредка появлялась в его картинах на мифологическую тему, до которой, впрочем, он был не большим охотником. Церковь и Священная Инквизиция относились к жанру ню неодобрительно (кстати, тесть Веласкеса Франсиско Пачеко занимал в этом влиятельном учреждении должность цензора живописи). Если и были у Веласкеса картины, воспевавшие красоту линий женского тела, то ни одна не дожила до наших дней. Кроме «Венеры перед зеркалом». На ложе, покрытом черными и белыми шелковыми простынями, спиной к зрителю лежит пленительнейшая женщина с тёмными волосами, стянутыми на затылке в простой греческий узел. Она подпирает голову правой рукой и смотрится в зеркало в черной деревянной раме, которое держит крылатый амур. Известно, что ранее и сама картина была вставлена в чёрную раму – это создавало интригующий эффект удвоения. Особенный интерес, разумеется, вызывает личность модели, с которой художник мог писать «Венеру перед зеркалом». Но Веласкес предусмотрительно делает отражение лица героини едва намеченным, загадочно размытым. По-видимому, он хотел, чтобы никто не раскрыл её инкогнито. Лишь в 1983-м году достоянием широкой публики стал документ, согласно которому во время пребывания Веласкеса в Италии (примерно 1649-1651) у него была внебрачная связь, от которой родится сын Антонио. Мальчик появился на свет, когда Веласкес уже покинет Италию навсегда и вернётся в Испанию, а его матерью, предположительно, была итальянская художница Фламиния Трива (Flaminia Triva). Многие считают, что именно её красоту Веласкес воспел в картине «Венера с зеркалом». Слава у картины сложилась нехорошая. За ней тянулся длинный и тёмный шлейф слухов. Она много раз переходила из рук в руки. Рассказывали, что одним из первых владельцев картины Веласкеса стал некий мадридский купец. Как только он приобрёл «Венеру», коммерческая удача оставила его: товары, переправляемые морем, частично затонули, частично были расхищены пиратами. Чтобы компенсировать убытки, владелец перепродал картину другому торговцу, но и ему она не принесла счастья. Вскоре все его торговые помещения выгорели дотла от удара молнии. Очередным обладателем «Венеры» стал ростовщик. Говорили, что не минуло и трёх дней после приобретения картины, как с ним случилось непоправимое: его сначала ограбили, а потом прирезали разбойники. Конечно, история это давняя – всё-таки середина XVII века! – и уже не подлежит научной верификации, зато о дальнейших приключениях «Венеры с зеркалом» мы знаем более точно. В конце XVIII века она попала к герцогине Каэтане Альбе – той, которая сама стала моделью для картин Гойи «Обнажённая Маха». Вместе с ними обеими картина Веласкеса висела в будуаре герцогини до самой её смерти. Потом «Венеру» купил Мануэль Годой – испанский премьер-министр и фаворит королевы Марии-Луизы. В 1906-м картину приобрела Лондонская национальная галерея. Казалось бы – вот она, тихая гавань, которую «Венера» обрела после длительных странствий. Но и здесь покой ей только снился. 10 марта 1914-го года суфражистка Мэри Ричардсон, боровшаяся за избирательные права женщин путём швыряния камней в стёкла британского парламента, придумала новую акцию. Она сумела пронести в галерею мясной нож и яростно вспорола нежную плоть Венеры. Мэри отсидит несколько лет в тюрьме и напишет о своём акте вандализма книгу, а «Венеру» Веласкеса удастся благополучно реставрировать. В Лондонской национальной галерее она находится и сейчас. ДиегоВеласкес Барокко _history

Львенок Франс Снейдерс Музей Лихтенштейн (Вена) Франс Снейдерс — фламандский живописец, мастер натюрмортов и анималистических композиций в стиле барокко. Поначалу основной темой творчества Снейдерса были натюрморты, в дальнейшем он стал проявлять больший интерес к анималистическим сюжетам и сценам охоты. Мастерство Снейдерса высоко оценил Питер Пауль Рубенс, с 1613 года приглашавший его к сотрудничеству для написания животных. Снейдерс не любил изображать людей — по имеющимся сведениям, человеческие фигуры на его картинах писали Якоб Йорданс, Абрахам Янсенс и другие мастера.

Ян Ван Эйк "Портрет четы Арнольфини" (1434) Это первый парный портрет в истории европейской живописи. Вопреки первому впечатлению, женщина на картине не беременна. До второй половины XIX века художники беременных почти не рисовали - это особое состояние женщины считалось сакральным. В XIII веке в дворянскую моду вошли платья со шлейфом и завышенной линией талии. Спереди, в районе живота формировали складки, а иногда даже вшивали в платье специальные накладки из собранной в складки ткани, так как немного «беременный» силуэт считался самым модным. Молодая жена на картине одета как раз в такое платье.

Лев на площади Сан-Марко Задумывались ли Вы, почему на колонне на площади Сан-Марко в Венеции именно Лев? Всё просто: лев это символ Святого Марка — одного из четырех евангелистов. А что же с остальными? Лев - символ Святого Марка, Ангел – символ Святого Матфея, Телец – символ Святого Луки, Орёл – символ Святого Иоанна. Эти четыре животных стали символами евангелистов неслучайно. Традиционное толкование таково: Лев символизирует действенность, господство и царская власть Христа-Царя. Ангел (Человек) символизирует человеческую природу Христа, его воплощение. Телец (бык, вол) символизирует священнодейственное и священническое достоинство Христа, его жертву. Орел символизирует дар Святого Духа, носящегося над церковью, а также Вознесение Господне.

Сустрис Ламберт Юпитер и Ио 1557-1563 Сустрис Ламберт (1515-1584) - нидерландский художник, писавший картины исторического, религиозного и мифологического содержания. Сюжет картины навеян «Метаморфозами» - произведением древнеримского поэта Овидия, в котором повествуется о различных превращениях, произошедших со времен сотворения мира, согласно греческой и римской мифологиям. Верховный бог римского пантеона изображён со своей возлюбленной Ио в тот момент, когда их застает ревнивая Юнона. Она показана летящей на облаке в правом верхнем углу картины. Чтобы спасти нимфу от мести супруги, Юпитер превратил её в белую корову. На втором плане художник представил сцену, где великан Аргус стережёт Ио, принявшую облик животного. Настроение полотна выглядит идиллическим: голубые горы, окутанные дымкой, сверкающая на солнце вода, мирные стада, пасущиеся на равнине. Тщательно выписаны раскидистые кроны деревьев и листья растений. Человеческие фигуры хоть и изображены на первом плане, но служат лишь для оживления пейзажа. Природа становится основной темой произведения. Мастер создаёт типично возрожденческий образ возвышенно-спокойного мира, в котором боги уподобляются смертным, а люди становятся равными богам. художник вневремени живопись галерея арт искусство лебедиЛеонардо