Японский город потратил "ковидные деньги" на статую гигантского кальмара

Художник Александр Николаевич Волков — выдающийся живописец, чьи произведения пронизаны глубоким смыслом и красотой. Его работы поражают своим исполнением, включающем в себя разнообразные стили и техники, особенно впечатляет его умение передавать атмосферу и настроение, а самое главное заложить глубокий смысл в каждую картину. Благодаря виртуозному владению кистью и цветом, Волков создает образы, которые вызывают у ценителей изобразительного искусства различные эмоции. Некоторые картины могут вызывать радость и улыбку, другие - грусть и печаль, а третьи – способны дать такой мощный импульс и заряд силы, который способен пробудить в человеке такие положительные качества как отвага, героизм, доблесть, благородство, патриотизм и любовь к родной земле. К таким картинам относиться полотно «Испания», написанная в 1937г. Она отражает дух времени, когда народные массы восстали против угнетения и требовали изменений. Этот момент исторического перелома нашел свое яркое отражение в живописи, делая картину значимой не только с художественной, но и с исторической точки зрения. Гражданская война в Испании 1936-1939 г-в стала ключевым событием в истории Испании, когда страна была разделена на два лагеря: республиканцев и националистов. Женщины играли значительную роль в этом конфликте, не только как участницы гражданских, политических движений, но и как бойцы на передовой. Главной героиней картины Волкова стала простая испанская женщина, вставшая на ровне с мужчинами в один боевой строй. Она была одной из тысяч женщин, которые поднялись на защиту своей страны от фашистской опасности. Героиня отважно шагает вперед, крепко сжимая своими руками красное знамя, преисполненная решимости любой ценой воплотить в жизнь священные ценности. В ее глазах — отражение будущего, где каждый человек будет свободен и равен. Ее бой — это бой за будущее, где правят не тираны и деспоты, а голос народа, голос свободы. Это женщина-воин, готовая идти до конца ради своих идеалов и убеждений. Каждый шаг, каждый момент этой борьбы наполнен опасностью и риском. Но для нее нет ничего более важного, чем борьба за свободу и достоинство. Она готова принести в жертву все — свою жизнь, свои мечты, свои надежды — лишь бы добиться победы. И пока она идет в бой с красным флагом в руках, ее душа наполнена надеждой. Надеждой на то, что однажды красный флаг станет символом не только борьбы, но и победы — победы свободы и справедливости для всех. Образ женщины на картине — это образ революции, символизирующий силу единства и веры в светлое будущее.

Сумерки. Стога (этюд) 1899 Картон, масло. 17 x 23 см Нижегородский художественный музей В поздний период творчества Левитан обращается к спокойным, умиротворенным сюжетам. Любимым временем суток для художника становятся сумерки и поздний вечер. Темы полей и стогов в пейзаже не новы, к ним обращались и другие художники. Серия изображений стогов Моне вдохновила Левитана на колористические искания в конце 1890-х годов. Я публиковал ранее саму картину из Третьяковки «Сумерки. Стога», где художник обратился к излюбленному Моне мотиву, но решил её в ином ключе. Сегодня этюд к картине, из Нижнего Новгорода. Искусствовед Фаина Мальцева отмечала: "В сочетании лирического и эпического начала заключены неповторимое обаяние и трогательная нежность пейзажа «Сумерки. Стога». Сила воздействия этого произведения кажется неисчерпаемой именно потому, что оно способно вызвать широкий круг жизненных ассоциаций и вместе с тем донести до зрителя лирические чувства, пережитые пейзажистом перед лицом натуры."

​​Российский художник выпустил линейку «невидимой» одежды. Коллекция как переосмысление изоляции. Андрей Артюхин, российский мультидисциплинарный художник и дизайнер, выпустил коллекцию одежды invisible.2.0.2.0, сочетающую в себе новые технологии и самые актуальные смыслы. «История вдохновлена городом и временем, «невидимыми людьми», кто растворился в окружающей среде, у кого нет лица, только фон. Изоляция — это не только люди в масках, но и ребята, которые доставляют еду, они заполнили города. Но мы их не замечаем», — прокомментировал автор. Коллекция играет со смыслами. Униформа — это всегда брендинг. Но очень часто форма делает людей лишь фоном нашей жизни, частью городской среды. Коллекция создана с использованием материалов RFID, блокирующей сигналы: полупрозрачная экранирующая ткань полностью блокирует GSM, 3G, LTE, Wi-Fi, Bluetooth сигналы мобильных телефонов. Материалы расположены в манжетах, рукавах, карманах — они защищают и делают невидимыми ваши смартфоны, ноутбуки, гаджеты, электронные часы, фитнес-трекеры. В этой одежде вы буквально невидимы. Подробнее https://telegra.ph/file/d81a70500d1479d7eaf50.jpg

​​️В Эрмитаже продолжает работу выставка «Две Пальмиры: реальная и виртуальная».   Экспозиция развивает острую тему: реально существующий город, разрушенный несколько раз, и его виртуальные воплощения, направленные на сохранение облика города.   Я уже рассказывала вам, что готовится полная цифровая модель Венеции. Недавно я общалась с подводными археологами и была просто шокирована, открыв целый мир цивилизаций, который сегодня находится под водой.   ️Во Франции объявили номинантов премии «Сезар». ️Фотовыставка о животных из приютов открылась на Цветном бульваре в Москве. Питомцев можно приютить! ️ГМИИ им. Пушкина рассказали о предстоящей выставке «Билл Виола. Путешествие души». Это будет первая в России ретроспектива классика видеоарта.   Билл Виола один из моих любимых современных художников. Сила стихий, религиозные и античные сюжеты, время и пространство — это все о Билле Виола. «Все художники эпохи Возрождения были одержимы изображением движения — развевающиеся одежды, морской шторм… — но Джотто был первым, кто использовал абсолютный эмоциональный реализм», — говорит художник. Ведь именно Джотто считают родоначальником эпохи Возрождения. Он начал писать небо голубым цветом — первый шаг к реализму. До этого небо изображалось золотым по канонам готики, как знак небесного Божественного света. Только послушайте: На фото я выбрала для вас инсталляцию «Вознесение Изольды». Виола изобразил Изольду восходящую из глубины к лучу света. Это прямая аллегория настолько глубокой и сильной любви Тристана и Изольды, что она не помешается в материальных телах героев и выходит за пределы земной жизни. Вода для Виолы — признак сильных эмоциональных чувств. Мгновенно вспоминаю «Песнь песней Соломона» — «ибо крепка, как смерть любовь... большие воды не могут потушить любви, и реки не зальют ее». Фото: Stella Art Foundation https://telegra.ph/file/9e547b09b945ef133fe82.jpg

​​Главные социальные проблемы XIX века в одной трапезе: Картина «Земство обедает» Мясоедова Григорий Мясоедов - один из самых ярких представителей реализма второй половины XIX века. Художник принимал участие в создании Товарищества передвижных художественных выставок. Живописец, график, теоретик искусства. Ему удалось создать великолепное произведение «Земство обедает», которая отражает жизнь крестьян и дворян в России в период глобальных реформаций, а также острые социальные проблемы. Знаковую картину Мясоедова «Земство обедает» художник написал в 1872 году. Полотно было представлено на II-й выставке «передвижников» и была благоприятно воспринята публикой. Критики оценили картину как «одну из лучших и наиболее содержательных работ на современную тему». Таким образом, картина стала не только визитной карточкой Мясоедова, но и одним из лучших образцов реализма передвижников. Через год после написания «Земства» Мясоедов продал полотно меценату и коллекционеру Третьякову, который попросил его чуть доработать картину. Итак. Картина строится на реформационной России. Как правило, местные самоуправления только начали реформироваться в земства. Это тихий провинциальный городок. Сюжет картины предельно прост. Художник решил отобразить несоответствие сословий и социальные различия через трапезу. На переднем плане художник изобразил здание районного совета, верхняя часть крыльца имеет подсказку-надпись «Уездная земская управа». Внутри здания губернского совета разворачивается поистине аристократическая сцена: там виден официант, переставляющий блюда и бутылки с вином. По всей видимости, депутаты закончили обед. Зритель не видит весь дом, видны только светлая стена и два окна с дверью. Главные герои – крестьяне, которые сидят на крыльце у здания. Они ждут «хозяев», которые в это самое время завершили свою аристократическую трапезу (наверняка с шампанским и фазанами). Ожидая депутатов, крестьяне тоже решили пообедать. Их трапеза скудна и скромна, по сравнению c обедом «сильных мира сего». Еда простая: у одного сухой хлеб, у другого - хлеб с солью и пучок зеленого лука. Главным героям картины художник придал характерные черты (где-то лукавство, где-то благородство, а где-то обида). Главный посыл художника – передача яркого контраста между бедностью и богатством. Крестьяне думают об одном и том же и с горечью понимают, что справедливости у здания «Управы» им не добиться. https://telegra.ph/file/989c32dc9d6bda0b34c13.jpg

Кого вконец заела лень, Кто спит в постели целый день, Часов двенадцать кряду, Тому вручает магистрат Почетную награду. Где-то далеко-далеко существует дивный край, страна Кокань. Чтоб туда попасть надо то ли найти сахарную гору и слизать ее, то ли проесть себе тоннель в пшеничной каше, но путешествие стоящее, ведь в этой волшебной стране вас ждет райское существование. Там в колодцах и реках благородные вина всех сортов, а на волнах качаются золотые и серебряные кубки чтоб эти вина зачерпывать, пироги и булки растут на деревьях, утки летают сразу жаренные и пытаются метко приземлиться прямо в открытый рот всем желающим, жареные поросята сразу с вилочкой в боку пасутся на лугах и сами предлагают собой отобедать. Дома сложены из множества вкуснейших рыб, дороги мостят сырами, а заборы состоят из колбас. Колбасы же колосятся на полях, а вокруг полей шкворчат на вертелах гуси и столы накрытые чем-то вроде скатертей-самобранок ежесекундно готовы предоставить блюда на любой вкус каждому желающему. Там всегда лето, но если вдруг зима и случается, то метели из муки и сахара. А еще три дня в неделю наблюдаются осадки из горячих кровяных колбас. Вот это уже звучит угрожающе, но все довольны. О, сколь много чудес в той стране! Ведь и одежда у всех там новая и чистая, никто не мерзнет и не одет в лохмотья, всем раздают лучшие суконщики прекрасные костюмчики, да туфельки. И любовь там процветает свободная - каждый может выбрать понравившуюся даму и каждая дама может свободно выбрать себе кавалера и никто их не осудит, потому что в стране Кокани осуждать не принято, там все счастливы. Это особенно прикольно, потому что первая рукопись про Кокань относится в 1250 году, а, вроде как, всего за лет 30 до этого католическая церковь официально постановила, что у женщины стоит спрашивать согласие на брак. Есть и некое противоречие - кто больше спит, тот больше всех зарабатывает, но совершенно не ясно зачем, ведь вокруг все бесплатное, а на полях тут и там валяются кошели полные разнообразных золотых монет. Наверное, так просто смешнее. Еще там необыкновенный календарь - в году четыре Пасхи, четыре дня святого Иоанна, четыре праздника сбора винограда, и вообще каждый день — либо праздничный, либо воскресный; есть четыре Дня Всех Святых, четыре Рождества, четыре Сретения, четыре праздника Карнавала, а вот Великий пост соблюдают лишь раз в двадцать лет, и то, по желанию. А самое чудесное, что есть в Кокани - это источник вечной молодости. Течет за городом река, Не широка, не глубока. Столетний дед с одышкой Ныряет в воду стариком, А вынырнет парнишкой. Когда поеду в ту страну, Я захвачу с собой жену. Пусть в речку окунется И вновь невестой молодой Немедля обернется.

Страну Кокань придумали где-то в Европе, предположительно, во Франции (по крайней мере, немногие рукописи бесконечной басни из почти двух сотен куплетов пришли именно оттуда), а потом уже идея этой волшебной страны добралась до Италии, Испании, Германии и Нидерландов. Не знаю точно, не из этой ли страны в наши края текла та самая молочная река с кисельными берегами. Забавно вот что - во французском варианте волшебную страну населяют благороднейшие и приятнейшие люди, в то время как в немецкой волшебной стране все сплошь жулики, тупицы и ротозеи, а хороших, то есть, трудолюбивых людей оттуда выгоняют. Протестантская мораль, знаете ли - ничего хорошего не может быть в месте, где все лентяи. Немецкий вариант Кокани, кстати, называется Шлараффенландом, а в переводе песни на русский язык Львом Гинсбуром она становится Шлараффией. Оттуда и кусочки стихов, а целиком вот тут эта песенка: https://facetia.ru/node/4756 Тут, конечно, поражает то, сколько внимания уделено еде. А это важно, потому что средневековому жителю голод грозил совершенно неиллюзорно и буквально постоянно. Не голод человека первого мира, когда захотелось пончик и не голод студенческий, когда выпил кипятка на ночь, а утром стрельнул макарон у соседа по общаге, а голод до смерти. Случилась засуха или пожар и конец тебе и всему твоему поселению. И на помощь никто не явится. Древние греки и римляне тоже про голод слыхали, но они умели накапливать ресурсы и у них была невероятная система дорог и передачи новостей. Средневековая Европа же эти блага немного прощелкала. То же самое касается и одежды, ведь одежда в средневековье выполняла, помимо прямого назначения - защиты и утепления, еще одну важнейшую функцию - по одежде можно было мгновенно понять кто перед тобой, крестьянин, купец, монах, рыцарь. А тут у всех такая одежда, какую пожелаешь! Так что, вот так выглядят средневековые мечты о бесклассовом обществе, обществе всеобщего благоденствия, где сама природа у человека на посылках, а труд полностью упразднен. Адам и Ева в раю не работали, а вот когда их выгнали, то труд стал их наказанием. Собственно, все это рассказываю, в основном стащив из небольшой статьи из сборника “Герои и Чудеса средних веков” историка-медиевиста Жака Ле Гоффа как предисловие к картине Питера Брейгеля Старшего “Страна Лентяев”. …Все это нынешней зимой Мне рассказал один немой, А подтвердил публично Слепой, который этот край Недавно видел лично.

Меня периодически накрывает огромной радостью от того, насколько неисчерпаема и огромна тема, которой я, маленький дилетант, так страстно увлеклась много лет назад. И сколько удивительных тропинок открывается от истории искусства во все стороны. В общем, я собрала порядка полутора сотен картин, фотографий и коллажей для нашего следующего видео о сюрреализме и уже готовлю сценарий следующего, про Передвижников, узнавая новые имена и читая удивительные истории. Вот, например, хочу вам про Эмилию Яковлевну Шанкс немного рассказать. Эмилия Шанкс - одна из двух первых женщин, принятых в товарищество Передвижников (второй была Антонина Леонардовна Ржевская). Это было уже второе поколение передвижников, и вокруг их принятия велись споры. Но не из-за того, что они женщины, а из-за того, что уже совсем взрослые мастера первой волны, например, Григорий Григорьевич Мясоедов, были решительно против новых западных веяний в искусстве товарищества. Ну, и правда по духу картины Шанкс напоминают то ли палитрой, то ли настроением французскую импрессионистку Берту Моризо, родившуюся на 16 лет раньше Эмилии Шанкс. И даже если не Моризо лично, то все равно в ее работах отчетливо видно влияние импрессионизма, а иногда даже и Уистлера. Эмилия Шанкс была художницей британско-русской, потому что родители ее были английскими предпринимателями, перебравшимися в Москву. Тут они держали один из самых модных и дорогих магазинов ювелирных украшений города прямо на Кузнецком мосту. В доме Шанксов в чести было изучение искусств и всех детей, которых было аж восемь человек, учили живописи и музыке на дому. В результате двое из них - Эмилия и ее младшая сестра Мария, стали профессиональными художницами. Кстати, Мария прославилась как иллюстратор, специализировавшийся на картинках к романам Льва Толстого, а потом оказалось, что и старшая сестра Эмилии Луиза тоже фанатка Толстого и она вместе с мужем сделала лучшие (ну, для своего времени, сейчас не знаю как там оно) переводы романов Льва Николаевича на английский. Сестры дружили со старшей дочерью Толстого Татьяной и частенько гостили друг у друга. Так вот, к Эмилии вернемся. В 25 лет она стала вольнослушательницей в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и попала там в мастерскую Поленова с которым после дружила всю почти жизнь. Там она брала классы и у Маковского и у Прянишникова. В 1890 году художница получила большую серебряную медаль за картину “Письмо няни”, после заимела еще и настоящее официальное звание художницы, а еще через год ее позвали к себе Передвижни по чуть-чуть с ними выставляться. Три года подряд она то одну, то другую картину отправляла на передвижные выставки и каждый раз их не только примечали то меценаты, то вообще лично императрица Александра Федоровна, но еще и неизменно покупали за много денег, поэтому в 1894 году ее кандидатура попала в списки голосования на постоянное участие в товариществе. Голосов за нее в итоге было подано аж 15, больше, чем за Валентина Серова, любимца самого Репина. Примерно в то же время Эмилия увлеклась фотографией. Как и в живописи, ее больше всего интересовал быт, люди и, конечно дети - вы вообще сейчас увидите, что у нее нет ни одной картины без детей. Накануне Первой мировой войны почти вся семья Шанксов вернулась на родину, в Лондон. Вроде бы, Эмилия и Мария очень хотели вернуться позже в Россию, но, конечно же, и их доходный бизнес и все имущество как-то потерялось в ходе переполоха революции, поэтому и ехать оказалось некуда. Английская академия художеств приняла Эмилию с распростертыми объятиями. Ну, там она и осталась, иногда выставлялась и умерла в 78 лет в 1936 году. Я вот страшно удивляюсь своей дремучести, но это имя и ее картины, честно говоря, я впервые увидала буквально дней десять назад. Почему же она потерялась, когда мы знаем буквально каждого передвижника по имени и в лицо? Из-за английскости, из-за пола, из-за детей на картинах? Вот не знаю, но думала неделю, прежде чем о ней написать и прям рада делиться.

Художник Ческидова Ольга Александровна Родилась в 1943 году в Томске. С 1949 года проживает в г. Санкт-Петербурге. С 1955 по 1963 г. обучалась в СХШ при Академии художеств СССР г. Ленинграда. Училась живописи, рисунку, композиции у известных педагогов — А. П. Кузнецова, Л. С. Шолохова, Н. И. Андрецова, А. Ф. Булыгина. В 1969 году закончила обучение в ЛВХТУ им. В. И. Мухиной на отделении интерьер мастерской профессора В. А. Петрова. По распределению работала в Росторгрекламе Ленинграда, где ею были придуманы и осуществлены интерьеры магазина Бронза по Садовой улице, выставочные залы для показа моделей одежды на Суворовском проспекте, витрины магазинов на Невском и Московском проспектах. С 1970 года О. А. Ческидова работет в проектном институте. Ею были разработаны комплексные решения интерьеров дома Советов в Уфе, ресторанов, кафе и баров в Северодвинске. С 1973 г. работает в художественном фонде при Союзе художников СССР Ленинграда. В 1976 г. поступает в Молодежную секцию ЛОСХ. С 1982 г. член Союза художников . Действительный член Петровской Академии наук и искусств. Член ассоциации искусствоведов (АИС) общероссийская общественная организация историков искусства и художественных критиков. Лауреат международного фонда «Культурное достояние». Лауреат Международного художественно-просветительского проекта в честь 700-летия прп. Сергия Радонежского. В 1988 г. Ольга Александровна организует свою персональную мастерскую при Союзе художников СССР и выполняет творческие заказы и ведет авторский надзор в созданных ею интерьерах, под её руководством работают художники разных профилей. Основные проекты: дворец культуры, библиотеки, рестораны (г. Степногорск), политехнический институт (г. Тула), сеть ресторанов (г. Архангельск), дворец культуры профсоюзов (г. Мурманск), комплекс культурных объектов (г. Минеральные Воды). Много время уделяет станковой живописи: пейзажу, натюрморту и портрету. Постоянная участница выставок юбилейных ,зональных, всероссийских, тематических, персональных в Санкт-Петербурге и других городах России. Её работы находятся в частных коллекциях России и за рубежом — в Германии, США, Англии, Китае и других странах.

«Хранители старых времен. Город Будва»

«Старая крепость. Город Будва»

Рене Магритт - Сын человеческий. 1964 год Тем не менее, в 50-е годы улицы города перестали изобиловать шляпами-котелками. Аксессуар стал старомодным, и следящим за трендами горожанам пришлось от него отказаться. Тогда шляпы Магритта, нарисованные в реалистичном стиле (в разгар абстрактного экспрессионизма), стали символом анонимности. В картинах Рене они выступили на первый план, вместо того, чтобы исчезнуть в безликой толпе. По сути, шляпы-котелки стали иконографической подписью Магритта. Получается забавная ирония: художник выбрал деталь, которая обеспечит неузнаваемость, но все сработало наоборот. Теперь шляпа-котелок – один из главных объектов творчества легендарного Рене Магритта.

Жизнь и смерть Василия Верещагина. Василий Верещагин (1842-1904) – один из наиболее выдающихся художников-баталистов в истории живописи. Родился в дворянской семье в Череповце, как и все его братья был отправлен в военно-учебные заведения, а именно – в Александровский кадетский корпус, после чего учился ещё в Морском кадетском корпусе, откуда выпустился в звании мичмана. Однако после окончания военной учёбы Василий не идёт служить, а поступает в петербургскую Академию художеств. Следующие несколько лет он проводит в разъездах между Петербургом и Парижем. По приглашению генерал-губернатора молодой художник едет в 1867 году в только взятый русскими войсками Самарканд. Тут то и начинается не только путь Верещагина как серьёзного живописца, но и путь его, как баталиста и… солдата. После того как восставшие туркестанцы окружают и штурмуют недавно захваченный город, художник попадает в осаду вместе с небольшим гарнизоном русских солдат.

Василий Верещагин - Дервиши в праздничных нарядах (1870) Именно в Туркестане состоялась одна из первых выставок художника, после чего Василий отправился в путешествие по территории современной Киргизии и Западного Китая, где создал зарисовки «типов», которые будут даваться ему не хуже батальных полотен. Верещагин за долгую творческую жизнь запечатлеет большое количество подобных «типов» – непортретных зарисовок людей, обычно облачённых в национальные одежды: «Богатый киргизский охотник с соколом» (1871), «Буддийский лама на празднике в монастыре» (1875), «Жители западного Тибета» (1870-е), «Факиры» (1876), «Японский нищий» (1904) и др. Национальный колорит так и сквозит через одежды и сюжеты, которые неизменно присутствуют несмотря на явное позирование «моделей». Каждый из героев как бы занят своим делом – будь то попрошайничество, игра на дудочке, разговор.

«Пруд с кувшинками (Японский мостик)» 1899г. Картина написана в сине-зеленых тонах и производит умиротворяющее впечатление. На первом плане мы видим заросшую гладь пруда. В воде отражаются осока и деревья, которые растут на берегу. Они же видны на заднем плане. Изящный мостик в стиле Хокусая визуально делит полотно на две части. Он и в тени, и освещен солнцем одновременно. Мостик напоминает о присутствии человека в этой идиллической картине. По нему хочется пройтись, полюбоваться на открывшийся вид. Водная гладь создает перспективу, уводя взгляд к заднему плану. Там глубину создают густые деревья. Они вместе с травой раздвигают пространство ввысь своими вертикальными линиями. Этот контраст находит повторение в отражении на воде - между крупными блоками горизонтальных кувшинок, художник пишет небольшими вертикальными мазками отражение деревьев и травы в воде. Благодаря такому приему, в картине чувствуется простор, и есть ощущение воздуха, несмотря на ее небольшие размеры.

Где-то я однажды вычитала красивую фразу про Сандро Боттичелли - мол, у него не могло быть последователей, только подражатели. Ну вот Франческо Боттичини был художником, родившимся тоже во Флоренции всего на год позже Боттичелли. Отец его делал рисунки для игральных карт и, вероятно, был его первым учителем, а дальше Боттичини попал в мастерскую Нери ди Бичи, сбежал оттуда через год, устав раскрашивать ящики, и дальше уже учился вместе с Сандро Боттичелли в мастерской Андреа Верроккьо. В этой мастерской Боттичини настолько лихо перенял стиль учителя, что ранние его работы Верроккьо и приписывались, а потом он дополнил свою манеру боттичелиевскими нежностями, поэтому более поздние картины уже приписывали Сандро и его мастерской. И правда, сейчас увидите, что похоже. Хотя его красавицы совсем немного другие, а палитра чуть-чуть, да потемнее. Боттичини в свое время был художником уважаемым и довольно популярным. О его жизни известно довольно мало и он даже был проигнорирован Джорджио Вазари и не вошел в его знаменитый гигантский сборник “Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев” то из-за своей вторичности, то ли из-за того, что работал он, в основном, в маленьких провинциальных городах, приезжая туда чтоб выполнить роспись стен, потолка или написать алтарные образы.

«Осенний день. Сокольники» 1879г. Исаак Левитан Пустынная аллея парка, усыпана жёлтыми опавшими листьями. Трава ещё зелёная, но цвет этот не такой яркий как летом, а наоборот, по-осеннему пожухлый. Вдоль дороги растут молодые деревья. Их совсем недавно посадили, оттого они такие тонкие, с редкой осыпающейся листвой. Как контраст этой молодой поросли края картины «обступили» старые деревья парка. Высокие, тёмно-зелёные и чуть мрачноватые. И над всем этим пейзажем плывут облака, серые и хмурые, создавая ощущение сырого пасмурного дня. Центральным элементом картины является героиня, но её присутствие «не ворует» у природы главную роль. Левитан не автор этой примечательной, одинокой фигуры. Девушку в тёмном платье, идущую прямо навстречу к зрителю, написал Николай Чехов, художник и брат писателя Антона Павловича. Общее настроение полотна грустно-ностальгическое, и этому есть объяснение. Именно в этот период Левитан подвергся первому выселению из Москвы, согласно указу, запрещающему проживание евреев в городе.

В  15-16 веках во Фландрии  существовала легенда, которую голландцы часто рассказывали своим детям, недовольным своим внешним видом. По легенде, люди которым не нравилось их лицо, ехали в город Экло, где в пекарне можно было выпечь себе новую красивую голову. Недовольному сначала отрубали голову, а на ее место временно прикладывали кочан капусты (символ пустой головы), чтобы остановить кровь. Затем отрубленную голову отдавали мастерам - пекарям, которые заново лепили лицо из специальной муки и масла и отправляли в большую печь. Голову с новым лицом ставили на место. Но иногда голова могла не пропечься, тогда получался "недоделанный" идиот, если голова невзначай перепекалась, получался безрассудный человек - "горячая голова". Выпечка вполне могла не получиться и симметричной, тогда получался урод, чудовище. Детям специально рассказывали, насколько неожиданным может быть результат замены головы, чтобы они понимали: не внешность - главное достоинство человека или его вина, ведь  она даётся богом и почти совсем не зависит от самого человека.

Жорж де Латур "Едоки гороха" (ок.1620) В 1975-м году в одном из швейцарских музеев были найдены две связанных по смыслу картины, изображающие старика и старуху. Оба ели горох из глиняных плошек. Автор обеих картин был не известен. Предположили, что, скорее всего, это две части одного полотна. Во-первых, сходство мотива: не так часто персонажи картин поглощают горох, да еще руками. Во-вторых, на обеих картинах был виден грубый вертикальный след разреза на одной из сторон. Оставалось установить автора. Стандартной процедурой в подобной ситуации является рассылка соответствующего запроса по всем европейским музеям: не содержится ли в их фондах чего-то подобного? Ответ пришел из французского Нанси. В их городском музее действительно имелась картина с такими персонажами. Но самое главное, на обороте было подписано «копия с де Латура». Швейцарские половинки соединили, отреставрировали и дали картине название «Едоки гороха», после чего её приобрела берлинская Художественная галерея.

Мёртвый ребёнок 1944 Кандиду Портинари Крупнейший бразильский художник XX века. Он представлял фигуративное искусство в период, когда абстрактная живопись полностью доминировала. Разработал собственную манеру, наиболее близкую мексиканским художникам Давиду Сикейросу и Диего Ривере. Подавляющее большинство произведений Портинари выполнены на тематику, так или иначе связанную с Бразилией или Латинской Америкой. После начала войны его стиль изменяется под сильным влиянием «Герники» Пикассо. Цвет занимает минимальное место в послевоенном творчестве художника, многие картины выдержаны в серых тонах. Художник настолько почитаем в Бразилии, что его именем названы автомобильная дорога, улицы во многих городах страны. В Сан-Паулу есть Авенида (проспект) Кандиду Портинари. "... такие люди, как ... Ривера, Портинари, подобны вершинам Анд..." — писал Пабло Неруда

Вестоницкая Венера Вестоницкая Венера — «палеолитическая Венера», обнаруженная в Дольни-Вестонице в Моравии 13 июля 1925 г. и в настоящее время выставленная в Моравском музее города Брно (Чехия). Является древнейшей известной науке керамической статуэткой. Высота статуэтки — 111 мм, ширина — 43 мм. Принадлежит граветтской культуре* и датируется различно — между 29 тыс. и 25 тыс. гг. до н. э. При томографическом исследовании на статуэтке обнаружен древний отпечаток детской руки, оставленный еще перед обжигом. *Археологическая культура позднего палеолита

​​Парижскую картину Винсента Ван Гога впервые за столетие выставят на публике Крупная работа Винсента Ван Гога парижского периода, которая более века находилась в частной коллекции одной французской семьи, будет выставлена на всеобщее обозрение впервые с момента её написания весной 1887 года. «Уличная сцена на Монмартре» — часть очень редкой серии, изображающей знаменитую «Мулен де ла Галетт», возвышающуюся над городом на вершине холма. Цикл был написан в течение двух лет, которые художник провёл в одной квартире со своим братом Тео на улице Лепик. Картина была приобретена французским коллекционером в 1920 году и с тех пор переходила из поколения в поколение в одной семье. Полотно никогда не одалживали для публичных выставок, несмотря на то, что оно было внесено в семь каталогов. Теперь «Уличная сцена на Монмартре» будет выставлена в Лондоне, Амстердаме и Париже. А в марте её продадут на аукционе Sotheby’s. Ожидается, что работу купят не меньше, чем за 5−8 миллионов евро. «Очень немногие картины Ван Гога „периода Монмартра“ остаются в частных руках. Большинство же находится в коллекциях престижных музеев по всему миру, — представительница аукционного дома Орели Вандевоорд. — Появление на рынке работы такого калибра из такой знаковой серии, несомненно, станет крупным событием». Клаудиа Мерсье из аукционного дома Mirabaud Mercier, связанного с продажей, назвала работу «пленительной». На картине изображена ветряная мельница на Монмартре, разрушенная в 1911 году, а также вход в «Мулен де ла Галетт», увенчанный декоративными фонариками, и карусель за деревянным забором. Монмартр, также известный как Ла-Бют, Холм, в то время быстро превращался из пригородного поселения в район развлечений. Среди парижан всё большую популярность набирали его кафе, а у поколения художников, интеллектуалов и писателей — его богемная атмосфера. Два года, которые Ван Гог провёл в Париже (с 1886-го по февраль 1888-го), прежде чем уехать в Арль, принято считать основополагающими для его более позднего уникального стиля. На него оказали влияние такие импрессионисты, как Клод Моне и Камиль Писсарро, а также молодая генерация художников, включая Поля Синьяка, Эмиля Бернара и Анри де Тулуз-Лотрека. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/974e0fec3fde7f6cc6d83.jpg

Сказочная композиция 1966 Татьяна Маврина Бумага, гуашь, фломастер Частная коллекция Русская советская художник-живописец, график, иллюстратор. Заслуженный художник РСФСР. В творчестве много путешествовала по старинным русским городам. Результатом путешествий Мавриной стала изданная в 1980 году книга-альбом «Пути-дороги», в которой были собраны акварели и гуаши с видами заповедных уголков России — Звенигорода, Углича, Ростова, Ярославля, Павловской слободы, Касимова и других. Много раз иллюстрировала сказки А. С. Пушкина. Большая коллекция живописных и графических произведений Мавриной находится в Русском музее.

«Серебряная супница» 1728г. Жан Батист Симеон Шарден На полотне изображена супница из серебра. А рядом лежит очень реалистично выписанный окоченевший кролик и подстреленная птица – не самые дурные ингредиенты для супа. Яркими пятнами, забирающими внимание зрителя, являются яблоки и груши. Несмотря на обезоруживающую натуралистичность всё вкупе не лишено симпатичности и даже внутреннего благородства. Простота и непринуждённость композиции на самом деле результат точных расчётов и прикидок Шардена. Он тщательно продумал как будет выглядеть его «жанровая сцена» (а именно так живописец называл свои полотна). В результате полотно выглядит как кадр некой художественной кинохроники. Всё непринуждённо и естественно. Картина характеризуется довольно тёмным колоритом. Оттого все цветовые пятна посветлее выглядят более рельефно и выразительно. И светло-бурая шерсть убитого кролика, и кот, и зеркальный блеск супницы. В остальном же мастер использует древесные, коричневые и зелёные цвета – излюбленная палитра Шардена.

"Волга в окрестностях Юрьевца" 1870 г. Алексей Кондратьевич Саврасов Частная коллекция, Франция. «Волга в окрестностях Юрьевца» была выставлена анонимно в 1871 году на ежегодном конкурсе Московского общества ценителей искусства. Картина произвела фурор. «Волге» Саврасова досталось первое место в разделе ландшафтных изображений. Вот как она описывалась современниками: «Картина эта довольно обширных размеров (более сажени в ширину). Колорит, если так можно выразиться, дождливый. Бесконечная зыбь матушки-кормилицы Волги; облачное небо; Юрьевец на взгорье; куча бурлаков, тянущих на бечеве баржу; невеселая, но характерная картина...» В следующий раз публика об этой картине услышала в декабре 2014 года на парижском аукционе Audap & Mirabaud. Эстимейт был определен в 70–90 тысяч евро. Организаторы аукциона, похоже, не потрудились разобраться, что же перед ними, поставив столь скромную цену. А вот коллекционеры стоимость шедевра вполне осознавали, в итоге картина ушла за 939 тысяч евро (более 1 миллиона долларов) - во французскую частную коллекцию. В июне 2015 года на русских торгах аукциона Sotheby's в Лондоне картина была выставлена с эстимейтом 2 миллиона 150 тысяч – 2 миллиона 800 тысяч долларов. Она считалась одним из самых дорогих и лакомых лотов русских торгов, но покупателя не нашла. Не то чтобы «Волга в окрестностях Юрьевца» вообще исчезала. О ней знали, фотографии ее встречались в монографиях художника, ее даже школьники в сочинениях иногда описывали. Но где она находится и цела ли – не было известно. Надпись на обороте свидетельствует о том, что картина входила в коллекцию профессора Киевского университета, доктора Владимира Меринга. Точно нельзя проследить путь, по которому она попала за границу. По состоянию на 2015 год эта картина стала самым значимым полотном Саврасова, когда-либо выставленным на аукционе Sotheby's. И в целом она входит в число лучших произведений Саврасова. Бурлаки на фоне монументального волжского пейзажа, вернее, бурлаки как часть этого пейзажа открывают цикл работ Саврасова, посвященных Волге. В начале 1870 года художник вместе с женой Софией и их две дочери переехали в Ярославль. Здесь, неподалеку от Юрьевца (маленький городок восточнее Ярославля), Саврасов работал над этой картиной. Здесь же он написал самые известные свои полотна, в том числе легендарную картину «Грачи прилетели». Это было счастливое время в его жизни – любимая семья, возможность писать, вдохновение, природа. И вместе с тем это было тяжелое время – здесь после сложных родов Софии умер третий ребенок Саврасовых. На этом сплаве из трагических переживаний и счастливого быта создавались лучшие полотна художника. В 1860-70-е годы ряд крупных российских художников пытались привлечь внимание к теме бурлаков, в ней видели символ жестокой социальной несправедливости. Конечно, нельзя не вспомнить знаменитых «Бурлаков на Волге» Ильи Репина. Саврасов и Репин писали своих бурлаков параллельно и независимо друг от друга. На обоих безусловно повлияла написанная в 1866 году работа Василия Верещагина. Обе картины были представлены 1871 году, Репин показал своих «Бурлаков» в Санкт-Петербурге, Саврасов «Волгу» – в Москве. Известно, что Репин картину дорабатывал, и публика знает вариант, к которому он пришел в 1873 году. Саврасов тоже работал над картиной после первой выставки. По некоторым сведениями, он вносил правки до 1871 года. АлексейСаврасов Реализм _history

7 марта в Музее «Гараж» стартует курс архитектурного мышления «Гаражане» для взрослых и детей. Курс расскажет о методах работы архитектора, навыках исследования и проектирования. Представив музей как модель городского пространства, участники проведут исследование его среды, изучат точки силы и маршруты, чтобы спроектировать и построить инсталляцию, воплощающую дух места. Под руководством профессиональных архитекторов две команды взрослых и детей познакомятся с понятием архитектурного пространства, попробуют разные методы его исследования и описания — с помощью научных инструментов и через художественную практику, а также освоят ключевые этапы проектирования — от составления гипотезы до презентации результатов исследований в формате коллективной инсталляции. Купить абонемент можно на сайте Музея «Гараж»: https://garagemca.org/ru/course/garagents-architectural-thinking-course-for-adults-and-children-of-7-to-12-years-of-age https://garagemca.org/ru/course/garagents-architectural-thinking-course-for-adults-and-children-of-7-to-12-years-of-age?utm_source=tg&utm_medium=domiki&utm_campaign=courses2021

№ 5 .. № 22 1949 Марк Ротко Museum of Modern Art, Нью-Йорк Без определённой идеи, чем он хочет заниматься, Маркус Ротко́вич переехал в Нью-Йорк, снял комнату в доме № 19 на 102-й западной улице и сразу окунулся в бурную атмосферу художественной жизни большого города. По мнению Ротко, «тот факт, что художественная работа начинается с рисунка — уже академический подход. Мы начинаем с цвета», — писал художник, оценивая влияние примитивных культур на модернистов и их мимикрию под детское творчество. Ротко считал, что модернист, как ребёнок или человек примитивной культуры, должен в своей работе идеально выразить внутреннее ощущение формы без вмешательства разума. Это должен быть физический и эмоциональный, но не интеллектуальный опыт. Ротко стал использовать цветовые поля в своих акварелях и городских ландшафтах, именно тогда предмет и форма в его работах начали терять смысловую нагрузку. Ротко сознательно стремился имитировать детские рисунки.

7 марта в Музее «Гараж» стартует курс архитектурного мышления «Гаражане» для взрослых и детей. Курс расскажет о методах работы архитектора, навыках исследования и проектирования. Представив музей как модель городского пространства, участники проведут исследование его среды, изучат точки силы и маршруты, чтобы спроектировать и построить инсталляцию, воплощающую дух места. Под руководством профессиональных архитекторов две команды взрослых и детей познакомятся с понятием архитектурного пространства, попробуют разные методы его исследования и описания — с помощью научных инструментов и через художественную практику, а также освоят ключевые этапы проектирования — от составления гипотезы до презентации результатов исследований в формате коллективной инсталляции. Купить абонемент можно на сайте Музея «Гараж»: https://garagemca.org/ru/course/garagents-architectural-thinking-course-for-adults-and-children-of-7-to-12-years-of-age https://garagemca.org/ru/course/garagents-architectural-thinking-course-for-adults-and-children-of-7-to-12-years-of-age?utm_source=tg&utm_medium=domiki&utm_campaign=courses2021

​«Юдифь» ок. 1504г. Джорджоне Одно из самых известных произведений Джорджоне изображает прекрасную библейскую героиню, которая спасла свой город и народ, соблазнив, а потом и обезглавив спящего Олоферна, вождя вражеской армии. Джорджоне показал не сам подвиг, а момент, когда Юдифь осталась одна с головой поверженного врага, которую она попирает ногой. По лицу Юдифи скользит неуловимая полуулыбка. В ее образе чувствуются и гордость победительницы, и грусть, вызванная совершенным поступком. Фигура девушки и ее поза подчеркнуто женственны, но правая рука твердо сжимает меч. Исследователи предполагают, что Джорджоне придал Олоферну собственные черты лица. Возможно, это и объясняет тот факт, что вопреки сложившейся традиции голова Олоферна не выглядит чудовищной и мерзкой, наоборот, лицо побежденного воина красиво. http://chnly.pro/file/d022f0a0a7ef4647bd280f5f39e8e445

​​Власти Амстердама призвали пересмотреть решение по реституции картины Кандинского Мэр Амстердама решила, что пришло время пересмотреть вопрос о том, должен ли Городской музей Стеделейк оставить себе «Пейзаж с домами» (1909) Василия Кандинского. До того, как музей приобрёл картину во время Второй мировой войны, она входила в собрание коллекционера-еврея. Голландская комиссия по реституциям, которая рассматривает жалобы на нацистские грабежи, в 2018 году постановила, что музей может оставить себе работу «Картина с домами», на которую претендуют наследники его бывших владельцев. Решение реституционной комиссии было поддержано голландским судом. Однако мэр Амстердама в своём письме заявила, что было бы целесообразно, чтобы комиссия по реституции пересмотрела дело о картине, которая находится в коллекции музея с 1940 года. Судьба картины находится в центре внимания, поскольку это один из немногих случаев, когда комиссия по реституции пытается уравновесить интересы культурных учреждений и интересы людей, которые хотят вернуть произведения искусства, награбленные во время Второй мировой войны. Такая формулировка вызвала критику со стороны экспертов по реституции, а в декабре — со стороны комитета, созванного министром культуры Нидерландов для изучения решений комиссии по реституции. В своём письме мэр Фемке Хальсема и несколько других официальных лиц, известных под общим названием Коллегия мэров и олдерменов, написали, что они согласны с выводами комитета, который проявляет больше сочувствия в процессе реституции. «Еврейский народ был лишен своего имущества, прав, достоинства и, во многих случаях, жизни, — говорится в письме. — И если что-то из этой вопиющей несправедливости по отношению к ним ещё подлежит исправлению, у нас, как общества, есть моральное обязательство действовать соответственно». Джеймс Палмер, основатель компании по реституции произведений искусства Mondex Corporation, которая представляет истцов в «деле Кандинского», сказал, что они «в восторге от письма мэра и её коллег». «Прошло уже почти десять лет с тех пор, как семья начала свою тяжбу, — написал он, добавив: «Мы надеемся найти другое решение при поддержке города Амстердама, чтобы разрешить этот вопрос мирным и быстрым образом». новостиИОК _history https://telegra.ph/file/b3f826fa8210b073764c8.jpg

Николай Касаткин "Девушка у изгороди" (1893)

Видеоэкскурсия по Лиссабону. Португалия. Часть 2 https://youtu.be/jQbNLUsIWnQ В Лиссабоне на каждом шагу можно встретить напоминания об имперском прошлом города: величественные соборы, нарядные дворцы, помпезные памятники королям и маркизам. Город стоит на семи холмах, крутых и расположенных близко друг к другу, так что стоит запастись удобной обувью. Но главное, ради чего стоит сюда приехать, — это долгие пешие прогулки по лиссабонским улицам. https://youtu.be/jQbNLUsIWnQ

"Городской замок" 1932 г. Пауль Клее Частная коллекция. Пауль Клее практически никогда не писал чистые абстракции. Ему важно было раскрутить даже самое условное и декоративное изображение до метафизических смыслов. Название было его дополнительным художественным приемом. Ученики вспоминали, что уже написанные картины могли месяцами стоять в мастерской Клее, расставленные у стен, пока для них не находилось ассоциация, точная эмоции, пока не случалась вспышка озарения нужными словами – и тогда появлялось название. Только после этого картину можно было считать законченной. Даже когда Клее изобрел свой собственный пуантилизм – создавал изображение не точками, как Сёра и Синьяк, а квадратами – здесь не было чистой геометрии. Всегда было что-то еще: звуки, дома, сады, дороги. Музыканта Клее захватывала архитектура, в ней он чувствовал и слышал ритм, он наверняка смог бы сыграть на скрипке самые любимые свои здания. И именно ритм рождает эту сетчатую, строгую технику заполнения квадратов разными красками. По признанию самого Клее, этот художественный метод – очередной творческий квест и головоломка, какими он любил развлекаться: «…я пытался добиться максимально возможного движения с наименьшими средствами (экономия средств, полученных повторением ограниченного числа простых структурных единиц)». Клее расколдовывает архитектуру, она уже больше не застывшая музыка – она движется и поет. Картины Клее – это ощущение города, ощущение улицы. Это категорическая противоположность пленэрной живописи, изучающей тонкости пейзажа, это впечатление от движения сквозь улицу, когда не смотришь специально на особенности архитектуры, световые потоки или детали. Ты сам – часть этого городского пейзажа, ты сам уловитель светового потока. И поэтому можешь даже посмотреть на все сразу с нескольких точек зрения. Например, увидеть дом изнутри и снаружи, а улицы - сверху и сбоку. Все ранние коллекционеры Клее, покупавшие картины у художника, были слегка одержимыми. Кто чем. И совсем не удивительно, что Richard Doetsch-Benziger до того, как начать собирать Клее, коллекционировал старинные книги. Он наверняка почувствовал в художнике летописца чего-то ужасно далекого, то ли прошлого, то ли будущего. В 2011 году картина «Городской замок» стала самой дорогой работой Клее, проданной с аукциона в частную коллекцию. Ее стоимость составила 4 млн. 252 тыс. долларов. ПаульКлее Абстракционизм _history

Что символизируют насекомые в живописи Цикада - символ молитвы, святилища и надежды. Гусеница - символизирует жизненный цикл, возрождение. Муха - символ гниения, истощения, разложения, смерти. Муха, нависшая над церковным чиновником или дворянином, указывает на неисполнение обязанностей. Муха, парящая над девушкой или благородной женщиной, предполагает бесстыдство или женщину, склонную к похотливым поступкам. Оса - указывает на присутствие зла. Пчела, ползающая на кусочке гниющего плода, символизирует наступление болезни и смерти. Часто изображается, чтобы напомнить зрителю о собственной смертности.

​​️«Шенген не нужен. Онлайн-прогулка по еврейскому Нью-Йорку».   Супер возможности для художников:   ️Начат прием заявок на премию в области современного искусства «Инновация-2021». Подавайтесь до 23 марта!   ️Музей AZ учредил конкурс в честь юбилея Анатолия Зверева для художников, работающих в самых широких рамках — от живописи, графики и стрит-арта до арт-объектов и новых медиа.   Hats off, brilliant Banksy!   ️Бэнкси создал граффити на стене тюрьмы Рединг в Англии, где с 1895 по 1897 год был заключен Оскар Уальд.   Тюрьма существовала с 1844 по 2013 годы. Сейчас Здание принадлежит Министерству юстиции и было выставлено на продажу в 2019 году. Активисты начали кампанию по спасению его от продажи застройщикам, убеждая Городской Совет превратить его в арт-пространство.   Представитель Совета заявил, что они очень рады, что Бэнкси, поддержал стремление совета превратить пустующую Редингскую тюрьму в символ искусства, наследия и культуры с помощью нового граффити, которое он метко назвал «Create Escape».   Время, проведенное Уайльдом в заключении, вдохновило его на создание стихотворения «Баллада Редингской тюрьмы». Смотрите полное видео работы ниже по ссылке! На фото не то впечатление! Фото: shot from Banksy https://telegra.ph/file/7f7a59c75be101940669b.jpg

Картина «Городок Вильнёв-ла-Гаренн». 1872 г. Альфред Сислей. Использован частый художественный приём: затенённый деревьями передний план и залитый ярким солнечным светом берег реки.

В Феврале умер итальянский скульптор Артуро Ди Модика, автор Атакующего быка, который был установлен без согласования с городскими властями Нью-Йорка. Статуя весом 3,2 т, высотой в 3,5 м и почти 5 м в длину изображает мощного, разъярённого, приготовившегося к атаке быка, символизирующего агрессивный финансовый оптимизм и процветание. Говорят, тысяча туристов приходит посмотреть на скульптуру каждый день. Атакующий бык это одним из самых популярных символов Нью-Йорка и Уолл-Стрит. По словам покойного эта статуя должна была стать первой в серии из пяти быков, установленных в разных городах мира. В 2010 году Ди Модик установил похожего быка в Шанхае, который получил название Шанхайский бык. Ди Модика потратил 360 000 долларов, чтобы отлить и установить скульптуру. Это был акт уличного искусства: 15 декабря 1989 года Ди Модика на грузовике привез быка в Нижний Манхэттен и установил у подножия огромной ёлки перед Нью-Йоркской фондовой биржей как рождественский подарок жителям Нью-Йорка.

​О бартер-боте для обмена вещей на произведения искусства В телеграме появился бот, который меняет обычные вещи на произведения искусства: https://t.me/freshortrashbot Это бартер-бот, через который любой из вас может обменять обычные вещи от кроссовок до ноутбука на реальные произвествения искусства, будь то картина, скульптура или еще какие-то авторские предметы. Что важно: 1) бот полностью бесплатный; 2) не надо вводить какую-либо финансовую информацию; 3) можно найти друзей или создать комьюнити по интересам (между городами). Очень интересная затея и с точки зрения потребителя. Еще раз ссылочка: https://t.me/freshortrashbot Меняйтесь и будьте счастливы. https://telegra.ph/file/183e1c4e7e3fd997415cb.jpg

Гун Карлис Фридрихович (Карл Федорович) (1830-1877) Гун Карлис Фридрихович [1(13).12.1830. Мадлиена, ныне Огрский район Латвии, - 16(28).1.1877, Давос, Швейцария], латышский живописец. Учился в петербургской АХ (1854-61) у П. В. Басина. В 1863-71 жил в Париже (в 1863-68 - пенсионер АХ). Академик (1868) и профессор (1870) петербургской АХ. Член Товарищества передвижных художественных выставок (с 1873). Автор сценок из жизни городской и деревенской бедноты Нормандии ("Больное дитя", 1869, Третьяковская галерея) и жанровых по характеру исторических картин ("Сцена из Варфоломеевской ночи", 1870, Третьяковская галерея). Выполнял также портреты. В своих рисунках и акварелях К.Ф.Гун первым из профессиональных художников обратился к собственно латышской тематике. Гун Карлис Фридрихович (Карл Федорович) - «Попался!».

«После дождя» 1935г. Александр Герасимов Пожалуй, картина «После дождя» - это самая яркая, мастерски выполненная работа Александра Михайловича. Он активно и много работает в Москве, но отдыхать любит в родном городе Козлове, где и пишет свою знаменитую мокрую террасу после дождя. По воспоминаниям близких Герасимова, картина была выполнена, как говорится, в один присест - всего за три часа, воодушевленно, без исправлений и перерывов. Композиция полотна построена так, как будто наблюдатель, пережидающий ливень внутри домика, приоткрывает дверь и вдруг видит это великолепнейшее зрелище, подаренное природой. И она - умывшаяся, свежая, оживленная после шумного летнего ливня - приводит живописца в восторг. Солнце еще не вернуло свою силу, оно пока скрыто за нехотя уходящими тучами. Благодаря этому, автор уловил рассеянный, туманный солнечный свет, на фоне которого трепещет листва, переплетаясь в причудливое зеленое кружево. Еще немного, и все вокруг заиграет и засветится в золотых лучах.

«Гермес с младенцем Дионисом» 8 мая 1887 года была обнаружена скульптура, покрытая толстым слоем глины. Ее назвали «Гермес с младенцем Дионисом». Она была найдена в руинах храма Геры в городке Олимпия, который ранее был простым поселением на Пелопоннесе, где возникли и проводились Олимпийские игры. Высота фигуры Гермеса — 212 см, с пьедесталом — 370 см. Считается, что оригинал статуи выполнен Праксителем. Некоторым исследователям это кажется проблематичным из-за нехарактерных для классики приемов, примененных в этой работе. Гермес несет маленького Диониса на воспитание нимфам в Нису, мифическую страну. Остановившись в пути, они отдыхают, и Гермес, скорее всего, угощает дитя виноградом - он мог держать его в высоко поднятой правой руке, до нас не дошедшей. По сути дела, Гермес уже совершил самое главное в «воспитании» Диониса-бога: он приобщает маленькое божество к его стихии - винограду и вину.

Джепта Гомер Уэйд. "Портрет Натаниэля Олдса" (1837) В начале 19-го века в Америке некоторые художники путешествовали из города в город в поисках заказов на портретные картины. Позирующие одевались в свои лучшие наряды, как это, по-видимому, изображено на этом портрете. Зеленые тонированные очки, которые носил Олдс, были предназначены для защиты глаз от света ламп, используемых в начале 1800-х гг. Эти лампы сжигали китовый жир, и многие люди беспокоились, что его яркое пламя может повредить зрению.

«Венера из Холе-Фельс» Венера из Холе-Фельс — древнейшая из известных науке палеолитических венер, обнаруженная в 2008 г. в пещере Холе-Фельс близ немецкого города Шельклингена. Статуэтку нашла команда ученых из Тюбингенского университета под руководством профессора Николаса Конарда. О находке было официально заявлено в журнале Nature. Возраст — в промежутке между 35 и 40 тыс. лет; принадлежит ориньякской культуре. Является древнейшим признанным произведением искусства верхнего палеолита и доисторического фигуративного искусства вообще. Находка «Венеры из Холе-Фельс» отодвигает дату появления первой известной скульптуры, и в целом древнейшего примера фигуративного искусства, на несколько тысячелетий назад. Таким образом, подобные произведения искусства создавались на протяжении всего ориньякского периода.

Лот с дочерьми 1537 Альбрехт Альтдорфер Музей истории искусств, Вена Щекотливый сюжет пользовался популярностью у живописцев. Бог сжёг Содом и Гомору, два библейских города, которые были уничтожены Богом за распутство. Её жители спасались бегством. Несмотря на веление посланников Господа не оглядываться на умирающий город, жена Лота всё же это сделала и превратилась в соляной столб. Так Лот потерял жену. Дочери Лота приняли уничтожение греховных Содома и Гоморры за конец света и посчитали, что они остались последними женщинами на земле. Их долг, решили дочери, не дать роду человеческому сгинуть и «возлегли» они с отцом своим Лотом, до этого опоив его вином. Примечательно и колористическое исполнение: автору удалось особенное освещение, так что тела героев на картине будто светятся. Заметна тонкая прорисовка деталей, игра света и тени, цветовая насыщенность. Несомненно, перед нами зрелая работа, демонстрация выкристаллизованного стиля, который складывался годами…и последняя картина кисти мастера.

​О бартер-боте для обмена вещей на произведения искусства В телеграме появился бот, который меняет обычные вещи на произведения искусства: https://t.me/freshortrashbot Это бартер-бот, через который любой из вас может обменять обычные вещи от кроссовок до ноутбука на реальные произвествения искусства, будь то картина, скульптура или еще какие-то авторские предметы. Что важно: 1) бот полностью бесплатный; 2) не надо вводить какую-либо финансовую информацию; 3) можно найти друзей или создать комьюнити по интересам (между городами). Очень интересная затея и с точки зрения потребителя. Еще раз ссылочка: https://t.me/freshortrashbot Меняйтесь и будьте счастливы. https://telegra.ph/file/183e1c4e7e3fd997415cb.jpg

"Бульвар Монмартр. Весеннее утро" 1897 г. Камиль Писсарро Частная коллекция. В 1890-х к Камилю Писсарро приходит долгожданное признание, его картины продаются за десятки тысяч франков. Стареющий и теряющий зрение художник наконец-то может позволить себе путешествовать, наслаждаться безбедной жизнью и снимать гостиничный номер прямо в Париже когда ему будет угодно. Писсарро пишет бульвар Монмартр днем, вечером, ночью, утром, в дождь, зимой, весной, летом – из гостиничного номера с тремя окнами. Потом те же эксперименты проводит с другими бульварами и городскими пейзажами: Авеню де ла Опера, бульвар Итальен, Лувр, улица Сент-Оноре и улица Сен-Лазар. Одних изображений Лувра при разной погоде в течение 1900 – 1901 года у Писсарро целых 18. Шумные, светлые городские площади и бульвары у него живут и дышат, ежесекундно меняясь, как лицо человека. Но именно «Бульвар Монмартр. Весеннее утро» на аукционе Sotheby's в 2014 году был продан за рекордную для Писсарро сумму – 32 млн. долларов. ХХ век нелегко дался этой картине и она обросла историей, которая дорогого стоит. До Второй мировой войны картина была частью огромной частной коллекции импрессионистов, которую собрал немецкий еврей, промышленник Макс Зильберберг. В конце 30-х дом коллекционера захватили солдаты СС, а его собрание картин, в том числе и «Бульвар Монмартр. Весеннее утро», ушло с молотка. Зильберберг вместе с женой погибли в концентрационном лагере, а полотно после некоторых путешествий оказалось в музее Израиля в Иерусалиме. Несколько лет оно оставалось в собственности музея, пока в 2000 году не состоялось справедливое возвращение полотна наследникам Зильберберга. Новый владелец не менее справедливо, в знак признательности музею за образцовое сохранение картины, позволил оставить ее в экспозиции до самой своей смерти. В 2013 году владелец «Бульвара Монмартр» умер – и на торги Sotheby's попало одно из самых важных полотен импрессионизма. КамильПиссарро Импрессионизм _history

Жан Пату (1987-1936) Пожалуй, у каждого из нас в гардеробе есть парочка свитеров и/или пуловеров, кардиганов, купальников или плавок, спортивных шорт, а может и лыжных костюмов. Эти предметы одежды ввел в гардероб Жан Пату, сначала в спорт и элитные виды отдыха, а позже и на улицы европейских городов. Он же уничтожил образ флэпперов (девушек - «хлопушек» 20х годов), удлинив юбку и разработав спортивную одежду для женщин. Изобрел вязаных купальники и теннисную юбки. Жану Пату приписывают изобретение галстука для мужчин в 1920-х годах. Дизайнерами модного дома Пату в разные годы были Карл Лагерфельд (1960-1963) и Жан Поль Готье (1971-1973), Кристиан Лакруа присоединился к бренду в 1981 году. Последняя модная коллекция, выпущенная лейблом «House of Patou», была выпущена в 1987 году.

РетроРеклама авиакомпании AB Aerotransport, Швеция, 1931 год. Полёты ради полёта, над городом или вокруг него — идея не новая. Вот один из примеров. Первая шведская авиакомпания AB Aerotransport (или просто ABA) предлагает совершить полёт над столицей страны — Стокгольмом. Сделать это предлагалось на гидросамолёте Junkers F 13. У AB Aerotransport было 10 самолётов этого типа, летавших на маршрутах компании с 1924 по 1938 год. Автор плаката — знаменитый художник-рекламист Андерс Бекман (Anders Beckman). В 1939 году он создаст школу дизайна, существующую и сегодня — Beckmans College of Design. А вот авиакомпании ABA больше нет. В 1948 года она объединилась с Svensk Interkontinental Lufttrafik AB, а ещё через 2 года вошла в состав единого скандинавского перевозчика — Scandinavian Airlines System (SAS).

«Генерал Бернардо де Гальвес» В конце прихожей в отеле Galvez в городке Галвестон, штат Техас, висит портрет Бернардо де Гальвеса, испанского полководца, который помогал американским войскам во время Гражданской войны. Также, в его честь, назван сам город. Несмотря на то, что Гальвес умер в 1786 году, слухи о его призраке появились еще при жизни. Гости и служащие отеля утверждали, что глаза на портрете следовали за ними, когда те шли по коридору. Одним из самых странных аспектов являлось то, что Гальвес, не позволял фотографировать свой портрет без «разрешения». Люди утверждали, что любая фотография, сделанная без разрешения, получается размытой, или на ней получаются необъяснимые шары и полосы.

"Женщина в берете и клетчатом платье" 1937 г. Пабло Пикассо Частная коллекция. «Женщина в берете и клетчатом платье» – это яркий, острый и интенсивный образ Мари-Терезы Вальтер, «золотой музы» Пикассо. Портрет был создан в декабре 1937-го, став кульминацией, пожалуй, самого напряжённого года в жизни художника. Пятью месяцами ранее он создал свой величайший шедевр — «Гернику», посвящённую бомбардировке одноимённого городка во время гражданской войны в Испании. И хотя Пикассо ещё продолжал отношения с Вальтер, всё более значительное положение в его жизни завоёвывала другая женщина — Дора Маар, с которой мастер познакомился в 1935-м. Похоже, посредством этого портрета Пикассо пытался выразить свои переживания по отношению к обеим женщинам. Эта двойственность видна в переходе двух стилей — более мягкое, праздничное чувство «периода Мари-Терезы» уступает место более мучительным кубистским формам, связанным с политически настроенной Дорой Маар. За лицом Мари-Терезы на «Женщины в берете» проступает силуэт, в котором художник мог подразумевать свою следующую возлюбленную. Сам Пикассо говорил: «Девочке, должно быть, больно увидеть на картине, что её время уходит». Интересно сравнить эволюцию портретов Вальтер за предыдущие несколько лет. Ещё в 1932 году Пикассо создавал необычайно чувственные и лирические образы своей возлюбленной, свидетельствующие о пике счастья. А динамичная «Женщина в берете и клетчатом платье» показывает, сколь многое изменилось за пять лет. Резкие кубистические границы, краска, наложенная грубыми мазками, и чёрные контуры придают работе сильный эмоциональный заряд. Это уже не сладострастные изгибы и плавные кривые, которыми Пикассо изображал женщину, родившую ему ребёнка. Тем не менее, портрет говорит о том, что она по-прежнему занимает центральное место в жизни художника. Более 80 лет с момента создания «Женщина в берете и клетчатом платье» не появлялась на рынке. После смерти художника в 1973 году она перешла в частную коллекцию и лишь в феврале 2018-го была выставлена на распродажу произведений импрессионистов и модернистов Sotheby’s в Лондоне. Картину за 49,8 млн фунтов стерлингов (69,2 млн долларов США) приобрёл Гарри Смит, глава экспертной и консультационной фирмы Gurr Johns. ПаблоПикассо Кубизм _history