Яркие референсы. Вдохновляемся и рисуем практика

Прекрасные референсы маяков Маяки в закатном свете - отдельный вид искусства! Вдохновляемся и рисуем! практика

Картины Дино Валлса Дино Валлса называют реинкарнацией легендарного Сальвадора Дали, который на этот раз решил уделить смысловой составляющей наибольшее внимание. Работы Валлса отличаются особой глубиной и серьезностью. Провоцирующие и яркие, они оставят безразличным только самого черствого зрителя. Дино родился в 1959 году в Испании. В 1982 году он защитил диплом по медицине и хирургии. Этот факт биографии пронизывает множество работ художника, в которых с удивительной точностью демонстрируются анатомические особенности человека. Дино Валлса вряд ли можно назвать спонтанным художником, поскольку каждая картина тщательно спланирована. Все – от материалов, которые будут изображены, до формы холста – результат последовательных размышлений Дино.

"Закат зимой. Берег моря" Архип Куинджи, 1890 > Санкт-Петербург, Русский музей Величие и красота природы Крыма неизменно восхищали Куинджи. Особое пристрастие художник питал к тем явлениям, изображая которые он мог бы передать на холсте эффекты природного освещения. Ряд произведений в творчестве живописца посвящен закатному солнцу и пылающему от его лучей небу. Здесь Куинджи изображает расплывающийся в туманном воздухе желтый солнечный шар, опускающийся в море, яркие лучи и насыщенные пурпурными красками небеса, раскинувшиеся над зимним морским берегом. Для неба, морского побережья и самого зимнего моря, освещенного закатными солнечными лучами, художник использует форсированную цветовую гамму, в которой сочетаются оранжево-красные, фиолетовые и темно-зеленые тона. Сочетания красок, построенные на цветовом контрасте, можно было бы посчитать нереальными, если не знать, насколько трепетно мастер относился к природным тонам и сколько он прилагал усилий, чтобы как можно точнее перенести их на холст или бумагу.

Референсы волос практика

Яркие солнечные работы Лорана Парселье Его удивительный мир света, цвета, легкости и яркости. Невероятная атмосфера красоты природы и гармонии архитектуры, нежности цветов и прозрачности воздуха. ⠀ Такое ощущение, что картины написаны не масляными мазками, а сотканы из тысячи солнечных зайчиков. мастерство

Поль Гоген – первый дауншифтер Первые 7 лет он жил на родине матери в Перу. Яркие воспоминания о тех райских краях Гоген сохранил на всю жизнь. Чтобы дать сыну достойное образование, семья переехала во Францию. Поль выучился, женился и стал работать биржевым брокером. У пары родилось пятеро детей. Семья Гоген занимала две комфортабельные квартиры, где было место и для мастерской художника. Как многие люди его круга, Поль коллекционировал работы художников и стал писать сам. Именно в эти моменты он чувствовал себя счастливым. В конце концов, он оставил работу. Денег кончились, жена ушла, забрав детей. И Поль отправляется туда, где он был счастлив – в дальние экзотические страны из своего детства. Сначала на остров Мартиника, потом в Панаму. Потом едет к Ван Гогу в Арль. Пребывание кончилось ссорой и историей с ухом. Наконец, сбегая от цивилизации, которую считал «болезнью» Поль Гоген уезжает в Океанию: сначала на остров Таити, а затем на остров Хива-Оа, где он напишет лучшие свои работы.

Австрийский художник Хайнц Шольнхаммер (Heinz Scholnhammer) • В картинах художника присутствуют яркие черты романтизма – все объекты картин художника безупречны. • При этом все они исполнены не в своем привычном обличье, а так, как видит их художник – с его чувствами и эмоциями, вызванными созерцанием того или иного предмета или события. А это уже характеристика, указывающая на импрессионизм. • Критики так и не сумели определиться между двумя этими стилями, поэтому, такие работы было принято относить к стилю «романтический импрессионизм». • Но и это еще не все. Более поздние картины автора относят к направлению гиперреализма – холсты отображают вполне объективную реальность, однако не копируют в точности обстановку. Другими словами, художник добавляет некоторые штрихи, которые, как он считает, помогут наилучшим образом прочувствовать момент, изображенный на картине. мастерство

Марк Шагал "Портрет Вавы" (1966) Свою вторую жену и последнюю любовь Валентину Бродскую (или Ваву) Марк Шагал изображает в Париже. Впрочем, дома в левом верхнем углу подозрительно напоминают Витебск. Яркие, сочные цвета задают тон всему полотну. Изображение Вавы яркое, сияющее, лицо ее цвета весенней листвы, из-за спины выглядывает алая морда коня. Пабло Пикассо так отзывался об умении Шагала владеть кистью: «Когда умрёт Матисс, единственным художником из тех, кто знает что такое цвет, останется Шагал. Я не помешан на его петухах, ослах, летающих скрипачах и прочем фольклоре, но его полотна действительно нарисованы, а не просто размалёваны».

«Зимнее солнце» 1916г. Константин Юон На картине нарисован простой пейзаж и редко встречающийся ракурс – художник и вместе с ним зритель находится прямо напротив садящегося солнца. Его лучи «бьют» навстречу взгляду, но не мешают ему, потому что дробятся стройными рядами стволов деревьев. Изображение подано таким образом, что кажется выше уровня взгляда зрителя. Художник находится внизу, у склона холма, а высокие деревья и персонажи – вверху, на пригорке, почти на линии горизонта. Благодаря такому приему лошадь с телегой, полной собранного хвороста, и собирающий его на снегу в вязанку человек кажутся изображенными в контражуре – почти черными. Они четко вырисовываются на светлом фоне снега и зимнего неба. Стройные деревья без листьев кажутся кружевными, это ощущение поддерживается редкими пушистыми облачками на бледном небе. В противовес этому темные ели служат фоном нежной и хрупкой красоте голых ветвей, но не придают мрачности полотну, потому что в нем использованы достаточно яркие и сочные краски.

«Бахчисарайский фонтан» 1849г. Карл Брюллов Почти 11 лет шел к своему шедевру знаменитый живописец Карл Брюллов. В память о гибели своего друга А. С. Пушкина, он начал писать в 1838 году одну из самых известных своих работ, посвященную поэме классика о Бахчисарайском фонтане. Конечно же, сюжет взят из поэмы Пушкина, но художник открывает перед зрителем не страсти и интриги восточного гарема, а момент отдыха и незатейливых развлечений. В богатой и роскошной обстановке ханского дворца молодые девушки безмятежно наслаждаются жизнью, собравшись возле фонтана. О том, что это невольницы напоминают только слуги, разносящие яства, да старый евнух, восседающий на ковре в левом углу полотна. Все красавицы в великолепных нарядах из легких шелков и блестящего атласа. Яркие цвета, блеск позолоченных нитей в роскошных поясах, чалмах и накидках. Серебряная посуда, мягкие ковры, хрустальный отблеск от воды, веселые рыбки в фонтане — все говорит о тихом, спокойном, идиллическом времяпрепровождении юных девушек.

Краб, лежащий на спине 1887 или 1889 Холст, масло 38 × 46,5 см Музей ван Гога, Амстердам Идея Ван Гога нарисовать краба пришла из японских гравюр. Он и его брат Тео собирали такие красочные гравюры на дереве. Картина, возможно, вдохновлена иллюстрацией краба японского художника Кацусики Хокусая, который Ван Гог видел в журнале Le Japon Artistiqueв, который брат Тео прислал ему в сентябре 1888 года. Ван Гог нарисовал яркие оттенки красного краба на зелёном фоне. Он сделал это, чтобы экспериментировать с так называемыми «законами цвета» французского художника Эжена Делакруа (1798—1863). Согласно теории последнего, некоторые цвета, такие как красный и зелёный, образуют пару. Их называют «дополняющими»: они усиливают друг друга, когда используются рядом. Ван Гог был большим поклонником Делакруа. _vangog

Топ-10 самых дорогих картин старых мастеров. Часть 2. 5. Питер Пауль Рубенс, «Лот и его дочери» (ок. 1613-1614) Стоимость: 58,2 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Сцена «Лот и его дочери» сэра Питера Пауля Рубенса с XIX века была включена во все основные каталоги картин художника. Но более столетия она скрывалась от публики в частных собраниях и была известна лишь по чёрно-белой фотографии. Прежде её владельцами были крупные антверпенские купцы, королевские особы и аристократы Европы, например, император Священной Римской империи Иосиф I и Джон Черчилль, первый герцог Мальборо. На аукционе в 2016 году иллюстрация к библейскому эпизоду соблазнения Лота его дочерьми стала самой дорогой работой старых мастеров за 250-летнюю историю Christie’s. Картину купил благотворительный фонд, который передал её в долгосрочную аренду Метрополитен-музею в Нью-Йорке. 4. Питер Пауль Рубенс, «Избиение младенцев» (1611-1612) Стоимость: 76,5 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2002 Эта картина в конце XVII века вошла в коллекцию князя Лихтенштейна Ганса-Адама I и хранилась у его потомков до XIX века. Некоторое время её приписывали Франциску де Неве Младшему, затем Яну ван ден Хёке, одному из ассистентов Рубенса. В 2001 году было доказано, что это работа самого мастера барокко. Перед распродажей в июле 2002 года эксперты Sotheby’s оценили её в 4−6 миллионов фунтов стерлингов, однако в ходе торгов стоимость взлетела до 49,5 миллионов. Их выложил канадский бизнесмен и коллекционер Кеннет Томсон. Впоследствии он передал полотно Художественной галерее Онтарио в Торонто. 3. Сандро Боттичелли, «Портрет юноши с медальоном» (ок. 1480) Стоимость: 92,2 млн долларов Аукцион: Sotheby’s, 2021 До торгов в прессе муссировались сомнения о том, что картина принадлежит кисти самого Боттичелли. Однако они рассеялись после того, как неизвестный покупатель по телефону предложил окончательную цену. Глава отдела старых мастеров Sotheby’s Кристофер Апостол назвал все подозрения «отвлекающим манёвром». Искусствоведы были единодушны в том, что этот портрет длинноволосого юноши воплощает идеалы красоты Возрождения, а яркие краски и простота делают его «вечно современным». 2. Рембрандт ван Рейн, парные портреты Мартена Солманса и Опьен Коппит (1634) Стоимость: 195 млн долларов Аукцион: закрытая сделка, 2016 Технически этим двум шедеврам Рембрандта не место в данном списке. Все приведённые здесь работы были проданы на открытых торгах, а свадебные портреты молодого купца и его невесты куплены в частной сделке. Её заключили Рейксмузеум в Амстердаме и Лувр в Париже с бароном Ротшильдом, чей предок приобрёл картины в 1877 году. Эти изображения — единственные известные портреты Рембрандта в полный рост. Они были написаны когда самому мастеру было 28 лет. До продажи полотна в последний раз демонстрировались публике в Нидерландах в 1956 году. Теперь же оба музея-совладельца пообещали выставлять пару только вместе. 1. Леонардо да Винчи, «Спаситель Мира» (ок. 1500) Стоимость: 450,3 млн долларов Аукцион: Christie’s, 2016 Похоже, эта работа ещё многие годы будет удерживать лидерство среди самых дорогих произведений искусства в истории. Она же, судя по всему, станет одной из самых загадочных картин в мире. В 2016 году на аукционе Christie’s в Нью-Йорке её приобрёл неизвестный покупатель за невообразимую цену в 450 миллионов долларов. Позже СМИ уверенно назвали новым владельцем наследного принца Саудовской Аравии Мохаммеда бен Салмана. Однако после сенсационных торгов панель исчезла, породив множество слухов, предположений и фантастических теорий. Изображение Христа с полупрозрачным шаром в левой руке по-прежнему вызывает ожесточённые споры. Оно долгое время считалось копией, и окончательно было приписано гению Возрождения лишь после реставрации в 2006 году. Перед продажей картина выставлялась в 2011-м в Национальной галерее в Лондоне. Но даже после этого многие искусствоведы подвергают сомнению её атрибуцию. Жмите на ссылки в названиях! Первая часть вот тут. _history

Тональность Передача пропорциональных натуре тоновых и цветовых отношений может осуществляться в разных диапазонах светлоты и насыщенности красок палитры. Это зависит от общего состояния силы освещенности натуры и от удаления ее от рисующего. Чтобы передать это состояние, перед началом каждой работы с натуры художник предварительно выясняет, какими по силе света и силе цвета будут на этюде светлые и яркие пятна натуры. Так выдерживается тональный и цветовой масштаб изображения, в котором находят отражения тоновые и цветовые отношения предметов натурной постановки. АБВсловарь

Василий Дмитриевич Поленов (20 мая (1 июня) 1844, Санкт-Петербург – 18 июля 1927, усадьба Борок, Тульская область) - выдающийся русский пейзажист, мастер исторической и жанровой живописи, педагог Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Ученик Павла Чистякова, учитель Исаака Левитана и Константина Коровина. Талантливый декоратор, организатор народных театров. Особенности творчества художника Василия Поленова: картинам Поленова присущи яркие, чистые цвета, а также нехарактерный для русской живописи 2-й половины ХIХ века избыток солнечного света и воздуха. Художник считается создателем так называемого «интимного пейзажа», «лирического пейзажа», «пейзажа настроения»; первым в русской живописи представил пленэрный этюд как самостоятельное произведение искусства. Поленов живо интересовался проблемами живописной техники, химии красок и их взаимодействия, проводил эксперименты, направленные на длительную сохранность красочного слоя, благодаря чему большинство картин Василия

"Московский дворик Василий Поленов, 1878 > Москва, Третьяковская галерея Василий Дмитриевич Поленов – выдающийся русский пейзажист, мастер исторической и жанровой живописи, педагог Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Ученик Павла Чистякова, учитель Исаака Левитана и Константина Коровина. Талантливый декоратор, организатор народных театров. Картинам Поленова присуще яркие, чистые цвета, а также нехарактерный для русской живописи 2-й половины ХIХ века избыток солнечного света и воздуха. Художник считается создателем так называемого «интимного пейзажа», «лирического пейзажа», «пейзажа настроения»; первым в русской живописи представил пленэрный этюд как самостоятельное произведение искусства. Поленов живо интересовался проблемами живописной техники, химии красок и их взаимодействия, проводил эксперименты, направленные на длительную сохранность красочного слоя, благодаря чему большинство картин очень хорошо сохранились.

Полезные референсы различных поз практика

"Оперный проезд в Париже. Эффект снега. Утро" 1898 г. Камиль Писсарро ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1890-е годы к 60-летнему Камилю Писсарро приходит долгожданное признание. Арт-дилер Поль Дюран-Рюэль устраивает выставки, посвященные городским сериям художника. И все его бульвары, написанные в дождь, в снег и в солнечную погоду, сразу находят покупателей и разлетаются по частным коллекциям. Постаревший Писсаро пишет Париж. Это неожиданно. Художник всегда жил в деревне, в основном потому, что арендовать дом там было значительно дешевле. И прокормить семью из 9 человек, имея сад и огород, можно даже если картины никто не покупает. И писал он чаще сельские пейзажи: вспаханные поля, цветущие фруктовые деревья, извилистые грунтовые дороги, хрустящие морозы и весенние паводки. В 1884 году он поселился в доме в деревне Эраньи, и уже скоро смог его выкупить благодаря денежной помощи Клода Моне. Здесь Писсарро проживет последние 20 лет жизни, ведя по-настоящему крестьянскую жизнь. Но с возрастом у художника развивается болезнь глаз, которая не позволяет ему работать на открытом солнце. Тогда он решает писать, глядя в окно. Никогда не оставляя Эраньи надолго, он теперь выбирается пожить иногда в Париже. В 1897 году, поселившись в самом центре столицы, в гостинице «Отель дю Лувр», Писсарро пишет сыну: «Я рад, что могу попытаться написать улицы нового Парижа, которые мы все так привыкли называть уродливыми, но которые на самом деле удивительно переливчатые, яркие и такие живые». Но почему уродливые? Что с этими улицами было не так? Как и любая кардинальная, беспощадная модернизация города, перестройка Парижа под руководством барона Османа вызывала яростное сопротивление горожан, а некоторых доводила просто до отчаяния. Дега, например, считал барона Османа самым разрушительным явлением, постигшим Париж за всю его историю, похуже войн и стихийных бедствий. Старого города просто не стало: 200 тысяч зданий были разрушены, 34 тысячи - неузнаваемо перестроены. Когда-то тесные, извилистые мощеные улочки превратились в широкие бульвары, достигавшие 18 метров в ширину. Необъятные площади, способные вызвать приступ агорафобии. Пятиэтажные здания, новый шикарный оперные театр, ипподром, могучие металлические опоры железнодорожных мостов. Любовь к современному шумному Парижу легко давалась молодым художникам, а Писсарро решил обучиться этой любви в 67. Писсарро будет возвращаться в этот отель еще несколько раз и напишет из его окна 11 картин с видом на Оперный проезд и площадь Французского театра. Солнечные и пасмурные, снежные, туманные и дождливые дни, разгар дня и раннее утро. С Писсарро так было всегда: папаша, добрый бог, Моисей, как называли его коллеги-импрессионисты, оказывал колоссальное влияние на каждого, кто оказывался рядом. Он был не намного старше других, но с непоколебимым спокойствием древнего пророка успокаивал их душевные бури и сомнения. И при этом до конца жизни был готов каждый день заново учиться жить и писать, ни на минуту не успокаиваясь в собственной значимости. Он полюбил эти уродливые, расчерченные как под линейку, широкие, шумные парижские улицы, как будто видел их впервые. КамильПиссарро Импрессионизм _history

Лучистская композиция: господство красного 1911–1913 Михаил Ларионов Нью-Йорк, Музей cовременного искусства Ведущий представитель направления Михаил Ларионов создаёт композиции, пронизанные штрихами, подобными заостренным стрелам (откуда и название «лучизм»), яркие краски, за которыми исчезает сюжет картины. Но рождается глубинная неосознанная эмоция, которая в обход сознания вызывает запрятанные в глубине подсознания образы и мысли, которые даже невозможно полностью постигнуть. Но почему-то это волнует нас не меньше, фигуративное искусство, но как-то особенно, совсем иначе влечёт за собой и взгляд не оторвать.

Идолослужение царя Соломона 1620 Корнелис де Вос ГМИИ им. А.С. Пушкина Согласно Ветхому Завету, царь Соломон по наущению своих языческих жен отвернулся от истинного Бога и стал поклоняться идолам, за что был наказан: «И сказал Господь: за то, что ты так поступал и не соблюдал завета Моего и уставов Моих, которые Я заповедал тебе, Я отторгну царство от тебя и отдам его рабу твоему». Де Вос, брат жены Франса Снейдерса, был связан с кругом Рубенса и стремился придать изображенной сцене помпезный характер, используя яркие краски и мастерски изображая драгоценности, ткани и драпировки. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Референсы одежды практика

"Апельсиновые деревья" Гюстав Кайботт, 1878 > Хьюстон, Музей изящных искусств Кайботт запечатлел тему изысканного отдыха. На картине изображен уголок сада семейного имения Кайботтов в Йере. Эта усадьба была куплена отцом художника в 1860 и продана в 1878, в год написания картины и смерти матери художника. Кайботт имел тягу к садоводству, предпочитал ухоженное расположение растений. Мужская фигура на переднем плане – брат художника Марсиаль. Одетый в соломенную шляпу и фиолетовые туфли, он изображен читающим газету или журнал с наклоненной вперед головой спиной к зрителю. На заднем плане кузина Зои в полосатом платье и красных сапожках склонилась над кадкой с апельсиновым деревом. Кайботт использует резкий контраст между теневым пространством и ярким солнечным задним фоном. Тени окрашены в приглушенные зеленые и фиолетовые тона, в то время как газон и цветник сочетают в себе яркие зеленые, красные и белые краски. Контраст между областями света и тени вносит ощущение полуденного зноя, покоя и тишины.

"Яркие глаза. Портрет Ефимии "Эффи" Грей" 1877 г. Джон Эверетт Милле Абердинская художественная галерея, Эбердин.

Рыбалка 1981 Баския Прославился как граффити-художник в Нью-Йорке, а затем, как неоэкспрессионист. С 1977 года, в 17 лет, Баския и его друг Al Diaz рисовали граффити на стенах зданий в Манхеттене, подписываясь SAMO или SAMO shit. А в декабре 1978 года в Village Voice опубликовала статью о них. Проект закончился эпитафией SAMO IS DEAD. В 1982 году Баския познакомился с Энди Уорхолом и они много работали вместе. С 1983 по 1985 года пара сделала работы, которые наложили виртуозные граффити Баскии на яркие поп-образы Уорхола. Они работали вместе, влияли на творчество друг друга. Их отношения продолжались до смерти Уорхола в 1987 году. С 1984 многие друзья Баския начинают отмечать его всё более странное поведение, вызванное приёмом наркотиков. Баския пристрастился к героину в годы жизни среди уличных художников Нью-Йорка. Баския умер от случайной передозировки наркотиков 12 августа 1988 года в своей студии на Грейт-Джонс-стрит. Ему было 27 лет.

Референсы кошек, больших и маленьких практика

"Завтрак на траве" 1865 г. Клод Моне ГМИИ имени А. С. Пушкина. В 1865 году Клод Моне решил писать огромную картину - 4 на 6 метров. Фигуры людей на ней должны превосходить средний человеческий рост вдвое. В лесу Фонт... он делает много этюдных зарисовок, для которых просит позировать друзей, и вскоре набрасывает предварительный вариант - именно этот пробный вариант сейчас хранится в музее Пушкина в Москве. И название будущей работы, и ее общий замысел - это дань уважения другому «Завтраку на траве», картине Эдуара Мане, которая двумя годами ранее была представлена в знаменитом Салоне отверженных и вызвала бурю негодования критиков, салонных судей и посетителей. На Клода Моне, ученика частной студии, она произвела тогда грандиозное впечатление - и сейчас он готов объявить Мане о своем восхищении и совершить что-то настолько же невероятное. Он не собирается возмущать публику обнаженными женщинами, как это сделал Мане, он хочет писать яркие солнечные пятна и контрастные глубокие тени на одежде и на лицах, на траве и белом покрывале. Трудно представить, где и как юный художник хранил огромное полотно во время работы над ним. Зато он подробно рассказывал позже, как при своем росте в 165 сантиметров ухитрялся доставать до его верхней части. Моне вырыл глубокий длинный ров, опускал в него картину - и сам оказывался на нужном уровне. Этой работой Моне одержим, он пишет друзьям, что не может больше ни о чем думать, что сойдет с ума, если не доведет дело до конца. Эта работа отнимает все силы и, если честно, обходится совсем не дешево. Сегодня воссоздать общий вид готового «Завтрака на траве» можно только по этому предварительному наброску. Окончательный вариант не сохранился, вернее, сохранился изрядно потрепанным, побывав в нескольких передрягах. Моне полжизни был в долгах - он сбегал среди ночи из арендованной квартиры, когда не мог расплатиться с хозяином, он делил долгое время мастерскую с Фредериком Базилем и с Огюстом Ренуаром, он ссорился с владельцами гостиниц и давал обещания. А однажды, оставшись без гроша в кармане, он свернул свой огромный «Завтрак на траве» и оставил хозяину квартиры в качестве залога. Деньги у Моне появятся не скоро - и он вернется за картиной много лет спустя. Все это время она пролежала свернутая в рулон в сыром подвале - и в некоторых местах начала подгнивать. Картину пришлось разрезать на куски - и спасти удалось только три неповрежденных фрагмента. Но и из этих трех фрагментов до музейных стен добрались только два - сегодня они находятся в музее д’Орсе. Каждый - в отдельной раме. Третий фрагмент потерялся. От предварительного, но вполне самостоятельного и завершенного, варианта огромная итоговая картина немного отличалась. Моне переодел девушку слева из белого платья в серо-красное и заменил центральную фигуру сидящего юноши на другую. Новый участник «Завтрака на траве», веселый, крупный бородач, очень похож на художника Гюстава Курбе. С Курбе, тогда уже шумно знаменитым и признанным мастером, Клод Моне познакомился как раз во время работы над «Завтраком». Картину Курбе, по одним воспоминаниям, восторженно повалил, по другим - одобрил, но порекомендовал немного доработать. Как бы то ни было, Моне уже не собирается отправлять «Завтрак» в Салон, он решительно настроен покорить судей новым портретом дамы в зеленом платье. КлодМоне Импрессионизм _history

Полезные референсы животных практика

«Норникель» запустил комплексную программу развития музеев в Норильске Проект Арктического музея современного искусства АММА - Arctic Museum of Modern Art - представлен на Градостроительном совете Норильска. Это масштабная трансформация бывшего «Дома торговли» в художественный музей площадью 8,5 тысяч квадратных метров. С этого начнется реализация комплексной программы развития музеев Норильска, которая предусматривает появление двух новых музеев в ближайшие пять лет. «Сейчас у нас есть уникальная возможность превратить Норильск в город будущего. Представить его без серьезного и значимого культурного контекста невозможно. Создать его должны именно такие яркие современные общественные пространства, как Арктический музей современного искусства», - прокомментировала старший вице-президент — руководитель блока кадровой, социальной политики и связей с общественностью «Норникеля» Лариса Зелькова. Подробнее: https://smotrim.ru/article/2573994 https://smotrim.ru/article/2573994?utm_source=yxnews&utm_medium=desktop&utm_referrer=https%3A%2F%2Fyandex.ru%2Fnews%2Fsearch%3Ftext%3D

«Норникель» запустил комплексную программу развития музеев в Норильске Проект Арктического музея современного искусства АММА - Arctic Museum of Modern Art - представлен на Градостроительном совете Норильска. Это масштабная трансформация бывшего «Дома торговли» в художественный музей площадью 8,5 тысяч квадратных метров. С этого начнется реализация комплексной программы развития музеев Норильска, которая предусматривает появление двух новых музеев в ближайшие пять лет. «Сейчас у нас есть уникальная возможность превратить Норильск в город будущего. Представить его без серьезного и значимого культурного контекста невозможно. Создать его должны именно такие яркие современные общественные пространства, как Арктический музей современного искусства», - прокомментировала старший вице-президент — руководитель блока кадровой, социальной политики и связей с общественностью «Норникеля» Лариса Зелькова. Подробнее: https://smotrim.ru/article/2573994 https://smotrim.ru/article/2573994?utm_source=yxnews&utm_medium=desktop&utm_referrer=https%3A%2F%2Fyandex.ru%2Fnews%2Fsearch%3Ftext%3D

«Норникель» запустил комплексную программу развития музеев в Норильске Проект Арктического музея современного искусства АММА - Arctic Museum of Modern Art - представлен на Градостроительном совете Норильска. Это масштабная трансформация бывшего «Дома торговли» в художественный музей площадью 8,5 тысяч квадратных метров. С этого начнется реализация комплексной программы развития музеев Норильска, которая предусматривает появление двух новых музеев в ближайшие пять лет. «Сейчас у нас есть уникальная возможность превратить Норильск в город будущего. Представить его без серьезного и значимого культурного контекста невозможно. Создать его должны именно такие яркие современные общественные пространства, как Арктический музей современного искусства», - прокомментировала старший вице-президент — руководитель блока кадровой, социальной политики и связей с общественностью «Норникеля» Лариса Зелькова. Подробнее: https://smotrim.ru/article/2573994 https://smotrim.ru/article/2573994?utm_source=yxnews&utm_medium=desktop&utm_referrer=https%3A%2F%2Fyandex.ru%2Fnews%2Fsearch%3Ftext%3D

Кадр из ролика Glenmorangie, созданного совместно с Fashion-фотографом Майлзом Олдриджем Очень яркие кадры передают атмосферу чего-то необычного и удивительного — мира Glenmorangie, а кадры в ролике заставляют ставить на стоп и разглядывать каждую деталь. Достаточно нетипично для бренда виски. Кстати, в ролике спрятаны пасхалки от Олдриджа, например, на кадре выше на чемоданах изображены жирафы — тотемное животное бренда. Ссылка на ролик: https://www.youtube.com/watch?app=desktop&v=5kmd5-Zw9Lo

Талисман 1888 Поль Серюзье Музей Орсе, Париж Наиболее ценная и важная картина, по утверждению самого мастера. Название художник дал, имея в виду, что она — знаковая для него, обеспечила ему удачу на стезе творческого самоопределения. Работа написана под чутким руководством Гогена, которого Серюзье считал главным учителем, определившим его почерк и стиль. С первого взгляда зритель может отметить нечто общее с картинами Гогена — отношение к цвету. Чистые, яркие цвета делают неважным сюжет, выдвигаясь на первый план, занимая главное место. Природу он изобразил теми цветами, которые предстали перед глазами. Если тень от деревьев отдавала голубизной, то и отразилась она свежим ультрамарином, если сами деревья представали в желтом цвете, то и на картине их крона передается буйством желтого. «Талисман» стала квинтэссенцией принципа живописи мастера: художник не должен копировать природу, он должен преобразовывать ее, расцвечивать чистыми красками, создавая волшебную динамику.

Яркие солнечные работы Лорана Парселье Его удивительный мир света, цвета, легкости и яркости. Невероятная атмосфера красоты природы и гармонии архитектуры, нежности цветов и прозрачности воздуха. ⠀ Такое ощущение, что картины написаны не масляными мазками, а сотканы из тысячи солнечных зайчиков. мастерство

Поединок Пересвета с Челубеем на Куликовом поле 1943 Михаил Иванович Авилов Русский музей, Питер Самая известная картина советского художника Михаила Авилова. Изображён бой русского богатыря Пересвета с татарским воином Челубеем перед началом Куликовской битвы. Развевающиеся гривы, оскаленные зубы и свирепые морды делают коней страшными. Щиты и кольчуги не выдерживают удара и копья протыкают их, вонзаясь в тела богатырей. Челубей слетает с седла лошади от удара копья русского богатыря. С его бритой головы летит красный малахай. Подался назад и Пересвет. Его фигура крайне напряжена, глаза лютой ненавистью впиваются в поверженного врага. Игрой красок Авилов передаёт состояние войск перед боем. Скромные, строгие, сероватые тона в левой части картины характеризуют выдержку, спокойствие и уверенность в победе русского войска. Впереди строя на белом коне великий князь Дмитрий Иванович Донской. Яркие, пёстрые краски татаро-монгольского войска передают их беспокойство и неуверенность в исходе поединка.

"Овощной рынок в Амстердаме" 1661 г. Габриель Метсю Лувр, Париж. «Овощной рынок» был написан в 1660 – 1661 годах, когда Габриель Метсю, живший в Амстердаме, находился на пике карьеры. Эта оживлённая сцена из повседневной жизни на самом деле является отсылкой к популярной комической пьесе. Этим объясняется присутствие дерзкого лакея, переодетого в красный, словно шутовской, костюм. Большой размер холста и мягкое, почти ностальгическое исполнение городского пейзажа характеризуют картину из собрания Лувра как один из шедевров Метсю. Этот овощной рынок располагался у канала Принсенграхт, где художник проживал примерно с 1657-го (по другим данным, с 1654-го) года. Поселившись в доме дальнего родственника, он мог тщательно изучить жизнь этого маленького мира. Эту жанровую картину он создал под влиянием театра того времени. Несомненно, что изображённые типажи соответствуют персонажам очень популярного тогда фарса «Het Moortje» (1615) нидерландского драматурга Гербранда Адрианса Бредеро. Передний план, где находятся основные действующие лица, ярко освещён таким образом, чтобы подчеркнуть сочные цвета – красный, зелёный и белый, по ослепительности соревнующимися друг с другом. Эта красочная живость контрастирует с приглушенным коричневым фоном и спокойным городским пейзажем, для которого характерны упорядоченный ритм и геометрия фасадов. Композиция этой жанровой сцены, исполняемой на открытом воздухе, довольно интересна. На левой стороне картины сварливая женщина, крепко уперев руки в бока, жарко торгуется за овощи. Приятная пухленькая матрона стоически игнорирует её наскоки, повернув голову к зрителю. Юмористическим отражением этого диалога являются собака и петух в правой части полотна. Пёс и птица пристально смотрят друг на друга, а неустойчивое положение плетёной корзины даёт понять, что вот-вот воцарится весёлый хаос. В центре, словно изолированная от рыночного шума, разворачивается сцена флирта. Пылкий щёголь в элегантном костюме ухаживает за милой домохозяйкой, которая слушает его настороженно, хотя и не без интереса. Сияющие яркие оттенки главных героев и практически монохромные персонажи на заднем плане напоминают о лейденском периоде художника, хотя картину датируют примерно 1660 – 1661 годами. Это исключительная работа в творчестве Метсю, сочетающая реализм рыночной жизни с отсылкой к театральной сцене. Это шедевр, в котором живописец полностью раскрыл свой художественный талант и продемонстрировал важность жанровой живописи. ГабриельМетсю Барокко _history

Референсы собак практика

Космос. Мексиканский художник Аксель Хуарес (Axel-Astro-Art) - один из немногих современных художников-фантастов, работающих в классической манере. Его удивительно яркие картины выполнены акриловыми красками. Аксель Хуарес часто изображает пейзажи со спутников больших планет, похожих на Сатурн, когда на небе можно увидеть много других небольших тел. Конечно, с астрономической точки зрения гравитационное равновесие таких сложных систем сомнительно, но выглядит это невероятно.

Референсы персонажей практика

"Музыка I" 1895 г. Густав Климт Новая пинакотека, Мюнхен. В 1892 году в жизни Климта произошли подряд два трагических события, оказавших влияние и на его творчество, и на жизнь в целом. Сначала ушел из жизни его отец, а вскоре после этого скончался брат художника Эрнст. После кончины отца на плечи Климта полностью легли заботы о благополучии семьи, а смерть брата нанесла художнику сокрушительный удар. Эрнст был для Густава не только родственником, но и коллегой, и одним из самых близких друзей. Они вместе с детства учились живописи, вместе работали над заказами и добились огромной популярности в Вене. После смерти отца и брата Климт надолго впал в депрессию. В эти годы главной его поддержкой стала Эмилия Флёге. И в это же время постепенно начинает трансформироваться и меняться его творчество. Отправной точкой можно считать полотно «Музыка», написанное в 1895 году и ставшее в некоторой степени предтечей самых знаменитых работ художника, которые он создаст в годы «Золотого периода». Идея изобразить на картине саму Музыку была довольно амбициозной, но Климт был уже достаточно знаменитым в Вене художником, чтобы позволить себе это. К тому же, в будущем он не раз докажет, что мнение критиков его абсолютно не волнует. Климт был страстным поклонником старины и древних искусств. Это увлечение позволило ему создать особенно яркие, поражающие воображение и выполненные с почти фотографической точностью работы, украсившие стены Художественно-исторического музея в Вене. Но если в оформлении музея упор был сделан на Древний Египет, то в картине «Музыка» безраздельно властвует Эллада. Главная героиня полотна, совсем юная девушка, почти ребенок, держит в руках лиру – инструмент, воспетый в древнегреческом изобразительном искусстве. В правой части художник изображает сфинкса, который, кроме прочего, считается символом свободы творчества и личности в целом. Эту картину от ранних работ Климта отличает отказ от традиционной перспективы и классических сюжетов в пользу символизма, ярко выраженная декоративность и характерная для ар-нуво «уплощенность», двухмерность изображения. Но художник не спешит отказываться от привычного изображения людей, что придает полотну сходство со слегка размытой старой фотографией. ГуставКлимт АллегорическаяСцена _history

Референсы штанов практика

"Ярмарка в Гавре" 1906 г. Альбер Марке Музей изящных искусств, Бордо. «Ярмарке в Гавре» написана в период расцвета фовизма. Марке до конца своих дней дружил с Анри Матиссом. Но даже в разгар увлечения фовизмом его картины все же не были в достаточной мере «дикими». Черты фовистического направления – яркие цвета, широкие окрашенные плоскости, декоративность – присущи этой картине. Но вместе с тем Марке не спешит уходить от пространства к плоскости, с помощью усиления интенсивности цветовых аспектов он создает перспективу. А яркие цвета так изящно распределены по холсту, что, пожалуй, в отношении этой работы знаменитое высказывание Луи Вокселя, обвинившего группу Матисса в том, что «они швырнули публике в лицо банку с красками», – несколько избыточно. Ранние работы Марке представляли собой импрессионистические пейзажи. К 1906 году он с импрессионизмом окончательно простился. Его мазок во многом похож на импрессионистический, но отход от этой традиции выдает в том числе благосклонность к черному цвету, который импрессионисты не использовали, а фовисты – вполне. Марке любил применять черный как цветовой камертон, позволяющий зрителю видеть контрасты самого светлого и самого темного. С удовольствием он использует и контур, чаще всего в виде штриха-мазка, нередко черного цвета. «Ярмарку в Гавре» по тональности и общему настроению сравнивают с работами Альфреда Сислея. Но по тонкости изображения, общему лиризму и изяществу рисунка Марке того периода до Сислея, пожалуй, не дотягивает. Нередко, характеризуя работы Марке, говорят об идеальном сочетании конкретного и общего. В отношении этой картины – весьма конкретен пейзаж, а люди представляют собой скорее некий образ людей, идею о людях, в них никакой конкретики мы не найдем. Такой подход достаточно типичен для Марке: в его пейзажах практически всегда есть следы людей, так или иначе фигурируют люди, но при этом они максимально обобщены. А вот в картинах, изображающих Неаполь, уже и сам пейзаж теряет конкретику, и Неаполитанский залив становится не самим морем, а чудесной мечтой о море. АльберМарке _history

Где получать вдохновение и тренировать эстетический вкус? Как вы думаете, почему люди начали писать картины? Ради самовыражения, славы, психотерапии... И чего-то еще. Мы думаем, что это страх потери. Запечатлеть то, что возможно утратит свою былую красоту или вовсе сотрется с лица земли. "Искусства много не бывает!" - подумала автор канала и начала собирать сокровищницу из редких картин и стихотворений мировых авторов. Очень необычно то, что каждую картину или произведение она подбирает по настроению и эмоциям. Если нравится расшифровывать чужие творческие мотивы, то вам точно сюда. Чего только стоят яркие, словно светящиеся "Качели" Фрагонара. Какой намек они хранят? И можно ли узреть современный смысл в знаменитом стихотворении Пастернака? — самое лучшее вдохновение на эту осень, по нашей версии. https://t.me/poetrysea

"Оливковые деревья в Кавальере" 1906 г. Анри Шарль Манген Частная коллекция. Пейзаж «Оливковые деревья в Кавальере», написанный на пике расцвета фовизма, входит в число самых важных картин в творчестве Анри Мангена. Работа датируется 1906 годом, когда смелые цвета и выразительные мазки выдвинули фовистов в авангард современного искусства, а Манген оказался на переднем крае этого движения вместе со своим коллегой Анри Матиссом. Оба художника познакомились в Школе декоративных искусств, а затем в ноябре 1894 года поступили в Школу изящных искусств, где их наставником стал символист Гюстав Моро. И хотя учитель был членом консервативного Института Франции, он предоставлял своим студентам большую свободу – а они высоко оценили его толерантное отношение. После смерти наставника в 1898-м Манген оставил обучение, и год спустя переехал с молодой женой и любимой натурщицей Жанной Каретт в дом по улице Бурсо, 61. Будучи сыном состоятельных родителей, он обустроил в саду разборную студию, куда созвал своих однокашников и оплачивал моделей, которые им позировали. За год до легендарной Осенней выставки в Салоне 1905 года в этой мастерской работали Матисс, Альбер Марке, Жан Пюи и Шарль Камуан. Они разделили увлечение Матисса дивизионизмом (или пуантилизмом): для развлечения и удовольствия писали друг друга и обнаженных натурщиц, больше ориентируясь на небрежный стиль Максимильена Люса, чем на скрупулёзную технику Поля Синьяка. Зима была периодом интриг, заговоров и неистового закулисного лоббирования: различные фракции художественного мира пытались продвинуть на показы следующего года своих фаворитов. Поэт Шарль Герен в декабре записал Матисса на встречу по планированию Осеннего салона, поручив ему «привести Мангена, Марке и других сочувствующих, которых он сможет привлечь». Об этом пишет Хилари Сперлинг в своей книге «Неизвестный Матисс» (1998). Лето 1905 года прошло у новаторов в лихорадочной работе. Они писали виды на юге Франции, в Сен-Тропе и близлежащем Коллиуре, увлечённые ослепительным жарким солнечным светом, заливающим ландшафт с оливковыми рощами. Но их энергичные мазки, густо наложенные краски и яркие чистые цвета вызвали настоящий скандал в Салоне осенью того же года. «Горшок с краской был брошен в лицо публике», – возмущалась критик Камилла Моклер. А по свидетельству писательницы Гертруды Стайн зрители даже царапали холсты в знак презрения. Там же пионеры фовизма получили своё крещение. Критик Луи Воксель описал зал №7, где были выставлены их работы, как «Донателло среди диких зверей» (имелось в виду, что в центре, окружённая эпатажными полотнами, стояла скульптура в стиле Ренессанса). Журналист пытался оскорбить художников, но тем понравилось прозвище «дикие» (fauves, фов). Вскоре оно получило широкое распространение, а затем стало обозначением нового движения. После выставки Манген продолжил создавать блестящие, выразительные и эмоционально наполненные полотна. Именно за любовь к цвету и прославление жизни через поэтические образы беззаботной неги и безмятежности поэт Гийом Аполлинер назвал фовиста «сладострастным живописцем». В мае 1906 года арт-дилер Амбруаз Воллар проявил недюжинную проницательность, купив свыше девяноста работ Мангена. Спустя 80 с лишним лет журналист Жан-Луи Ферриер написал: «Картина Мангена – это симфония сильных цветов, где чистый красный доминирует над красно-оранжевым, пурпурно-фиолетовым, тёмно-синим, тёмно-зелёным и золотисто-жёлтым. Линии, формы – всё выражает силу. Всё поражает. Это возвышенное произведение, которое согревает сердце и приносит радость». В марте 1907 года пейзаж «Оливковые деревья в Кавалер-сюр-Мер» приобрела у художника парижская галерея Bernheim-Jeune. Спустя почти 30 лет Анри Манген выкупил его у частного лица и хранил в своей коллекции вплоть до смерти в 1949 году, после чего картину получила в наследство его дочь Люсиль. В мае 2016 года произведение было продано на аукционе Sotheby’s за 1 млн 150 тыс. долларов США. АнриШарльМанген Пейзаж Фовизм _history

"Ладья Данте" Эжен Делакруа, 1822 > Париж, Лувр «Ладья Данте» – первая значительная картина, созданная французским художником Эженом Делакруа, и одна из работ, которые, как считается, знаменовали собой переход от неоклассицизма к романтизму. Творческая интерпретация одного из самых интересных сюжетов мировой литературы, революционное толкование символов, откровенное заимствование приемов у мастеров Возрождения – все вместе сделало работу яркой, сочной и новаторской. Через Стигийское болото лежит путь Данте и Вергилия. Гневные, осужденные на вечные муки в болоте, пытаются всеми силами проникнуть в лодку, вернуться в мир живых. Страдания грешных душ изображены в лучших традициях эмоционального барокко. Но фигуры главных героев скорее близки классическим канонам. Нечеткость рисунка скорее "работает" на идею работы. Словно сами страсти и эмоциональный накал искажают пространство и делают очертания деталей работы нечеткими, размытыми. А яркие цвета делают картину еще более выразительной и атмосферной.

Референсы персонажей практика

Художественно-исторический музей Вены / Коллекция Телеканал Культура Художественно-исторический музей Вены – один из крупнейших музеев мира. В его залах представлены бесчисленные шедевры западного искусства, в том числе Рафаэля, Веласкеса, Вермеера, Рубенса, Рембрандта, Дюрера, Тициана, Тинторетто, Брейгеля. Авторский проект Викторины Петросянц "Коллекция" представляет собой серию эксклюзивных интервью с директорами крупнейших мировых музеев и коллекций. Это рассказ о самых знаменитых художественных собраниях, увиденных глазами их руководителей. Именно они яркие, неординарные, выдающиеся и порой экстравагантные историки искусства; стали героями программ. https://www.youtube.com/watch?v=to4RT0OcLNg https://www.youtube.com/watch?v=to4RT0OcLNg

Осень в городах. Художник Ричард Макнейл родился в 1958 году в городе Вустер, Великобритания. Свой трудовой и творческий путь Макнейл начал с Королевской фарфоровой фабрики, где изготавливалась продукция для продажи по всему миру. Картины Ричарда Макнейла украшают Овальный кабинет Белого дома в США. Его работы — это словно экскурсия по осеннему Парижу, Венеции, Риму, Нью-Йорку, Лондону. Художник своими работами показывает, что осень — это не только дождь, сырость и холод — это ещё и буйство красок, яркие зонтики. Ричард вместе с женой и сыновьями в 2009 году открыли собственную студию, которая начала лицензировать все работы художника. Благодаря этому, чудесные акварели теперь можно встретить на календарях, открытках и прочей бумажной продукции.

Вятский модник В 2018 году Женя Жуланова создала серию фото «Вятский модник». Виктору Казаковцеву из Кирова больше 70 лет, его называют «вятским модником». Виктор играл на баяне в доме культуры, любил сцену и яркие наряды. И когда его отправили на пенсию по инвалидности, он сделал своей сценой целый город. Каждое утро Виктор надевает один из своих кричащих нарядов (шьет и перешивает все сам) и дефилирует по центральным улицам Кирова. Виктор рассказывает, что за культпросветработниками в советское время следили партийные организации. Поэтому вне работы он позволял себе только шляпу и белые рубашки. Однажды, когда ехал на велосипеде мимо лесобазы, на него из кустов выпрыгнули несколько человек и избили практически до смерти. Били по почкам, по всему телу, но больше всего ногами по лицу. Почему он тогда не умер, Казаковцев до сих пор не понимает. Но понимает, за что били — за шляпу. «Я вспомнил, как нам запрещали яркие одежды, и сказал себе: Ну все, теперь я так буду одеваться, что лошади будут оглядываться». Искусство или нет?

Экскурсия по Суздалю онлайн. Очарование Древней Руси. Яркие деревянные здания и белокаменные церкви, расположенные в центре города, продолжают жить той же жизнью, что и столетия назад. Экскурсия приведет нас в Суздальский Кремль – один из древнейших в России, который поведает нам правду о том, сколько же на самом деле лет городу. По дороге мы заглянем во двор старинного дома, где познакомимся с предметами русского быта и, наконец, внимательно рассмотрим Рождественский собор Пресвятой Богородицы – первый каменный храм на северо-востоке, внесенный в список Всемирного наследия ЮНЕСКО. Сверив время со старинными часами, расположенными на колокольной башне Суздальского кремля, чей циферблат вместо цифр украшают буквы, мы отправимся на знаменитую торговую площадь с более чем 800-летней историей. https://youtu.be/kurgDFsups4 https://youtu.be/kurgDFsups4

"Ветка цветущего миндаля" 1888 г. Винсент Ван Гог Метрополитен-музей, Нью-Йорк. Винсент прожил в Париже вместе с Тео ровно два года. 20 февраля 1886 года он приехал к брату из Антверпена, а 20 февраля 1888 года – сошел с поезда в Арле. На самом деле Ван Гог страстно мечтал о путешествии в Страну Восходящего Солнца из-за увлечения японским искусством, особенно живописью. Но для нищего художника, живущего на попечении младшего брата, подобная поездка была из области фантастики, поэтому Винсент отправился в Арль, представляя себе, что едет в Японию. Когда Ван Гог сошел с поезда в Арле и увидел, что весь город покрыт снегом, его радости не было предела. Такая погода, кстати, для небольшого южного городка была необычайной редкостью. Некоторые люди могли прожить здесь всю жизнь, так и не увидев снега. Но Винсенту повезло: заснеженный Арль как нельзя лучше соответствовал его японским фантазиям. Самое удивительное, что в это же время здесь начали цвести деревья, в первую очередь – миндаль. И снова художник не мог не провести параллелей с Японией, ведь голые ветки деревьев, покрытые нежными, воздушными бело-розовыми цветками, были так похожи на цветущую сакуру. Совсем не удивительно, что картина «Ветка цветущего миндаля» получилась такой «японской». Винсент использует яркие, чистые цвета, уплощает изображение, очень условно прорисовывая тени. Но при этом с помощью довольно грубых мазков создает безошибочное ощущение тепла первого весеннего солнца. За следующие несколько дней Ван Гог напишет еще 14 картин с цветущими фруктовыми деревьями: снежные пейзажи за окнами гостиницы, в которой он поселился в первые дни в Арле, быстро сменились по-настоящему весенними. Но скромная маленькая веточка миндаля в грубоватом толстостенном стакане все равно останется завораживающим в своей простоте символом пробуждения природы после зимней спячки. ВанГог Натюрморт Импрессионизм _history

Без названия (Портрет) 1939 г. Марк Ротко Частная коллекция. Картина Марка Ротко «Без названия (Портрет)» – одна из не столь многих работ художника, которые можно отнести к фигуративным. До того как прийти к своей живописи цветового поля, прославившей его, художник какое-то время упражнялся в экспрессионизме. Этот стиль удачно подходил для воплощения тревоги, которая в течение почти всей жизни была его неизменной спутницей. В год написания картины это чувство было особо ощутимым. В Европе все большие обороты набирали антисемитские настроения, и Маркус Роткович, а именно так звали художника от рождения, с опаской следил за событиями в Европе. Он боялся, что влияние нацистов распространится за океан и достигнет США. Поэтому поспешил изменить имя, сократив до привычного нам Марка Ротко. На первый взгляд картина выглядит безоблачной: светлый день, яркие солнечные оттенки. Но при дальнейшем рассмотрении возникает душное клаустрофобское чувство, будто стены вокруг героя картины начинают сжиматься. Способствует этому отсутствие воздуха и перспективы. Грязно-желтая гамма усиливает эту неясную тревогу, и уже трудно разгадать эмоции на лице изображенного на картине юноши. То ли это легкая полуулыбка, то ли смущение, а в его осанке сквозит некоторая неуверенность и даже робость. МаркРотко Портрет Экспрессионизм _history