Жак Мартен-Феррьер (1891-1972) «Площадь Тертр под снегом, Монмартр» 1920...

Жак Луи Давид - Портрет мадам Рекамье, 1800, холст, масло, 174 × 244 см, Лувр, Париж, Франция Jacques-Louis David - Madame Recamier, 1800, oil, canvas, 174 x 244 cm, Louvre, Paris, France

Жак Луи Давид - Портрет мадам Рекамье, 1800, холст, масло, 174 × 244 см, Лувр, Париж, Франция Jacques-Louis David - Portrait of Madame Récamier, 1800, oil on canvas, 174 × 224 cm, Louvre, Paris, France

Страну Кокань придумали где-то в Европе, предположительно, во Франции (по крайней мере, немногие рукописи бесконечной басни из почти двух сотен куплетов пришли именно оттуда), а потом уже идея этой волшебной страны добралась до Италии, Испании, Германии и Нидерландов. Не знаю точно, не из этой ли страны в наши края текла та самая молочная река с кисельными берегами. Забавно вот что - во французском варианте волшебную страну населяют благороднейшие и приятнейшие люди, в то время как в немецкой волшебной стране все сплошь жулики, тупицы и ротозеи, а хороших, то есть, трудолюбивых людей оттуда выгоняют. Протестантская мораль, знаете ли - ничего хорошего не может быть в месте, где все лентяи. Немецкий вариант Кокани, кстати, называется Шлараффенландом, а в переводе песни на русский язык Львом Гинсбуром она становится Шлараффией. Оттуда и кусочки стихов, а целиком вот тут эта песенка: https://facetia.ru/node/4756 Тут, конечно, поражает то, сколько внимания уделено еде. А это важно, потому что средневековому жителю голод грозил совершенно неиллюзорно и буквально постоянно. Не голод человека первого мира, когда захотелось пончик и не голод студенческий, когда выпил кипятка на ночь, а утром стрельнул макарон у соседа по общаге, а голод до смерти. Случилась засуха или пожар и конец тебе и всему твоему поселению. И на помощь никто не явится. Древние греки и римляне тоже про голод слыхали, но они умели накапливать ресурсы и у них была невероятная система дорог и передачи новостей. Средневековая Европа же эти блага немного прощелкала. То же самое касается и одежды, ведь одежда в средневековье выполняла, помимо прямого назначения - защиты и утепления, еще одну важнейшую функцию - по одежде можно было мгновенно понять кто перед тобой, крестьянин, купец, монах, рыцарь. А тут у всех такая одежда, какую пожелаешь! Так что, вот так выглядят средневековые мечты о бесклассовом обществе, обществе всеобщего благоденствия, где сама природа у человека на посылках, а труд полностью упразднен. Адам и Ева в раю не работали, а вот когда их выгнали, то труд стал их наказанием. Собственно, все это рассказываю, в основном стащив из небольшой статьи из сборника “Герои и Чудеса средних веков” историка-медиевиста Жака Ле Гоффа как предисловие к картине Питера Брейгеля Старшего “Страна Лентяев”. …Все это нынешней зимой Мне рассказал один немой, А подтвердил публично Слепой, который этот край Недавно видел лично.

«Костел святого Жака в Дьеппе» 1901г. Камиль Писсарро Одна из последних работ Камиля Писсаро, всего два года остается до смерти мастера. В 1901 году Писсаро проживает в Дьеппе (Франция) в отеле, окна которого выходят на старинный величественный костел, посвященный святому Жаку. Художник очень страдает, привыкший писать на пленэре, он вынужден созерцать мир из окна своего гостиничного номера. Поэтому неудивительно, что Писсаро почти сразу задумал написать полотно с костелом-главным героем, тем более что работы подобной тематики у него уже были. Писсарро на картине акцентирует внимание на контрасте массивной величественности костела и легкой прозрачности неба. Художника волнует возможность запечатлеть, как геометрическая конструкция с четкой архитектурой пересекает пространство и как соединяется с ним. Именно поэтому костел на картине лишен максимального приближения и охватывается глазом мастера в общем плане. Взгляд издалека — вот, что важнее.

Витражи Марка Шагала в Реймсском соборе. В 1974 году Марк Шагал выполнил три большие композиции для окон амбулатория: Древо Иессеево, эпизоды из жизни французских королей и центральный сюжет – Распятие Христа. Витражи были выполнены по эскизам художника в витражной мастерской Жака Симона под руководством самого художника и Шарля Марка. Marc Chagall's stained glass windows in Reims Cathedral In 1974, Marc Chagall performed three large compositions for the windows of the dispensary: The Tree of Jesse, episodes from the life of the French kings and the central plot – the Crucifixion of Christ. The stained-glass windows were made according to the artist's sketches in the stained-glass workshop of Jacques Simon under the direction of the artist himself and Charles Marc. витраж vitrage

"Птичий насест" Гектор Джакомелли, ок.1880 > Балтимор, Музей Уолтерса Гектор Джакомелли – французский акварелист, гравер и иллюстратор, итальянец по происхождению. Он получил громкую известность, создавая виньетки, заставки и сложные иллюстрации для роскошных французских и английских изданий. Особенно красивы его композиции, в которых изображены цветы и различные породы птичек, которых он изображал с удивительной правдоподобностью и изяществом. "Птичий насест" – самое знаменитое панно художника, в нем проявилась нежная декоративность и последовательное чередование цветовых ритмов. Двадцать четыре зяблика сидят в ряд на жердочке. Искусство живописца здесь очевидно в талантливой передаче особенностей крошечных птиц, которых он наделяет забавной смышленостью. Этот рисунок интересен милой, затейливой композицией и игривым настроением. Непринужденность линий и легкие колористические сочетания создают впечатление "незаконченности", добавляя шарма произведению.

Жак Луи Давид так здорово писал портреты Наполеона, что тот назначил его своим личным придворным художником. Должность хорошая, но к ней прилагалось одно небольшое условие - запрет на частные заказы. И действительно, зачем тебе писать еще кого-то, если тебе позволено писать целого Наполеона! Только вот заказы от Наполеона случались не так часто, как хотелось бы художнику и поэтому он втихушку иногда соглашался исполнить что-нибудь налево. Князь Николай Борисович Юсупов был ценителем и коллекционером живописи,а особо ему по душе приходился неоклассицизм, видным представителем которого и был Давид. Юсупов был личным консультантом по вопросам покупки произведений искусства Екатерины II и Павла I, был дружен с Ангеликой Кауфман, Помпео Батони, Антуаном-Жаном Гро и многими другими маститыми и популярными художниками своего времени. Он-то и смог убедить Давида написать для него картину, посулил огромные деньги и даже позволил художнику самостоятельно выбрать сюжет. А тот и выбрал. Это картина о том, как влюбленная древнегреческая поэтесса Сафо млеет от любви к прекрасному юному лодочнику Фаону. Однажды Фаон перевозил саму Афродиту на остров Лесбос и не взял с нее платы, за что Афродита наградила его сосудом с благовониями, имевшим чудесную силу - все женщины отныне влюблялись в прекрасного юношу. Не устояла и уже немолодая Сафо, но юноша отверг ее любовь и Сафо разбежавшись, прыгнула с Левкадийской скалы. Вероятно, эту знаменитую скалу мы и видим на картине вдалеке. Амур зажигает огонь любви, Фаон стоит ужасно самодовольный, а то, что вы видите на лице у Сафо - это вдохновение, переходящее в любовный экстаз. На коленях у нее свиток, на котором она на древнегреческом выводит первые строки одной из своих од, а над ними написано “посвящение Фаону”. Правда, в оригинале никакого посвящения Фаону нету, да и сам этот Фаон ни разу в ее лирике не встречается и считается, что эту ее последнюю трагическую любовь придумали более поздние авторы, которые на тему влюбленности Сафо в лодочника периодически сочиняли комедии, а стихи ее, как известно, и вовсе обращены к женщинам. Вот перевод полного текста оды от Гавриила Державина: Счастлив, подобится в блаженстве тот богам, Кто близ тебя сидит и по тебе вздыхает, С тобой беседует, тебе внимает сам И сладкою твоей улыбкой тайно тает. Я чувствую тот миг, когда тебя с ним зрю, Тончайший огнь и мраз, из жил текущий в жилы; В восторгах сладостных вся млею, вся горю. Ни слов не нахожу, ни голоса, ни силы. Густая темна мгла мой взор объемлет вкруг, Не слышу ничего, не вижу и не знаю; В оцепенении едва дышу — и вдруг, Лишенна чувств, дрожу, бледнею,— умираю. В общем, картину Давид успешно написал, передал Юсупову и она уехала в Санкт-Петербург. Там и живет поныне - можно пойти поглазеть на бленеющую-умирающую Сафо в Эрмитаже.

Сафо и Фаон, Жак Луи Давид, 1808 год. Размер полотна 225 на 262 см

«Бонапарт на перевале Сен-Бернар» (1801г.) Героический портрет Наполеона на белом коне, совершающего переход через Альпы написан Жаком Луи Давидом. Прекрасный горный пейзаж, развивающаяся мантия Наполеона и грива роскошного скакуна. Всё в лучших романтических традициях. Романтический герой XIX века - метущаяся душа (развивающиеся локоны, полы одежды и пейзаж должны это подчеркивать). По свидетельствам очевидцев, Наполеон преодолевал перевал на ослике, но это как-то не романтично. Картина была заказана Давиду (в то время самому известному художнику Европы) за колоссальное вознаграждение испанским королём Карлом IV для зала великих полководцев мадридского дворца. Бонапарт, оценив работу Давида, в том же году велел художнику повторить полотно для своей загородной резиденции Сен-Клуб. И сам художник был настолько доволен своей работой, что выполнил для себя ещё одну версию (предположительно в 1805 году), которая висела у его смертного одра в Брюсселе.

Портрет Зои Гики 1777 Александр Рослин Холст, масло. 64,7 × 53 см Национальный музей Швеции, Стокгольм Портреты Рослина влюбляют в себя с первого взгляда. Один из немногих, на мой взгляд, кто мог оживлять своих героев. Сегодня картина Зои Гики, дочери молдавского господаря Григория III Гики. На ней молдавский костюм: головной убор, напоминающий тюрбан и украшенный розами, белое шёлковое платье, шитое серебром, и меховый жакет без рукавов. Отца Зои убили агенты Османской империи. После чего Зоя жила при дворе Екатерины II. Рослин приехал в Россию в 1775 году для рисования портретов русских придворных. За, примерно два года он написал около 75 портретов, многие из которых заканчивал уже по возвращении в Париж. Портрет Зои Гики был одним из последних завершённых Рослином перед его отъездом. Этот портрет — пример изумительного качества работы художника. Действительно, портрет гордой беглянки завораживает зрителя и по сей день.

"Портрет мадам Рекамье" 1800 г. Жак-Луи Давид Лувр, Париж. Изображение мадам Рекамье специалисты считают, во-первых, лучшим портретом кисти Жака-Луи Давида, а во-вторых, эталонным примером стиля ампир в станковой живописи. Забавно, что сама Жюли Рекамье осталась недовольна картиной, из-за чего она так и не была дописана. Жюли Аделаид Рекамье (J. A. Recamier) – знаменитая на рубеже XVIII и XIX веков светская красавица и хозяйка знаменитого салона, который в эпоху Директории был главным центром парижской интеллектуальной жизни. Здесь встречались, флиртовали и до хрипоты спорили лучшие люди своего времени: писатель Шатобриан и критик Сент-Бёв, маршал Бернадот (будущий король Норвегии и Швеции) и романистка мадам де Сталь. Литература тут встречалась с политикой, а умная, образованная и, чего греха таить, чертовски привлекательная хозяйка умело модерировала общение между людьми нередко противоположных и даже враждебных взглядов. Среди воздыхателей Жюли числились брат Наполеона Люсьен Бонапарт, принц Август Прусский и еще многие. Слава мадам Рекамье очень скоро перешагнула границы Франции, а имя её перешло в разряд нарицательных. О ней говорили в Италии и Австрии, Англии и Германии. В далёкой России в начале XIX века «северной Рекамье» называли Александру Осиповну Смирнову, принимавшую у себя, развлекавшую и опекавшую лучших представителей русской литературы, включая Пушкина, Лермонтова и Гоголя. А проделавшая то же через 100 лет Зинаида Шаховская, в чьей гостиной встречались Бунин, Ходасевич, Замятин, Набоков, сетовала: о ней не перестают злословить, дескать, Шаховской всё не дают покоя лавры Рекамье. «Век не салонов, а гостиных. Не Рекамье – а просто дам», – писал о своём времени Блок. Её личная жизнь была необычна. Когда Жюли исполнилось 16, к ней посватался 42-летний богатый банкир Рекамье, некогда страстно влюблённый в её мать. Очень скоро они с Жюли повенчались, но близкий круг знал, что между супругами никогда не было интимной близости, а отношения в семье больше напоминали уважительное доверие между отцом и дочкой. Поговаривали, Жюли и в самом деле могла быть дочерью банкира Рекамье, который пошёл на неординарный шаг с женитьбой, чтобы в случае возможных политических потрясений его состояние перешло к его самому близкому человеку – Жюли. Возможно, именно поэтому Давид решил изобразить 23-летнюю мадам Рекамье в образе босоногой античной девственницы-весталки. Стиль ампир (многие его проявления станут называть «стилем Рекамье», как когда-то рококо называли «стилем Помпадур») как нельзя лучше соответствовал этому замыслу. Мадам полулежит на кушетке, напоминающей античные ложа. После портрета этот предмет мебели войдёт в моду, ампирную кушетку так и будут называть: «Рекамье». Белое платье с высокой линией талии похоже на тунику. Давид написал его без всякой современной отделки, чтобы оно выглядело по-гречески лаконичным и простым. Высокая прическа из кудрей «в греческом стиле», популярном в период Директории, по сравнению с «монархическими» пудреными париками кажется образцом естественности. Правда, Жюли была недовольна, что её черные от природы волосы Давид, увлёкшийся зелено-оливковой гаммой, ради цветовой гармонии сделал каштановыми. Давид писал «Портрет Рекамье» перфекционистски медленно и долго: то свет падал не оттуда, то настроение было не то. Капризная красавица устала ждать и поручила писать себя другому художнику – Франсуа Жерару. А Давид взревновал и сказал, что раз так, то он не станет завершать портрет: «У женщин свои причуды, мадам, а у художников – свои». Торшер и лампу на картине дописывал уже ученик Давида, Энгр. Впрочем, именно в этой аскетичной незавершённости, в гулком пустом пространстве, избавленном от громоздкой мебели и драпировок, сейчас видят главную прелесть картины, ведь они делают обаяние Рекамье еще более волнующим. ЖакЛуиДавид Классицизм _history

Жак-Луи Давид "Наполеон Бонапарт в рабочем кабинете в Тюильри" (1812) Портрет написан Давидом в 1812 году и, по свидетельствам современников, является самым реалистичным образом императора. Впрочем, несмотря на детальность и реалистичность, нет никаких данных о том, что Наполеон позировал для портрета.

"Расстрел императора Максимилиана I" 1868 г. Эдуар Мане Кунстхалле, Мангейм. Эдуар Мане занимал четкую гражданскую позицию и был ярым политическим спорщиком. Во время Франко-Прусской войны, например, он остается в осажденном Париже, идет добровольцем на его защиту и по вечерам, голодный, больной и измученный, тяжело переживает вести о гибели друзей, скучает от разлуки с женой и ведет яростные споры с Эдгаром Дега. Сходятся в итоге на том, что не прощают бегства Золя из Парижа, мирятся. Но это будет уже в 1870 году, когда война положит конец правлению Наполеона III, а Эдуара Мане доведет до нервного срыва. А за несколько лет до этого недовольство Мане-француза правлением императора прорвется лишь в одной напряженной, политически-заряженной картине. «Расстрел императора Максимилиана» был обречен – такую картину не отправишь в Салон и даже не покажешь на собственной выставке. Ее запретили – и до самой смерти Мане полотно не видел никто, кроме близких друзей художника. Здесь не обойтись без предыстории. «Расстрел» - это быстрая, дерзкая и вполне конкретная реакция на одну из самых постыдных кампаний Наполеона III: тщеславное завоевание Мексики, политический переворот и позорное бегство французской армии из этой заокеанской страны. Наполеону хотелось провернуть что-то вроде египетской кампании своего знаменитого родственника, а заодно подобраться поближе к Америке. Французская армия свергла местного правителя Мексики и усадила править здесь марионетку Наполеона III, императора Максимилиана. Все бы ничего, история не оригинальная и не новая, но только французов надолго не хватило: содержать армию в Мексике оказалось дорого и совершенно нелогично. Армию вернули домой, а императора Максимилиана оставили разбираться с мексиканцами. Когда мексиканцы расстреляли чужака Максимилиана и французские газеты об этом сообщили, Эдуар Мане задумал новую картину, свой единственный шедевр на основе исторического события. Страстный исследователь творчества Мане и один из лучших современных британских арт-критиков Вальдемар Янушчак говорит: «В истории современного искусства есть всего две картины, на которых с достаточной силой и эффектом запечатлены события своего времени: «Герника» Пикассо и «Расстрел» Мане». Мане удалось не просто рассказать о событии, а вовлечь в него зрителя. Глухую серую стену на заднем плане Мане выстроит только в третьей версии картины (на первых версиях-эскизах за расстрельной группой простирался сухой, лаконичный пейзаж), солдаты тоже сначала были одеты в сомбреро и вполне походили на мексиканцев. Потом, переодев солдат во французские мундиры, Мане бросит вызов и обвинит французов в соучастии, а французского императора – в убийстве. Это его черты должны были опознать современники в лице того солдата, который готовит ружье к финальному выстрелу в упор. Это он, Наполеон III, - убийца Максимилиана. Но кроме зевак, наблюдающих из-за забора за казнью, на картине присутствует еще один наблюдатель, который был рядом и ничего не сделал, чтобы помешать. Это вы. Это вы отбрасываете тень в нижней части картины и спокойно наблюдаете за казнью императора Максимилиана. Каждый из нас. ЭдуарМане Реализм _history

Натюрморт с кофейником 1900 год Камиль Писсарро Эрмитаж, Санкт-Петербург Картина написана в Париже в самом начале 1900 года. Фон — жаккардовая обойная ткань (крупноузорчатая ткань, сложного или простого переплетения). Картина представляет крайне редкий жанр в творчестве Писсарро — натюрморт: всего у Писсарро известно около 20 натюрмортов. А. Г. Костеневич отмечает, что Писсарро в своих натюрмортах почти никогда не повторялся, в то время как в своих пейзажах он регулярно повторял композиции, создавая целые серии одного и того же сюжета.

Растопленные картины Австрийский дизайнер Алпер Достал создал серию работ «Выставка горячего искусства». В своих работах дизайнер как бы растапливает картины известных художников. Он проделал это с полотнами Пита Мондриана, Пабло Пикассо, Винсента Ван Гога, Рене Магритта, Сальвадора Дали, Эдварда Мунка, Жака-Луи Давида и Хосе Давида Альфаро Сикейроса. «Выставка горячего искусства» — серия работ, которые должны показать, что могло бы произойти, если очень жарким летом мы остались бы без кондиционера. Вот результат». Искусство или нет?

Габриель-Жак де Сент-Обен (1724-1780) «Сценка в маленьком ярмарочном театре в Париже» 1760 холст, масло. 80х64 см Национальная галерея, Лондон, Великобритания габриель_жак_де_сент_обен

"Бегущая девочка на балконе" Джакомо Балла, 1912 Балла, как и остальные футуристы, обращается к изучению движения и скорости. Поиски в области декомпозиции движения с помощью хронофотографа стали с началом XX века популярными в творческих кругах. Балла пишет сначала картины, изображающие движение скорее буквально. Однако с течением времени его работы становятся все менее фигуративными и приближаются к абстракции. «Бегущая девочка на балконе» – это одно из первых полотен, в которых художник стремится передать непрерывность движения во времени и пространстве. Не подлежит сомнению, что Балла владеет искусством фотографии и – чтобы воссоздать скорость, движение и время художественными средствами – берет за образец снимки, сделанные в этой технике. Он подходит к этой проблеме аналитически: изображает движение повторением форм.

«Коронация Наполеона». Ценители искусства едут в Лувр, чтобы вживую увидеть монументальные картины французского художника Жака Луи Давида «Клятва Горациев», «Смерть Марата» и грандиозное полотно, запечатлевшее коронацию Наполеона. Полное название картины — «Посвящение императора Наполеона I и коронование императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери 2 декабря 1804 года». Давид выбрал момент, когда Наполеон коронует Жозефину, а папа Пий VII дает ему свое благословение. Картина была создана по заказу самого Наполеона I, который хотел, чтобы на ней все выглядело лучше, чем было на самом деле. Поэтому он попросил Давида изобразить в самом центре картины свою мать, которой не было на коронации, себя сделать чуть выше, а Жозефину — чуть моложе.

История одной вещи. Жаклин Марваль. «Кокетки» C выставки «Музы Монпарнаса». Виртуальное путешествие по экспозиции воображаемого «Салона женщин-художниц» (общества с этим и похожими названиями постоянно устраивали тогда выставки в Париже). Внимание к деталям, жесту и позе, внимание к орнаменту и декоративности — всё это о художнице, картины которой стали символом нашей выставки. Кого объединил «Салон женщин-художниц»? Как молодые художницы отстаивали свои права наравне с мужчинами? И кого называли «вечные влюбленные Монпарнаса»? Рассказывает Алексей Петухов, старший научный сотрудник отдела искусства стран Европы и Америки XIX-XX веков и куратор выставки — https://www.youtube.com/watch?v=b4eUvruFK2g https://www.youtube.com/watch?v=b4eUvruFK2g

Еще пара слов про Апокалипсис вдогонку к прошлому посту - хочу вам показать с чего начались иллюстрации к этому тексту. На дворе был примерно 780 год, когда монах по имени Беат из Ль...ы (это в Испании) составил Комментарии к Откровению Иоанна Богослова, чем изрядно подогрел интерес к нему. До Беата Откровение периодически комментировали, но как-то без особой страсти, а монах собрал этакую компиляцию из более ранних толкований, дополнил ее, развернул некоторые важные пункты и, главное, снабдил свою версию забористыми картинками. Считается, что за эту работу Беат взялся для того чтоб обучать монахов по книгам и еще для того, чтоб поддержать и подбодрить небольшие и не слишком сильные на тот момент христианские общины, которые выживали на Пиренейском полуострове, где почти повсеместно доминировали мусульмане. Там как раз в 711 году арабы набежали на вестготское государство и завоевали практически весь полуостров, организовав потом Кордовский эмират и стало понятно всем бедным христианам, что Иоанн Богослов в Откровении под “Зверем” совсем не Римскую империю имел в виду, а Халифат, а Вавилон этот противный не город Рим, а город Кордова. В общем, легло идеально - как я и писала ранее, Апокалипсис - действительно творение на все времена и на любую эпоху, когда страшно. К слову, конец света Беат примерно назначил на 801 год, хотя и предупредил, что прогноз может быть неточным. Как пишет Жак ле Гофф в “Рождении Европы”, “Благодаря Беату в Европе появился первый настоящий триллер”. И действительно, работа Беата настолько поразила воображение современников, что число копий этого текста, да еще и с иллюстрациями, стремительно росло. До технологий, вроде тех, которыми пользовался Дюрер создавая свой цикл гравюр, еще далеко - тиражную печать еще не придумали, так что все делалось вручную. До наших дней дошло 35 копий этой книги, не все, конечно, полные, но зато 27 из них богато иллюстрированы. Первую книгу, скорее всего, разрисовал сам Беат, следующие рисовались под его руководством, а дальше уже более поздние художники поняли, что так можно и радостно продолжали дело, давая волю фантазии - картинки, конечно, копировались, но каждый был рад добавить чего-нибудь пугающего от себя. Лучшие мастера брались за эту работу, демонстрируя каких высот они добились в своем деле. Там еще и карта мира есть!

​​Портрет Лавуазье авторства Давида преподнёс сюрпризы исследователям В 2019 году знаменитый неоклассический портрет Жака Луи Давида, изображающий химика Антуана Лорана Лавуазье и его жену Марию Анну, был отправлен в лабораторию консервации Метрополитен-музея. Работа предстояла простая — снять старый лак. Но в процессе исследователи обнаружили кое-что ещё, а именно — скрытую композицию под красочным слоем, которая полностью поменяла представление об этом многовековом шедевре. Метрополитен-музей называет изображение «отца современной химии» и его супруги-ассистентки «лучшим неоклассическим портретом в мире». На масштабной картине, которую Жак-Луи Давид закончил в 1788 году, они предстают как либеральные научные лидеры — в своей парижской лаборатории, в окружении приборов и инструментов. Но оказалось, что первоначально художник отвёл им другие роли — не прогрессивно мыслящих учёных, воплощавшей идеалы Просвещения, а модных представителей французской элиты. Музей приобрёл картину в 1977 году, и тогда ещё не существовало технологий, которые помогли сделать нынешнее открытие. Теперь выяснилось, что первая концепция Давида включала богато украшенный стол с позолоченным фризом и три свитка бумаги, свисавшие с его края. Они отражали привилегированное положение Антуана Лорана Лавуазье как генерального откупщика или сборщика налогов. А наряд его жены дополняла гигантская шляпа с перьями, украшенная лентами и искусственными цветами. В композиции не было и намёка на химическое оборудование, стеклянную бутыль и пробирки. Исходная картина с акцентом на богатство пары подчеркивает судьбу, ожидавшую Антуана Лорана Лавуазье. Его должность сборщика налогов помогла не только профинансировать открытие кислорода и химического состава воды, но и в конечном итоге привела его к казни на гильотине в 1794 году во время революционного террора. Мария Анна вела его лабораторные журналы, переводила с английского научные статьи, рисовала и гравировала чертежи. Полагают, что искусство она изучала под руководством Жака Луи Давида. Она выжила и после гибели супруга вышла замуж повторно — за учёного и изобретателя графа Румфорда. По словам Дэвида Пуллинза, помощника куратора европейской живописи в Метрополитене, вряд ли изменения на портрете связаны с политикой. Скорее всего, при создании первого варианта Жак Луи Давид вдохновлялся неформальными портретами аристократов авторства Элизабет Виже-Лебрен и Аделаиды Лабиль-Гиар. Однако у Лавуазье было более скромное происхождение, и это, возможно, стало причиной пересмотра дизайна. Исследования начались в 2019 году после того, как консерватор Метрополитен-музея Дороти Махон потратила десять месяцев на удаление синтетического лака, нанесённого в 1974 году и придавшего картине молочно-серый оттенок. Во время работы она обнаружила на некоторых участках полотна неровности, которые указывали на наличие изображения под красочной поверхностью. С холста были взяты крошечные образцы пигмента, которые подтвердили, что шляпа Марии Анны была чёрно-красной. Они также показали, что в первой итерации Давид написал Лавуазье в более длинном коричневом сюртуке с семью пуговицами бронзового цвета. А в окончательном варианте учёный предстаёт в чёрной одежде с тремя пуговицами. Похоже, художник решил «переодеть» своего натурщика в деловой костюм. Среди других удалённых элементов были струящаяся красная мантия, книжный шкаф на заднем плане и мусорная корзина. Также было изменено положение ноги Антуана Лорана Лавуазье. Давид добавил красную бархатную скатерть, которая отлично закрыла лишние детали. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/49ee2dd112177517afc7b.jpg

Динамизм собаки на поводке 1912 Джакомо Балла Галерея Олбрайт-Нокс, Нью-Йорк Картина итальянского футуриста. Иногда её называют «Собака на поводке» или «Поводок в движении». На картине такса на поводке и ноги идущей женщины, причем оба находятся в быстром движении, что видно по размытым лапам собаки. Хронофотографические исследования движущихся животных, созданные ученым Этьеном-Жюлем Маре в начале 1880-х годов, привели к введению в живопись техник отображения движения, такие как размытие, умножение и наложение частей тела друг на друга. Например, в картине Марселя Дюшана «Обнаженная, спускающаяся по лестнице». Критика была не благосклонна к картине. В 1947 году критик Генри Р. Хоуп назвал динамизм собаки на поводке «клише современного искусства». Но в наше время в 2009, искусствовед Том Лаббок назвал картину «одной из самых ярких» произведений жанра. В 2014 году искусствовед Роберт С. Морган заявил — это «вероятно, самые элегантная работа, когда-либо написанная в футуристической традиции».

"Коронация Наполеона в соборе Нотр-Дам 2 декабря 1804 года" 1807 г. Жак-Луи Давид Лувр, Париж. «Коронация Наполеона в соборе Нотр-Дам 2 декабря 1804 года» – апофеоз пропагандисткой живописи не только в творчестве классициста Жака-Луи Давида, но и во всём европейском искусстве. Не странно ли: тот самый Давид, который был одним из первых лиц Великой французской буржуазной революции, другом Марата и Робеспьера, членом Конвента и подписантом решения о казни короля Людовика XVI, уже через несколько лет станет прославлять самопровозглашённого императора? Когда Наполеон спросил у одного из приближённых (в прошлом – ярого республиканца, как и Давид), понравилась ли ему коронация, тот отвечал: «Великолепно, ваше Величество. Жаль только, что на ней не присутствовали те триста тысяч людей, которые положили свои жизни, чтобы такие церемонии стали невозможны». Но Давид заглушил в своём сердце подобные рефлексии. Торжественный въезд Наполеона в Париж в 1797 году потряс художника как событие не столько политическое, сколько эстетическое. Корсиканец поразил его, тонкого ценителя античной эстетики, своим римским профилем и энергией абсолютной, не подлежащей малейшему сомнению власти. «Какая же у него голова! – восторгался Наполеоном Давид. – Она настолько совершенна, что достойна сравнения с лучшими образцами античной скульптуры и живописи!» Наполеон, следует заметить, не отвечал художнику взаимностью. Он полагал, что прошлое «живописца революции» даёт основания сомневаться в искренности его верноподданнических инстинктов. Но Бонапарт всегда высоко ценил профессионалов (именно это во многом определило его успех) и потому запечатлеть для потомков торжество своего «венчания короной и помазания на царство» он поручил именно Давиду. Почти три года понадобилось художнику для выполнения этого масштабного гимна имперскому величию. Устроители церемонии коронации постарались на славу: такой помпезности Франция не могла упомнить и во времена монархии. Кортеж из золотых карет с представителями знати, боевыми генералами, церковниками во главе с Папой Пием VII, которого Наполеон решил пригласить на торжество, обеспечивая себе религиозную легитимность, – этот в буквальном смысле блестящий кортеж медленно и торжественно двигался от дворца до Собора Парижской Богоматери, а десятки тысяч парижан толпились на улице, чтобы поглазеть на грандиозное зрелище. Апогеем самой коронации стал момент, когда Папа собирался возлагать на императора золотой лавровый венец, а Наполеон вырвал из его рук корону и сам водрузил её себе на голову. Этим вызывающим жестом Бонапарт утверждал абсолютный характер своей власти, показывал, что обязан ею только самому себе, а не содействию Папы, да и кого бы то ни было (кстати, позже, когда Наполеон присоединит к Франции Папскую область, Пий VII будет брошен в темницу). Изначально Давид намеревался изобразить именно момент возложения короны. Но, по размышлении, решил, что это внесёт ненужную конфликтность и драматизм, и изобразил следующий этап церемонии – когда Наполеон коронует Жозефину. В «Коронации Наполеона» Давид старается не упустить ни одной важной детали. Многочисленные присутствующие на церемонии – реальные лица. Сам художник изображён сидящим где-то на трибунах. Многие чиновники наполеоновского госаппарата, опознав себя на картине, потом выражали неудовольствие: зачем Давид расположил их так далеко от императора. Художник парировал: «Быть слишком близко к солнцу – небезопасно для жизни». Наполеон потребовал внести кое-какие правки – например, Давиду пришлось дописать его мать Летисию, которая в реальности на церемонии отсутствовала. Но в целом император остался «Коронацией» доволен: «Прекрасно, просто прекрасно! Давид, вам удалось постичь мои мысли и изобразить меня французским рыцарем!» ЖакЛуиДавид ИсторическаяСцена Классицизм _history

"Пламя" 1943 г. Рене Магритт Музей Магритта, Брюссель. «Пламя» – картина, написанная Магриттом в 1943 году во время немецкой оккупации Бельгии. В отличие от многих коллег-сюрреалистов, отправившихся пережидать смутные времена за океан (как Дали с Галой – в Америку), он предпочел остаться на родине. В военные годы художник несколько отошел от своего фирменного стиля: он считал, что его искусство должно приободрять людей в трудные времена и внушать если не радость, то хотя бы оптимизм. Он сознательно обратился к более яркой палитре и даже вдохновлялся импрессионистскими наработками. Несмотря на благие намерения, от этих его работ нередко сквозило скорее тревогой, нежели беззаботностью и негой. Магритт называл работы этого периода «солнечным сюрреализмом», однако критики были не в восторге от такого поворота в его творчестве. «Пламя» - показательный пример в этом отношении: на картине есть и узнаваемые магриттовские деревья в форме листьев, и нехарактерный для него вырвиглазный фон, больше напоминающий о наследии Ренуара. Хотя на этой работе бодрые импрессионистские мазки вовсе не выглядят жизнеутверждающими – напротив, создается впечатление, что этот сюрреалистический лес полыхает в огне. Название картины подсказывает, что эффект неслучаен: видимо, несмотря на все усилия художника противостоять мрачным настроениям военного времени, реальность все же вносила коррективы и в его мировосприятие и творческие порывы. Даже листья-деревца, обычно такие хрупкие и ажурные на картинах Магритта, выглядят кусками плоти, испещренными вспухшими от крови венами. Впервые художник пришел к такой форме дерева в 1935 году и с тех пор неоднократно использовал ее в разных цветовых вариациях, а иногда и вовсе оставив лишь ажурный каркас, как на картине «Потерянный жокей». Магритт не сразу пришел к этой лаконичной форме. Он делился деталями своего поиска в письме Андре Бретону от июля 1934 года: «В данный момент я пытаюсь обнаружить, что именно в дереве принадлежит ему, но будет противоречить нашему представлению о дереве». Там же он писал о своем решении проблемы: «Дерево превратилось в большой лист, стебель которого стал стволом, посаженным прямо в землю». Жак Мёрис в книге «Рене Магритт» так отзывался об обращении художника с природными объектами: «Природа, как ее видел Магритт, была элементом с теми же характеристиками, как и те, которыми он наделял каждый предмет, каждую вещь. В его творчестве не было ни «натуралистских» тенденций, ни экологического порыва, ни даже поэтического преобразования природы. Тем не менее деревья и листья, поодиночке или группами, одетые или голые, иногда порченные насекомыми, могут быть рассмотрены как «индивидуумы», наделенные разнообразными чувствами, одаренные чарами в разных смыслах этого слова». РенеМагритт Пейзаж Сюрреализм _history

Питер Пурбус "Портрет Яна ван Эйеверве и Жакмин Бюк" (1551) Портрет преуспевающего торговца вином из Брюгге Яна ван Эйеверве составляет пару к портрету его жены Жакмин. Оба портрета были написаны по случаю недавней свадьбы. Над головой торговца ангел держит его герб, сверху написан возраст изобра­жен­ного: 29 лет. Пурбус не стремился подчеркнуть богатство интерьера, его больше интересовал вид из окна дома купца, и именно там располагается самая интересная деталь картины - подъемный кран. Окна дома ван Эйеверве выходили прямо на Kraanplein, то есть на «площадь Крана» - так она называется и до сих пор. На этой площади находился огромный подъемный кран, с помощью которого выгружали товары с судов, приплы­вавших по каналам с моря. Еще одна маленькая шутливая деталь: на кране (kraan) стоит журавль (тоже kraan на нидерландском).

Магритт фотожабил до того как придумали фотошоп! Внимание! Портрет мадам Рекамье, Жак Луи Давид, 1800 год Перспектива Мадам Рекамье, Рене Магритт, 1951 год Мне тут подсказывают что гроб неудобный. Ну так и кушетка, на которой восседает мадам и которую потом так и называли в ее честь - рекамье, тоже не самая удобная вещь.

"Градива" 1931 г. Сальвадор Дали Частная коллекция. Композиция «Градива», написанная в 1931 году, объединяет уникальное художественное видение Дали с технической виртуозностью, характерной для его ранних сюрреалистических произведений. Эта полуобнажённая женщина, выписанная в мельчайших подробностях, воплощает мифологическую Градиву – персонаж одноимённого романа Вильгельма Йенсена, изданного в 1902 году. Герой книги, молодой археолог, одержим женской фигурой с древнеримского барельефа до такой степени, что влюбляется в неё и воображает в реальности. Этот сюжет впоследствии использовал Зигмунд Фрейд в анализе идеализации красоты и представлений о спроецированной и настоящей любви. Дали же ассоциировал Градиву со своей женой Галой. Они познакомились в 1929 году в Кадакесе, куда Гала и её прежний муж Поль Элюар приехали в гости к художнику. Вскоре она стала центром личной и художественной жизни Дали. Эту работу купила непосредственно у художника аргентинская графиня де Куэвас де Вера вместе с полотном «Дом для эротомана» (1932). Урождённая Мария де лас Мерседес Адела Атуча и Лавайол вышла замуж за графа де Куэваса де Веру, однако все называли её прозвищем Тота. Она родилась в высокообразованной дворянской семье и провела всю жизнь между Буэнос-Айресом и Европой, особенно Францией, где дружила с Дали, Пабло Пикассо, Альберто Джакометти, Максом Эрнстом, Ле Корбюзье, Маном Рэем, писателем Жаном Кокто, кинорежиссёром Луисом Бунюэлем и многими другими знаменитостями, творившими в Париже в 1920-х и 1930-х годах. Резиденцию её родителей в Аргентине проектировал знаменитый французский архитектор Рене Сержан, построивший отели Savoy и Claridge's в Лондоне. Тот факт, что родители Тоты поручили ему возведение своего семейного дома, говорит об их интересе к авангарду и модернизму. До 2018 года картины хранились в семье потомков Тоты де Куэвас де Веры, пока не была продана на аукционе Sotheby's за 2,7 млн фунтов стерлингов (3,7 млн долларов США). СальвадорДали Сюрреализм _history https://t.me/pic_history/5542

"Жаклин с цветами" 1954 г. Пабло Пикассо Частная коллекция, Париж. Пабло Пикассо и Жаклин Рок прожили вместе почти 20 лет до самой его смерти, и за это время он написал около 400 ее портретов. Всех своих возлюбленных художник рисовал по-особенному, каждый раз как будто создавая новый стиль под определенную женщину. Не стала исключением и Жаклин Рок. Большинство ее портретов написаны в легко узнаваемом стиле позднего Пикассо, картина «Жаклин с цветами» - одна из самых ярких работ этого периода. Чаще всего художник изображал свою вторую жену именно так: в профиль, с огромными миндалевидными глазами, неестественно длинной шеей и треугольным кошачьим лицом. Это была, к слову, самая любимая поза Жаклин для позирования. В частности, именно в ней женщина изображена в знаменитой серии «Одалиски». Благодаря этой позе Антонина Валлентин, написавшая биографию Пикассо, окрестила Жаклин «современным сфинксом». Пикассо познакомился с Жаклин в 1953 году на керамической фабрике Мадура в Валлорисе, ему было 72 года, а ей – 27. Художник мелом нарисовал на стене ее дома белого голубя, а затем в течение полугода каждый день преподносил женщине розу, чтобы добиться ее расположения. Они тихо поженились все в том же Валлорисе лишь в 1961 году после смерти первой супруги Пикассо Ольги Хохловой. «Жаклин с цветами» - первый портрет будущей жены Пикассо, отправная точка нового этапа в его личной жизни и нового периода в его творчестве. Когда они познакомились, художник только начал работать над серией «Алжирские женщины» по мотивам знаменитого полотна Эжена Делакруа. Неудивительно, что новая страсть Пикассо наделила всех героинь этих 15 полотен чертами его возлюбленной. В завораживающих темных глазах Жаклин, ее черных бровях и высоких скулах он увидел тот классический средиземноморский тип внешности, которым должны были обладать его «Алжирские женщины». Ее же черты он видел и на вдохновившем его полотне, говоря, что «Делакруа уже был знаком с Жаклин раньше». ПаблоПикассо Кубизм _history

Жак Луи Давид - Портрет мадам Рекамье, 1800, холст, масло, 174 × 244 см, Лувр, Париж, Франция Jacques-Louis David - Portrait of Madame Récamier, 1800, oil on canvas, 174 × 224 cm, Louvre, Paris, France

Туалет Атланты Основной задачей любого скульптора является передача человеческой фигуры в реальном или идеализированном виде, поэтому изучение всех особенностей строения тела при создании скульптуры имеет для художника первостепенное значение. Первые учения о пропорциях дошли до нас из античности, с течением времени они менялись и совершенствовались, но во все эпохи настоящие творцы оставались верны идеалам красоты и гармонии. Жан-Жак Прадье стремился воплотить идеал красоты: гармоническое сочетание плавных линий, ясных форм, сдержанных движений. Глядя на этот чувственный силуэт, трудно поверить, что это бездушный камень.

"Электрический стул" 1963 г. Энди Уорхол Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. «В какой-то момент я понял, что все, что я делаю, имеет некое отношение к смерти» Тема исчезновения, смерти как трансформации и жизни после смерти пунктиром проходит через все творчество художника. Серия работ, объединенных общим названием «Большой электрический стул» стала частью масштабного цикла Уорхола «Смерть и катастрофы», который он начал создавать в 1962 году. Эти картины, демонстрирующие боль и страдания, были чем-то совершенно новым, в корне отличающимся от долларовых банкнот или банок с супом, но при этом они удивительным образом несли в себе ту же идею, что и все остальные работы художника. Смерть была такой же обыденной частью жизни американцев, как бутылка «Кока-Колы». Для всех картин из серии «Смерть и катастрофы» Энди использовал снимки из газет. Одной из первых работ этого цикла стала копия первой полосы газеты с фотографией автокатастрофы. За ней последовали изображения самоубийств, уличных беспорядков, ядерного гриба, авиакатастроф и автомобильных аварий. Портреты Мэрилин Монро он начал рисовать только после смерти актрисы. В его работе «Шестнадцать Джеки» счастливые фото улыбающейся Жаклин Кеннеди перемежаются полными скорби снимками с похорон президента. Причиной увлеченности Уорхола темой смерти было не только ее постоянное присутствие в повседневной жизни человека, но и то, насколько мы умеем дистанцироваться от ее воздействия. «Когда ты снова и снова видишь жуткие картины, - говорил художник, - они перестают оказывать на тебя эффект». Серию работ с электрическим стулом Уорхол начал в 1964 году. Основой для нее послужил газетный снимок из новости 1953 года о двух смертных казнях в тюрьме Синг-Синг: тогда на электрический стул отправили Джулиуса и Этель Розенберг за шпионаж в пользу Советского Союза. От других работ из цикла «Смерть и катастрофы» серию с электрическими стульями отличает одна важная особенность: на этих картинах нет ни одного человека. Время будто бы застыло в ожидании неминуемой катастрофы, воздух вокруг «кресла смерти» кажется густым и вязким. В пустоте и неподвижности комнаты Уорхолу удалось изобразить смерть как отсутствие жизни и гнетущую тишину. ЭндиУорхол ПопАрт _history

Жак Луи Давид - Портрет мадам Рекамье, 1800, холст, масло, 174 × 244 см, Лувр, Париж, Франция Jacques-Louis David - Madame Recamier, 1800, oil, canvas, 174 x 244 cm, Louvre, Paris, France

​​️Музей Гараж опроверг слухи о своем закрытии с января 2023 года. ️Музей воздухоплавания и астронавтики Смитсоновского института опубликовал варианты конкурсных проектов своего нового здания в Вашингтоне. Оно будет именоваться Учебным центром Безоса — в честь мецената, основателя Amazon, перечислившего $200 млн на строительство. ️В 2026 году в Париже откроется музей Альберто Джакометти. Он расположится в здании бывшего вокзала Инвалидов. Ранее недоступные работы будут видны публике в музее площадью 65 000 квадратных футов. ️Знаменитая картина Мондриана «Композиция No. II» продана за рекордную для художника сумму — 51 миллион долларов. ️В Москве у Курского вокзала открылась выставка уличного искусства. Увидеть граффити можно на стене вдоль железнодорожных путей Курского вокзала и тоннелем на Верхней Сыромятнической улице, между Винзаводом и Artplay. Продлится до мая 2023 года. Для выставки выбрали шесть авторов: Рома Мураткин, Миша Most, Алексей Luka, Оля Iney, Саша Blot, Вова Nootk. В этих произведениях отражаются их размышления на тему городской среды и ее взаимодействия с современным искусством. https://telegra.ph/file/7ef44734b06c6dc401337.jpg

​​️Под эгидой Бахрушинского музея появится Ассоциация театральных музеев России. Она может объединить до пятисот организаций и будет способствовать сохранению театрального наследия. ️Фонд Гетти выделил $1 млн для защиты объектов культуры на Украине. Выявлено свыше двухсот объектов, пострадавших с начала СВО. ️Швеция сокращает бюджет на культуру и отменяет бесплатный вход в государственные музеи. ️Крупнейшие музеи подписали открытое письмо в связи с акциями экоактивистов. В нем говорится о потенциальном ущербе произведениям искусства. ️Художественная коллекция владельца Sotheby's раскрыта после взлома хакерами личных документов. Патрик Драхи, который ежегодно входит в список 200 лучших коллекционеров ARTnews с 2020 года, имеет коллекцию в 750 миллионов долларов. Это около 200 работ, включая Пабло Пикассо, Рене Магритта, Фрэнсиса Бэкона, Марка Шагала, Жана Дюбуффе, Альберто Джакометти и Василия Кандинского. Среди самых ценных вещей в частных владениях Драхи — Femme Turc au costume dans un fauteuil Пикассо (1955), Портрет Жанны Эбютерн, сидящей в кресле Модильяни (1918) и Триптих Фрэнсиса Бэкона, вдохновленный Oresteia of Aeschy. https://telegra.ph/file/627ffe2d25965d83fdfa0.jpg

​​️Ученые раскрыли тайну долговечности древнеримских построек: из-за самовосстанавливающего бетона. Если в бетоне появляется трещина, то вода проникает в них и растворяет кальций в кусочках извести. После он выпадает в осадок, кристаллизуется вдоль трещин и таким образом заделывает их. ️В Петербурге продлили выставку «Балабанов» до 15 февраля. ️Одноклассники запустили видеоэкскурсии по архитектуре на примере известных зданий Москвы. На экскурсиях пользователи смогут познакомиться с несколькими архитектурными стилями — авангардом, сталинским ампиром и советским модернизмом. ️В Екатеринбурге пройдет фестиваль цифрового искусства. Начался прием заявок на участие в фестивале. Открытие мероприятия состоится 14 апреля. ️Директор Фонда Джакометти поделился планами о новом музее. Финансированием реконструкции для музея Джакометти бывшего Вокзала инвалидов на левом берегу Сены займется французский миллиардер Ксавье Ньель. В новом Музее Джакометти будет выставлено около 10 тыс. произведений художника: скульптуры из гипса и бронзы, картины и рисунки.При музее также учредят общедоступную художественную школу. Она будет открыта для всех — от самых юных до пожилых. https://telegra.ph/file/2e1d3e5958ad2886cbfc8.jpg

Холодная война и Айвазовский Казалось бы, как связаны Иван Айвазовский, наш главный маринист, и холодная война? А связь есть Рассказываю Иван Константинович очень любил путешествовать. И даже в преклонном возрасте не мог усидеть на месте. Например, в свои 75 лет в 1892 году Айвазовский поехал в Америку. А это несколько недель на корабле… Хотя, думаю, понимаете, что Айвазовский обожал море и все, что с ним связано. И корабли уважал А теперь к картине и Холодной войне! ️ А за год до поездки Ивана Айвазовского в Америку, в 1891 году, в Российской империи разразился страшный голод из-за неурожаев в Центральной, Юго-Восточной России и Поволжье. США тогда собрали гуманитарную помощь для империи и отправили ее кораблем. Айвазовский был так впечатлен этим широким жестом, что год спустя, находясь в путешествии, написал несколько картин на тему помощи США Российской империи. И подарил Америке Одну из этих картин вы можете видеть в иллюстрации. Но кто бы мог подумать, что произведение будет не просто знаком благодарности от русского художника, но и сыграет свою роль в ходе переговоров в 20 веке С 1961 по 1964 первая леди, Жаклин Кеннеди, решила выставить «Корабль помощи» в Белом доме. И во время встречи Хрущева и Кеннеди «Корабль помощи» висел в зале переговоров, которые предотвратили ядерную войну. Может, так намекали на давние и добрые отношения? Позже, уже в начале 21 века, это произведение было продано за 2,4 миллиона долларов. Правда, не одно. «В комплекте» шла картина «Раздача продовольствия». Такие вот морские и странные дела P. S. Все-таки биография каждого художника - это нечто удивительное. Столько интересного открывается, когда начинаешь погружаться в подробности. Если хотите узнать больше про Айвазовского (и не только) и получить свою порцию вдохновения - вступайте в клуб PROISKUSSTVO ️ ️Остался 1 день ️ Иван Айвазовский. Корабль помощи. 1892 PROайвазовский PROинтересныефакты