Женская грудь Техасская художница Кэсси Арнольд на днях представила свою...

"Порыв ветра" Жан-Батист Камиль Коро, 1860-1870 > Москва, Пушкинский музей Камиль Коро вошел в историю французской живописи как создатель «пейзажа настроения». В картине «Порыв ветра» с ее мрачным небом, несущимися темными тучами, сбитыми в одну сторону ветвями деревьев и зловещим оранжево-желтым закатом все пронизано ощущением беспокойства. Женская фигура, прорывающаяся навстречу ветру, олицетворяет восходящую к традициям романтизма тему противостояния человека природной стихии. Тончайшие переходы оттенков коричневатого, темно-серого и темно-зеленого цветов, их плавные переливы образуют единый эмоциональный цветовой аккорд, передающий грозовую бурю. Изменчивость освещения усиливает настроение тревоги в воплощенном художником пейзажном мотиве.

​​Недавно обнаруженная картина соратника Климта установила рекорд Картина соучредителя Венского сецессиона Карла Молля «Белый интерьер» (1905) более столетия находилась в руках одной семьи. Теперь она произвела фурор на аукционе Freeman’s в Пенсильвании: при эстимейте в 300−500 тысяч долларов работа ушла с молотка за 4,7 миллиона. Это рекорд не только для произведений самого художника, но и для аукционного дома. За «Белый интерьер» сражались несколько участников торгов онлайн и дюжина ценителей по телефону. Все они находились в разных уголках мира. В итоге работа досталась частному калифорнийскому коллекционеру, который, как сообщается, намерен в будущем выставить её в Neue Galerie в Нью-Йорке. Предыдущий рекорд для картин Карла Молля составляет «скромных» 385 тыс. 653 доллара, а самый дорогой лот, который прежде продавал Freeman’s, оценивался в 3,1 миллиона долларов. Это была Императорская белая нефритовая печать периода Цяньлун. Карл Молль относительно малоизвестен за пределами своей родной Австрии. Тем не менее, он был одним из ведущих художников в Вене на рубеже XX века. В 1897 году живописец стал соучредителем Венского сецессиона вместе с Густавом Климтом, Отто Вагнером и Йозефом Хоффманом. Они отошли от конформизма Венской академии изящных искусств, чтобы продвигать новые формы творчества. Молль писал в основном пейзажи и натюрморты, вдохновлённые французским неоимпрессионизмом. Но его кисти принадлежат также безмятежные и элегантные внутренние сцены, которые он создавал на протяжении всей своей карьеры. «Белый интерьер», написанный в 1905 году, — одна из таких картин. На полотне изображена одинокая женская фигура в центре богато украшенной гостиной. Дама в свободном длинном белом платье стоит спиной к зрителю, расставляя букет жёлтых тюльпанов в старинной вазе. В этой сцене ощущается домашнее умиротворение, которое ей придаёт мягкий рассеянный свет. Молль вдохновлялся живописью Яна Вермеера, чьё творчество только что было заново открыто в начале XX века. Композиция тщательно сбалансирована и подчеркнута горизонтальной линией гладкого обеденного стола в центре. Красивым контрастом выступают две высокие стеклянные витрины, размещенные по сторонам холста на переднем плане. Отдельное внимание стоит уделить героине картины. Хотя Молль предпочёл скрыть её лицо, это — не анонимный персонаж. Художник изобразил Берту Цукеркандль, которую называли «кукловодом венской культурной сцены». Она была одной из значимых фигур Вены на рубеже веков и ярым сторонником австрийского модерна, который защищала во множестве своих статей в социал-демократической газете «Wiener Allgemeine Zeitung». Будучи замужем за известным анатомом, Цукеркандль проводила еженедельный салон (один из последних в Европе), где принимала многих знаменитостей того времени, таких как Густав Климт и Стефан Цвейг. «Белый интерьер» был выставлен в Берлине в начале 1905 года, а в следующем году — в Музее Фолькванг в Эссене. Последний публичный показ картины прошёл на знаменитой Венской художественной ярмарке, где она демонстрировалась вместе с культовым «Поцелуем» Густава Климта. Там её приобрёл частный коллекционер, и в течение столетия работа хранилась у его потомков. В середине 1970-х годов семья переехала из Германии в США, и теперь владельцы решили продать шедевр. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/7249c86598c0815f7d3c2.jpg

Зеркальная коробка В 2016 году швейцарская художница Мило Муаре показала перфоманс «Зеркальная коробка» в Лондоне. На художницу, стоявшую на лондонской улице, была надета зеркальная коробка. В ходе перфоманса художница позволяла прохожим трогать свои половые органы и грудь через отверстие в этой коробке. Художница комментирует: «Я выступаю за права женщин и сексуальное самоопределение. У женщин, как и у мужчин, есть сексуальность. Женщины решают, когда они хотят, чтобы их трогали, а когда — нет». Мило Муаре была задержана лондонской полицией. Искусство или нет?

Мать 1932 Дейнека Третьяковка Образ матери в этом произведении – нарочито простой, собирательный. Статная женщина изображена неярко, на абсолютно нейтральном фоне, мягкие, светлые силуэты хорошо контрастируют с ним. В туманной палитре не сразу можно заметить ее обнаженную грудь, детали становятся второстепенными, сливаясь со словно припорошенным фоном. Этот образ – всеобъемлющий, нарицательный, образ материнства как такового, не зависящего от жизненных условий или бытовых ситуаций. Отсутствие одежды у героев тоже продумано как символ чистых, беспрепятственных чувств и проявлений друг к другу. Мать в сюжете Дейнеки обнажена не внешне, а внутренне – чувствами и переживаниями. Картина не постановочная, максимально живая и женщина здесь демонстрирует состояние всей прекрасной половины человечества, познавшей счастье материнства.

​«Троица» 1425 — 1426гг. Мазаччо Это изображение распятия, темы, весьма распространенной в церковном искусстве, выполнено в непривычном, неканоническом виде. Фреска создает иллюзию крупного архитектурного фрагмента, выполненного в совершенно нетрадиционном для готики стиле. Это уже настоящий Ренессанс с его тонким пониманием пропорций и роли перспективы в искусстве. Нижняя часть фрески изображает каменное надгробие, принадлежащее Доменико Ленци. Этот факт дает право предполагать, что две фигуры — мужская и женская, находящиеся симметрично выше надгробия, принадлежат лицам, оплатившим фреску — Лоренцо Ленци и его супруге. Центральная часть симметричной композиции — это, собственно, сцена распятия. На кресте изображен Христос, за спиной которого стоит Бог-отец, поддерживающий своего сына в его смертный час. По сторонам печальной группы расположены фигуры Девы Марии и святого Иоанна. Интересно, что Дева Мария поворачивается к зрителям лицом и протягивает руку к своему страдающему на кресте сыну, как бы говоря: «Посмотрите, на что пошел Христос ради вас». http://chnly.pro/file/92d8472d56fb421697c9f3c19e3ade47

"Пшеничное поле с воронами" Июль 1890 г. Винсент Ван Гог Музей Винсента Ван Гога, Амстердам. Картина «Пшеничное поле с воронами» долгое время считалась последней работой, которую Винсент написал перед самоубийством. В тяжелом грозовом небе, зловеще кружащих низко над землей черных птицах и пустой дороге, уходящей вдаль, искусствоведы и ценители творчества Ван Гога усматривали намек на явное намерение как можно скорее покинуть этот бренный мир. Однако точных подтверждений этому нет. Работу над этим полотном Винсент предположительно завершил 10 июля 1890 года, после чего закончил «Ратушу в Овере» и «Сад Добиньи». Полотно написано грубыми, почти неряшливыми мазками. Создается впечатление, что Винсент создавал картину в полном отчаянии. Это подтверждают написанные художником слова: «Вернувшись туда, я принялся за работу. Кисть практически выпадала из рук… Мне было несложно изобразить грусть и предельное одиночество». Даже в таком угнетенном состоянии Ван Гог находит в себе силы и желание писать. Он снова использует любимые цвета – синий и желтый. Но небо здесь кажется грязным, а цвет пшеницы – болезненным и говорящим скорее об увядании, чем о зрелости и плодородии. Из той точки, откуда видит пейзаж художник и зритель, расходятся в разные стороны три дороги. По-хорошему, это должно было бы символизировать свободу выбора, надежду и открывающиеся перспективы. Однако все три пути ведут в никуда. Не хватает только пресловутого камня из сказки, подсказывающего, куда нужно пойти, чтобы потерять себя. Ван Гог, впрочем, обошелся без подсказок. Спустя 17 дней после завершения работы над этим полотном Винсент выстрелил себе в грудь на этом самом поле. ВанГог Постимпрессионизм _history

Где-то между 1483 и 1498 годами в Делфте работал художник которого называют Мастером Девы среди Дев, по названию его самой известной картины. На ней Дева Мария и святые Екатерина, Сесилия, Урсула и Варвара отдыхают в беседке. Каждую из святых дев мы узнаем по их украшениям - в них так изящно превратились атрибуты их мученичества. У Екатерины - брошь с колесом, потому что ее хотели на шипастых колесах разорвать на части, но явился ангел с небес и колеса разрушил. У Сесилии - ожерелье в виде маленького органа, потому что она покровительница музыки, ибо пела хвалу Господу до последнего вздоха. У Урсулы - ожерелье в виде сердца, пронзенного стрелой (вообще ее символ - стрела, которую она обычно или держит в руке или же стрела пронзает шею или грудь святой), потому что ее казнили гунны, после того, как она оказалась быть женой их главаря, выпустив в деву сотни стрел У святой Варвары на шее золотая башенка, так как отец запер ее в башне, чтоб оградить от мира до замужества, а та, сидя в заточении самостоятельно пришла к христианству. Мастер Девы Среди Дев был гравером и живописцем. Сейчас считается, что он много путешествовал и получал иностранные заказы - то есть, был довольно популярен в своей время. При этом, его, среди множества безымянных мастеров голландской живописи, выделили в 1903 году, собрав вместе картины, что будут ниже, и найдя в них общие черты. А общими чертами оказались реализм, внимание к бытовым мелочам (обратите внимание, например, на натюрморт на столе на картине с Тайной вечере) и особый тип женской внешности - все дамы у него с большими головами, высоколобые, с длинными шеями. Вот даже теперь считается, что именно загадочный Мастер Девы среди Дев был одним из тех, с кого началось Северное Возрождение, пионером голландского искусства. Звали его, кажется, Дирк Янс, но это пока не точно. Периодически какие-то из картин безымянных мастеров после долгого изучения атрибуцируют как его работы, так что возможно тут нас будет ждать еще много открытий. Ну а я просто млею от его живописи, особенно от Благовещения, поэтому делюсь с вами своей радостью.

Павел Федотов "Все холера виновата" (1848) Небольшая домашняя пирушка, один гость свалился со стула, перебрав в напитках, а вокруг него суета: женщина растирает ему щеткой грудь, хозяин тянется со стаканом чаю, между двумя дамами идет жаркий, чуть ли не до драки, спор о необходимых средствах, а потерпевший меж тем лежит пластом, раскинув руки. На обороте картины художник написал шутливые стишки: «Как лукавого в грехах Наш брат укоряет Так, когда холеры страх В городе гуляет Все всему она виной Все холеры. Так иной Чуть до вкусного дорвется Не утерпит — так напрется, Что в здоровую-то пору Перварить желудку в пору. Так подчас забывши страх На приятельских пирах Выпьют одного вина По полдюжины на брата Смотришь худо кто ж вина Все холера виновата».

1930-е годы были в Германии временем расцвета фашизма. Дикс боялся в открытую критиковать режим, но втайне презирал Гитлера и его правление, считал что лень и безразличие немцев привело к диктатуре. И, подобно Босху нового времени, решил обличить пороки общества в своей картине, обратившись к библейскому сюжету. Костлявая старуха в лохмотьях - алчность. Правит ей маленький и ничтожный человечек в белой маске с узнаваемыми черными усиками. Это Зависть в облике Гитлера. Его глаза косят в разные стороны, потому что хочется ухватить всего и побольше, а рот изогнут в скорбной гримасе. Что интересно, в 1933 году художник побоялся изображать Зависть с усами, чтобы не было слишком явного сходства с фюрером. Эту деталь он добавил только в 1945 году, после окончания войны, когда правитель скончался. Фигура пляшущего скелета, белые линии которого образуют свастику, это Лень. Сладострастная женщина с обнаженной грудью – Похоть, рогатый монстр – Злость, жутковатая огромная голова с анусом вместо рта, задранным вверх носом и закрытыми ушами – это Тщеславие, а толстячок с кастрюлей на голове – Обжорство.

​​Последний женский портрет Климта вернулся в Вену спустя столетие «Дама с веером» — последний женский портрет знаменитого венского художника Густава Климта. Его героиня соблазнительно и с удивительной самоуверенностью смотрит вдаль. Эта яркая картина вновь выставлена в Вене спустя более века. Она представлена на специальной выставке в Верхнем Бельведере вместе с другими поздними работами мастера. Вскоре после смерти Густава Климта в 1918 году в мастерской художника была сделана фотография. На ней изображены две картины, каждая на своём мольберте — это «Дама с веером» и незаконченная работа «Невеста». Вторая была предоставлена Бельведеру в долгосрочную аренду. Но первая — яркое и мастерски выполненное изображение женщины с обнажённым плечом — исчезла 101 год назад. Она была вывезена из Австрии при невыясненных обстоятельствах. Возвращение «Дамы с веером» в Вену — важное событие, ведь это уникальное дополнение к наследию Густава Климта. В честь этого случая Бельведер организовал небольшой, но громкий показ, посвящённый заключительному этапу творчества культового венского художника. В одном зале с «Дамой…» выставлены другие портреты, относящиеся к этому периоду. «Дама с веером» была последней картиной, над которой Климт работал в 1917 году. Он практически завершил её — за исключением нескольких деталей. И если на большинстве его портретов изображены светские дамы, то здесь, вероятнее всего, он написал неизвестную модель. Этот портрет — вариация на тему венской красоты, один из излюбленных сюжетов художника. Эта соблазнительная незнакомка, которая, скорее всего, была танцовщицей, кажется успешной и уверенной в себе. Её голова высоко поднята, плечо обнажено, а открытая грудь заслонена веером. Женщина смотрит мимо зрителя за пределы полотна. Картина демонстрировалась в Вене всего лишь раз — на выставке искусств и ремёсел Kunstschau в 1920 году. С тех пор её судьбу трудно проследить. По данным Бельведера, в 1960-х годах эту работу купил у вдовы промышленника Рудольф Леопольд — венский коллекционер и основатель музея Леопольда. Остаётся невыясненным, когда холст в конечном итоге покинул Австрию и был продан ценителю из США. Последний раз «Дама с веером» экспонировалась в Кракове в 1992 году. Два года спустя ценное произведение было продано на аукционе в Нью-Йорке за 11,6 миллиона долларов. На тот момент это стало рекордом для работ Климта, когда-либо выставленных на торги. Между тем, Федеральное управление памятников Австрии так и не выдало лицензию на экспорт этой важной картины. По словам директора Бельведера Стеллы Роллиг, нынешний владелец ничего не знал о том, что вывоз «Дамы с веером» был незаконным. И сейчас Австрия дала гарантии анонимному коллекционеру, что его сокровище вернётся неприкосновенным. «Он очень хотел показать эту картину в Бельведере, показать её здесь, в контексте нашей коллекции работ Климта, и снова сделать её доступной для публики», — сказала она. Среди других картин в экспозиции — незавершённые «Невеста», «Амалия Цукеркандль», «Адам и Ева» и «Дама в белом». В октябре к ним присоединятся новые экспонаты, которые продемонстрируют интерес Климта к восточноазиатскому искусству и его влияние на творчество австрийского мастера. новостиИОК _history https://telegra.ph/file/b11aae8078613b208f5c6.jpg

"Автопортрет со скелетом" 1896 г. Ловис Коринт Городская галерея в доме Ленбаха, Мюнхен. Художник Коринт взял за правило отмечать каждый день рождения написанием автопортрета. Поэтому сохранилось их немало: одних лишь холстов штук тридцать, не считая акварелей и рисунков углем. Причем большинство из них заслуживают внимания. Обладая отменным чувством юмора, достаточной самоиронией и не испытывая к своей внешности особого пиетета, художник всякий раз предстает в новом образе – часто комичном, а иногда и беспощадном к самому себе. Многоликий Коринт Мы видим его и облаченным в рыцарские доспехи, и со стаканом красного шампанского в одной руке и правой грудью своей жены – в другой. Тридцатилетним франтом с щегольски подкрученными усами и дряхлеющим, обезображенным болезнью стариком. А один из наиболее сдержанных автопортретов Коринта был выпущен в ФРГ в виде почтовой марки по случаю 50-й годовщины смерти художника. «Автопортрет со скелетом» – один из самых известных, можно сказать, каноничных образов художника. Коринт запечатлел себя в мюнхенской студии в компании с анатомическим экспонатом для студентов-медиков. То, как он будто бы нарочно не скрывает, а выпячивает свои недостатки: невыгодное положение лица, подчеркивающее двойной подбородок, глубокие залысины и потешно поджатый подбородок – не отталкивает, но, напротив, с первого взгляда заставляет проникнуться симпатией к нескладному на вид художнику. В правом верхнем углу в обрамлении дурашливых вензелей виднеется подпись автора и его возраст на тот момент: 38 лет. В том, как обозначена дата создания полотна – буквой «a.» – сокращением от латинского слова anno («в году»), некоторые исследователи склонны усматривать отсылку к автопортрету Дюрера 1500 года, подписанным на похожий манер. Танцы со смертью «Автопортрет со скелетом» написан Коринтом в качестве ответа, или даже насмешки над известной картиной глубоко почитаемого в то время во всей Германии швейцарского художника Арнольда Беклина. Его «Автопортрет со смертью, играющей на скрипке» в своей предельной серьезности – полная противоположность подчеркнуто обыденной сцены с холста Коринта. Если Беклин сдувает пыль с популярного средневекового сюжета «Пляска смерти», чтобы в очередной раз напомнить, что костлявая стоит у каждого буквально над душой (но и нередко играет роль музы для деятелей искусства), то скелет Коринта – лишь учебная модель без какого-то ни было зловещего или потустороннего контекста. Он безвольно подвешен за железный крюк, словно разделанная бычья туша в мясной лавке. «Да, человек смертен, – будто бы соглашается художник. – Но все мы сгнием в земле, оставив после себя только обнаженные кости и череп». Для Коринта смерть на данном этапе жизни – всего-навсего ее естественный и неизбежный итог, лишенный всякого мистического, сверхъестественного или драматического символизма. Эту констатацию оттеняет и усиливает атмосфера очередного будничного баварского денька. Сквозь раскрытое панорамное окно студии врывается свежий воздух. Снаружи зеленеют деревца, возвышаются купола старинных мюнхенских соборов и дымятся заводские трубы. Как будто подчеркнуто ординарен наряд Коринта – ничем не примечательная клетчатая рубашка и такой же скучный галстук. В шутку и всерьез По-настоящему глубокомысленный здесь один только взгляд художника. И в этом весь Коринт: за любой его насмешкой всегда скрывается нечто большее. Слишком уж много яростной энергии бурлило в его мятущейся душе, чтобы он мог оставаться простым комиком-пересмешником. «Ловис Коринт – это художник-экспрессионист во всех смыслах этого термина. Это художник, нарушающий всякую меру, вводящий в живопись насилие и жестокость, секс, болезненность. ЛовисКоринт Портрет Импрессионизм _history

"Помада" 1908 г. Франтишек Купка Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж. «Помада» изображает проститутку, красящую губу. Франтишек Купка в этот период любил писать «полусвет» Парижа. Большим любителем изображать этот срез парижского общества был также Анри де Тулуз-Лотрек. «Помада» написана в фовистическом стиле с уклоном в экспрессионизм. Изображенная в профиль женщина вытянулась в направлении зеркала и тщательно подводит губы. Яркий цвет помады и интенсивный макияж явно свидетельствуют о том, что они не являются всего лишь украшением, а представляют собой печать профессиональной принадлежности. В левой руке женщина сжимает еще несколько тюбиков для наведения подобающей ситуации красоты. Цветовая палитра картины интенсивная, синий фон – густой и плотный, женская фигура на нем выделяется очень ярко. Практически прямая диагональ, созданная спиной и изящной, вытянутой шеей, и округлая, мягкая нижняя линия, подчеркивающая изгибы и формы, выводят взгляд зрителя к смысловому и цветовому эпицентру картины – месту соприкосновения алого рта и алой помады. Через несколько лет Купка присоединиться к течению Робера Делоне, орфизму. О сочетании красного и синего Делоне говорил, что по воздействию оно подобно удару кулака. Купка об этом явно знал и раньше, не зря ведущие акценты «Помады» – красный и синий (это же сочетание он повторяет еще в одной своей работе с "макияжем"). Картина лишена как морализаторства, так и любования пороками. Купка показывает очень реальный, земной мир, никоим образом не кажущийся порождением воображения. Он такой, как есть – деградирующий, материалистический и при этом обладающий своеобразным притяжением. Конечно, до Тулуз-Лотрека, особо отличившегося в деле познания этой стороны жизни, Купка не дотягивал, но моделей своих для этого цикла писал по личным, так сказать, впечатлениям. ФрантишекКупка Портрет _history

Хосе де Рибера "Женская дуэль" (1636) На картине изображена кульминация легендарного эпизода из истории Неаполя, случившегося в 1552 году, когда две синьоры - Изабелла де Карацци и Диамбра де Поттинелла - сразились на дуэли за любовь мужчины по имени Фабио Дзересола. Поединок женщин из-за любви к мужчине был весьма волнующим событием, ведь прямо противоположная вещь - борьба из-за женщины всегда являлась обычным занятием мужчин. Этот поединок так потряс неаполитанцев, что молва о нем не утихала долгое время.

"Семейный портрет" Якоб Йорданс, 1650-1652 > Санкт-Петербург, Эрмитаж В центре картины изображена женщина в богатом платье, прислонившаяся к сидящему мужчине, который её приобнял. Женщина справа демонстрирует явное сходство с центральной фигурой и скорее всего обе женщины являются сёстрами. В трактовке современных искусствоведов сюжет картины является аллегорическим изображением сцены помолвки или бракосочетания. В частности, на это указывают фигура Купидона со стрелой, направленной на грудь женщины, и цветы гвоздики слева на фоне — эти цветы с древних времён символизируют обручение. Венки из цветов традиционно являются знаком чистоты и целомудрия, попугай намекает на верность в браке.

С удивлением узнала, что в 1950-е американская модель викки дуган прославилась образами в платьях с открытой спиной, чем заработала себе место в пантеоне playboy. (на вопрос, почему так любит показывать спину, дуган как-то ответила: «а что остаётся с моей маленькой грудью?») в конце 1980-х дуган стала прототипом персонажа джессики рэббит и её платья с голой спиной из «кто подставил кролика роджера». Эта история классно описана в канале nondescript – там вообще много качественных сюжетов из истории моды и поп-культуры. Читается легко и интересно, каждый раз узнаешь что-то новое

Свобода, ведущая народ 1830 Эжен Делакруа Лувр, Париж В центре картины изображена женщина, известная как Марианна — символ Французской республики и олицетворение национального девиза «Свобода, Равенство, Братство». В этом образе Делакруа удалось совместить величие античной богини и отвагу простой женщины из народа. На голове её фригийский колпак (символ свободы во времена первой французской революции), в правой руке — флаг республиканской Франции, в левой — ружьё. Босая и с обнажённой грудью, символизирующей самоотверженность французов, способных с «голой грудью» идти на врага, она шагает по груде трупов, словно выходя из холста прямо на зрителя. За Свободой идут представители различных социальных классов — рабочий, буржуа, подросток — символизирующие единство французского народа во время июльской революции. Некоторые искусствоведы и критики предполагают, что в образе мужчины в цилиндре слева от главной героини художник изобразил себя.

​​️ В Пушкинском музее открылась выставка современной австрийской художницы Ксении Хауснер. Название выставки «Правдивая ложь» отражает приверженность художницы к театральным принципам творчества: постановочная, целиком сочиненная, фиктивная форма заключает в себе правдивое внутреннее содержание. P. S Как тонко отражена суть! Браво. «Моя вселенная – женская. Женщины – ключевой элемент в моем творчестве, в моих произведениях они выступают как представители всех гендеров. Я работаю над общечеловеческими темами с женским актерским составом», – Ксения Хауснер. ️«ГАРАЖ.txt»: открыт прием заявок на грант для исследователей, пишущих о современном искусстве и культуре на русском языке. ️Искусственный интеллект установил, что Рубенс не является автором «Самсона и Далилы» из собрания лондонской Национальной галереи.   Те, кто оспаривают подлинность работы, считают, что цвета нехарактерны для палитры Рубенса, а само изображение отличается от гравюр картины, сделанных современниками художника.   ️Художница Трейси Эмин планирует превратить свою студию в Маргите в музей. В 2011 году в английском Маргите открылся музей Turner Contemporary, благодаря чему город значительно изменился, став модным местом для отдыха. За последний год Эмин вернулась к теме своей кровати, с которой когда-то началась ее известность как художника: «Я застелила свою кровать 23 года назад. Я могу вернуться к этой теме, если захочу...Я не полагаюсь на других людей, институции или что-то еще… Это моя выставка, это — моя лебединая песня». Почему эта работа стала сенсацией? При анализе произведений искусства мы всегда учитываем время, в которое оно было создано: представив в начале 20-х свою «голую правду» она сломала табу на обнажение телесности и сексуальности.   Скандальная работа Трейси Эмин «My bed», которая была выставлена в Tate Gallery в 1999 году и удостоена престижной премии Тернера, Tracey Emin   https://telegra.ph/file/f88679205ac75c71feb3f.jpg

"Поднятое колено" 1922 г. Анри Матисс Фонд Барнса, Филадельфия. «Поднятое колено» – одна из множества одалисок, написанных Матиссом. Матисс уже приобрел известность, его выставки проходят по всему миру. Он остается верен своему манифесту: живопись должна быть понятна любому, независимо от его проникновения в теоретические глубины. Задача искусства – не смущать и тревожить, а подарить блаженство, внутреннее равновесие и наслаждение. Значительное влияние на творчество Матисса оказал Делакруа. Путешествия на Восток придали обоим художникам вдохновения, а ответом Матисса на «Алжирских женщин» знаменитого предшественника стали многочисленные одалиски, один из символов живописи Матисса. Все как на подбор – стройные, с женственными, мягкими изгибами, высокой грудью, округлыми бедрами, плавными линиями тела, самим своим существованием утверждающие, что рай на земле достижим. Эти цветы могли вырасти исключительно в атмосфере «роскоши, спокойствия и наслаждения». В изображении одалисок Матисс обрел глубину, отказавшись от резких контрастов фовистического периода, от склонности к примитивистическим методам. Уход от крайностей позволил ему найти свою собственную меру. «Искусство держится не на крайностях. Это штука «умеренная, - настаивал он. - Умеряемая чем? Да рассудком, черт побери! Но рассудком рассуждающим». Колористика одалисок – утонченная, изящная, не взрывающая зрительные рецепторы мгновенным буйством красок, но вовлекающая, завлекающая зрителя – и более не отпускающая. Сам Матисс говорил, что и женщина, и ваза, и цветок для него равноценны. Одалиски кажутся роскошными украшениями, прекрасными вещами, услаждающими взор (нет-нет, ни дидактичности, ни упреков в «бездуховности» у Матисса и в помине нет, речь о том, что предназначение одалиски, равно как и распускающихся цветов – услаждать взор, свидетельствовать о красоте, быть этой красотой). И независимо от того, изображены ли они обнаженными, полуобнаженными или одетыми, укутаны ли в тончайшую вуаль или тяжелые шелка – они свою задачу выполняют. Одалиски стали той соломинкой, которая переломила последнее сопротивление критиков. Художественный критик, кубист Андре Лот после выставки 1923 года в галерее Бернхейма в Париже сдался и признал: «Матисс — волшебник… При первом взгляде на эти легкие ткани, как бы хранящие мимолетное или рассеянное прикосновение руки, забываются возражения, которыми вы хотели от него отгородиться. Вы сдаетесь, вы побеждены». Эта обнаженная, в легчайшей газовой юбке "Сидящая одалиска" изображена на фоне ориентальныхх узоров – узнаваема отсылка к поразившим художника во время его путешествий на Восток мавританским орнаментам. Сама атмосфера картины – восточная, Западу с его постоянной гонкой за достижениями здесь нет места. Одалиски Матисса знают, что суть жизни – в наслаждении ею. При этом сексуальность одалисок истинно восточная, это ни в коем случае не агрессивное утверждение – цветку нет нужны доказывать, что он цветок. Одалиски Матисса, безусловно, перекликаются с одалисками Энгра. Ключевое отличие между раскрытием этой темы у двух мастеров изящно описал Клод Роже-Маркс. Об одалисках Энгра: «Разве не возникает при виде его одалисок чувство, что он пронзен желанием и сами его деформации полны неги?» Об одалисках Матисса: «Он властвует над этими живыми существами, задуманными почти как предметы, в них его привлекают не они сами, а живописные возможности и то удовольствие, которое они должны доставить зрителю». Одна из одалисок Матисса, «Одалиска в красных шароварах», поучаствовала в детективной истории. В 2002 году из Музея современного искусства в Каракасе картина была похищена. Пропажу обнаружили не сразу, поскольку злоумышленники заменили подлинник копией. К поискам было привлечено ФБР, и только через 10 лет удалось обнаружить, что оригинал находится на Майами. Еще два года потребовалось на то, чтобы вернуть картину. Летом 2014 года она наконец была выставлена в Венесуэле. Матисс оставил нам много одалисок - но мы не согласны разлучиться ни с одной из них. АнриМатисс _history

"Дама с веером" 1917 г. Густав Климт Частная коллекция. «Дама с веером» – один из последних женских портретов Густава Климта. Он работал над картиной в 1917 году – незадолго до смерти, которая наступила из-за пневмонии после перенесённого инсульта. Однако прежде художник успел закончить работу – за исключением нескольких незначительных деталей. Если на большинстве портретов Климта изображены светские дамы, то здесь он написал модель, личность которой до сих пор остаётся загадкой. Соблазнительная незнакомка, скорее всего, была танцовщицей. Она выглядит успешной и уверенной в себе: голова высоко поднята, плечо обнажено, а открытая грудь заслонена веером. Женщина смотрит мимо зрителя за пределы полотна. Этот портрет – вариация на тему венской красоты, один из излюбленных сюжетов художника. В нём одновременно отражено влияние японского искусства, модного в эпоху модерна, и самобытный стиль самого Климта. Жёлтый фон напоминает его картины «золотого» периода, такие как «Портрет Адели Блох-Бауэр I» или «Поцелуй». Красочные птицы и вьющиеся цветы отражают характерное для мастера обильное использование цвета и орнамента. Фон имитирует японские ксилографии с их яркими стилизованными узорами. Богато украшены также платье героини и веер, который она держит в руках. Такое множество декоративных элементов вызывает ощущение, будто Климт балансирует между искусством и ремеслом. Комбинация этих двух составляющих отражает тенденции, которые начали набирать обороты на заре XX века. Они охватили живопись, архитектуру, текстиль, дизайн интерьеров и ювелирное дело, вытолкнув декоративные ремёсла из тени и в центр внимания. Ощущение беззаботности, которое создают цвет и орнаменты в «Даме с веером», подчёркивают великолепие центральной фигуры. В результате картина стала гимном как самой женщине, так и миру, который её окружает. Полотно было обнаружено в 1918 году в мастерской Густава Климта вскоре после его смерти. Сохранилась фотография, на которой запечатлены две работы – незавершённая «Невеста» и «Дама с веером». Первая была предоставлена музею Бельведер в долгосрочную аренду, а вторая была вывезена из Австрии при невыясненных обстоятельствах. В Вене «Даму с веером» публика видела всего лишь раз – на выставке искусств и ремёсел Kunstschau в 1920 году. С тех пор она исчезла на многие годы. По данным Бельведера, в 1960-х годах её купил у некой вдовы промышленника Рудольф Леопольд – венский коллекционер и основатель собственного музея. Однако непонятно, как портрет затем был вывезен из Австрии и продан ценителю из США. После этого «Дама с веером» экспонировалась в Токио в 1991 году и в Кракове годом позже. В 1994-м ценное произведение было продано на аукционе в Нью-Йорке за 11,6 миллиона долларов. На тот момент это стало рекордом для работ Климта, когда-либо выставленных на торги. Однако покупатель понятия не имел, что Федеральное управление памятников Австрии так и не выдало лицензию на экспорт этой важной картины. В 2021 году – через сто лет после первой демонстрации в Вене – коллекционер захотел показать работу в австрийской столице вновь. Государство дало ему гарантию, что вернёт полотно неприкосновенным, и сияющий образ стал центром небольшой, но важной выставки «Дама с веером. Последние работы Густава Климта» в Бельведере. ГуставКлимт Модерн _history

Винсент Ван Гог "Молодой человек с васильком" (1890) Ван Гог написал этот портрет за месяц до своей смерти и за пять лет до рождения Есенина. Интересные совпадения во многом и, прежде всего, в трагедии личной жизни. Ван Гог прожил 37, Есенин - 30. И каждый год давался художнику и писателю с непониманием и болью. Один выстрелил себе в грудь, другой повесился. Их будут ценить и любить только после смерти.

Учимся различать работы представителей художественной династии Брейгелей. Часть 2. Ян Брейгель Младший в тени отца Жизнь Яна Брейгеля Старшего, его второй супруги и троих детей унесла эпидемия холеры в 1625 году. Однако болезнь пощадила его сына от первого брака – тоже Яна Брейгеля, прозванного затем, соответственно, Младшим. В то время он жил в Италии, куда отправился в свое время для продолжения ученичества. Вернувшись на родину, Ян ожидаемо возглавил мастерскую отца и продолжил работать в его художественном стиле – аллегорические пейзажи, цветочные композиции, вазы и венки... Несмотря на собственные успехи, Ян Брейгель Младший нередко выдавал свои работы за картины отца, что сегодня создает проблему с атрибуцией их произведений. Считается, что младший любитель цветов все же не превзошел живописных достижений своего родителя, и особенно трудно давалась ему светотень. Супруга Яна Брейгеля Младшего также была художницей и обучала, в частности, его младшего сводного брата – Амброзиуса Брейгеля. Смотрим "Корзину с цветами". Амброзиус Брейгель и его собственный путь Амброзиус большую часть своей карьеры работал с братом и следовал тому же небольшому спектру тем – сады, венки, цветочные натюрморты… Однако он никогда не стремился подражать отцу (что ничуть не помогает исследователям в атрибуции его работ – авторство многих из них остается неопределенным). Когда супруг его сестры Анны, Давид Тенирс Младший, основал в Антверпене Академию художеств, Амброзиус принял его предложение и начал преподавательскую деятельность. Как живописец, при жизни он снискал определенную популярность, однако сведений о его творчестве осталось сравнительно немного. Смотрим "Пейзаж с берегом реки". Итальянская любовь Абрахама Брейгеля Сын Яна Брейгеля Младшего – известный художник эпохи барокко, прославившийся не только своими цветочными композициями (да, еще один продолжатель дела «райского» Брейгеля), но и скандальной, по меркам консервативных фламандцев, личной жизнью. Известен стал он уже в пятнадцать, в двадцать пять уехал в Рим на стажировку, где с головой окунулся в богемную жизнь. Вошел в несколько художественных объединений, получил в драке с коллегой сотрясение мозга (таковы были традиции художественной жизни Италии), нашел богатых покровителей, завязал дружбу со «столпами» классицизма, Клодом Лорреном и Никола Пуссеном. Женился на итальянке – дочери местного скульптора, завел любовницу-итальянку... В общем, прочно пустил корни на итальянской земле. Правда, из Рима со временем он перебрался в Неаполь, где писал роскошные натюрморты до самой смерти. Иногда в его работах появляется загадочная женская фигура, грациозная и элегантно одетая, однако личность этой дамы установить не удалось. Смотрим "Женщина, берущая фрукты" Первая часть вот тут. _history https://t.me/pic_history2/213

Экскурсия в Ливадийский дворец: царский дом и Ялтинская конференция https://www.youtube.com/watch?v=VT2A5RJhYAk Ливади́йский дворе́ц — бывшая южная резиденция российских императоров, расположенная на берегу Чёрного моря в посёлке Ливадия в Ялтинском регионе Крыма в 3 км от Ялты. Дворец в лёгком «итальянском» стиле был возведён в начале XX века по проекту и под руководством Н. П. Краснова. Соперничает с Воронцовским дворцом за звание самой роскошной резиденции Крыма. Место проведения Ялтинской конференции союзников, определившей контуры послевоенного устройства мира. В 1834 году Ливадия (Ливадия с греческого — полянка, лужайка) была куплена у командира греческого Балаклавского батальона Ф. Ревелиотти графом Л. С. Потоцким. В имении Потоцкого по проекту Ф. Ф. Эльсона был построен господский дом, оранжереи, а также заложен ландшафтный парк. С 1861 года Ливадийское имение стало летней резиденцией императора Александра II и императорской семьи. По проекту И. А. Монигетти дом графа Потоцкого был перестроен (Большой дворец), построен дворец Наследника (Малый дворец), Свитский дом и кухня. Также в этот период была построена Крестовоздвиженская церковь. Архитектором ливадийской резиденции с 1871 года служил архитектор А. Г. Венсан, которым были возведены дача «Эриклик», звонница Крестовоздвиженской церкви (по проекту Д. И. Грима), Рущукская колонна, Вознесенская церковь в Ливадии и другие постройки. В 1894 году в Ливадии скончался Александр III. https://www.youtube.com/watch?v=VT2A5RJhYAk

Венера Виллендорфская Автор неизвестен Известняк. Высота 11 см Музей естествознания, Вена Небольшая статуэтка обнаруженна в одном из древних захоронений граветтской культуры близ местечка Виллендорф в Вахау в Австрии 7 августа 1908 года. Возраст статуэтки насчитывает 29 500 лет. Почти ничего не известно ни о месте, ни о методе изготовления, ни о культурном назначении данной статуэтки. Фигура женщины выполнена в реалистическом стиле. Её грудь, живот и бёдра имеют большие округлые формы. Чётко выраженные линии подчёркивают пупок, половые органы и руки, сложенные на груди. На голове видны хорошо вырезанные волосы или головной убор; черты лица при этом полностью отсутствуют. Некоторые специалисты отождествляют её с Матерью-Землёй — хтонической богиней плодородия, почитавшейся в доиндоевропейской Европе. На 2005 год стоимость статуэтки оценивалась в 60 млн долларов.

Гамаюн, птица вещая 1897 год Виктор Михайлович Васнецов Дагестанский музей изобразительных искусств, Махачкала Большую часть жизни Виктор Васнецов (1848 — 1926) писал картины по мотивам русских сказок и старинных преданий. Художник полагал, что в сказках, былинах и песнях, на которых воспитывались поколения детей, заключен «целый облик народа, внутренний и внешний, с прошлым и настоящим, а может быть, и будущим». Гамаюн в народных легендах — вещая птица, глашатай богов. Ее изображают как полуптицу-получеловека с женским лицом и грудью. Однако трактовки образа разнятся: иногда это райская птица, несущая счастье и блаженство, иногда — предвестница беды. Васнецов остановился на втором варианте — об этом говорит апокалиптическая атмосфера, которой пронизана работа: крылья у Гамаюн черного цвета, лицо исполнено тревоги. Картина получилась не совсем «васнецовской» — историки искусства указывают на связь этого образа с эстетикой символизма, более тревожной и усложненной.

"Сотворение Адама" 1511 г. Микеланджело Буонарроти Сикстинская капелла, Ватикан. Одно из самых известных и знаковых образов в истории искусства. Как часть потолочных фресок, заказанных Папой Юлием II (1444–1513) для Сикстинской капеллы в 1508 году, он отмечался, анализировался, пародировался и обсуждался, и больше, чем что-либо другое, сформировал образ публики. вообразил Бога, Адама, ангелов и библейское творение человечества. Эстетически он уравновешен и динамичен, а мускулистое, молодое тело Адама основано на более раннем греческом и римском классическом искусстве, а также на обширных знаниях Микеланджело о пропорциях и анатомии. Хотя на первый взгляд это кажется простым изображением Бога, дающего Адаму искру жизни, как описано в Книге Бытия, как и многие другие произведения искусства эпохи Возрождения, в нем содержатся секретные послания, которые историки искусства и широкая публика все еще пытаются разгадать столетия спустя. Фокус Творения Адама - почти соприкасающиеся пальцы первого человека и его создателя. Микеланджело мастерски нарисовал их как можно ближе к контакту, оставив нас гадать, является ли это моментом непосредственно перед тем, как Бог касается Адама, давая ему жизнь и представляя союз земного и божественного, или сразу после него, представляя их разделение. Адам показан в расслабленной позе, по-видимому, готовым принять дар Бога, а Бог - мощная, решительная, внушительная фигура, окруженная и поддерживаемая стайкой ангелов (и двумя часто обсуждаемыми фигурами) на фоне красного плаща. Среди херувимов, ставших свидетелями этого ключевого момента в христианской мифологии, есть женская фигура, которая кажется значимой для Создателя. Она ярче других, и Его рука обнимает ее. Это Ева, ожидающая рождения из ребра Адама? Дева Мария? Если так, то есть ли херувим слева от нее, с перстом Божьим на плече, Иисусом? Неужели он отвернулся, потому что однажды ему придется пострадать за грехи нового фаворита своего отца? И это угрюмый архангел Михаил, летящий внизу, словно поддерживая весь состав. Среди этого небесного окружения есть тот Люцифер, будущий падший ангел, лицо которого наполовину в тени, схватившее женщину за руку (может быть, это Ева? Или это и Ева, грешница, и Мария, святая, образ универсальной женщины?) и шепчет ей на ухо? А кто такой несчастный задумчивый ангел внизу слева? Как и любой уважающий себя художник эпохи Возрождения, Микеланджело оставил ученым и ценителям искусства множество ключей, секретов и загадок, над которыми они могли размышлять в течение сотен лет. Одно конкретное послание, которое Микеланджело добавил в свой шедевр, будет замечено только в 20 веке. В выпуске журнала Американской медицинской ассоциации от 10 октября 1990 года Фрэнк Линн Мешбергер, доктор медицины, гинеколог из Медицинского центра Св. Иоанна в Андерсоне, штат Индиана, отметил, что саван, окружающий Бога и ангелов, невероятно похож на человеческий мозг. В самом деле, как только вы это видите, это не может быть невидимым. Как было принято для художников того времени, Микеланджело препарировал трупы, чтобы больше узнать об анатомии человека и, конечно же, знать, как выглядит мозг внутри и снаружи. Что пытался передать мастер, поместив Создателя Вселенной в гигантский человеческий мозг? Возможно, настоящим даром, который, как он изображал, принимает Адам, был интеллект. Или, может быть, он пытался передать более бунтарское послание. Мог ли искренний католический художник тайно изобразить Бога как воображение в разуме Адама на потолке одного из самых святых мест католической церкви? Если так, это был бы величайший пример троллинга в истории человечества.

Еще одна загадка картины, на которую часто указывают, - это то, что у Адама пупок. Зачем первому человеку, рожденному без матери, понадобился пупок? Было ли это упущением со стороны гения или еще одним намеком на его истинные убеждения? Тень позади Адама удивительно похожа на женскую грудь, соски и все такое. Были ли у Микеланджело сомнения относительно божественного сотворения человечества? К сожалению, только сам художник мог ответить на эти вопросы, и он давно умер, оставив нам только строить догадки и догадки. Некоторые утверждали, что вместо мозга форма, окружающая Бога, - это матка, а пуповина - это Его рука, протянувшаяся и дающая жизнь Адаму. Ангелы, даже Иисус, не очень рады видеть Адама. Возможно, они завидуют человеку или имеют дальновидность, чтобы увидеть, какие проблемы создаст Его новое любимое творение. И сам Адам, похоже, не очень заинтересован в установлении связи со своим создателем. Его тело расслаблено и пассивно, и он прилагает минимальные усилия, чтобы протянуть руку к Богу, который, кажется, борется с сильным ветром, чтобы добраться до Адама, используя всю свою силу. Что означает это несоответствие? Что Бог хочет, чтобы мы пришли к нему? Все, что для этого требуется, - это малейшая попытка установить контакт с божественным? Первоначально потолок Сикстинской капеллы был окрашен в синий цвет с золотыми звездами, но в 1508 году папа Юлий II поручил Микеланджело перекрасить его. Великий художник опасался браться за такой большой проект и подозревал, что его ждут неудачи. После того, как он сначала отклонил приказ нарисовать только двенадцать апостолов, Папа смягчился и предоставил Микеланджело полную свободу действий, чтобы спроектировать потолок так, как он хотел. Всего мастер нарисовал 460 квадратных метров фресок и более 300 фигур, изображающих творение, Адама и Еву, а также Великий потоп. Он также нарисовал Страшный суд, основанный на Книге Откровений, покрывая всю стену за алтарем. Являясь единственным истинным соперником да Винчи за звание «архетипичного человека эпохи Возрождения», Микеланджело затмил всех своих соперников - внутри церкви и за ее пределами - этим поистине изменяющим мир шедевром, влияющим на популярную и религиозную культуру по сей день. Микеланджело РелигиознаяСцена Возрождение _history

"Лежащая обнаженная" 1935 г. Анри Матисс Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Лежащая обнаженная – не кто иная, как Лидия Делекторская, русская эмигрантка, любимая модель и просто любимая Матисса, его бессменный секретарь и помощник на протяжении 20 лет. Лидия стала вдохновением и лебединой песней позднего Матисса. Гений колористики, художник, которому цвет повиновался, как никому иному ни до, ни после, откладывал порой кисти и брал карандаш. Не это ли означает – учиться всегда, ни на мгновение не прекращая? Достигший совершенства в использовании цвета, получивший всемирное признание создатель чувственных, сладострастных одалисок, отстраненно на них взирающий, одевающий и раздевающий их по взмаху кисти своей, пожилой уже художник берет в руки бумагу и карандаш и, словно впервые влюбившийся мальчишка, рисует женщину, которая совсем не в его вкусе. И глядя на результат, мы хорошо понимаем, почему мадам Матисс долго смотрела на одно из изображений Лидии, а потом потребовала развод. Матисс берег Лидию от молвы, упоминал о ней исключительно как о «своем личном секретаре», но не рисовать её не мог. И любой карандашный набросок выдавал всё об отношении мастера к этой странной светловолосой русской, так не похожей на любимых им смуглых одалисок. Словно в молодости, когда простился с неоимпрессионизмом, художник заново открывает свойства линии. Он рисует линии, и каждая из них выдает безудержную, кажется, всю жизнь копившуюся нежность к Лидии. Один из критиков, глядя на рисунок, где несколькими штрихами изображена Лидия, облокотившаяся на руки, воскликнул: «Эти руки – само объятье, здесь только женская голова и руки, но они созданы для того, чтобы обнимать мужчину!» На рисунке «Лежащая обнаженная» художник изобразил и себя, и модель. Клод Роже-Маркс, характеризуя многочисленных «Одалисок» Матисса, отмечает, что они для художника – лишь часть обстановки, элементы рая. Иными словами, изображая сладчайших одалисок, Матисс сохраняет некую отстраненность и не теряет самообладания в этой наполненной негой атмосфере. Но у нас нет ни малейшего повода сказать нечто подобное о рисунке лежащей Лидии. Женщина в центре рисунка, окруженная со всех сторон художником, – без сомнения желанна и любима. Об этом говорит каждый изгиб и каждая линия ее тела, его расслабленность, поворот головы, приоткрытый рот, счастливо-рассеянный взгляд. Этот рисунок будет с некоторыми изменениями процитирован в «Лежащей обнаженной на фиолетовом фоне». В картине сохранилась особая мягкость, свойственная выходившим из-под кисти Матисса изображениям Лидии, но безоружной, беспредельной нежности, которая заметна в рисунке, убавилось. АнриМатисс Экспрессионизм _history

Сара Гудридж "Раскрытая красота" (1828) Картина была создана, когда художнице было 40 лет и представляет собой миниатюру 7 на 8 см. Нарисована на тонкой пластинке слоновой кости и вставлена в аккуратную шкатулку. Материал для «полотна» выбран не случайно — нарисованная на кости обнаженная грудь начинает сверкать под бликами света и выглядит почти такой же белоснежной, как настоящая. Художница Сара Гудридж была влюблена в женатого сенатора Даниела Уэбстера. В январе 1828 года он овдовел, и Гудридж поступила как не по эпохе прогрессивная женщина: взяла инициативу в свои руки и отправила ему нюдсы в виде этого автопортрета."

После того как полотно «Качели» Жана Оноре Фрагонара из Собрания Уоллеса расчистили, удалив слой потемневшего лака, его героиня с широко распахнутыми глазами выглядит еще более игриво и чувственно. Юрико Джэкалл, возглавляющая кураторский отдел музея и специализирующаяся на французском искусстве, называет «Качели» (около 1768) «самой выдающейся картиной в стиле рококо». Сочетание загадочности и эротизма в этом полотне давно пленяет публику. Реставратор Мартин Уайлд удалил пожелтевший лак и выцветшую ретушь. После расчистки скрытые прежде детали стали гораздо отчетливей, что позволяет увидеть картину в новом свете. Двое мужчин почти полностью скрыты кустами: в левой части композиции юноша вот-вот увидит, что кроется под шелковым платьем девушки, а справа пожилой мужчина раскачивает качели в едва уловимом намеке на занятие любовью. Благодаря реставрации на полотне Фрагонара прояснились многие детали. Корсаж девушки богато отделан кружевом, а грудь теперь очерчена более отчетливо. Девушка сидит на элегантных качелях, сделанных из позолоченного дерева и обитых дорогой красной тканью, — совсем не то, что ожидаешь встретить в дикой роще. Выражение ее лица приобрело поразительную живость, а в целом, как отмечает Джэкалл, она теперь выглядит «более чувственно». Хотя качели продолжали набирать высоту, одна из туфелек слетела с ее ноги. Создается впечатление, что это вовсе не случайность и что она сама скинула ее по направлению к своему юному поклоннику. Он в восхищении и онемении не сводит широко распахнутых глаз с приближающейся в полете девушки. Хотя левой рукой он галантно снимает свою шляпу, в движении правой угадывается страх. Но кто же этот мужчина справа? Расчистка показала, что он одет не в черные одежды епископа, а в синий костюм светского человека. Джэкалл предполагает, что сцена может изображать любовный треугольник с пожилым мужем и молодым любовником, что отражено в композиции картины. Либо мужчины могут быть отцом и сыном, охваченными страстью к одной женщине.

Григорий Мясоедов "Смотрины невесты" (ок.1860) На этом картине представлен один из главных свадебных обычаев - смотрины невесты. На скамье перед девушкой, прямо под окном (чтобы лучше было видно) сидят две богато одетые женщины, родственницы жениха. Свахи, тоже одетые так, будто на улице холодно, вовсю расхваливают невесту. Экспертное жюри проходится по физическим данным девушки: грудь, бедра - все внимательно и критично рассматривается. Рядом с родственницами, скорее всего, мать девушки. Она очень волнуется и даже подалась вперед, как бы стремясь броситься к своему чаду, одеть ее, обнять.

Обнажённая, сидящая на диване 1917 Амедео Модильяни Частная коллекция Прекрасная женщина. Тонкий, шёлковый пеньюар едва прикрывает ей грудь. Лицо обращено к зрителю. Можно отметить аккуратный нос, яркие, чувственные губы. Она одновременно и смела, и целомудренна. Вальяжная, расслабленная поза говорит о свободе, но вместе с тем героиня стыдливо прикрыла грудь рукой и забросила ногу на ногу, оставляя на обозрение лишь бедро. С 1916 по 1917 Модильяни работал по заказу Зборовского над серией картин в жанре ню. Талантливый живописец создал более 30 полотен, изображающих обнажённых дев в различных позах и ракурсах. Эта картина - настоящая жемчужина той амбициозной, знаменитой серии. С удивительной филигранностью живописцу удалось передать едва осязаемые материи обнажённой натуры: сладостную негу, шелковистость кожи, красоту разомлевшего, расслабленного тела. Лёгкая светотень создаёт объём, который находится буквально на грани плоскостного изображения. Сегодня невероятная картина оценивается совершенно по-другому. Точнее, можно сказать, что она бесценна. Хотя конкретную стоимость "Обнажённая на диване" всё же имеет - в 2010 году на известном аукционе "Сотбис" полотно ушло с торгов за почти 69 млн. у.е., тем самым побив ценовой рекорд картин Модильяни. Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

«Что он Гонзаге? Что ему Гонзага?» Был ли Рафаэль хорошо знаком с Элизабеттой? В отличие от многочисленных «Мадонн» и женских портретов, модели которых так и остались неизвестными (или, если их имена история сохранила, то роль в судьбе художника либо неясна совсем, либо же окутана легендами, в которых сложно отличить правду от вымысла), в случае с моделью этого портрета мы можем ответить утвердительно: да, Рафаэль знал её, и весьма близко. Но чтобы объяснить обстоятельства, в которых пересеклись герцогиня и Рафаэль, начать нужно с его отца – Джованни Санти. Как и сын, он был уроженцем итальянского города Урбино. Герцогом Урбино во время старшего Санти был кондотьер Федериго да Монтефельтро – выдающийся деятель эпохи Возрождения, военачальник, политик и ценитель искусств. Всем, кто интересуется живописью того периода, безусловно, хорошо памятен двойной портрет герцога Федериго и его жены Баттисты Сфорца, написанный Пьеро делла Франческа: увидев раз этот волевой профиль с выразительным изломом носа, его не скоро забудешь. У этого незаурядного правителя, задумавшего сделать из Урбино «идеальный город», «город-дворец», и состоял придворным художником Джованни Санти, отец Рафаэля. Шестым ребёнком герцога и его жены Баттисты был слабый и болезненный мальчик Гвидобальдо. Ему было лишь 10 лет, когда в 1482-м году скончался Федериго да Монтефельтро, но именно Гвидобальдо стал герцогом Урбино после отца, поскольку все дети, родившиеся до него, были девочками. В Национальной галерее Марке, в которую со временем трансформировался урбинский дворец, хранится династический портрет, на котором изображён Федериго и его маленький ангелоподобный наследник Гвидобальдо. Автора его мы точно не знаем: сначала считалось, что это Мелоццо да Форли, потом – Юстус ван Гент, сейчас более или менее единогласно предполагается, что портрет написал испанец Педро Берругете. Любопытней всего в этой картине детальное выписывание регалий: у Федериго на шее орден горностая, а под коленом – орден подвязки, а его маленький сын одет в платье, обильно покрытое крупными жемчужинами, его лоб и грудь украшают аметисты, напоминающие зодиакальные символы, а в руках Гвидобальдо держит скипетр Гонфалоньера (в Риме так называли главнокомандующего папскими войсками, во Флоренции – главу правительства и гаранта конституции), хотя по возрасту ему здесь не больше пяти лет. Итак, в 10 лет Гвидобальдо получил герцогство, а через 6 лет он задумал (или точнее, так решило его окружение) жениться. В невесты ему была выбрана наша героиня – Элизабетта Гонзага, сестра макграфа мантуанского. Она не отличалась особой красотой и была немного старше юного герцога да Монтефельтро, но влиятельные родственники сочли её прекрасной партией, и Гвидобальдо отправился на смотрины в Мантую. Иные беллетристы называют Элизабетту «перезрелой невестой» – по нашим временам, это смешно: Гвидобальдо было 16, а ей 17. Но если мы вспомним, как у Шекспира Парис, сватаясь к 14-летней Джульетте, говорит её сомневающемуся отцу, графу Капулетти: «Я матерей счастливых знал моложе…», нам станет понятнее это жестокое определение. При встрече Элизабетта поразила жениха разве что высоким, как для женщины, ростом. Известно, что после подписания в Мантуе всех документов, касающихся брачного договора, хилый Гвидобальдо решил покрасоваться в седле – и весьма неудачно. Норовистая лошадь скинула его на всём скаку, в Урбино герцог возвращался с переломами руки и рёбер и смещением шейных позвонков. Тем не менее, несмотря на неблагоприятные предзнаменования, громкая свадьба Элизабетты Гонзага и Гвидобальдо да Монтефельтро состоялась: из разных уголоков Италии съехалось более пятисот высокородных гостей, гуляния длились до глубокой ночи, а Джованни Санти в честь праздника даже сочинил и поставил трёхактную комедию в стихах, к которой сам написал декорации, и теперь стал считаться не просто художником, а чем-то вроде министра просвещения при герцогском дворе. Его сыну Рафаэлю в это время было около шести лет.

"Мадонна Оньиссанти" 1300-е Джотто ди Бондоне Галерея Уффици, Флоренция. «Мадонна Оньиссанти» («Мадонна на троне», «Маэста») – единственный сохранившийся до наших дней алтарный образ Джотто. В отличие от других известных работ художника, «Мадонна Оньиссанти» не фреска, а картина, написанная на деревянной основе водными красками. Она создана в промежутке между 1306 и 1310-м годами для флорентийского Собора Всех святых – по-итальянски «Оньиссанти» – и сохранила за собой это название, даже когда была перемещена в другое место. Ровно через 500 лет, в 1810-м году, «Мадонну Оньиссанти» перевезли из собора в галерею Флорентийской Академии, а в 1919-м она перебралась в галерею Уффици, где и представлена в настоящее время. Считается, что «Мадонна Оньиссанти» – единственный подлинник Джотто в музеях мира. Дело в том, что большинство сохранившихся работ Джотто – это фрески в итальянских храмах. Деревянные панели, приписываемые художнику, в национальных галереях Лондона и Вашинготона – спорные работы, скорее принадлежащие не лично Джотто, а художникам его мастерской. Горячо дискутируется и принадлежность Джотто луврских панелей «Проповедь св. Франциска птицам» и «Утверждение францисканского закона». В одном зале галереи Уффици с «Мадонной Оньиссанти» представлена другая выдающаяся работа – «Мадонна во славе» флорентийского художника Чимабуэ, учителя Джотто. Они располагаются друг напротив друга, и этим невольно настраивают посетителя на сопоставление. Картины разделяет примерно 25 лет. Обе относятся к одному и тому же иконографическому типу – «Маэста» («Мадонна на троне», «Прославление Богоматери») и сопоставимы по исторической и художественной ценности. И все-таки их внимательное и вдумчивое сравнение показывает, сколь разительные перемены произошли в итальянском изобразительном искусстве в течение всего четверти столетия и насколько новая проторенессансная манера Джотто отличается от традиционной готической стилистики Чимабуэ. «Мадонна» Чимабуэ имеет характерные для византийской живописи вытянутые пропорции: длинные пальцы, тонкий удлиненный нос, узкое лицо, продолговатые скорбные глаза. Это иконописный лик – прекрасный и бесплотный. «Мадонна» Джотто и похожа на «Мадонну Чимабуэ» (она так же восседает на троне с младенцем Христом на руках в окружении ангелов), и в то же время – разительно не похожа. Дева Мария, которую изображает Джотто, отнюдь не бесплотна. У неё широкие плечи, крепкая шея с реалистичными продольными полосками, лицо с румянцем. Губы Девы Марии слегка приоткрыты, а тонкая ткань платья очерчивает развитую грудь – это грудь и стать кормящей матери, скорее земной женщины, чем бестелесной Мадонны. Человеческая фигура у Джотто становится более осязаемой и округлой, чем на иконах. Необычайно красивы коленопреклоненные ангелы у подножия трона. Младенец – весом и круглолиц. Джоттовское изображение очень отличается от византийского канона, его характер – более земной и более интимный. Обе Мадонны – и Джотто, и Чимабуэ – окружены фигурами. Но Чимабуэ просто даёт их одну над другой, в то время как Джотто сообщает изображению подобие перспективы, добивается большей скульптурности, пытается передать трёхмерность пространства. Искусствовед Паола Волкова так описывает «Мадонну» Джотто: «На красивом инкрустированном троне (инкрустация мрамором как раз входила в моду) сидит женщина – широкоплечая, мощная, молодая, с румянцем во всю щеку. Она крепко держит крепкого младенца. Прекрасная белая рубашка подчеркивает её телесность, её мощь. И она спокойно смотрит на нас. В её лице нет страданий: оно полно высокого человеческого достоинства и покоя. Это уже не икона Богородицы – это Мадонна в позднем итальянском понимании: и Мария, и Прекрасная Дама». ДжоттоДиБондоне РелигиознаяСцена Возрождение _history https://t.me/pic_history2/300

Живописный жанр аллегории (от греч. ἀλληγορία – иносказание) предполагает, что абстрактные понятия можно выразить посредством конкретных зрительных образов. Аллегория сообщает отвлечённому образу пластическую ясность. И это уже задача не только чисто живописная, но и умозрительная – как, с помощью каких визуальных средств можно передать образ музыки? Для Липпи таким образом служит женская фигура, данная в грациозном развороте, которая свои длинным шарфом опутывает шею лебедю. Линейное решение фигуры почти идентично рисунку Филиппино Липпи, хранящемуся в Британском музее и изображающему греческую музу любовной поэзии, поэтому «Аллегорию музыки» также иногда называют «Эрато». По другой версии, в «Аллегории музыки» показаны персонажи античного мифа о рождении Кастора и Поллукса от связи земной женщины Леды и бога Зевса, принявшего облик Лебедя. Крылатые купидоны-путти, без сомнения, могли сопровождать как Эрато в её искусстве, так и Леду в её любовной истории. Не напоминает ли берлинская «Эрато» Филлипино Липпи нам картину более известную? Так и есть. Произведения Леонардо да Винчи, изображающие Леду и лебедя, появились всего на несколько лет позже «Аллегории музыки», и есть основания полагать, что здесь имеет место прямое влияние: Леонардо мог видеть работу своего старшего коллеги Филиппино. Кстати, по мысли Леонардо да Винчи, «живопись превосходит музыку и господствует над нею, ибо она не умирает после своего рождения, как несчастная музыка, наоборот, она остается в бытии». Тематику «Аллегории музыки» Филиппино Липпи поддерживают детали в левой части композиции: позади Эрато оставлены лира, «растущая» из оленьей головы, и сиринга – многоголосая флейта, состоящая из нескольких скреплённых между собой трубок, изобретение и излюбленный инструмент лесного бога Пана. Но есть в берлинской «Эрато» нечто напоминающее о музыке с гораздо большей выразительной силой, нежели детали предметной наглядности. Это – ритм. То, без чего музыка принципиально не возможна. Ритм – значит, повторение. Взгляните, как регулярно повторяется в ритме линий «Аллегории музыки» мотив завитка: петлями завивается шарф героини, вторя изгибающимся лебединым шеям и изрезанной линии берега. Закручиваются складки розово-пурпурного хитона. Сине-лиловая развевающаяся на ветру накидка – гиматий – напоминает античные рельефы с пляшущими и извивающимися от вина и страсти вакханками, которые художники эпохи Возрождения часто использовали в качестве образца для изображения драпировок. Эти ритмические находки Филиппино со временем найдут продолжение в живописи маньеризма, не случайно Вазари писал, что Липпи «обогатил искусство красотой и нарядностью». _history ФилиппиноЛиппи АллегорическаяСцена Возрождение

Её свадьбу с Кадмом почтили своим присутствием (впервые) все олимпийцы. Сам Аполлон играл на кифаре, Музы — на авлосах, другие же боги славословили счастливцев речами. Гермес подарил Гармонии лиру, Афродита (или Гефест, или Афина) — ожерелье, пеплос и авлосы, Деметра (которая возлегла с Иасионом в поле) — урожай пшеницы, а Электра — священные обряды Великой Матери богов с причитающимися этим обрядам кимвалами, тимпанами и весёлой свитой. Из всех свадебных даров Гармонии наибольшую известность обрело ожерелье (позже известное как Ожерелье Гармонии), принесшее ей (и всем позднейшим обладателям этого украшения) несчастье. По Нонну, свадьба состоялась либо на Самофракии, либо у озера Тритониды. В Фивах показывали развалины брачного чертога Гармонии и место на площади, где на свадьбе пели Музы, а также три статуи Афродиты, бывшие посвятительным даром Гармонии и сделанные из деревянных украшений на носу корабля Кадма. Позднее, уже в Иллирии, когда Кадм (по его собственной просьбе) был обращён богами в змея, Гармония в отчаянии сорвала с себя одежды и призвала супруга к себе. Кадм, обвив её нагое тело, лизал ей уста и ласкал грудь. Безутешная Гармония обратилась тогда к богам, дабы и её они превратили в змею, что и было исполнено. _history БатистПьерМари МифологическаяСцена

Уж замуж невтерпеж Была просьба рассказать про свадьбы ‍️ Итак! Вашему вниманию картина, которая показывает забытый нынче обычай - внимательный осмотр приданого невесты. Вообще приданое играло огромную роль при помоловке молодых! Чем лучше приданое, тем скорее девушка выйдет замуж Конечно, были невесты, которым в качестве приданого родители давали деньги, дворцы и фабрики, но давайте про средний класс. Что входило в приданое невесты? Одежда, мебель, посуда, текстиль (полотенца, постельное белье, скатерти), перины. После официальной помолвки описывали приданое! То есть была бумага, в которой было записано все, вплоть до чулок и нижнего белья. И каждая позиция должна была быть оценена в денежном эквиваленте. Описанное приданое привозили в дом жениха, где женская половина семьи внимательно бумагу с реальностью сверяла. Именно этот момент и изображен на картине Как видите, свекровь платьем из приданого невесты не очень довольна Иллюстрация - Василий Пукирев. Прием приданого в купеческой семье по росписи. 1873 PROинтересныефакты