Жуй собственную брошь Голландский художник Тед Нотен создал проект «Жуй...

"Мать и дитя" 1890 г. Мэри Кассат ГМИИ имени А. С. Пушкина. Свой выбор американка Мэри Кассат сделала в одиннадцатилетнем возрасте, когда, побывав на Всемирной выставке в Париже, решила стать художницей. С тех пор ей приходилось отстаивать его, сталкиваясь с сопротивлением едва ли не на каждом шагу. Ее семья – сплошь преуспевающие банкиры, финансисты, промышленники – была против. Американское общество – в те годы бесконечно далекое от идей гендерного равноправия – было против. В 1861 году семнадцатилетняя Мэри поступила в Пенсильванскую Академию изящных искусств. И встретилась со снисходительным пренебрежением менторов: в те времена было принято считать, что единственное искусство, необходимое девушке – это умение правильно оттопыривать мизинец, поднимая чашку чая. Позднее, оказавшись в Париже, Мэри Кассат обнаружила, что «раскованная» Европа не далеко ушла от пуританской Америки: в Парижскую школу изящных искусств женщин не принимали. Она училась практически самостоятельно – перебиваясь частными уроками, копируя полотна старых мастеров в Лувре, в одиночестве, наперекор всему. Ей нравилось рисовать. Но еще больше Мэри Кассат нравилось выбирать самой. В историю она вошла не только как одна из трех «гранд-дам импрессионизма» (наряду с Бертой Моризо и Мари Бракемон), но и как завзятая суфражистка – всю свою жизнь Мэри Кассат боролась за предоставление женщинам избирательных прав. Всемирную известность художнице принесла несколько неожиданная для столь эмансипированной особы тема: материнство и детство. Не имея своих детей (отказ от брака – еще один осознанный выбор Мэри Кассат), она как одержимая рисовала чужих. Возможно, таким образом, она компенсировала что-то в психологическом плане. Или делала это по идейным соображениям: Мэри Кассат без устали боролась со стереотипами, а феминистка, которую не интересуют дети – это стереотип. Не исключено, впрочем, что она просто любила детей: в конце концов, не всякий фанат, ну скажем, футбола выходит на поле сам. 1890-е годы, когда была написана картина «Мать и дитя», были для Кассат периодом уверенности, зрелости, признания. Ее роман с импрессионизмом испустил к тому времени дух. Художница, всегда стремившаяся к самостоятельности, переплавила все, чему училась – сначала у Коро и Жерома, а позднее – у Моне и Сезанна, в свою собственную, вполне узнаваемую манеру. Взглянув на эту работу, трудно не вспомнить пастели Эдгара Дега – давнего друга и наставника Кассат. Впрочем, у этих двоих было слишком много общего (оба питали слабость к пастели, оба были без ума от японской гравюры, оба были убежденными холостяками, оба под конец жизни практически ослепли). Так что здесь можно говорить не о влиянии, а о творческом родстве, почти мистической связи. Эксперименты с композицией, настроением, цветом остались позади – это вполне иконографическое изображение. У младенца не столько лицо, сколько лик. Остальное отдано на откуп скупой беглой штриховке. Отчасти это дань увлечению минималистичной восточной графикой. Отчасти – смысловой акцент. Ребенок явно накормлен, здоров и не обделен материнской лаской. Остальное, включая избирательные права женщин, не так уж важно. МэриКассат Импрессионизм _history

"Крестьянская семья" 1843 г. Тарас Григорьевич Шевченко Национальный музей Тараса Шевченко, Киев. «Крестьянская семья» Тараса Шевченко лишь на очень поверхностный взгляд может показаться незамысловатой этнографической зарисовкой. Но пусть вас не отвлекают от сути национальная одежда и украинская хата-мазанка под соломенной или камышовой крышей. На самом деле перед нами – украинская версия Holy Family, «святого семейства», один из архетипических сюжетов европейской живописи. К моменту работы над картиной Шевченко чуть менее тридцати. Всего 5 лет минуло с того момента, как он стал свободен от крепостной зависимости и смог посещать классы знаменитого Карла Брюллова в Императорской Академии художеств. Всё это время его излюбленными техниками оставались карандаш и акварель. В них он чувствует себя свободно: его карандаш остёр и точен, его акварели на редкость гармоничны по колориту. Но к масляной живописи Шевченко на первых порах боится подступиться. Масло и холст, в качестве рабочих инструментов, будто сковывают его, связывают академическими путами, лишают свободы выражения – а ведь никто не ценит свободу (в любых проявлениях и сферах) как тот, кто был её когда-то лишён. Перед началом работы над «Крестьянской семьёй» Шевченко делает массу карандашных зарисовок из украинского быта. Он много путешествует по Украине, а его дорожные альбомы переполнены эскизами. Начав, наконец, работу маслом, он отказывается от эмалевой «гладкописи» своего учителя Брюллова. Мазки Шевченко ложатся точечно, нервно. Объекты и фигуры картины лишены четких контуров. Но именно это и создаёт ощущение трепетного движения жизни. Предполагают даже, что если бы не арест и ссылка, и Шевченко смог бы, как планировал, поехать для продолжения работы в Европу, он вряд ли продолжил бы там академические традиции и, весьма вероятно, вошёл бы в круг родоначальников импрессионизма. Мы уже упоминали, что Шевченко делал не сотни - тысячи зарисовок народного быта. Почему из всего потока зрительных впечатлений он выбирает именно этот простой и незамысловатый сюжет? Ребёнок стоит в окружении своих матери и отца. Движения их рук и линии их тел образуют плавный овал – некую область безопасности, защищённости для младенца, который только-только начал ходить. Шевченко обрисовывает не конкретную бытовую ситуацию из жизни семьи – он передаёт нечто более глубокое: ощущение духовного единства, семейной общности, семьи как «малой церкви». Кто хоть немного знаком с биографией Шевченко, тот, несомненно, сможет прочесть в «Крестьянской семье» одно из самых глeбоких и интимных переживаний художника. Дело в том, что именно семьи в том самом идеальном представлении, которое он рисовал себе, Шевченко как раз не имел ни в детстве, ни во взрослой жизни. Нынешние психоаналитики уверены, что в детстве Тарас был лишён родительского внимания и любви: детские травмы отверженности будут сопровождать его на протяжении всей взрослой жизни. Семья в немного идеализированном, даже можно сказать идиллическом понимании (как вершина человеческих отношений, защита от холода внешней жизни) надолго станет его «идеей фикс». Но, в силу разных обстоятельств, способных составить захватывающий сюжет не одного романа, создать собственную семью Шевченко так и не удастся. Если уж продолжить психоаналитические аналогии, шевченковская «Крестьянская семья» - это чистой воды сублимация: воплощение в творчестве того, чего очень жаждешь, но никак не можешь получить в реальности. ТарасШевченко _history

Мёртвый ребёнок 1944 Кандиду Портинари Крупнейший бразильский художник XX века. Он представлял фигуративное искусство в период, когда абстрактная живопись полностью доминировала. Разработал собственную манеру, наиболее близкую мексиканским художникам Давиду Сикейросу и Диего Ривере. Подавляющее большинство произведений Портинари выполнены на тематику, так или иначе связанную с Бразилией или Латинской Америкой. После начала войны его стиль изменяется под сильным влиянием «Герники» Пикассо. Цвет занимает минимальное место в послевоенном творчестве художника, многие картины выдержаны в серых тонах. Художник настолько почитаем в Бразилии, что его именем названы автомобильная дорога, улицы во многих городах страны. В Сан-Паулу есть Авенида (проспект) Кандиду Портинари. "... такие люди, как ... Ривера, Портинари, подобны вершинам Анд..." — писал Пабло Неруда

Вы талантливы и креативны, у вас много идей и есть желание поделиться ими с миром, но пока нет понимания как это сделать? Приглашаем вас на наш канал “Искусство|Творчество|Продвижение” Здесь мы рассказываем, как в современном мире можно доносить свои идеи и творчество людям, как организовать собственную выставку, как начать сотрудничать с галереями и как выйти на международный уровень. Разберем все нюансы таких вопросов: - как не потерять себя продвигая свое творчество и сохранить индивидуальность - как правильно вести переговоры с галереями и с каких начать - нужен ли вам арт дилер и где его искать - как заявить о себе миру, если страшно и порой не веришь в себя - что делать если был неудачный опыт, как не бросить творить и где найти вдохновение На эти и многие другие вопросы мы вместе сможем найти ответы Ждем вас! И будем рады подсказать, как реализовать свой талант И помните, что каждый известный художник был когда-то на вашем месте! На канале вас ждет подарок - чек-лист с идеями, как самостоятельно продвигать свои работы и при этом не потерять интерес к творчеству! https://t.me/proartiskusstvo?utm_source=telegram&utm_medium=art&utm_campaign=v1&utm_content=chat&utm_term=24.05.21

Искусство многолико. Heather Hansen – удивительный художник из Нового Орлеана, которая не просто рисует картины, а делает это всем телом, в танце, зажав по бруску древесного угля в каждой руке. Хезер чаще создает картины в студии, но время от времени делает показательные выступления, где творит свои шедевры. Толпы поклонников собираются вокруг, чтобы посмотреть, как художница извивается по белому полотну в порыве вдохновения. Несмотря на то, что Хезер работает в одной единственной технике, картины получаются каждый раз разные, поражая окружающих своей лаконичностью и симметричностью. Рисовать в такой манере Heather Hansen начала случайно. Она одинаково любила графику и танцы, поэтому всегда старалась уделить обоим увлечениям равное количество времени. Постепенно художница приспособилась танцевать во время рисования, а потом и вовсе объединила эти 2 направления искусства, создав свою собственную разновидность творчества.

Есенин – алкаш. Маяковский – параноик. Оба – самоубийцы. Бродский – тоже, ибо курил, несмотря на запреты врачей, что и стало причиной инфаркта. А между тем – гениальные люди, которых все знают и все любят. Но в школе всё виделось как-то иначе. Там все писатели и поэты будто выхолощенные памятники, родившиеся сразу же высеченными из бронзы и мрамора. Мы просто не видели в них людей, потому что учителя беспощадно вырывали их из контекста! Вот вы знали, что Есенин женился на ирландке, не зная английского? А о панической боязни Маяковского заразиться инфекцией? А про то, что Марина Цветаева де-факто убила собственную дочь? Учителя об этом не говорят, а ведь о писателях и поэтах куча историй и лишь меньшая часть из них – о литературе. Присоединяйтесь к каналу «В контексте», чтобы быть в курсе главных литературных казусов и баек. «В контексте» – ваш шанс блеснуть интеллектом в любом разговоре об искусстве. http://t.me/vcontext

Осень в городах. Художник Ричард Макнейл родился в 1958 году в городе Вустер, Великобритания. Свой трудовой и творческий путь Макнейл начал с Королевской фарфоровой фабрики, где изготавливалась продукция для продажи по всему миру. Картины Ричарда Макнейла украшают Овальный кабинет Белого дома в США. Его работы — это словно экскурсия по осеннему Парижу, Венеции, Риму, Нью-Йорку, Лондону. Художник своими работами показывает, что осень — это не только дождь, сырость и холод — это ещё и буйство красок, яркие зонтики. Ричард вместе с женой и сыновьями в 2009 году открыли собственную студию, которая начала лицензировать все работы художника. Благодаря этому, чудесные акварели теперь можно встретить на календарях, открытках и прочей бумажной продукции.

"Автопортрет с палитрой" 1906 г. Пабло Пикассо Художественный музей Филадельфии. Пикассо создал этот автопортрет в 25 лет. На подготовительных рисунках он поместил кисть в правую руку, но решил не включать её в окончательный вариант. Отсутствие этого предмета заметно; возможно художник посылает зрителю сообщение: творчество – это не просто навык, а внутреннее видение. Голова яйцевидной формы, широко раскрытые глаза и удлинённые уши – эти элементы Пикассо позаимствовал у древних скульптур. В этой картине его лицо похоже на загадочную, словно маска, лицо резной головы. Такие фигурки находили на археологических раскопках неподалёку от Малаги, где родился художник, и потому автопортрет связан с его особым чувством к родным местам. Эта картина относится к «розовому периоду» в творчестве Пикассо, который продолжался с 1904-го по 1906 год. В этот промежуток времени он использовал в своих картинах весёлые оранжевые и розовые оттенки – в отличие от прохладных, мрачных тонов предыдущего «голубого периода». Годы «голубого периода» были тяжёлыми для Пикассо – он жил в крайней нищете, постоянно голодал и испытывал отчуждение. Всё это молодой художник выражал в окрашенных синим образах измождённых, истощённых, несчастных душ, которые едва выживали на обочине общества. В августе 1904 года 24-летний Пикассо встретил Фернанду Оливье, романтическая связь с которой благоприятно повлияла на его творчество. Восторг от телесности и чувственной радости начал вытеснять некогда мучительное отчаяние. Возможно, это и было одной из причин изменения стиля живописи Пикассо. В его картинах начали часто появляться арлекины, цирковые артисты и клоуны, которые будут населять полотна на разных этапах до конца долгой карьеры живописца. И если «голубой период» Пабло Пикассо сегодня пользуется более широкой популярностью у публики, «розовый» имеет гораздо большее художественно-историческое значение. В этот отрезок времени он начал разрабатывать стилистические методы, которые сделали его самым значительным художником XX века. Впрочем, современники Пикассо не делали различий между «голубым» и «розовым» периодами, считая их одним. Депрессия художника улеглась, но не прекратилась. Она фактически продолжалась до «кубистического периода» (который следовал за «розовым»), и только в последующую полосу неоклассицизма его работы начали демонстрировать игривость, которая осталась выдающейся чертой его творчества до конца жизни. Но если работы «голубого периода», кажется, выражают скорбь художника, то герои картин «розового периода» не скорбят, хотя по-прежнему демонстрируют покорность судьбе. Произведения Пикассо в «розовый период» начинают вести собственную жизнь в художественном духе своего времени – наибольшее значение обретает сама картина, а не её тема и содержание. Пикассо продолжал экспериментировать, делая своих героев анонимными, скорее представляя художественную матрицу человека, нежели самого человека. И хотя это шаг в направлении абстрактного искусства, это не самая важная особенность «розового периода» Пикассо. Прорывом этого короткого отрезка времени стала плавная линия, которую Пикассо начал осваивать в 1904 году – и она очень хорошо выражена в «Автопортрете с палитрой». Эта беглость и утончённость линии – уникальный вклад Пикассо в экспрессионизм. «Розовый период» отмечает конец развития, во время которого Пикассо обрёл себя как фигуративный художник. За годы, проведённые к тому моменту в Париже, он впитал французскую культуру, сменив серьёзность своего «голубого периода» парижской элегантностью. После завершения «розового периода» Пикассо продолжал время от времени создавать фигуративные работы, но это перестало быть его основным стилем. ПаблоПикассо Портрет Экспрессионизм _history

"Поднятое колено" 1922 г. Анри Матисс Фонд Барнса, Филадельфия. «Поднятое колено» – одна из множества одалисок, написанных Матиссом. Матисс уже приобрел известность, его выставки проходят по всему миру. Он остается верен своему манифесту: живопись должна быть понятна любому, независимо от его проникновения в теоретические глубины. Задача искусства – не смущать и тревожить, а подарить блаженство, внутреннее равновесие и наслаждение. Значительное влияние на творчество Матисса оказал Делакруа. Путешествия на Восток придали обоим художникам вдохновения, а ответом Матисса на «Алжирских женщин» знаменитого предшественника стали многочисленные одалиски, один из символов живописи Матисса. Все как на подбор – стройные, с женственными, мягкими изгибами, высокой грудью, округлыми бедрами, плавными линиями тела, самим своим существованием утверждающие, что рай на земле достижим. Эти цветы могли вырасти исключительно в атмосфере «роскоши, спокойствия и наслаждения». В изображении одалисок Матисс обрел глубину, отказавшись от резких контрастов фовистического периода, от склонности к примитивистическим методам. Уход от крайностей позволил ему найти свою собственную меру. «Искусство держится не на крайностях. Это штука «умеренная, - настаивал он. - Умеряемая чем? Да рассудком, черт побери! Но рассудком рассуждающим». Колористика одалисок – утонченная, изящная, не взрывающая зрительные рецепторы мгновенным буйством красок, но вовлекающая, завлекающая зрителя – и более не отпускающая. Сам Матисс говорил, что и женщина, и ваза, и цветок для него равноценны. Одалиски кажутся роскошными украшениями, прекрасными вещами, услаждающими взор (нет-нет, ни дидактичности, ни упреков в «бездуховности» у Матисса и в помине нет, речь о том, что предназначение одалиски, равно как и распускающихся цветов – услаждать взор, свидетельствовать о красоте, быть этой красотой). И независимо от того, изображены ли они обнаженными, полуобнаженными или одетыми, укутаны ли в тончайшую вуаль или тяжелые шелка – они свою задачу выполняют. Одалиски стали той соломинкой, которая переломила последнее сопротивление критиков. Художественный критик, кубист Андре Лот после выставки 1923 года в галерее Бернхейма в Париже сдался и признал: «Матисс — волшебник… При первом взгляде на эти легкие ткани, как бы хранящие мимолетное или рассеянное прикосновение руки, забываются возражения, которыми вы хотели от него отгородиться. Вы сдаетесь, вы побеждены». Эта обнаженная, в легчайшей газовой юбке "Сидящая одалиска" изображена на фоне ориентальныхх узоров – узнаваема отсылка к поразившим художника во время его путешествий на Восток мавританским орнаментам. Сама атмосфера картины – восточная, Западу с его постоянной гонкой за достижениями здесь нет места. Одалиски Матисса знают, что суть жизни – в наслаждении ею. При этом сексуальность одалисок истинно восточная, это ни в коем случае не агрессивное утверждение – цветку нет нужны доказывать, что он цветок. Одалиски Матисса, безусловно, перекликаются с одалисками Энгра. Ключевое отличие между раскрытием этой темы у двух мастеров изящно описал Клод Роже-Маркс. Об одалисках Энгра: «Разве не возникает при виде его одалисок чувство, что он пронзен желанием и сами его деформации полны неги?» Об одалисках Матисса: «Он властвует над этими живыми существами, задуманными почти как предметы, в них его привлекают не они сами, а живописные возможности и то удовольствие, которое они должны доставить зрителю». Одна из одалисок Матисса, «Одалиска в красных шароварах», поучаствовала в детективной истории. В 2002 году из Музея современного искусства в Каракасе картина была похищена. Пропажу обнаружили не сразу, поскольку злоумышленники заменили подлинник копией. К поискам было привлечено ФБР, и только через 10 лет удалось обнаружить, что оригинал находится на Майами. Еще два года потребовалось на то, чтобы вернуть картину. Летом 2014 года она наконец была выставлена в Венесуэле. Матисс оставил нам много одалисок - но мы не согласны разлучиться ни с одной из них. АнриМатисс _history

Мы обожаем крутые коллаборации... …поэтому на ARTLIFE FEST 2021 будет работать специальная арт-зона, которую мы организовали вместе с нашим генеральным партнером МТС и художником Александром Рощиным. Александр Рощин - петербургский художник, который работает в области рисунка, живописи, инсталляции и перформанса. Художник создаёт работы на различные темы, размышляя о влиянии современных технологий на человека, влиянии человека на окружающий мир, о будущем человечества и взаимодействии художника и зрителя. Специально для этого проекта он создал стильную фотозону в своей авторской технике. Александр подобрал традиционные орнаменты и попиксельно разбил их на элементы, используя синтетические материалы – пластиковые панели, цветные чернила и спирт. Через символику этнических орнаментов художник складывает собственную историю. Ищите арт-зону МТС на площадке фестиваля. Впрочем, её невозможно пройти мимо У каждого художника свой путь. BE ARTIST!️

21 апреля в галерее ARTSTORY открылся выставочный проект Наташи Шалиной «Письма из детства». В экспозиции представлены живописные произведения, а также винтажные объекты, живопись по ткани, инсталляция. Все работы — это размышления и воспоминания о детстве: светлом времени, полном радости и игр, а порой страхов и переживаний. Автор создает собственную вселенную, которую населяют меланхоличные персонажи в красивых старомодных платьях и их куклы, которые кажутся миниатюрными копиями самих героев. Шалина подчиняет своему искусству все пространство выставочных залов, вовлекая зрителя в большое путешествие, в игру с собственной памятью, предлагая полностью погрузиться в мистический мир давно ушедшего времени на первой персональной выставке в Москве. Москва,Старопименовский переулок, д.14 (м.Пушкинская, м. Маяковская) www.art-story.com Вход по билетам (200 руб.; лицам до 18 лет – 100 руб.; детям до 7 лет, пенсионерам и льготным категориям – бесплатно).

Амазонка 1980 Имагожев Х.-А. Ингушский государственный музей краеведения На Кавказе считают, что описанные древнегреческими историками воительницы, жили именно здесь. И находят подтверждения этому в традиционных обрядах ингушей. Отсылки к облачению ингушских амазонок специалисты видят и в традиционных нарядах ингушских женщин. Только они на всем Северном Кавказе носили особый головной убор в форме конуса — курхарс. Амазонки были свободными женщинами, жившими отдельно от мужчин и имевшими свою собственную социальную и военную организацию. Женщины, наряженные в мужские одеяния, вооруженные, в течение всего дня предавались далеко не женским делам: пиршествовали, плясали по-мужски, состязались в стрельбе, боролись, джигитовали, проводили скачки. Запрещённое искусство — подробно.

Штрихи к портрету: понять скандальную Сюзанну Валадон Когда мы говорим о Сюзанне Валадон, кого имеем в виду? Прекрасную, всегда разную натурщицу, запечатленную на шедеврах импрессионистов? Художницу, которая и сама оставила след в живописи? Мать знаменитого художника? Яркую, самобытную женщину? А может, скандальную даму Монмартра, участницу «проклятой тройки»? Вспомним всех. Вспомним Сюзанну Валадон. Сюзанна Валадон не родилась Сюзанной Мог ли кто-то предположить, что Мари-Клементин Валадон, незаконнорожденная дочь прачки, прославится отнюдь не достижениями на поприще стирки и прочего клининга, а станет всемирно известна как модель, запечатленная на картинах Ренуара, Тулуз-Лотрека, Пюи де Шаванна (сегодня мы любуемся ею в самых знаменитых музеях)? Но не только. Знаем мы Сюзанну Валадон и как самобытную художницу. Позируя этим мужчинам, Мари-Клементин училась у них. Художники писали ее, она же словно впитывала их умения. Сеансы позирования были для нее и сеансами обучения, о чем до поры до времени никто не подозревал. Известна она и как мать художника Мориса Утрилло, чья слава в итоге превзошла ее собственную. Но почему же Сюзанна? Ревнивый Тулуз-Лотрек (кстати, именно он первый увидел ее рисунки) так нарек ставшую на тот момент знаменитой любимую (во всех смыслах) натурщицу, прозрачно намекая на библейскую историю Сусанны и старцев. В роли старцев Лотрек представил именитых живописцев, которым Мари позировала. Правда, в отличие от Сусанны библейской, Сюзанна Валадон, смущающая «старцов Монмартра», чаще всего им не отказывала. Фамилию какого именитого художника должен был носить ее сын Морис Утрилло, не знала даже она. Мальчику было 8 лет, когда его усыновил один из возлюбленных Сюзанны, архитектор, художник и арт-критик Мигель Утрилло. По этому поводу ему приписывают шутку, мол, подписать творение одного из великих мастеров — большая честь для него. Сюзанна Валадон: «все сложно» С Сюзанной Валадон точности и определенности не будет, это становится очевидно уже при попытке начать стандартную биографию. Имя-фамилия, дата рождения, вот это всё. Насчет имени разобрались выше, но с датой тоже не всё просто. Мари-Клементин Валадон родилась в 6 утра 23 сентября 1865 года в доме мадам Гимбо в Бессине, так значится в книге регистрации актов о рождении. Однако сама художница настаивала на другой дате — 23 июля 1867 года. Мать Мари служила в доме Гимбо прачкой. Ее беременность вызвала множество пересудов: такая тихая, строгая и ответственная работница, и вдруг такой казус, ах. А что с папенькой, кстати? Неизвестно. В рассказах Сюзанны он появлялся то человеком знаменитого имени и голубых кровей, то всего лишь «простым» банкиром, а временами и каторжником. Впрочем, иногда она заявляла, что мать нашла ее у ступеней Лиможского собора. Практически всю свою жизнь Сюзанна Валадон создавала миф о себе, словно дразня биографов и потомков противоречивыми сведениями и шокируя непредсказуемыми выходками. Чего стоило утверждение, что свои неудачные картины она скармливает козе, обитающей в ее мастерской. А посещение мероприятий с пучком морковки в качестве букета? В последние годы жизни уже создавшая себе имя Сюзанна Валадон забросила живопись. Четко увидеть и определить момент, когда ты сказала всё, что могла сказать, и остановиться, — это, пожалуй, даже эффектнее, чем коза в мастерской. «У меня были великие учителя, от которых я взяла лучшее в отношении профессионализма и мастерства. Я нашла себя, стала той, кем в действительности являюсь. Мне было что сказать, и я сказала все. Так чего же хорошего в том, чтобы во что бы то ни стало продолжать, впадать в самоповторы, как старый маразматик? Нет уж, спасибо, не мой стиль».

Ядвига с топором 1881 Ян Матейко Мы видим событие перед коронацией короля Польши Ядвиги Анжуйской. Тогда у поляков не было понятия — Королева, поэтому она стала королём в 1384 году. Ядвигу, не желающую отказаться от любимого (знать не желала его видеть королём), заперли в Вавельском замке, резиденции королей Польши. Ядвига схватила топор и рванула к воротам замка... Но остановили безумную от горя Ядвигу, убедили, что она прежде всего правительница и не хорошо думать о себе, она должна думать о стране. Она должна выйти замуж за другого. Это был жестокий и блудливый Ягайло, великий князь Литовский и Русский. Он был язычник и Ядвига боялась, что под одеждой у него хвост. Но, оказалось, что у жениха тело обыкновенное, только старое. Венчание состоялось в 1386 году. Красивейшая девушка своего времени явилась в церковь в тёмных одеждах и без единого украшения. Князь получил жену и Польшу. Запрещённое искусство — подробно.

​​️Мариинский театр запустит собственную стриминговую платформу. ️ВДНХ приглашает на бесплатные экскурсии о космических станциях, лекции о мониторинге Земли и субботний кофе с учеными. ️Проект Тимура Бекмамбетова «Особо опасен» вошел в топ-10 на Netflix. ️Директор Музея Гуггенхайма Ричард Армстронг покинет свой пост в 2023 году. Он возглавлял музей 14 лет. ️Уникальная возможность насладиться видом со смотровой площадки Арки Главного входа Парка Горького и посетить постоянную экспозицию «Парк Горького. Начало» – о Парке 1930-х годов. ️15 июля в Доме культуры «ГЭС-2» откроется проект «Настройки-2», объединяющий работы из коллекции фонда V–A–C, архитектуру и звуковые инсталляции российских композиторов. К диалогу архитектуры и звука в «Настройках-2» присоединяется визуальное искусство, представленное работами мировых художников XX и XXI веков из коллекции фонда V–A–C — Василия Кандинского, Александры Экстер, Бриджет Райли, Зигмара Польке, Дэниела Кнорра, Герхарда Рихтера, Лиз Дешен, Вейда Гайтона, Константина Бранкузи, Луиз Буржуа и др. Фото: Василий Кандинский, Резкий и мягкий, 1932, Фонд V-A-C https://telegra.ph/file/a87efa75a337f9379068a.jpg

На этот сюжет Делакруа вдохновил лорд Байрон, а еще, добавляют шепотом биографы, маркиз де Сад, чьи книги активно печатались во Франции в начале XIX века. Правда, нелегально. С Байроном как раз все законно: один из друзей художника работал над иллюстрациями к французскому изданию Байрона и дал почитать Делакруа пьесу об ассирийском царе Сарданапале. История царя, повелевшего сжечь все свои богатства перед приходом врага, настолько поразила юного Эжена, что он проделал поистине научную работу по поиску подробностей. В Лувре он копировал профили с монет Древнего Востока, изучал в библиотеке гравюры в книгах великих путешественников и монгольские миниатюры, читал труды древнегреческих историков. Какая-то утварь и пестрые шелка подсмотрена в антикварных лавках и напоминают скорее Индию, какие-то элементы архитектуры пришли из увиденных в Англии картин о гибели древних городов. А вот от маркиза де Сада контрабандой на полотно прокралось упоительная смесь сладострастия и смерти, обостренные ощущения и самые прекрасные в живописи XIX века женские спины. Биографы говорят, что Делакруа не любил вспоминать об этой картине в зрелом возрасте. Как будто он вскрыл свои самые сокровенные страсти и фантазии, чтобы потом навсегда спрятать их от чужих глаз. В канонической истории Сарданапала, ни у Байрона, ни у древних историков, ничего не говорилось об убийстве жен, слуг и лошадей. Царь-сибарит (это он изобрел пуховую перину) просто попросил уничтожить все, что доставляло ему удовольствие при жизни. Это Делакруа в своем воображении нарисовал юных красавиц, резню и спокойного тирана, удовлетворенно принимающего гибель любимых и собственную гибель. На первых набросках в роли Сарданапала Делакруа изображал себя. А еще предвосхищал импрессионистичную манеру в живописи. В рабочих заметках между прочим есть запись: «Желательно, чтобы мазки лежали раздельно, они сольются на расстоянии, сообщив цвету большую чистоту и интенсивность». Именно живописную эмоциональность и свежесть «Сарданапала» даже самому Делакруа удастся превзойти не скоро. Чтобы понять, каким фейерверком должна была выглядеть эта картина 29-летнего художника, можно взглянуть на гвоздь сезона в Салоне того года – «Апофеоз Гомера» Энгра. Абсолютно глянцевое и статичное изображение, которое как будто распадается на части и не дает глазу зацепиться за что-то важное. Делакруа в «Сарданапале» совершил переворот: изображение невероятно динамичное (сравните хотя бы с «Гомером»), а композиция выстроена по закрученной спирали. Сочетание ярких, насыщенных красок, которых Делакруа уже научился не бояться, создает настолько страстную и страшную картину, что Департамент изящных искусств и критики забили тревогу. В газетах можно было увидеть, например, такую рецензию: «Господин Делакруа заказал два фургона с тем, чтобы вывезти разрушенную мебель из дворца господина Сарданапала, двое похоронных дрог для мертвых и два омнибуса для тех, кто остался в живых». Делакруа после этой картины впал в немилость и был лишен государственных заказов. Благо, правительство во Франции в XIX веке менялось чаще, чем художественные принципы. Немилость продлилась всего три года – до Июльской революции. ЭженДелакруа Романтизм _history